Un breve repaso comparativo a la obra creada por mujeres artistas presente en museos, centros de arte, exposiciones institucionales, galerías, ferias de arte y colecciones públicas y privadas, particulares y corporativas, deja en evidencia una desigualdad llamativa”, explica en los primeros párrafos del libro Marta Pérez Ibáñez. Con este libro Pérez Ibáñez, Rodovalho y González buscan visibilizar, a partir de una visión crítica, esta problemática, apoyándose principalmente en las fuentes primarias: las propias artistas, galeristas y otros profesionales y agentes del sistema y del mercado del arte en España.

Este es un manual para que los niños y jóvenes de este siglo aprendan a hacer teatro. Un libro dirigido a pedagogos y padres que quieren ofrecer a sus alumnos e hijos una de las mejores herramientas que se conocen para ampliar el horizonte personal. A partir de los cuatro años, hasta los 17, aquí se suceden, de forma sencilla y divertida, ejercicios teatrales con los que los niños y jóvenes conseguirán dominar el lenguaje del cuerpo. Este manual nos demuestra que garantizar las experiencias teatrales en la enseñanza de los niños y jóvenes es una tarea urgente de la que todos debemos formar parte.

La obra del escritor y crítico Yone Noguchi puede considerarse un puente entre Oriente y Occidente. En sus incontables viajes por el mundo, y gracias a sus libros, se convirtió en el gran difusor del arte y la cultura japonesas de su tiempo. Y de entre todos los maestros del grabado japones acerca de los cuales escribió, siempre manifestó una especial atracción por el genial Hiroshige, cuyo maravilloso manejo de los pigmentos y la composición le garantizó un merecido puesto entre los grandes nombres del arte universal.Este libro presenta por primera vez en lengua castellana los principales textos de Yone Noguchi sobre la obra de Hiroshige, acompañados de infinidad de estampas e imágenes que permiten conocer la vida de un artista que murió plenamente feliz en el momento en el que dominó su arte más elevado; el arte más puro de la simplicidad.

Publicado en su totalidad, el diario de Frida Kahlo refleja los últimos diez años de una vida turbulenta. Este documento, a veces apasionado, otras sorprendente e íntimo, custodiado bajo llave durante aproximadamente cuarenta años, revela nuevos rasgos de la compleja personalidad de esta destacada artista mexicana. Editado por la Vaca Independiente y distribuido en exclusiva por Editorial RM, este personal documento editado en un facsímil a todo color, aporta un nuevo enfoque para comprender mejor la original y enérgica visión del mundo de esta mexicana. El facsímil está acompañado por una introducción del prestigioso escritor mexicano Carlos Fuentes y una transcripción del contenido del diario. Finalmente, el libro incluye un ensayo de Sarah M. Lowe sobre la importancia de estas memorias en la obra total de Frida Kahlo y en la historia del arte en general, así como una serie de comentarios de la escritora sobre las imágenes

Escritos en las últimas tres décadas, los ensayos de Boris Groys sobre la lógica entrópica de la cultura, el arte y el museo, sobre la colección, la política de la vanguardia y el carácter medial del hombre y lo real –la teoría de los medios es la ideología de nuestro tiempo– constituyen brillantes ejercicios de esgrima intelectual: combinan el rigor del conocimiento, un estilo claro y elegante y argumentos punzantes suministrados con sutileza. Groys se mide en ellos con el contrincante más difícil de un ensayista: su propio presente. Casi cada texto comienza con una respetuosa inclinación de cabeza a los modos de pensar al uso, para acabar cada lance dejando al lector tan tocado como para continuar reflexionando y empezar a imaginarse las cosas de otros modos.

La perspectiva de género es la metodología que más profundamente ha transformado las humanidades en las últimas décadas. Esta selección de críticas posicionadas sobre el trabajo de artistas mujeres y los relatos de la historia del arte contemporáneo en España ofrece una agencia de herramientas contra la discriminación sexista en nuestro sistema del arte. Dando testimonio del compromiso pronto, a golpe de novedad, y del combate compartido con otras agentes para fracturar el viejo patriarcado.

No es posible adentrarse en la riqueza y complejidad de la Edad Media sin comprender el poder que durante este período histórico tuvieron las imágenes. Éstas no eran solamente representaciones de santos o de dioses: podían llegar a ser también su receptáculo. Las presencias divinas (y también los demonios) habitaban en las pinturas, relicarios y estatuas que poblaban la cultura visual del Medievo, generando largos debates teológicos sobre su verdadera naturaleza. Pero ¿cómo había llegado a convertirse en una religión idólatra cuando, en sus orígenes, el cristianismo rechazaba de plano que las imágenes pudieran tener propiedades mágicas?Este libro se propone entrar a fondo en este lejano mundo de la mano de los autores y creadores más destacados de su tiempo. Para ello, será necesario explorar la frontera entre magia y religión a través de las imágenes sagradas; una frontera que en la Edad Media terminó por desdibujarse hasta hacerse imperceptible. Santos iconoclastas, exorcismos insólitos, complejos rituales, imágenes que cobran vida… serán algunos de los ingredientes de este insólito viaje a uno de los misterios más apasionantes de la Edad Media.

