No me ligué. Por entero me liberé y me fui. Hacia goces que estaban parte en la realidad, parte en mi ser, en la noche iluminada fui. Yo bebí un vino fuerte, como sólo el audaz bebe el placer.«Fui»

LOS POEMAS de Mary Shelley (Londres, Reino Unido, 1797-1851) quedaron en gran parte inéditos en vida de la autora y han permanecido hasta hoy prácticamente desconocidos para el público. No es raro en la historia literaria que el gran éxito de un autor en un género determinado ensombrezca el resto de su obra incluso a sus propios ojos. Pero la enorme calidad de la poesía de Mary Shelley hace necesario conocerla y sacarla a la luz como en muy pocos de esos casos. Dotada de esa extraordinaria intuición solo al alcance de los grandes talentos que antes de cumplir los veinte años la llevó a crear una obra maestra como Frankenstein, Mary Shelley vuelca su dolor, sus recuerdos y su profunda melancolía en unos poemas íntimos, palpitantes y obsesivos, nacidos al calor de una sensibilidad en carne viva, pero también de una mente enérgica e inconformista que desesperadamente busca asideros en el abismo de una existencia trágica. Pero, incluso cuando nos hallamos ante puras destilaciones del dolor más íntimo, los versos de Mary Shelley cuentan con el poso de una madurez creadora que sabe dar serena y sólida arquitectura a la expresión poética, tanto en sus manifestaciones más breves y musicales como en los poemas más extensos y discursivos.

En Ligero, Ismael Ramos hace fuerte lo sutil. Aquí el paisaje, la amistad, el deseo, el entorno que nos configura, el pasado —e incluso el ignoto futuro— se dicen con una voz limpia, de marcada personalidad. Este libro aborda —como ya hiciera Fuegos— una reflexión sobre la intimidad propia y la intimidad compartida, posando la mirada sobre los demás (la madre, el padre, los amantes, las mujeres de la limpieza...) para intentar comprender la imagen de ese espejo plural, que nos devuelve los pequeños gestos, el brillo apagado de las rutinas, cuando buscamos en él las grandes respuestas.

El lector hallará aquí, no solo la voz delicada, religiosa y sensual de una poeta extraordinaria, sino una colección de voces que vienen de otro mundo que llevamos dentro, voces nacidas de lo más hondo de nuestra tradición poética y espiritual, voces que tienen sus raíces en el mito y en el cielo. Sabrina Foschini nació y vive en Rimini. Ama el arte, el amor, el mar y la poesía sobre todas las cosas. Si hubiera nacido en otro siglo tal vez sería una mística. Aquí y ahora es una mujer que pinta, dibuja, escribe y ama la vida más que su sentido. Y hoy redacta esta nota en tercera persona como si yo fuese otra.

Camino de la Tierra es un libro escrito y amparado a lo largo de casi dos décadas, centrado en los seis años de estancia inter­mitente en Chile de la autora – entre 1997 y 2003, época en la que toma contacto con una de las megalópolis más contami­nadas y complejas del mundo: Santiago de Chile, y a la vez con unos de los últimos bosques vírgenes que quedan en nuestro planeta. De la experiencia entre estos extremos surge una me­ditación que se detiene en la cosmovisión del mundo mapuche, en la crítica al desarrollismo y a la agresión a la naturaleza. De los contrastes devienen los contornos que conforman el libro: poesía de conciencia y misticismo contemplativo; poemas bre­ves o torrenciales.

