A través de su estilo decorativo inconfundible, el artista checo y maestro del art nouveau Alfons Mucha (1860-1939) definió la estética de fin de siglo. Sus sugerentes composiciones de motivos ornamentales, flores y bellas mujeres de evocadoras tonalidades melocotón, oro, ocre y oliva se convirtieron en paradigmas de los años de la Belle Époque.La obra de Mucha dejó su impronta en las ilustraciones, los carteles, las postales y los anuncios de su época. Sus llamativos carteles de la actriz Sarah Bernhardt se hicieron especialmente famosos. Junto a su delicada obra decorativa, Mucha también enarboló fuertes convicciones políticas. A través de su monumental ciclo Epopeya eslava expresó su apoyo incondicional al paneslavismo, que propugnaba la independencia política de las naciones checa y eslava del Imperio austrohúngaro.Este libro, realizado con la colaboración de la Fundación Mucha, ilustra las obras principales y presenta todas las facetas artísticas de Mucha, desde motivos decorativos hasta ilustraciones de libros, pasando por carteles, fotografías y pinturas monumentales.

Collage firmado por mujeres presenta 50 mujeres artistas del collage de proyección internacional, a través de una rigurosa selección de sus trabajos. Comisariado por la artista del collage Rebeka Elizegi, el libro recoge expresiones artísticas de distint

En 1990, durante un congreso cinematográfico en La Habana, Román Gubern conoció a un sacerdote catalán llamado Enrique Planas que resultó ser el dirigente de una institución que desconocía: la Filmoteca Vaticana. Cuando Gubern se instaló en Roma como director del Instituto Cervantes, el sacerdote catalán lo contactó y le propuso participar en las preparaciones vaticanas para celebrar el centenario del cine. Esta propuesta le permitió indagar en la Filmoteca Vaticana, su colección de películas religiosas y las leyendas en torno a otro tipo de materiales; elaborar una propuesta de lista de mejores películas con valores ejemplares (en el libro hay tres listas vaticanas oficiales, donde las películas se clasifican según sus valores religiosos, sociales y humanos y artísticos) y participar en la designación del santo patrono del cine.

Un maravilloso manuscrito inédito del escultor Ángel Ferrant. Una generosa colección de sentencias, indicaciones aforísticas y enseñanzas de las que se sirvió en sus clases de modelado. Rotuladas sobre papel colgaron a modo de avisos en su taller de enseñanza.

Luis Quintanilla, fue, como otros muchos hombres de su generación, un espíritu inquieto, que le llevó a recorrer el mundo y que, al reconocer su verdadera vocación, la pintura, se instaló en el mágico París anterior a la Primera Guerra Mundial, donde conoció a grandes artistas como Degas, Modigliani, Picasso, Chagall y un larguísimo etcétera, destacando su amistad con Juan Gris, su verdadero maestro en su etapa cubista. Aprendió a pintar al fresco en Italia, donde llegó a conocer A Mussolini. El ascenso del fascismo le llevó a su vuelta a España a afiliarse al PSOE. Por espacio aproximado de un año permaneció en la Cárcel Modelo de Madrid, al ser detenido en su estudio el Comité Revolucionario que organizaba la Huelga General de 1934. Su descripción del diario acontecer en prisión resulta sorprendente. En la Guerra Civil, su compromiso con la causa republicana le obligó a desempeñar tareas más propias de un militar que de un artista. En 1937 recorrió los frentes de guerra realizando una magnífica colección de dibujos que se expusieron en el MoMA de Nueva York. En 1939, asentado en esa ciudad, realizó los frescos para la Exposición Universal, desaparecidos durante décadas y que hoy se exhiben en el Paraninfo de la Universidad de Cantabria. Sobre estos acontecimientos descubrimos abundante información en estas apasionantes memorias, que finalizan en 1939. También se habla de su largo exilio en Nueva York y París, a través del estudio introductorio, así como del rocambolesco proceso de recuperación de los frescos de la guerra. Luis Quintanilla (Santander, 1893-Madrid, 1978). Fue marinero, boxeador, pintor, dibujante, fresquista, repujador, grabador, ceramista, escritor, espía, memorialista, retratista, escenógrafo, cineasta, autor teatral, ensayista e ilustrador. Le sorprendió la guerra dando las últimas pinceladas a los frescos del Monumento a Pablo Iglesias, a partir de ese momento se compromete con la II República con encargos que le posibilitan como un extraordinario testigo de guerra: participó en el asalto al Cuartel de la Montaña, vivió la situación del Alcázar de Toledo y dirigió una red de espionaje que tenía a Luis Buñuel como intermediario con la Embajada Española en París. En 1938 parte hacia Nueva York para pintar los frescos de la Guerra Civil. Inicia así un largo exilio primero en EEUU y desde 1958 en París, allí redacta sus memorias Pasatiempo. La vida de un pintor. En 1976 regresa a España, donde muere dos años más tarde. Esther López Sobrado. Biógrafa de Luis Quintanilla, ha comisariado las exposiciones: Luis Quintanilla. El legado de Paul Quintanilla y Luis Quintanilla, testigo de guerra. Se ha ocupado de la edición de los siguientes textos del pintor: Los cuentos de Mariviento, De pintura. Vidas comparadas de artistas, La España negra de Franco o Los rehenes del Alcázar de Toledo. Su trabajo ha sido esencial en el rescate de los frescos de Quintanilla Ama la paz, odia la guerra, recuperados por la Universidad de Cantabria, y ha sido la documentalista de Los otros Guernicas, de Iñaki Pinedo, documental en el que se recoge la peripecia vital del pintor y las andanzas de los frescos, preseleccionado en 2011 para los Premios Goya.

