Fabulas, recuerdos de lecturas, imágenes y anécdotas –algunas reales, otras desplazadas o inventadas–, los textos y las historias reunidos en 'El espejo mágico' tienen en común el tema del retrato y las curiosas correspondencias que se han dado a lo largo de la historia entre retratistas y retratados. Élisabeth Vigée-Lebrun y los embajadores de la India, Bernini y su imagen del Rey Sol, Lucian Freud y la reina de Inglaterra, las múltiples encarnaciones de Quasimodo, Picasso evocando la figura de Paul Cézanne, la luz en Lubin Baugin y en Zurbarán, Durero pintando el retrato de un rinoceronte que no vio jamás, Gauguin inmortalizando a Van Gogh en plena exaltación de los girasoles, David Hockney y Marcel Proust en Cabourg, la generosidad de Alejandro Magno hacia Apeles, los espejos de Louise Bourgeois, la sinceridad de los autorretratos de Rembrandt, Cristo en persona, Cy Twombly convertido en retratista, Martín Lutero visto en todos sus estados y el emperador de la China, enemigo de las sombras. Plotino ya advierte sobre la mala costumbre de dejar tras de sí una imagen de nuestra apariencia, no obstante, seguimos aferrándonos a la posibilidad de postergar la muerte mediante la reproducción de esa apariencia. No basta, no, con llevar la imagen de la que nos ha revestido la naturaleza, deseamos, además, perpetuarnos a través del arte. Son suficientes unas páginas para persuadirnos de que no hay nada más revolucionario que la figuración, entendida como un proceso infinito de figurar y desfigurar. Como apunta Frémon: «siempre es la pintura la que acaba ganando». Jean Frémon (París, 1946) dirige la Galerie Lelong, establecida en París y Nueva York. Es autor de numerosos ensayos sobre artistas contemporáneos, varias novelas, poemarios y colecciones de relatos, algunos de los cuales han sido publicados en esta misma editorial: Louise Bourgeois mujer casa (2010), Calle de la Mirada (2016), David Hockney «Love Life» (2017) y Vamos, Louison (2019).

Dos mujeres -una filósofa y una directora de cine- son convocadas a comienzos de 2020 a participar de un evento cultural con resultado incierto. Durante diez días tienen que intercambiar mails sobre el tema de la memoria y luego transformar esas misivas en una suerte de performance. Hay que decir que ellas, Esther Díaz y Albertina Carri, no se conocían de antemano ni se frecuentaban. Estaban al tanto del trabajo de la otra, pero nunca habían dialogado. Lo que a priori parecía sencillo se fue complejizando, porque la pandemia irrumpió y con ella se enrarecieron todas las interacciones. El horizonte de una performance de a poco se fue apagando, pero el diálogo siguió fluyendo como un manantial secreto en medio de una helada. Lo que empezó como un encargo se convirtió muy pronto en descubrimiento y aventura. ¿Puede una desconocida ser depositaria de confianza y apego cuando el mundo se nos vuelve ajeno? ¿Hasta dónde pueden llegar las confesiones transgeneracionales entre dos mujeres fuertes pero también vulnerables? De este primer intercambio a distancia comenzó a brotar la forma de un libro. La parte inicial

En consideración a los sesgos en la historia del arte, "El arte como revolución" recupera la historia del Instituto de Arte Latinoamericano, sus actividades, debates artísticos y culturales, y las redes de influencia que tuvo en el concierto latinoamericano. Este instituto, que surgió de las reformas de la Universidad de Chile a fines de la década de los sesenta y que se fortaleció con la llegada a la presidencia de la república de Salvador Allende, se presenta como un espacio dinámico de relaciones sociales donde es inextricable el arte y la vida social bajo el marco de un proyecto revolucionario: no obras-mercancías, premios nacionales ni obras autorales, sino investigaciones y formas de trabajo compartidas cuyas huellas remiten a un vínculo intelectual, colaborativo y de amistad. Desde esta ética de trabajo, la invitación de este libro es a pensar cómo fue concebida la justicia social por medio del arte y en qué medida toca nuestra contemporaneidad.

La escucha no parece estar siendo escuchada con demasiada atención. Por este motivo, "La escucha actual" defiende el acto de escucha como práctica creativa y crítica, poética y política. Este libro nace de un empeño aproximativo, a veces pausado, a veces desesperado, por reivindicar la dimensión activa y participativa de la escucha en la comunicación audiovisual y, por supuesto, en la experiencia musical. La noción de "oído social" contribuiría a distinguir los principales esquemas de escucha en la cultura contemporánea, muy especialmente la escucha masiva, la escucha clásica y las condiciones de saturación que marcan el rumbo sin rumbo de la (no) escucha ambiental. Es razonable destacar que lo que está aquí en juego resulta crucial para la vida en común.