Esta antología de diecisiete poetas checas contemporáneas recoge las voces de un grupo heterogéneo y polifacético: cada una tiene una visión existencial y una poética únicas marcadas por un conjunto de factores que no se puede homogeneizar fácilmente. A pesar de estar localizadas temporal y geográficamente en un territorio ancestral del corazón de Europa, el punto de referencia de cada poeta es tan significativo que resalta aún más su acentuada singularidad. El papel de algunas de ellas ha sido dar visibilidad a cuestiones que estaban a la sombra por no pertenecer al imaginario poético tradicional masculino y brindarles la universalidad que merecen: labores domésticas, familia, hijos, maternidad y feminidad, etc. Sin embargo, los temas generales de esta cautivadora antología son universales. Desde la ironía y el cinismo, la pasión por el paisaje y los viajes, el erotismo refinado y sensorial, la melancolía y el hermetismo y la espiritualidad de lo cotidiano hasta la provocación y la reivindicación acompañadas de ciertos toques surrealistas. Los poemas navegan entre un tema y otro con un lirismo dinámico, flexible y plagado de diferentes niveles entrelazados. Todo un reflejo del mundo cambiante y complejo en el que vivimos, ante el que estas poetas checas no son indiferentes, sino que reaccionan de forma proactiva: ¡escriben poesía! ¡Y nos roban el corazón!

Bajo el título del tercero de sus poemas narrativos, ‘La dimensión del deseo por metros cuadrados’, inédito hasta ahora, y junto a ‘Volver antes que ir’ y ‘Yo significo algo’, el presente volumen reúne la obra poética firmada por Flavia Company. Una trilogía que por fin aparece tal como la concibió la autora. «He vuelto para decir que sé/ lo que no tengo que saber», leemos en sus versos. Revelación, memoria, identidad. Viaje, misterio, deseo. Nada escapa a la observación de esta «maestra en el cuento y la novela, malabarista del lenguaje» (La Vanguardia), que destapa con la poesía el centro neurálgico de su esfera literaria.

VALERIO MAGRELLI (Roma, 1957) es uno de los principales poetas italianos contemporáneos. Enseña Literatura Francesa en la Universidad de Cassino y colabora en varios diarios. Además de ser autor de una extensa obra poética, en la que destacan los libros Ora serrata retinae (1980) y Vetas y naturalezas (1987), Magrelli ha escrito numerosos ensayos y ha traducido a prestigiosos poetas franceses, como Valéry, Mallarmé y Verlaine. «Cuando me encontré con mi comisario homónimo, confieso que no me sorprendí. Entre tantos de sus colegas, antes o después, era normal que también él apareciera. Más bien me asombró la terquedad, la obstinación con que lo he visto viajar de Egipto a Francia, de Estados Unidos a Turquía, siempre devoto de un sueño infantil de justicia e, incluso, de una justicia en verso. Su patria, sin embargo, sigue siendo Italia, mientras que su especialidad parece consistir en la defensa de la víctima —la víctima como figura sacrificial, devaluada, invisible, eliminada—. En la estela de sus ilustres predecesores, nuestro héroe afronta los casos más diversos, a través de una pequeña pero nutrida enciclopedia del delito. En resumen, microhistorias e invectivas. Sin embargo, el verdadero hilo conductor sigue siendo la reflexión sobre una ley que a menudo, demasiado a menudo, tiende a olvidar los pobres derechos de las presas, especialmente los de aquellas inermes por excelencia: mujeres, paisaje e infancia».

«Cómo un higo de palabras y por qué» es un libro compuesto por lo que tradicionalmente se llama borradores o piezas inconclusas. Ponge nos da todo —incluso si eso significa ser particularmente tedioso— con la voluntad de que descubramos algo mejor que lo publicado, esto es, lo oculto. Estos borradores —cebos sobre los que se pone carnada para aquellos que defienden un nuevo abrazo de la realidad— son para el autor el lugar donde se encuentra la poesía. «Cómo un higo de palabras y por qué» es, también, un elogio de la digresión, de la repetición. Sin embargo, se trata de una repetición falsa: aunque sus textos parecen repetitivos, siempre hay variación. En este vértigo de la repetición, de la falsa repetición, de esta especie de desplazamiento imperceptible, existe una forma en la que pasar de la prosodia a la prosa: como en las variaciones musicales, el tempo puede ser diferente, tempo que aquí se significa en la «puesta en página». «Cómo un higo de palabras y por qué» es, igualmente, un objeto que solo puede ser literario. Rechaza el referente —aquí, el higo— en su mundo que es el mundo de la existencia. Enfatiza la importancia de la literatura, de la palabra hablada, por así decirlo, ya sea oral o escrita. Es al mismo tiempo un elogio de lo literal, y sin ilusión sobre la posibilidad de la representación. Ponge trata de acercarse lo más posible a la descripción del higo porque está convencido de que, al final, solo quedará texto. «Ese altar centelleante. Así es el interior del higo».

