Libro ganador del ganador de la II edición de Fotocanal, Libro de fotografía 2017

La huida biográfica configura una exhaustiva panoplia de las más interesantes líneas de fuga del género biográfico entre los siglos xx y xxi. Mediante el análisis interrelacionado de obras concretas de W. G. Sebald y Pascal Quignard, Antonio Tabucchi y Pierre Michon, Max Aub y Ricardo Menéndez Sal-món, Stefan Hertmans y J. G. Ballard –todas las cuales se centran en la figura de algún artista–, Cristian Crusat dibuja un mapa transnacional de reconocimientos, tensiones y poéticas narrativas. Así, además de constituir líneas de fuga y contribuciones decisivas en relación con las posibilidades de la escritura biográfica contemporánea, estos libros se sumergen en aquello que E. Kris y O. Kurz denominaron «la leyenda del artista», problematizándola. Es decir, revisan las actitudes de la sociedad para con el artista y la manera en que este es percibido, reelaborando a un tiempo los asuntos típicos y los temas habitualmente relacionados con su trayectoria vital: la juventud, el descubrimiento del talento, el auto-didactismo y la fuerza del destino, el fracaso y la impostura, la melancolía, la pulsión negativa y la tendencia al ocultamiento... Al profundizar en la «historia no académica de la biografía», que ya articuló en Vidas de vidas, Crusat examina un corpus de líneas de fuga de la literatura biográfica que, en realidad, lo son también del más relevante arte narrativo, entendido este como un espacio de exploración de la escritura y de los problemas de articulación de un ser en el mundo. Cristian Crusat (1983) es autor del ensayo W. G. Sebald en el corazón de Europa (WunderKam- mer, 2020), la novela Europa Automatiek (Sigilo, 2019), el artefacto fronterizo Sujeto elíptico (Pre-Tex-tos, 2019), la monografía Vidas de vidas. Una historia no académica de la biografía (Páginas de Espuma, 2015) y los libros de relatos Solitario empeño (Pre-Textos, 2015), Breve teoría del viaje y el desierto (Pre-Textos, 2011), Tranquilos en tiempo de guerra (Pre-Textos, 2010) y Estatuas (Pre-Textos, 2006). Ha recibido, entre otros, el Premio Tigre Juan de Narrativa 2019, la Beca Leonardo 2017, el Premio Málaga de Ensayo 2014 y el European Union Prize for Literature 2013. Su trabajo ha sido antologado en volúmenes como Cuento español actual. 1992-2012 (Cátedra, 2014) y traducido al inglés, francés, italiano, neerlandés, búlgaro, macedonio, turco, checo, albanés, hebreo y croata. Editó, prologó y tradujo los artículos y ensayos críticos de Marcel Schwob en El deseo de lo único. Teoría de la ficción (Páginas de Espuma, 2012). Asimismo, ha coordinado dosieres monográficos y publica artículos, reseñas y traducciones en revistas como Hispania (AATSP), Hispanic Research Journal, Foro Hispánico, Revista de Occidente o Cuadernos Hispanoamericanos. Doctor en Literatura Comparada por la Universidad de Ámsterdam, ha ejercido la docencia e investigado en universidades de España, Francia, Países Bajos, Marruecos y Estados Unidos.

Autobiografía novelada en torno a la condición de espectador y la deriva del cine contemporáneo. Mezclando discursos como el ensayo, la crónica y el diario íntimo, Carlos Losilla nos sumerge en un soliloquio en el que se empeña, una y otra vez, en salvar algo, por poco que sea, de los restos de ese naufragio. ¿Por qué un diario? Pues quizá porque quien escribe ya no confía en los demás discursos, ni en el artículo académico ni en el ensayo especulativo. Por eso empieza a hablar de una de las cosas que más le gustan, el cine, de una manera azarosa, como si se tratara de un monólogo interior. Y por eso inventa un personaje que es él y no es él, aunque no pueda dejar de construir teorías, de regresar a sus temas de siempre… A lo largo de un año habla de Tarantino y Pedro Costa, de Hong Sang-soo y Kelly Reichardt, intenta adivinar qué es y ha sido el cine para él, e incluso se propone demostrar que las películas de los 50 y los 70 son las más importantes de la historia hasta que el empeño se revela imposible, hasta que la realidad se impone en forma de ciencia-ficción, de una pandemia que todo lo detiene. Y entonces se da cuenta de que su diario, su escritura, es solo eso: una lucha entre la ‘ciencia' y la ‘ficción' en la que esta última siempre sale vencedora.