La vida y la muerte han sido siempre temas sugestivos en todo tipo de artes. Desde la pintura a la música, pasando por la literatura, el cine, las artes visuales y cualquier otra manifestación artística, creadores de todos los tiempos han alimentado con ellas nuestro imaginario colectivo. El tema subyacente en ese camino a recorrer entre la una y la otra (y que afecta cada una de nuestras expresiones humanas) es la salud. Los textos de este libro nos hablan sobre salud pública ?y privada? y su relación con la cultura, el arte, la historia, la filosofía, la medicina, la democracia, la igualdad, la justicia, la libertad, el género, la economía, los medios de comunicación, el trabajo, el medio ambiente, la enfermedad, el cuerpo, el placer, los sueños, el amor, el dolor y, claro, la condición humana. Con el arte como denominador común y escrito por un magnífico abanico de profesionales de la salud, este es un libro destinado a aquellas personas interesadas por la calidad del sistema sanitario, y la calidad de vida, la educación, las emociones, la ciencia, la política, el Estado y el papel de todos ellos en la felicidad y el bienestar ciudadano, tanto individual como colectivo.

La asombrosa correspondencia pasional de quince grandes escritoras y las historias amorosas que las inspiraron, por la ganadora del Premio Planeta. «Quiero escribirte esta noche una carta de amor», escribe Katherine Mansfield al amante que más tarde se convertiría en su marido. A través de sus cartas, inéditas hasta ahora en español -al igual que muchas otras que recoge este libro-, su voz más íntima se une a la de otras grandes escritoras que sintieron la urgencia de revelar lo inconfesable, el poder del deseo, la insoportable incertidumbre, la desesperación, el dolor de una pasión no correspondida o la inmensa felicidad de amar y ser amado. La abadesa Eloísa de Argenteuil, ya en el siglo XII, se enfrenta al Infierno por escuchar a su carne; Simone de Beauvoir se empeña en destruir cualquier rastro burgués en el amor y en la vida; Ninon de Lenclos rechaza todos los tópicos sobre el arrebato amoroso; la romántica George Sand busca morder el amor hasta sangrar; la madre del feminismo, Mary Wollstonecraft, está dispuesta a ceder todas sus libertades -e incluso a acabar con su vida- si no consigue la entrega de su ser adorado; también la brillante y talentosa Charlotte Brontë implora el afecto de un hombre casado y espera la respuesta a sus cartas más que un mendigo un trozo de pan. Mientras María Zambrano vuelca en las cartas a un amor de juventud su anhelo de matrimonio, Marina Tsvietáieva busca en el amor sin límites la fuente de su inspiración poética o Julie de Lespinasse es capaz de amar al mismo tiempo y con igual intensidad a dos hombres, Emilia Pardo Bazán se revela con gran sensualidad y sexualidad escribiendo a Galdós, y lucha por mantener en secreto su relación... Ángeles Caso nos presenta estas cartas reveladoras y fascinantes, y nos cuenta en las biografías de cada autora -una suerte de «micronovelas»- las historias que les dieron origen: un mapa de la sensibilidad femenina a lo largo de la Historia, una inspiración para escribir cartas de amor, y para amar -e incluso para dejar un amor que nos destruye. Un libro para leer, releer y atesorar. La crítica ha dicho... «Un libro espléndido. Las cartas de amor aquí reunidas no son cartas de seducción (una carta de amor nunca lo es), son cartas de rendición, de entrega absoluta, [...] piezas literarias de altos vuelos, literatura de la importante, de la que te salva. [...] Así que si la vida les parece a ratos demasiado insoportable o chabacana o si temen la llegada de las Navidades y todo lo que conllevan, ya tiene un posible remedio: abrir este libro por cualquiera de sus páginas.» Milena Busquets, El Periódico «Caso filtra el amor con las mejores plumas de la historia.» Charo Lagares, Marie Claire «Una más que sugerente propuesta.» Carmen R. Santos, ABC «Acceder a los textos íntimos de estas escritoras es un privilegio: cada una se muestra en el amor como en su obra, con su estilo y su voz. [...] Un catálogo de relaciones, una cronología universal de los amantes: profundamente enternecedor.» Aloma Rodríguez, El Mundo (La Esfera de Papel)