Con ayuda del cine se pueden tratar las cuestiones más complejas del presente a un nivel que durante siglos ha sido propio de la literatura, la música o la pintura. Pero una y otra vez hay que buscar de nuevo el camino por el que tiene que ir el cine como arte. Estoy convencido de que el trabajo práctico en el cine será para cada uno de nosotros algo infructuoso y desesperanzado, si no comprendemos con toda exactitud y claridad la especificidad de este arte, si no encontramos nosotros mismos la llave que tenemos para abrirla.La crítica ha dicho: «El texto del cineasta ruso -escrito en colaboración con Olga Surkova-, es una obra capital de la estética que, además de diversos criterios filosóficos puramente expuestos, incluye una retrospectiva de los a veces dramáticos avatares durante la filmación de sus películas, todo orientado a tratar de definir sus ideas sobre el arte en general y el cine en especial.» Horacio Ramirez, Cine y Lietratura. «Tarkovski expone su visión del arte y del cine en términos tanto personales como teóricos, haciendo un recorrido por todas sus películas y deteniéndose también en el uso de los elementos del lenguaje cinematográfico (por ejemplo, el sonido o el uso de la cámara). Es un abordaje bastante concreto, ya que el análisis es sobre la experiencia, partiendo de la base de que las soluciones no son dogmáticas, sino específicas para los problemas reales.» Lucida Podesta, Proyecto IDIS. «Es el ensayo más importante, y en muchos aspectos, el más hermoso y emocionante, que he leído sobre el cine entendido como arte supremo.» Adrián Massanet, Espinof.

Lucas Condró propone en este ensayo una serie de procedimientos para el cuerpo sobre lo uno, el sí mismo y la relación con los otros. Nos llama a pensar y producir expresión, a producir efectos, dado que, según sus propias palabras: «Toda puesta en relación crea un juego continuo de cercanía y distancia donde emerge la posibilidad de lo singular, o sea, de algo que se desprende de mi propia naturaleza pero que a la vez me permite alejarme de ella.» Lo singular se presenta así como la continuación práctica de las Notas sobre pedagogía y movimiento que inauguraron Asymmetrical-Motion, un proyecto de investigación sobre el movimiento dentro del campo de la danza contemporánea. Sobre el autor Lucas Condró (Buenos Aires, 1977), bailarín, coreógrafo y docente. Desde hace 10 años desarrolla su investigación sobre el movimiento dentro del campo de la danza contemporánea.

Un texto fundamental para cualquier persona que esté interesada en la naturaleza de la sociedad y la cultura contemporáneas, y en el decisivo papel que los medios de comunicación desempeñan en su configuración.

De una palabra puede emerger un cuerpo y, de ahí, muchos más. Si esa palabra es «bailar», su significado parece inmediato. Pero visto más de cerca, se oscurece. Es necesario un gesto de precisión para experimentar qué implica «bailar». En Asymmetrical-Motion/Clases, de Lucas Condró, asistimos a ese gesto, delicado y riguroso. El libro recoge una vida de investigación y enseñanza donde se concibe el espacio-tiempo llamado «clase» como una obra de arte en sí. Para esto, se puntualizan aspectos pedagógicos a través de cuatro o cinco nociones: «bailar-experimentar», «observar», «nombrar», «incorporar». Una caja de herramientas abierta, una ingeniería poética del movimiento. Ahora, bailar puede ser sinónimo de leer; y la sensación de un pie, un pensamiento.

Tras los paradigmas del arte-como-texto de los años setenta y el arte-como-simulacro de los ochenta, Hal Foster sostiene que somos testigos de un «retorno de lo real», un retorno del arte y la teoría que buscan asentarse en los cuerpos reales y en los sitios sociales. A lo largo de sus páginas se presenta una lectura original del arte y de la teoría de las últimas décadas, con especial atención a las polémicas conexiones entre ambos, al tiempo que reflexiona sobre la relación entre las vanguardias históricas y las neovanguardias. El resultado es una genealogía acreditada del arte y la teoría desde el minimalismo y el pop hasta el presente. Como señala Miguel Ángel Cajigal en el prólogo que ha preparado para esta edición conmemorativa, este libro clave de la historiografía artística contemporánea «se afirma como una lectura comprometida del arte, sus tensiones y conflictos, que se consolida como testimonio fundamental en la historia del arte de aquel tiempo en el que quisimos ser modernos».