"En ningún lugar alcanza el ser humano una presencia visual mayor que en su rostro. Por eso llevamos milenios tratando de descifrarlo a través de imágenes que, no obstante, acaban fracasando en su intento de captar el semblante vivo. El presente volumen conforma la primera historia sobre el tema, con un enfoque en el que se dan cita la Historia del arte, la Antropología, la Psicología o la Neurociencia, entre otras disciplinas. Una historia que comienza con las primeras máscaras de la Prehistoria y termina con los rostros que producen los medios digitales. En las máscaras teatrales y en la gestualidad de los actores, en el retrato europeo y en la fotografía, en el cine y en el arte actual, el lector podrá descubrir los múltiples intentos que se han hecho para apoderarse de ese rostro vivo, así como su permanente frustración, pues al final esa vida se resiste a toda norma de representación e interpretación. La propia retratística de la Edad Moderna europea lo único que acabó produciendo fueron máscaras. Incluso el cine, que mostraba el rostro con un grado de intimidad sin parangón, salió mal parado de su pretensión de plasmar por primera vez al ser humano en una imagen «real». Una apasionante exploración que pone de manifiesto cómo las imágenes van continuamente en pos de ese rostro vivo y por qué nunca alcanzan su objetivo. Un rostro que desempeña un papel crucial en la comunicación humana, pero que, sin embargo, desafía cualquier intento de representación visual."

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El libro Salvador Dalí. Fotografía y delirio indaga en la relación del genio ampurdanés con la fotografía y cómo, gracias a ella, se convirtió en el primer influencer de la historia, el primero en ser consciente de la importancia de la fotografía para promocionar su obra y su propia persona. El volumen describe su pasión por esta disciplina, desde el momento en que descubrió en su infancia el poder de la imagen hasta su acercamiento a la gran fotografía artística en el París bohemio de los treinta, pasando por la etapa en que experimentó conceptualmente con la fotografía para incluirla en su obra pictórica. El libro reúne imágenes, testimonios de contemporáneos, jugosas anécdotas y textos del propio artista, y conforma un volumen imprescindible para conocer al personaje icónico que siempre quiso ser y aún es Dalí.

¿Qué pintan las iniciales SPQR en las tapas de las alcantarillas de Roma? ¿Y la Loba Capitolina en el escudo de un equipo de fútbol? ¿Qué mueve a la gente a ofrendar flores a Julio César en pleno siglo XXI? ¿Acaso un vino con nombre de dios sabe mejor? ¿Por qué esa obsesión de los turistas por hacerse selfies con centuriones ante el Coliseo? SPQR now es un recorrido inusual por las calles de Roma. Un tour que no tiene parada obligatoria en los grandes monumentos y museos arqueológicos, sino que se recrea en las representaciones que, desde el presente, se hacen del pasado antiguo.

Caravaggio, o para ser más exactos Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), siempre fue una figura de relevancia. El artista, considerado un rebelde de la pintura italiana, fue a la vez alabado y vapuleado. De temperamento violento y técnica precisa, fue un maestro creativo y un fugitivo de la justicia. En la actualidad se le considera una de las figuras más influyentes de toda la historia del arte.Esta edición de Bibliotheca Universalis ofrece un ordenado pero exhaustivo catalogue raisonné (catálogo exhaustivo, con todas las obras conocidas) de Caravaggio. Todas sus pinturas se reproducen a partir de fotografías recientes de gran calidad que permiten disfrutar en primera persona del genial repertorio de miradas y gestos del artista y de numerosos detalles de ese personal realismo que traspasaba límites. Los cinco capítulos que lo completan recorren toda la trayectoria de Caravaggio, desde sus primeros encargos públicos en Roma hasta el punto más alto de su celebridad. Asimismo, la detallada cronología del libro repasa su tempestuosa vida personal, en la que lo trágico tuvo el mismo protagonismo que los claroscuros en sus lienzos.Sobre la serieBibliotheca Universalis – Compañeros culturales en formato compacto para celebrar el universo ecléctico de TASCHEN.

Paula Barreiro ha estudiado la crítica de arte y el arte de vanguardia en los años 1940-1975-76 desde dos perspectivas fundamentales: analiza con minuciosidad y rigor el desarrollo de la crítica de arte en España en el marco del contexto social y político, con especial atención a la complejidad de los problemas suscitados por la naturaleza de este contexto, y lo hace situando esta crítica en el ámbito de la crítica de arte internacional, con especial atención a la italiana, evitando de esta manera una mirada de otra forma elemental.

La constitución de los valores artísticos resulta de la articulación del campo artístico y el mercado. En el campo artístico se producen y se revisan las evaluaciones estéticas; en el mercado se realizan las transacciones y se elaboran los precios. Si bien cada uno de ellos tiene su propio sistema para establecer el valor, ambos mantienen una relación de estrecha interdependencia. Frente a las transformaciones económicas y artísticas que se produjeron desde fines del s. XIX, los mercados del arte catalogado -antiguo y moderno- así como el mercado del arte contemporáneo tienen ante sí nuevos desafíos. ¿Qué efectos ejercen los nuevos soportes que suponen la multiplicación y la desmaterialización de las obras?