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La poesía de Miguel Hernández (1910-1942) se inscribe como pocas en las tensiones sociales que sacuden la España de principios del siglo XX, una sociedad predominantemente agraria y escasamente alfabetizada que transitaba, mal que bien, hacia la modernidad capitalista. Un mundo en conflicto del que brota la torrencial voz del poeta oriolano, cuya concepción sacralizada del cuerpo y la naturaleza presente en su primera producción da paso, tras la ruptura poética y política, a experimentar el goce del cuerpo laico y a una naturaleza emancipada de Dios. La guerra y la revolución fundarán una nueva práctica de la poesía, escrita desde abajo y contra la explotación. Esta Poesía completa, editada por David Becerra Mayor, no presenta una obra homogénea y lineal, sino que se detiene, tanto en el estudio preliminar y en las notas como en el orden que propone de los poemas, a analizar las contradicciones, desplazamientos y rupturas de ese mundo en crisis que atraviesa y constituye la producción poética de Miguel Hernández. Se rastrean los síntomas del inconsciente ideológico y estético del poeta-pastor que devino -cu

Samuel Taylor Coleridge representa la voz más intensa y también una de las más breves del primer romanticismo inglés. Dotado de una musicalidad singular dentro de toda la poesía inglesa, sus poemas refle¬jan las tensiones filosóficas y morales de los últimos años del siglo XVIII, época en que compuso sus versos más esenciales. «Rara vez la ilustración de un poema ha logrado fundirse de manera tan perfecta e íntima no solo al espíritu del poema sino a todo su discurso, canto tras canto. Y sobre todo a un poema —como La Oda del viejo marinero, una pieza central del lenguaje inglés, uno de los más profundos suspiros del alma romántica, la puerta abierta a todo el simbolismo posterior, un tal torbellino de palabras e ideas que de no existir este prece¬dente se diría capaz de desafiar toda posible traslación a imá¬genes estáticas— cuyo enigmático poder de fascinación apela a una imaginación que solo exige que la dejen sola para apurar toda embriaguez en que le sume el verso». Juan Benet

Hay una extrañeza muy particular en los poemas de Matthew Dickman, un cierto grado de irrealidad que inquieta y fascina a la vez. Podemos sentir la tentación de creer que cuando nos habla de su gran tema, la familia, nos está hablando justamente de eso. Pero los poemas siempre contienen un exceso, una zona de transición hacia algo más, hacia otro nivel de sentido que nos desorienta y nos abre preguntas.

Publicado en cuatro entregas entre los meses de octubre y noviembre de 1920 en el semanario España, el Poema truncado de Madrid (Entrevisión de un insulario) de Alonso Quesada es una de las piezas más genuinas y logradas de la literatura española de avanzada. Como anota Andrés Sánchez Robayna: «El significado último del poema nos lo sugiere, en parte, su subtítulo: es la entrevisión de un insulario, el tejido roto o discontinuo de la visión de la gran ciudad por parte de “un corazón atlántico”. Seducción y frenesí, alegría y vivacidad no impiden al poeta advertir la caótica epidermis del mundo capitalino, de un mundo de superficies, de una ciudad, en definitiva, hueca o vacía. Por la personalísima calidad de la visión, por su escritura tensa y ágil y, en fin, por su insólito prosaísmo apasionado, el Poema truncado de Madrid es tanto uno de los textos más sugestivos de la poesía española postmodernista como una de las primeras y más atrayentes expresiones de la literatura hispánica de las vanguardias». A pesar de su importancia y originalidad, hasta hoy no había sido publicado nunca en edición exenta.  Alonso Quesada (Las Palmas de Gran Canaria, 1886-1925) es una figura mayor del postmodernismo español. Junto a los poetas Tomás Morales y Saulo Torón compone la terna canaria que inicia la poesía moderna canaria, a pesar de la brevedad de su obra, compuesta por un solo libro de poemas publicado mientras vivió, El lino de los sueños, un poema dramático, La Umbría, y una colección de crónicas periodísticas. Póstumamente se editaría un importante libro de poemas, Los caminos dispersos, y uno de relatos, Smoking Room, entre otros. Sobre él escribió Miguel de Unamuno: «Alonso Quesada ha tenido niñez. Acaso no ha tenido mucho más. La melancolía misma, la seriedad, la madurez, son de niño. Y su ironía, su malicia, ¿no tienen, acaso, también, un dejo de deliciosa frescura infantil?». En 1924 fue uno de los autores españoles seleccionados por Antonio Marichalar para el número dedicado a la joven literatura española por la revista francesa Intentions. En el Diccionario de las vanguardias en España, Juan Manuel Bonet anota: «Poeta postmodernista, uno de los principales de nuestra escena, en los últimos años evolucionó hacia la vanguardia como lo demuestra su excepcional Poema truncado de Madrid». Andres Sanchez Robayna (Las Palmas de Gran Canaria, 1952) es autor de una muy personal obra poética recopilada por la editorial Galaxia Gutenberg en el volumen En el cuerpo del mundo, al que cabe añadir tanto los tres volúmenes de sus diarios como sus ensayos Jorge Oramas o el tiempo suspendido, Borrador de la vela y de la llama y Variaciones sobre el vaso de agua. Dirigió la revista Syntaxis así como el Taller de Traducción Literaria de la universidad de La Laguna. Su último libro publicado es una colección de fragmentos titulado Las ruinas y la rosa (2024). Se le concedió el Premio Nacional de Traducción en 1982 y el Premio de la Crítica en 1984, así como el Prix Mallarmé en 2022. Hizo su tesis doctoral sobre Alonso Quesada: publicada en 1977, volverá a imprimirse en edición corregida y aumentada el año próximo por las ediciones de la Universidad de Barcelona. También fue responsable de la antología de Alonso Quesada que Plaza & Janés incluyó en 1981 en sus «Selecciones de Poesía Española».

