Revisada y actualizada esta 3ª edición incluye nuevas películas y clasificaciones temáticas así como una revisión de las filmografías recomendadas. ¿Cambió Chinatown las reglas del género negro? ¿Qué significó para el cine la estructura episódica de Pulp Fiction? ¿Cómo afecta en Rashomon sus múltiples puntos de vista a la realidad? Este libro responde a un sinfín de preguntas en torno al cine, pasando revista a las mejores películas que ha dado el séptimo arte a lo largo de los últimos cien años. Con un lenguaje claro, carteles de época, fotogramas de filmes emblemáticos y originales infografíasla nueva edición actualizada de El libro del cine explora los personajes, las tramas y los temas de más de cien películas que han dejado huella más allá de la gran pantalla.

He aprendido que tienes que rezar por lo que no conoces –título generado por la Inteligencia Artificial de la obra Appropriate Response del artista Mario Klingemann– es una invitación a contemplar el mundo contemporáneo desde la particular óptica de una selección de cuarenta y nueve obras de arte que la Colección SOLO atesora. En este libro se reúnen los ensayos escritos por Julio Hontana, Pablo Caldera, Manuel Padín, Margot Rot, Claudio Hontana e Yvette Sánchez motivados por la exposición realizada en la Sala Amós Salvador de Logroño. Son ellos, cada uno desde su ámbito investigador, los encargados de desentrañar los aspectos ocultos de dicha selección, ofreciéndonos su personal visión del intrincado mundo de referencias estéticas y trasuntos conceptuales que las obras muestran. De este modo, el Antropoceno y sus consecuencias, lo monstruoso, el humor y la ironía, lo siniestro, el transhumanismo, el colapso y el propio acto de coleccionar se exploran a través del ukiyo-e y su eco en artistas orientales y occidentales próximos al superflat, el anime o la cultura del videojuego, pasando por la cultura pop y el lowbrow, hasta llegar al fértil y acelerado territorio de la creación artística new media.

La virtualización del mundo se impone en la sociedad de control neoliberal. En contraste con la iconofobia posmoderna, este libro iconófilo confía en la fuerza de la imagen cinematográfica para combatir la pérdida de realidad en un mundo dominado por el simulacro y por pseudoimágenes como las publicitarias. Antonio Rivera postula una nueva estética cinematográfica de la crueldad, que se funda en el reconocimiento de la precariedad de la imagen. Esto implica admitir la distancia insuperable entre la imagen y la vida, pero al mismo tiempo supone proclamar la potencia del montaje cinematográfico y de la mirada del espectador para «relacionar» la imagen con la realidad invisible y con la verdad. La estética de Rivera se basa también en la sustitución de la estructura teológica-estética que adopta el modelo hollywoodiense del cine por una estética democrática que suprime toda jerarquía entre narrar y mostrar, entre documental y ficción, entre géneros o entre los diversos elementos del filme. El pensamiento estético de este libro favorece la aparición de un nuevo espectador, capaz de realizar la tarea crítica –y política– de discriminar entre las imágenes con referencia en el mundo y las imágenes «idólatras» o abyectas sin sustrato real.

