Aparecido en 1911, nos encontramos ante el texto teórico más difundido de Kandinsky, un discurso estético que desemboca en la práctica de la abstracción no figurativa. Lejos de ser un texto pragmático —no pretende apelar a la razón y al cerebro—, se expresa en un lenguaje de claras resonancias orientales, lleno de analogías, y busca resolver las dificultades de la expresión escrita por medio de asociaciones sensoriales y lingüísticas. Una obra que, gracias a su gran poder comunicativo, ha acabado ejerciendo una influencia profunda e indiscutible.

Una mujer lee y comenta las cartas remitidas por un amigo, el operador de cámara Sandor Krasna. Transcribe imágenes que se acumulan y yuxtaponen a lo largo de epístolas. La recuperación del texto íntegro de la voz en off de la película es una oportunidad para el lector. La narradora invoca un reguero de imágenes ausentes, y en su discurrir nos arrastra a un transgresor viaje.

Se festeja este año el centenario de la fundación del Ultraísmo, con el que España se puso finalmente a tono con el resto de Europa, que ya había producido diversos movimientos de vanguardia desde hacía más de un decenio. Llamo a este volumen Ultraísmos, en plural, porque, a mi modo de ver, no llegó a existir un cuerpo de doctrinas aceptado por todos los miembros del movimiento. Además, como el contenido del presente libro muestra de sobra, hubo disensiones personales entre varios de ellos: en base a los documentos aquí recopilados y comentados puede afirmase que tanto las ideas como los puestos dentro del grupo estuvieron siempre en pugna. Se tiende a veces a suponer que los grupos literarios fueron algo monolítico, pero en realidad fueron algo fluctuante: propensos al crecimiento, pero también amenazados por la erosión. Como cualquier otro organismo, deben buscar su nuevo lugar en el mundo (en este caso, el campo cultural) y para ello necesitan cierta manera de intercambio con el medio circundante y con (o contra) sus otros participantes. Me ocupo con especial atención de las fuerzas disolventes, disgregadoras. C.G. Carlos García (Buenos Aires, 1953). Investigador independiente, radicado en Hamburg desde 1979, estudia el campo de la vanguardia histórica de España y países hispanoamericanos, en especial Argentina, Perú, México, Uruguay y Chile, tema sobre el que ha publicado una treintena de libros. De entre sus últimos títulos mencionamos apenas los siguientes: Federico García Lorca / Guillermo de Torre. Correspondencia y amistad (2009); José Rivas Panedas, poeta ultraísta, poeta exiliado (2015, con Pilar García-Sedas); El joven Borges y el Expresionismo literario alemán (2015; 2018); La ardiente aventura. Cartas y documentos inéditos de Evar Méndez, el director de ‘Martín Fierro' (2017; con Martín Greco); Borges, mal lector (Córdoba, 2018); Pedro Salinas-Guillermo de Torre. Correspondencia 1927-1950 (2018, con Juana María González); David Viñas de refilón. Seis acercamientos (Córdoba, 2019). Con Pablo Rojas ha publicado dos libros en 2019: Dossier Guillermo de Torre y Epistolario de Ricardo Gullón y Guillermo de Torre, 1934-1970.

Ningún mito nos es más familiar que el de Pandora, pero quizá ninguno ha sido tan mal comprendido. Animados por esta premisa, en 1956 Dora y Erwin Panofsky emprendieron un apasionante viaje intelectual con el objetivo de desentrañar el origen del mito de la caja de Pandora y rastrear su impacto en el arte y la literatura occidentales. Ambos demostrarán cómo desde los más lejanos relatos griegos hasta el arte contemporáneo, la caja (o vaso, vasija, crátera…) ha ejercido una sorprendente fascinación con innumerables variantes y matices. La evolución de Pandora y los distintos atributos que se le asocian, conectan con las diferentes sensibilidades y formas de pensar de cada momento histórico, haciendo de este mito un relato versátil y, a la vez, universal.

El pintor y ensayista Anton Patiño se propone en este libro un análisis crítico de nuestro entorno visual, que desvela los mecanismos perceptivos de dominación. La hegemonía óptica de la imagen-poder segrega una telaraña hipnótica. Todas las pantallas permanecen encendidas (día y noche reclaman nuestra atención). No hay salida, sólo la experiencia creativa, la dimensión poética y la libertad de la mirada pueden servir de antídoto a un totalitarismo del espectáculo narcisista convertido en eje de una autoalienación colectiva sin precedentes. Reclusión insomne. Democracia visual. Pantallas parpadeantes para ojos sin mirada.