Durante muchos años, en una carpeta verde se acumulan apuntes. Se lanzan allí dentro, sin mirarlas apenas, líneas atisbadas entre las prisas de cada día, mientras se hace otra cosa, mientras se atiende a lo que otras voces han dicho siempre que es más importante. Hablan de amor y de heridas, de frustración y de asombro, de enfado y de belleza. De todo eso que late en el centro mismo de lo que somos, pero se aplasta con inercias y silencios. Un día, se abre la carpeta. En este tiempo, dentro de ella ha crecido un mundo vivo. Hay en él desiertos y lianas y orquídeas y bichos y al fondo está el mar. En su espesura se mezclan los nombres y las historias; se revelan los extraños patrones que tejemos desde niñas y que a menudo nos enredan los pies. Comienza entonces el viaje por la tierra de más adentro. ¿Para empezar a entender?

Emoción e imaginación: el mundo personalísimo de Laura Ramos. Un mundo tiene el nombre de Nonú. En Nonú sucede la poesía de Laura Ramos, entre las montañas y los juegos de canica, tal como suceden las vidas, las historias. Hay quien llora y quien nace, quien recoge naranjas, quien cierra los ojos «como bolitas de cristal / o de serpiente» o marca con guijarros el camino a casa, al contrario que otros cuentos.¿Y cuáles cuenta Laura Ramos en Nonú? Dos poemas cada cual con su rumbo, justo así, unas veces cruzándose y otras bien lejos. “Igual que él yo era una negociadora de la noche” se titula como un verso de Anne Carson, y nos trae la historia de amor entre dos personas de dos mundos diferentes: el real, acaso el nuestro, y el mítico de Nonú. En sus distancias y en sus paradojas se canta sobre la maternidad, sobre el ecologismo, sobre la violencia como respuesta ante lo que se desconoce, y se canta desde la épica nueva y la respiración del romance. En otro sitio, con el eco del cancionero y sin abandonar Nonú, “La verdadera estoria de la niña de goma” presenta en el cuerpo la fisicidad del paisaje, y todo lo que rodea a quienes somos, y con su peso nos dice ante los demás. Un poema o un cuento o lo que Laura Ramos decida, sobre la enfermedad y el amor y la ternura, sobre la ficción como necesidad y refugio, sobre los relatos que ensayan otras posibilidades, con guías que no se leen pero se ven: Isabel Quintanilla, Leonora Carrington, Clara Peeters.Emoción e imaginación, poesía que es lenguaje y fábula, que inventa realidades o encuentra en esta otras con las que no contábamos: Nonú nos traslada al mundo personalísimo de Laura Ramos, una de las voces más prometedoras de la nueva poesía española.

Poeta de la imaginación, elegante narrador y dramaturgo secreto, Rafael Pérez Estrada es un convencido escritor -en sus palabras- de 'ínfimas veleidades poéticas, mínimos relatos, intenciones epigramáticas, sentencias, delicadas perversidades, pensamientos surgidos de lo inesperado (muchas veces de las aristas provocadoras de la realidad) y extrañas máximas llenas de provisionalidades surrealistas', que disemina, agrupadas en series temáticas, por los diferentes títulos que publica. A este gusto por la escritura de lo mínimo lo denomina 'Pasión de lo Breve' y convierte la greguería y el aforismo, tras vincularlos a una imaginación sin límites, en un fértil terreno donde asentar su extraordinaria obra poética y literaria. 'En la mayoría de los estudios sobre el género aforístico -como recuerda Vicente Luis Mora en el prólogo a este volumen- se dedica un apartado a reunir las diversas terminologías personalizadas que el género concita, y entre ellas siempre se incluye la de 'brevería', creada por Rafael Pérez Estrada para sus creaciones minúsculas y afortunadas'. Breverías completas reúne las series aforísticas que publicó Rafael Pérez Estrada entre 1985 y 1992, a las que se suma, a continuación, una antología de poemas con estructura aforística dispersos por su obra. Este conjunto singular levanta uno de los pilares sobre los que emerge el renacimiento del género en el siglo XXI y convierte en indiscutible la ascendencia y maestría del autor en la historia del aforismo contemporáneo.