***NUEVA EDICIÓN AMPLIADA*** «Me inspiró y me hizo entender que hasta un genio como Lynch necesita la meditación para mantenerse feliz y seguir creando.» Rosalía «Una delicia inesperada [#] Abre la puerta, o al menos la entorna, de los hasta ahora insondables misterios de la imaginación de Lynch.» The Boston Globe Atrapa el pez dorado es un ensayo sobre el origen de las ideas y la creatividad que el cineasta americano aplica a su universo personal. El punto de partida del libro es la meditación, algo que le apasiona desde hace años y cuya práctica ha marcado su proceso creativo. Es, también, un compendio de pensamientos que busca fomentar la creatividad y en el que David Lynch aboga por dejar trabajar a la intuición, a la vez que va revelando, de forma ágil y amena, detalles sobre su carrera, sus películas, Hollywood... enlazando temas y lanzando ideas sobre música, pintura o cine. Esas ideas que, según él, son como peces persiguiendo el cebo del deseo. Esta edición conmemora los quince años desde la primera aparición del libro en inglés e incorpora, como extras, dos entrevistas inéditas de Lynch con Ringo Starr y Paul McCartney, a propósito de la meditación trascendental. La crítica ha dicho: «Con este libro disfrutarán tanto sus fans como quienes aspiren algún día a convertirse en cineastas.» Variety «Atrapa el pez dorado desvela, a su manera, uno de los mecanismos creativos más legendarios del cine moderno: cómo se le ocurren las ideas a David Lynch y cómo logra transformar ideas abstractas en imágenes gracias a la intuición.» El Confidencial «Un ensayo que cualquier persona dedicada al arte debería memorizar.» La Razón «Ideas sobre la meditación al servicio de la creatividad.» El País «Un fascinante recorrido por sus películas, mitos (ojo a las anécdotas con Fellini y Kubrick), experiencias personales y, sobre todo, la profunda revolución personal que le provocó la meditación trascendental. Revelador.» ABC

David Lynch realiza una original incursión en el género biográfico. Un libro magnético y particular. Espacio para soñar ofrece una mirada insólita a la vida personal y creativa del cineasta David Lynch, a través de sus propias palabras y las de sus colegas más próximos, amigos y parientes. En este libro singular, a caballo entre la biografía y las memorias, David Lynch se sincera por primera vez acerca de una vida dedicada a perseguir un imaginario único, deteniéndose en las penurias y las luchas que soportó para llevar a buen puerto sus proyectos heterodoxos. Las reflexiones de Lynch --líricas, íntimas y sin tapujos-- parten, capítulo tras capítulo, de las secciones biográficas que aporta su estrecha colaboradora Kristine McKenna, sustentadas en más de cien entrevistas inéditas con ex mujeres sorprendentemente francas, miembros de su familia, actores, agentes, músicos y colegas en todo tipo de disciplinas, cada uno con su propia versión de lo ocurrido. Espacio para soñar es un libro llamado a no perecer jamás, un pase exclusivo a las bambalinas de la vida y la mente de uno de los artistas más enigmáticos y sustancialmente originales de nuestro tiempo. La crítica ha dicho... «Si esperaban que la biografía de David Lynch fuese como cualquier otra, es que nunca han visto una de sus películas. Un libro fascinante.» The New York Times «Espacio para soñar bien podría ser el evangelio según David Lynch. Aquí hay infinidad de informaciones inéditas incluso para los más fanáticos. Y todo está contado con el formidable encanto del cineasta, una mezcla de entusiasmo juvenil y sabidurá cósmica.» The Washington Post «Las memorias de David Lynch iluminan los orígenes de su arte. El humor y las excentricidades de sus recuerdos y observaciones son uno de los innegables atractivos de este libro.» The Economist «Lynch es todo un maestro para los locos perversos e inquietantes, y también para los locos del montón.» The Sunday Times «Un libro gozosamente fuera de lo convencional. Lynch escribe como habla. Es plana y llanamente directo, alegremente profano y se entusiasma repentinamente con lo más inesperado.» The Big Issue «Descubrimos o redescubrimos aspectos singulares de su singular personalidad, todo ello desde una perspectiva honesta, algo excéntrica y también a ratos divertida y cálida. [...] A medio camino entre la biografía y las memorias, es un documento esencial para comprender mejor su a veces incomprensible universo.» Fotogramas «Para los que aman el delirio cinematográfico lynchiano. Espacio para soñar acaba por convertirse en un artefacto biográfico curioso e inevitablemente extraño.» Zenda Libros