MANUAL DE INTERPRETACIÓN EN VERSO: Un hueco que faltaba por llenar. Antonio Travieso nos ayuda a entender el sentido, el pensamiento, la métrica, la pausa, la estrofa Y todo ello con propuestas de ejercicios preciosos y precisos. Este manual aspira a ser una herramienta últil. Fundamentalmente, una herramienta de trabajo que ayude a abordar y a montar un texto dramático escrito en verso a pedagogos tetrales, directoras, animadores socioculturales, a intérpretes y a profesoras de lengua y literatura españolas que hayan asumido la estimulante terea de hacerse cargo del taller de teatro del instituto. No pretende ser un trabajo de versificación ni un manual de métrica. Con intención exclusivamente didáctica, este manual hace un recorrido necesario por algunos asuntos y conceptos concernientes a la composición interna de las estructuras rítmicas concretas llamadas estrofas y a su cifrado. El repertorio de recursos y de ejemplificación está constituido básicamente por textos del teatro áureo español y también por otros textos utilizados en las clases con jóvenes.

Amedeo Modigliani (Livorno, 1884 – París, 1920) fue un pintor y escultor italiano, conocido por sus retratos y desnudos caracterizados por el alargamiento de los rostros y las figuras. Pasó su juventud en su país natal, donde estudió el arte de la Antigüedad y el Renacimiento y donde empezó a tomar clases de pintura, primero en Florencia y posteriormente en Venecia. En 1906 se trasladó a París, y allí entró en contacto con prominentes artistas como Pablo Picasso y Constantin Brâncus¸i. En el marco de la pintura moderna, la concepción de su pintura, basada en el diseño lineal, y la pureza arcaica de su escultura convirtieron a Modigliani en una personalidad excepcional, aislada de las corrientes entonces en boga –cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo–. Sólo póstumamente su obra se revalorizó y alcanzó el éxito y en la actualidad se le considera uno de los mayores artistas del siglo xx, presente en los principales museos del mundo. «Únicamente la obra que ha llegado a su máximo grado de gestación, encarnada y liberada del lastre que suponen los singulares incidentes que han contribuido a formarla y producirla, merece ser expresada y traducida mediante el estilo.» Amedeo Modigliani

¿De dónde viene el color? ¿Cómo encuentran los pintores nuevas tonalidades y de qué manera influyen éstas en su obra? Desde la austera paleta de los griegos y la costosa pasión por el púrpura de los romanos hasta la gloriosa profusión del arte renacentista y la sobriedad cromática de Velázquez y Rembrandt; desde las tempranas incursiones de los pintores románticos en el laboratorio del químico al matrimonio, en ocasiones fallido y en otras espectacularmente exitoso, entre arte y ciencia en el siglo XX, la química y el uso artístico del color han existido siempre en una simbiótica relación que ha determinado sus respectivas evoluciones. La historia de la pintura ha estado influida por la disponibilidad o no de determinados pigmentos, y los descubrimientos científicos se han reflejado directamente en la paleta del artista. Lleno de anécdotas y apuntes etimológicos, La invención del color es una historia luminosa de la magia escondida en el lienzo del pintor.

Desde los años ochenta del siglo XX, el entorno digital y el vídeo han sido los medios que más han contribuido a revolucionar la creación artística contemporánea. Arte digital y videoarte se publicó originalmente en 2006 con las contribuciones de cuatro destacados expertos en teoría estética e historia del arte –Donald Kuspit, Mark Van Proyen, William V. Ganis y Félix Duque– que reflexionaban acerca del efecto subversivo de la digitalización en el objeto artístico y el mercado del arte, la importancia del píxel como unidad de representación o las últimas tendencias en escultura digital. A estos ensayos, que siguen vigentes, se suman en esta nueva edición ampliada la aportación en torno al net.art de Lourdes Cilleruelo, profesora en la Universidad del País Vasco, y la visión crítica general del periodista e historiador del arte Peio H. Riaño.

Saló Diana (1977-1978) recupera la experiencia singular e iniciática de una sala de teatro que, durante poco más de un año, marcó un punto de inflexión en la escena cultural de Barcelona. A través del testimonio oral de sus protagonistas y de materiales de archivo, el mítico Saló Diana se revela como una institución antes de la institucionalidad de la producción artística de los años ochenta.