Acceder al profundo simbolismo del Tarot de Mantegna sólo es posible adentrándonos de lleno en la riqueza cultural de la sociedad en la que fue creado: el Renacimiento italiano. Este libro se propone viajar al corazón del humanismo florentino de la mano de pensadores como Marsilio Ficino, Giovanni Pico della Mirandola o el bizantino Plethon. Las estampas del tarot de Mantegna fueron creadas bajo la inspiración de las propuestas mágicas y filosóficas de estos autores.Un halo de misterio ha rodeado desde hace siglos a esta colección de cincuenta grabados: no se sabe cuál es su lugar de origen, la fecha en la que se crearon, ni siquiera quiénes fueron en realidad sus creadores. Esta nueva edición del especialista en simbología sagrada y tradición hermética Raimon Arola nos permitirá conocer algunos de los secretos de este sorprendente juego de cartas que no sólo servía para el divertimento, sino que podía predecir el futuro y lanzar herméticas profecías.

Texto universitario para preparar las asignaturas del mismo nombre que se imparte en diferentes Grados de la UNED.

En Arte y Objetos, el cofundador de la Ontología Orientada a Objetos (OOO) desarrolla su visión de la estética como disciplina central de la filosofía. Harman trata en particular de revivir el tema fundamental de la autonomía, aplicada ahora (como Kant nunca lo hizo del todo) a las bellas artes y reconfigurada con otras ideas de Heidegger, Husserl, los críticos formalistas Clement Greenberg y Michael Fried, y el teórico del «actor-red» Bruno Latour. Cuando experimentamos el arte -lo que en principio significa cualquier tipo de arte, aunque Harman se centra casi exclusi­vamente en la pintura- «el observador y la obra de arte se fusionan en un tercer objeto superior, con el corolario de que este tercer término es clave para arrojar nueva luz sobre la ontología del arte».

Chinatown es uno de los filmes más memorables de la que posiblemente sea la década más memorable del cine estadounidense. Incluido de manera habitual en las listas de las mejores películas de la historia, su exquisita mezcla de clasicismo y modernidad, nostalgia y desencanto, belleza y sordidez, le han garantizado un lugar especial en el corazón de numerosos cinéfilos, pero hasta ahora nadie había contado al detalle la increíble historia real que rodeó tanto la preparación como el rodaje de este auténtico hito de Hollywood. Tomando la realización de Chinatown como punto de partida, Sam Wasson va mucho más allá del simple «cómo se hizo» para explorar y contextualizar el filme como un punto de inflexión en la cultura general, retratando el glorioso periodo que lo alumbró y entretejiendo de paso las vidas de cuatro individuos sumamente imperfectos (Jack Nicholson, Roman Polanski, Robert Evans y Robert Towne) y el modo en que llegaron a coincidir una sola vez para crear una obra de arte casi perfecta.

Escrito en 1966, El arte como oficio se ha convertido en el gran ensayo clásico de entre todos los que escribió Bruno Munari. Este libro es un valioso y singular intento por situar la importancia de los "nuevos productores de formas" del mundo contemporáneo en relación con el arte y con la experiencia personal de nuestra vida cotidiana. Con ello, Munari logra hacernos observar de una manera activa y tomar conciencia del mundo formal que nos rodea al tiempo que pone en valor la labor de los diseñadores, personajes que no solo se erigen como responsables de la creación de objetos funcionales y estéticos, sino que ejercen de auténticos moldeadores "democráticos" del gusto. Repleto de ejemplos y referencias a nuestra vida diaria, esta obra nos invita constantemente a detenernos y a repensar las formas que nos rodean. Desde la visualidad de las letras escritas o dibujadas hasta la versatilidad de un material como el bambú, pasando por el valor de una cuchara o unos peldaños desgastados por el uso, o el brutal contraste entre las ostentosas cuberterías europeas y la modestia de los palillos japoneses, Munari nos introduce con la facilidad y la sencillez de los grandes maestros a las grandes cuestiones teóricas de las disciplinas del diseño y la creatividad.

Desde hace dos décadas se están produciendo profundas rupturas en los cines africanos por diferentes causas: una nueva relación con la realidad, renovadas estrategias estéticas y la aparición de un cine popular poscolonial. Olivier Barlet aborda en esta obra las cuestiones críticas que plantean estas evoluciones, ofreciendo una visión personal del desarrollo reciente de una cinematografía todavía poco conocida, pero que lucha por ocupar su lugar en el cine mundial. Este libro, que ha sido traducido también al inglés y al árabe, es una síntesis indispensable para desafiar las ideas preconcebidas y para enriquecer el enfoque del cine como arte crítico. “La labor de Olivier Barlet, incansable investigador y crítico apasionado de los cines africanos, es digna de elogio”. (Cahiers du Cinéma) “La nueva obra de referencia sobre todos los temas que aborda el cine en África”. (Slate Afrique) “Olivier Barlet es una enciclopedia viviente del cine africano”. (Jeune Afrique)

Las artes son una herramienta valiosa y útil para trabajar en contextos sociales y comunitarios. En los centros donde se atiende a personas con problemas sociales diversos, se desarrollan talleres y proyectos de teatro, danza, fotografía, vídeo, música, artes plásticas y visuales y de escritura creativa, en los que los sujetos se implican en procesos de creación. Esta obra pone la atención en los procesos personales, grupales y comunitarios que las artes desarrollan y en cómo acompañar esos procesos desde una perspectiva socioeducativa.