Joana Biarnés se inició en el oficio con su padre, Joan Biarnés, colaborador de Mundo Deportivo, en campos de fútbol, donde tuvo que aguantar los chascarrillos gruesos de la grada por su imagen femenina, con falda y pelo rubio. Fue también su padre quien la alentó a formarse en la Escuela de Periodismo de Barcelona. Al acabar los estudios en 1959, los periódicos se negaban a darle trabajo por su condición de mujer, pero siguió trabajando de fotógrafa: foto fija de cine, publicidad, moda, fotografía industrial, entre otras. En 1963, una colaboración casual en Barcelona para el diario Pueblo hizo que el director del rotativo le ofreciera un contrato en la redacción de Madrid, donde fue la única mujer hasta 1967. Allí tuvo la ocasión de trabajar y aprender con grandes figuras del oficio. Tras dejar Pueblo en 1973, trabajó para Blanco y Negro, del diario ABC y, posteriormente, para algunas agencias. En 1985, en vista del creciente mercadeo amarillo de las noticias del corazón, decidió abandonar la profesión y dedicarse a su otra gran pasión: la cocina. En 1986, con su marido, el periodista francés Jean Michel Bamberger, montó con gran éxito el restaurante Cana Joana en Ibiza, que regentó hasta su jubilación, en 2007.

No todas las imágenes se ven. Algunas pasan tiempo escondidas, aunque acechen. Otras se camuflan o se exponen desafiantes. A veces son visibles pero apenas se perciben. Al ser producto de miradas furtivas, casi siempre son precarias y desatienden cualquier exigencia de nitidez o encuadre. Se muestran en secreto y en instantes de peligro. Es entonces cuando mutan al impactar con los cuerpos que las sienten, a los que desbordan y con-mueven. Circulan en el tiempo y transmiten saberes y memorias que, al desplegarse, modifican paradigmas y verdades hegemónicas. Infringen las leyes, siendo el reverso de censuras, amenazando, como imágenes siniestras, a la belleza y al orden social. Las imágenes que conforman los imaginarios clandestinos lo revuelven todo y son salvajes, indisciplinadas, polinizantes. Sin desvelarlas del todo, este libro propone un acercamiento a algunas de sus manifestaciones a través de nueve tramas entre distintos contextos y temporalidades. Desde una imagen de un anciano durante la Guerra Civil española hasta un antiguo centro de detención en Buenos Aires en el que hoy se practica tango milit

La vanguardia por definiciónEl expresionismo alemán es quizá el más importante de entre todos los movimientos de vanguardia que se gestan en los albores del siglo XX. Una época de violenta intensidad creativa, de disolución y transgresión de los valores culturales establecidos. En este libro, Juan Francisco Pastor Paris lleva a cabo un recorrido abrupto e iconoclasta que deriva de Edvard Munch a la abstracción de Kandinsky, pasando por Kirchner, Egon Schiele o Alfred Kubin; de la Nueva Objetividad de Max Beckmann a la narrativa fantástica de Gustav Meyrink y el cine de Paul Wegener o Friedrich W. Murnau.

La Belle Epoque trajo a España un auge teatral que la convirtió en el país con más oferta por habitante del mundo, y ello fue obra del teatro por horas o género chico. Este original formato incluía una gran variedad de obras. El mismo público a quien fascinaba la modernidad retratada en sus operetas, revistas y juguetes, se complacía con lo castizo de sainetes y zarzuelas.Juan y Miguel Etayo, documentalista y doctor en filología respectivamente, historiadores y estudiosos del teatro lírico, proponen un sorprendente itinerario que permitirá evaluar la magnitud e impacto social y cultural de este teatro, conocer su evolución, distinguir los subgéneros que lo componen y sus números musicales característicos, familiarizarse con sus temas, escenarios, asuntos y personajes, así como relacionarlo con los demás productos culturales de su tiempo. el que se revelan las profundas relaciones (relaciones sistémicas) entre la arquitectura y los diferentes niveles de organización vital: de la célula a la moderna sociedad red. Se trata, pues, de una síntesis teórica radical. Radical, no en el sentido extremist