Cuando en 1982 la historiadora Natalie Zemon Davis participó como consultora en la película de Daniel Vigne, El regreso de Martin Guerre, comenzó a preguntarse si el cine podría servir como «experimento intelectual» para acercar el pasado hasta nuestros días. Percibió la necesidad de realizar un análisis en profundidad de la representación de la historia a través del cine, medio moderno y cargado de recursos. De las inquietudes que este trabajo generó surgió, años después, el libro que ahora presentamos: Esclavos en pantalla: cine y visión histórica, un estudio sobre la esclavitud y la resistencia esclava en el cine. El libro encara la cuestión a través de cinco películas: Espartaco, de Stanley Kubrick, Queimada, de Gillo Pontecorvo, La última cena, de Tomás Gutiérrez Alea, Amistad, de Steven Spielberg y Beloved, de Jonathan Demme. Natalie Z. Davis nos propone un acercamiento al cine histórico como recurso para desarrollar este «experimento intelectual» y analiza las formas de representación cinematográfica de la esclavitud, tanto desde la resistencia como desde la sumisión, las motivaciones y las consecuencias, con el claro propósito de desarrollar un análisis histórico integral. «En todos estos casos, nunca he considerado a estas personas [los esclavos] como la personificación del heroísmo o el victimismo pasivo; más bien, como seres humanos de carne y hueso con una voluntad moldeada por las circunstancias y valores característicos de su época: a veces adaptándose, a veces resistiendo, a veces sufriendo, a veces escapando y, a veces, cambiando cosas y probando nuevos modos.» «Escribir El regreso de Martin Guerre mientras trabajaba como asesora en la película me dio a conocer las diferencias entre contar la historia en prosa y contar la historia en el cine. Esa doble experiencia también me convenció de que con paciencia, imaginación y experimentación, la narración histórica a través del cine podría volverse más espectacular y más fiel a las fuentes del pasado.»

A partir de su propia experiencia cinéfila desbordada, Vicente Monroy desarrolla en este ensayo una apasionante historia de los mitos de la cinefilia y de sus argumentos fundamentales, de las múltiples formas en que el cine, ese arte joven pero siempre en crisis, ha llegado a enfermar a sus amantes. De Orson Welles a Martin Scorsese, pasando por los Cahiers du Cinéma o Serge Daney, pero también dialogando con la historia de la filosofía y de la literatura, Monroy consigue construir en estas páginas una elegante síntesis de las ideas y polémicas más profundas que se han dado sobre el cine y su significado histórico.

Todo comenzó cuando Charlotte Chandler fue enviada un día por la revista Playboy para entrevistar a Groucho Marx. Se cayeron tan bien que, desde entonces, durante seis años, hasta la muerte del genial humorista en 1977, a los 86 años, compartió con él casi diariamente sus tertulias de amigos, sus preciosos recuerdos lejanos y sus sarcásticas divagaciones sobre el pasado más reciente, así como el relato de las extravagantes vivencias y las más o menos gratas aventuras amorosas que ha protagonizado. Hasta tal punto fue estrecha la convivencia de Charlotte y Groucho que éste acostumbraba a decirle : «Me conoces más que yo». Quienes no creyeron una sola palabra de lo que Groucho contó sobre sí mismo en Grouchoy yo (Andanzas 168 y Fábula 30) podrán cerciorarse hoy, con esta biografía, de lo que era falso o verdadero, sin por ello dejar de pasarlo casi tan en grande como el propio Groucho viviéndola y la autora escribiéndola.

Partiendo no solo de su experiencia personal, sino también de la de otros creadores del arte del teatro, Konstantín Stanislavski se dedicó a conocer las leyes que regían el arte del actor. Muchos años de esfuerzos y de búsquedas lo condujeron a la enseñanza de lo que en la actualidad se conoce como el método; una manera de entender el acercamiento del actor a la vivencia y a la encarnación de los personajes.

José Val del Omar (1904 - 1982) es una de las figuras más importantes de la cultura española del siglo XX, y a la vez uno de sus cánones más iconoclastas y heterodoxos. Poeta y cineasta, filósofo y místico, artista y autor, inventor y cosmicuántico, estuvo toda su vida preocupado por la pedagogía y por darle un sentido a la existencia humana a nivel no solo teórico sino sobre todo en lo práctico y cotidiano. Con este ensayo, en el que se busca llegar hasta la raíz esencialista de su obra, Irene Davia nos adentra en su universo laberíntico y poliédrico, desde la entrada que nos ha dejado abierta sus escritos y, con ellos, sus influencias literarias y culturales, para así ofrecernos una semblanza humana de su cosmovisión.

Gustav Klimt (Viena, 1862-1918) fue uno de los fundadores del grupo de artistas conocidos como los secesionistas de Viena. Figura controvertida, defendía, por un lado, la tradición y, por otro, una representación con frecuencia radical de la mujer. Conocido en todo el mundo por su estilo luminoso y evocador, sus pinturas y murales continúan fascinando y cautivando. «Quien desee conocerme como artista debe contemplar mis cuadros con atención; sólo así podrá entender quién soy y cuáles son mis anhelos.» Gustav Klimt