La imagen fotográfica es ante todo múltiple y cambiante, producto de la mirada de quien fotografía, pero también de una reacción físico-química independiente de su voluntad, que deja una huella aparentemente imparcial del objeto representado como analogía de la perspectiva visual humana.Para comprender los rasgos específicos de este arte peligroso, profano y mudo que no ofrece más que lo que revela, es necesario comprender los procedimientos técnicos implícitos en el funcionamiento del acto de fotografiar. A partir de este supuesto inicial, Jean-Marie Schaeffer ofrece en este ensayo ineludible, una descripción precisa y minuciosa de la revolución conceptual provocada por la existencia del dispositivo fotográfico. Desde un enfoque semiológico, aborda los modos en que este signo -ícono e índice a la vez- transformó el vínculo de las sociedades con sus representaciones, La imagen precaria es un libro de referencia para repensar el lugar de la fotografía en la vida cotidiana, su utilización en las ciencias y el periodismo como garante de objetividad, y su estatus dentro del campo de las artes. valido el prestigi

Memoría es la autobiografía de Juan Sebastián Bollaín. Un recorrido sincero de su vida y obra a raíz de que le diagnosticaran la enfermedad de Parkinson, de su infancia, sus relaciones familiares y de pareja complejas, su trabajo como arquitecto, el humor, la utopía y su amor incondicional por el cine. Una edición muy especial que incluye imágenes, fotogramas y un fanzine como contenido extra donde se podrán descubrir, por primera vez, sus cómics y dibujos más underground. En definitiva, un libro tratado con el mayor cuidado y cariño posible para que se convierta en un objeto de colección para amantes de este director de cine.

Casi las mismas décadas de insumisión y rebeldía que ha protagonizado Godard con su vida y obra lleva Paulino Viota estudiando ambas, desde el apasionamiento cinéfilo y la devoción inteligente que siente por "el cineasta con mayor riqueza estructural de la historial del cine". Dividido en dos grandes bloques, este ensayo magistral --y ya definitivo tras la reciente desaparición del cineasta-- pone en perspectiva todas las etapas de su mítica carrera, que arranca con la irreverente modernidad de los años 60, atraviesa la militancia política y el utópico deseo de fusión en lo colectivo, y desemboca, rayando el nuevo milenio y como colofón a una duradera y profunda reflexión sobre la mediación tecnológica, en ese estilo inimitable donde lo poético acontece como posibilidad de una simultaneidad inédita entre imágenes y sonidos, materiales ya convertidos en "formas que piensan" la historia del cine y la del siglo XX, como ejemplifica a la perfección una de sus cimas, "Histoire(s) du cinéma". Sin obviar los títulos más emblemáticos del cineasta francés, Viota ha decidido aquí desentrañar especialmente el "milagro laico" del último Godard, el de algunas de las películas (Notre musique, Film socialisme, Adieu au langage y Le Livre d'image, es decir, las que apenas se estrenaban y comentaban entre nosotros) que más han cuestionado el rutinario estatuto del espectador audiovisual, atendiendo a cómo lo en principio ininteligible no se encuentra reñido con la reflexión y la emoción, sino que, más bien, el desmantelamiento crítico y la puesta en cuestión de los lugares comunes de la representación pueden añadir un potencial suplementario de afecto y misterio a las realizaciones del arte. El libro se cierra (para en cierta medida volverse a abrir) con un antológico artículo largo, «Godard infiel», sobre la trascendencia que la sexualidad —a partir de sus relaciones con Karina, Wiazemsky, Miéville, Roussel...— ha podido tener en su filmografía, un sugerente colofón que no es sino otra manera de repasar vida y obra —inmediatez y artificio, continuidad y variación—, factores inextricablemente relacionados en uno de los artistas más importantes de nuestro tiempo.

¿Qué tienen en común las máscaras africanas, los cuadros dieciochescos, las imágenes medievales y ciertas fotografías contemporáneas? Sencillamente su capacidad para despertar emociones intensas y suscitar respuestas vehementes. Mediante el análisis de una amplia gama de imágenes y de tratados de estética, el autor establece la recurrencia de las respuestas humanas ante las imágenes a lo largo del tiempo