Tras la publicación de su Poesía reunida en 2018, el nuevo libro de una autora esencial en la literatura en lengua castellana. Los nuevos versos, lúcidos y precisos, tersos y sagaces, de una poeta deslumbrante. La admiración ante la vida y los objetos cargados de historia, la percepción del tiempo y del advenimiento de la vejez, la rememoración de los seres perdidos, Ida Vitale nos ofrece en este Tiempo sin claves el libro culminante de su trayectoria. Y desde la altura de sus 98 años, nos demuestra que es la poeta más joven de la literatura española. Tras la publicación de su Poesía reunida en 2018, el nuevo libro de una autora esencial en la literatura en lengua castellana. Los nuevos versos, lúcidos y precisos, tersos y sagaces, de una poeta deslumbrante. La admiración ante la vida y los objetos cargados de historia, la percepción del tiempo y del advenimiento de la vejez, la rememoración de los seres perdidos, Ida Vitale nos ofrece en este Tiempo sin claves el libro culminante de su trayectoria. Y desde la altura de sus 98 años, nos demuestra que es la poeta más joven de la literatura española.  El gran poeta colombiano Álvaro Mutis envidiaba al lector que se adentrara en la obra de Ida Vitale, pues "le espera un placer que no se sospecha".

Francisco Caro (Piedrabuena, 1947) se licenció en Historia Moderna y Contemporánea. Ha ejercido la docencia. Reside en Madrid, en donde vive a tiempo repartido con su pueblo natal. Su primer libro de poesía escrito y editado fue Salvo de ti, que apareció en 2006. Desde entonces ha venido publicando con cierta periodicidad. El último ha sido Aquí, en este mismo año 2021. En el trascurso ha recibido algunos reconocimientos, entiéndanse por tales los premios Juan Alcaide, Jovellanos, Ciudad de Alcalá, José Hierro, Leonor y González de Lama, entre otros. En el año 2019 apareció una antología de su obra bajo el título Este nueve de enero. Mantiene desde no sabe el blog Mientras la luz. En donde resistimos, que tienes entre manos, se dejó sentir y comenzó a escribirse después de una visita invernal a la Casa del poeta en Moguer. Tras ella, acudieron destinos, instantes, conversaciones. También los días extraños. Y aquello que nos ha permitido soportar el rigor del refugio: el amor, el alba y la tarde, las lecturas, las interrogaciones, los paisajes, lo necesario, las lluvias y lo inútil. Los estadios humildes en

El presente libro reúne dos breves colecciones de poesía erótica sánscrita, el ???g?ratilaka ("la señal de la pasión"), con treinta y siete epigramas, y el Gha?akarpara ("la olla rota"), oda de veintiún estrofas en la que una mujer expresa su añoranza por el amado; su título parece esconder el nombre del autor, que presume con orgullo de su habilidad con la rima. La sencillez de su estilo sitúa estas obras en una fecha anterior al gran poeta K?lid?sa (ss. IV-V d. C.); el ser muestras tan tempranas de la lírica sánscrita clásica tipo k?vya les confiere especial relevancia. La poesía k?vya se caracterizaba por un estilo de gran elegancia formal, con sus propios códigos estéticos y técnicos. En la lírica amorosa de la India clásica, el autor no refleja necesariamente sus propios sentimientos: da voz a situaciones y personajes codificados, lo que sin embargo le permite expresar una sutil gama de sentimientos. Sorprenden la hondura de los sentimientos femeninos, o la finura con que se reflejan los cambios de humor de los amantes. El traductor y editor del texto, Francisco J. Rubio Orecilla, es profesor de sánscr