El adjetivo gótico nos remite a un paisaje nocturno, plagado de árboles retorcidos, nubes pálidas, sonidos inquietantes y vislumbres de cementerio. Un imaginario que en buena medida se forjó entre los poetas románticos ingleses y sus sucesores. Lejos de ser un género cultivado por poetas de segundo rango, nuestra selección recurre a nombres que están en la cima de su arte: se abre con dos inquietantes poemas de Shakespeare, para recorrer después las grandes aportaciones de los románticos, encontrarnos con el maestro indiscutido del género: Edgar Allan Poe; las hermanas Brontë, los espectros del recuerdo de Hardy y la feérica Irlanda de Wilde y Yeats antes de despedirnos entre la penumbra onírica de Charlotte Mew.

¿Qué hace que un poema sea bueno? ¿Qué significa eso? ¿Y cómo se escribe un poema así? Solemos asociar los poemas a conceptos difíciles de definir como el misterio y la inspiración, dos palabras que están muy relacionadas con la poesía, sí, pero que no ayudan mucho a la hora de intentar encontrar un método práctico y útil para escribir poemas que convoquen la emoción en los lectores. Este curso propone una aproximación estratégica y técnica a la escritura poética, desentraña los mecanismos internos que posee todo poema y nos indica un camino para superar la dificultad que implica siempre la creación poética. Mecánica poética desmitifica la poesía ofreciendo explicaciones sencillas para los fenómenos complejos que ocurren dentro del poema. Este manual está pensado para acompañar a quien escribe poemas, pero también para ayudar a quien quiera disfrutar más de su lectura. Ben Clark pone sus años de experiencia al servicio de los poetas que quieran profundizar en su escritura con un lenguaje cercano, ameno y que invita a la creación.

Me muero, te quiero es un libro sobre el brillo de la vida: las amigas, el arte, la música, el erotismo y el amor. También es un libro sobre cómo la vida se vuelve contra la vida cuando una célula enloquece. Perla Zúñiga testimonia con su lengua poética su paso por el mundo y por las cosas del mundo. Es un paso lleno de durezas y ternezas, que conmueve profundamente con su apuesta por la belleza, la juventud y el amor. La vida se desvanece, quedan el amor y su poesía.

Pierre Jean Jouve (Arras, 1887 - París, 1976) es uno de los más grandes poetas franceses del siglo pasado. Su obra, marcada por el descubrimiento del psicoanálisis, constituye un intento de revelar el poder del inconsciente a través de la poesía y la novela. De su producción destacan Paulina 1880 (1925), Sudor de Sangre (1935) y Materia celeste (1937). En los años profundos (1935), texto que hoy presentamos traducido por primera vez al castellano, brinda al lector una historia de amor ambientada en los dramáticos paisajes montañosos de los Alpes suizos. La mezcla entre sueño y realidad, la puesta en escena erótica y mística confieren a este relato todo su poder de seducción, siendo considerado como una de las cumbres de la prosa poética del siglo xx.

Los poemas que Paola Soto escribe en este libro giran en torno a la casa como un elemento que dispara distintas preguntas. ¿Qué signifi ca realmente una casa? ¿Dónde se encuentra? ¿Es algo susceptible al cambio o a la transformación? ¿Se puede existir sin casa? ¿Es lo mismo casa que hogar? ¿Sigue siendo una casa ese lugar al que volvemos? ¿Es siempre la casa un lugar seguro? Paola viaja por las relaciones familiares y por sus dinámicas, por el amor y por aquello que lo rodea, por los traumas, las distancias y las penas, pero también por el apoyo y por los procesos de cambio que le llevan a abrochar su adultez con su mundo interior. En Siempre será tu casa, la poeta lanza estas preguntas a sí misma y a quien la lee como si fueran un cristal que devuelve el refl ejo sin esfuerzo. A través del simbolismo y las representaciones, logra que quien la lee viaje con ella. Lo hace con dureza, pero al mismo tiempo moldea las palabras con la suavidad de la nostalgia y el cuidado de quien sabe que, casi siempre, es necesario escribirlo para entenderlo.

Su pensamiento poético, bien filtrado y homogeneizado -en otro tiempo, simplemente solipsista-, conversa con las citas alemanas y los planes que acompañan la edición, incorporando, paralelamente,la resonancia de Solomós, Hölderlin, Trakl, Eliot y Kariotakis para que se entone el canto del cisne del cuerpo