Vivimos en una cultura que tiende a tematizar los cuerpos de deseo y a ignorar los cuerpos del cuidado. Que nos repite que tenemos la responsabilidad de preservar nuestros cuerpos pero que estigmatiza a aquellos que no pueden valerse por sus propios medios. Cuidar de los otros o de uno mismo es considerado un trabajo improductivo y, sin embargo, es el más importante y necesario. Todo lo demás depende de eso: el sistema social, económico y político, que trata a la población como una fuente de energía renovable, necesita de nuestro compromiso con la salud para garantizar su funcionamiento. Más allá de la fuerza que adquirió esta cuestión en la actualidad, la noción del "cuidado" se nutre de una larga tradición filosófica. Aquí Boris Groys revisita algunos de sus más notables episodios tomando a Platón como punto de partida, pasando por los aportes de Hegel, Heidegger, Bataille y Foucault para llegar al cosmista ruso Alexander Bogdanov. Las preguntas centrales que lo guían son: ¿quién encarna al sujeto del cuidado? ¿Debemos velar por nosotros mismos o confiar esta tarea a los otros, al sistema médico o a las

Rosalind E. Krauss, cofundadora y coeditora de la revista October, explora en "La originalidad de la Vanguardia y otros mitos modernos" a lo largo de quince ensayos, caracterizados a menudo por su talante combativo, las diferentes formas en que la ruptura estilística que dio origen al movimiento posmoderno ha obligado a cambiar diversas concepciones enraizadas en el arte del siglo XX. Asimismo, estudia el efecto que la reproductibilidad técnica ha tenido sobre los conceptos míticos «individuo creador», «obra original» o «estilo», y apunta desarrollos artísticos posmodernos en el ámbito de la escultura y las instalaciones.

Un recorrido por el Museo del Prado –por sus imprescindibles y sus olvidados– de la mano de una prestigiosa especialista. Paseos por el Museo del Prado. Por sus clásicos y sus olvidados. Por su historia, sus historias y sus recovecos. Siguiendo la estela del clásico Tres horas en el Museo del Prado de Eugenio d'Ors, Estrella de Diego nos propone un nuevo recorrido con una mirada del siglo XXI.Y así asoman por estas páginas imprescindibles como Las meninas de Velázquez leídas a la luz del Pierre Menard de Borges, o las obras de Goya; también cuadros históricos que hoy vemos con otros ojos e interpretamos con otra perspectiva, como Las hijas del Cid de Teófilo de la Puebla o Juana la Loca de Pradilla, o la escultura del Hermafrodito; y lienzos olvidados como los de Clara Peeters o el espléndido retrato de un león africano titulado El Cid de Rosa Bonheur, que durante demasiado tiempo estuvo guardado en los sótanos, acaso porque su autora era mujer y lesbiana, y si hoy hay que reivindicarla es sobre todo como una gran pintora a secas.El Prado inadvertido se mueve entre el ensayo y la memoria personal y es un homenaje a un museo que ha acompañado a la autora a lo largo de toda su vida. Un museo cargado de pasado y de futuro; un espacio vivo, que se va transformando a través de las miradas de las sucesivas épocas. Porque, como dice Estrella de Diego: «Los museos, como las palabras y las historias y las imágenes, van cambiando a cada paso; llenándose de narrativas diferentes y nuevas, las que exigen los cambios en el gusto, las que persiguen las transformaciones en el concepto de calidad; las que se construyen, aun sin saberlo, desde las leyes del extranjero: traer y llevar las preguntas. Es cuestión de sacar lo olvidado a la luz –aunque lo olvidado sea diferente en cada momento histórico– y rescatar lo excluido teniendo clara una cosa: por mucho que tratemos de recuperar lo excluido, siempre quedará algo fuera, alguien fuera.»