Vicente Luis Mora (Córdoba, 1970) es escritor y crítico literario. Sus últimos libros son las novelas Centroeuropa (Galaxia Gutenberg, 2020) y Fred Cabeza de Vaca (Sexto Piso, 2017), el libro de poemas Serie (Pre-Textos, 2015), el dietario Micronesia. Fractales de literatura [1997-2021] (Universidad de Valladolid, 2021), la monografía La escritura a la intemperie. Metamorfosis de la experiencia literaria y la lectura en la cultura digital (Universidad de León, 2021), el ensayo La huida de la imaginación (Pre-Textos, 2019), el libro de aforismos Nanomoralia (Siltolá, 2017), y la antología La cuarta persona del plural. Antología de poesía española contemporánea (Vaso Roto, 2016). También ha practicado el monólogo teatral (Miguel, 2016), la escritura digital (70 palabras, LAVA, 2014; Blog decreciente, en El Boomerang, 2013-2016) y el hoax Quimera 322 (2010). Escribe crítica cultural en su blog Diario de lecturas (http://vicenteluismora.blogspot.com).

Libro largamente madurado y revisado, versos que se han ido depurando a través de los años, Donde muere la muerte es el poemario póstumo del recientemente fallecido Francisco Brines, Premio Cervantes 2020, y para muchos una de las grandes voces de la poesía contemporánea. Poemas intensos y quintaesenciados, que parecen desafiar a la muerte desde la rotunda afirmación de la vida, la celebración del amor y la amistad, y que se resisten a aceptar la finitud y el olvido con la fuerza de la poesía imperecedera. Por todo ello, este libro es un acontecimiento.

ANA BLANDIANA (Timi?oara, Rumanía, 1942), a la que muchos llaman la Juana de Arco de las letras rumanas, se revela en estos dos libros de juventud como poeta de lo íntimo a la vez que de la polis. Primera persona del plural (1964) es un volumen premonitorio de su ulterior trayectoria en el papel de poeta que asume la poesía como destino. El título expresa simbólicamente el deseo de definir su personalidad en conjunción con el mundo. Los poemas de su segundo volumen, El talón vulnerable (1966), hacen un llamamiento a la regeneración moral. Con un lenguaje puro y vibrante, de una claridad ética inconfundible, Blandiana reflexiona sobre la fragilidad del ser y el asombro ante la vida, describe el frenesí de vivir en un universo fecundo y armonioso en consonancia con los ritmos de la naturaleza y anula con su idealismo las numerosas máscaras de la decrepitud. Estos libros tempranos anuncian las constantes temáticas de su poesía: el deseo de pureza y la inevitable degradación, la firmeza ética, la palabra poética, el silencio cómplice, la nostalgia de un universo primordial y la revelación de la muerte.

El tiempo no transcurre en estos poemas: tan solo existe, porque este es el tiempo de las amantes. Habitamos un momento suspendido, un presente total de los cuerpos al margen de la Historia, que no es productivo —ni tampoco legible— desde los códigos del deseo heterosexual. Sara Torres nos lleva a este tiempo a partir de escenas fragmentarias —conectadas en su silencio y su ruptura con una genealogía lesbiana que se remonta a las palabras de Safo—, y lo ubica en los momentos íntimos del ritual del baño. Si Phantasmagoria indagaba sobre las alucinaciones del cuerpo en duelo, en este libro se explora el estado del cuerpo enamorado. ¿Comparten, tal vez, afectos y pasiones?

Este estuche reúne sesenta y cinco poemas de la premio Nobel polaca escritos a lo largo de medio siglo en los que podemos ver la evolución desde sus versos escritos en 1944 hasta los recogidos en (1993). «Algo único que había en ella era la mezcla de sentido de la tragedia y sentido del humor: sabía mirar la brutalidad del poder y también su ridículo, que tantas veces lo hace todavía más peligroso». Antonio Muñoz Molina