¿Cómo crear un personaje? ¿Cómo conseguir que sea memorable, único, profundo y contradictorio? ¿Qué tienen en común Ulises, Carrie Bradshaw, Blanche DuBois y Walter White? El personaje es un recorrido por los fundamentos básicos para crear buenos personajes. Desde cómo Occidente se ha planteado a lo largo de su historia el arte de la poiesis, a las diferentes formas de abordar la construcción de un personaje, pasando por el análisis de personajes míticos de la literatura, del cine o de la televisión o cuáles son las claves para mejorar los procesos creativos. Robert Mckee nos guía por las convenciones de la ficción para que podamos sacar el máximo partido a nuestras historias, con un planteamiento práctico, multidisciplinar y heterogéneo.

Este tratado será el acompañamiento perfecto para quien desee adentrarse en el apasionante oficio de la escritura teatral. De gran vocación didáctica, le orientará, paso a paso, para abordar y consolidar los principios del drama. En esta guía, tanto de dramaturgia como de creación original, el autor nos propone un recorrido progresivo en tres fases: ‘De la diégesis al drama', ‘Los elementos dramáticos' y ‘La síntesis dramática'. La primera parte –no totalmente teatral– es aproximativa; las otras dos –exclusivamente dramáticas–, integradoras. Las tres fases se dividen, a su vez, en pasos, apartados y subapartados que plantean diferentes nociones dramatúrgicas. Los distintos fundamentos teóricos adquiridos se afianzan mediante ejercicios prácticos con premisas específicas. Ser, ante todo, un simple fedatario de la acción misma y de las actuaciones físicas y/o verbales de los personajes conlleva no poca dosis de humildad, supone una labor tan ardua como atractiva cuando poco a poco, paso a paso, se va entendiendo y dominando. Una labor encaminada a un objetivo espléndido: que el texto dramático se estime por su grandeza y complejidad. Julio Escalada es actor y profesor de dramaturgia y de interpretación. Actualmente ejerce como docente en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD) adscrito al Departamento de Escritura y Ciencias Teatrales. Galardonado como autor dramático, con obras como Invierno, ha estrenado tanto textos dramáticos propios (En el borde o El peso de la religión) como adaptaciones (Una mujer sin importancia de Oscar Wilde o La señora y la criada de Calderón). Para Editorial Fundamentos tradujo y editó los soberbios Disparates de Llorenç Villalonga.

Un viaje al entorno fabuloso de estas criaturas, situadas entre la vida y la muerte.“Todas las culturas han conocido seres equivalentes al vampiro, es decir, criaturas nocturnas que chupan la sangre de los humanos, sobre todo de niños y mujeres; aún más, incluso antes de las culturas escritas conocidas, en los pueblos prehistóricos también existieron leyendas sobre este tipo de seres sobrecogedores."

El ser humano ha sentido siempre la necesidad de expresarse en los muros de la comunidad. Desde la pintura rupestre, pasando por las inscripciones romanas, hasta el arte callejero de las ciudades de hoy, mujeres y hombres de todos los tiempos han evidenciado su creatividad más allá de los espacios artísticos oficiales. Este libro, con excelentes fotografías a todo color, te propone un recorrido por la obra de cincuenta grafiteras, artistas callejeras y muralistas cuyas intervenciones pueden verse en España. Junto a las imágenes, el relato en primera persona de su trayectoria vital y creativa: la doble lucha de la artista callejera por encajar en un mundo tradicionalmente masculino y reivindicar su arte frente al poder estatal. El texto se complementa con una breve historia del grafiti, street art y muralismo e incluye un glosario para navegar los diferentes términos. DIEGO LÓPEZ GIMÉNEZ, titulado en Documentación por la Universitat de València, es colaborador en diversas publicaciones y bloguero en redes sociales con miles de seguidores. Apasionado del grafiti y el street art, es autor de otros libros de divulgación como 'Valencia en grafitis', 'Herbario urbano del Mediterráneo', 'Árboles asombrosos de la Comunitat Valenciana' y 'Sobrevivir al cambio climático'.