En medio del clima artístico con tendencias realistas del gótico tardío y el Renacimiento temprano, el pintor holandés Jerónimo Bosch, El Bosco (aprox. 1450-1516), constituyó una extraordinaria anomalía. Sus pinturas están pobladas de escenas grotescas protagonizadas por seres fantásticos que sucumben a toda índole de fantasías, angustias y anhelos humanos. Una de sus grandes genialidades fue tomar las representaciones figurativas y escénicas conocidas como drolleries, que utilizan monstruos y seres grotescos para ilustrar los pecados y el mal, y trasladarlas de los márgenes de los manuscritos miniados a pinturas en retablos de gran formato. Junto con los híbridos tradicionales de hombre y bestia, como los centauros, y criaturas mitológicas como unicornios, diablos, dragones y grifos, encontramos también incontables monstruos surgidos de la imaginación del artista. Muchas escenas secundarias ilustran proverbios y frases hechas de uso común en tiempos de El Bosco. En el tríptico La tentación de san Antonio, por ejemplo, el artista retrata al demonio mensajero calzado con unos patines de hielo, reflejo de una expresión popular: el mundo «patinaba sobre hielo», es decir, se había desviado del camino correcto. El Bosco fue especialmente innovador en la traslación pictórica de proverbios.La obra de El Bosco (cuyo nombre era en realidad Jheronimus van Aken) ha sido objeto de profusas copias e imitaciones: de hecho, el número de obras de discípulos de El Bosco que ha llegado hasta nosotros supera en más de diez veces la producción del propio maestro. En la actualidad, solo 20 pinturas y ocho dibujos se atribuyen con total certeza a la mano de El Bosco, quien continúa siendo considerado un visionario, retratista de sueños y pesadillas, además del pintor por antonomasia del averno y sus demonios.El presente libro, publicado con motivo del próximo 500 aniversario de la muerte del pintor, incluye nuevas fotografías de obras restauradas recientemente y abarca el conjunto de la obra del artista. Descubra el ingenio pictórico de El Bosco en maravillosas reproducciones, ricas en detalles, y en un enorme desplegable de más de 110 cm de anchura de El jardín de las delicias. Stefan Fischer, historiador del arte y reconocido experto en la materia, explora qué elementos de El Bosco y de su obra hicieron de él una figura tan influyente.

El reciente descubrimiento de una carta de Cézanne a Zola, posterior a la considerada "carta de ruptura", ha supuesto un brusco giro en los estudios sobre el tema. Si hasta ayer se pensaba que Cézanne rompió unilateralmente con Zola herido por la publicación de la novela "La obra", hoy es una idea que no se puede ya mantener. La aparición de la carta ha servido no solo para matizar la biografía (que no es poca cosa...), sino que ha supuesto una cuña que ha permito abrir cuestiones políticas sobre el compromiso de ambos creadores y sobre la relación de su obra con un compromiso tal, cuestiones cerradas en falso y que pedían a gritos reabrirse. En esta edición traducimos un buen montón de correspondencia y otros tantos documentos (varios de ellos, como la citada carta de Cézanne, muchas cartas y algún texto de Zola, inéditos en castellano) que dan luz a unos perfiles también inéditos y, desde luego, sorprendentes de ambas figuras centrales. ¿Cómo es posible que Cézanne, icono de la modernidad, fuera una persona de misa diaria, que fuera un patriota (pero evitara el servicio militar en diversas ocasiones...), que Manet le supusiera un enemigo a batir pictóricamente, que abandonara retratos y amistades al enterarse de la filiación de su modelo, o sus amigos o que tuviera entre sus lecturas favoritas las revistas antisemitas más en boga? Y, ¿cómo que Zola, retratista de la clase trabajadora, fuera un furibundo enemigo de la Comuna, llegando a justificar los 40000 asesinatos de la represión llevada a cabo por el gobierno francés, que también se opusiera al socialismo revolucionario con toda contundencia, que estuviera constantemente ampliando su mansión de Medan, que tomara partido por Manet frente a su amigo Cézanne o que en sus cuentos los únicos trabajadores retratados benévolamente sean los resignados (lo que le costó la censura del mismísimo Victor Hugo)? Chocantes materiales precedidos de un prólogo del prestigioso profesor de Cambridge, Robert Lethbridge, uno de esos intelectuales que han sido capaces de extraer todas las consecuencias de este nuevo descubrimiento.

El alcance de las reflexiones de John Berger es tan diverso como sustancial e influyente. En 1972, Berger revolucionó la teoría del arte con el programa televisivo Ways of Seeing, que posteriormente se publicaría en el célebre libro homónimo Modos de ver. Poco después aparecieron Mirar y Otra manera de contar y, en paralelo, la obra artística y literaria de Berger. La presente antología viene a llenar un vacío en la publicación de su obra teórica y reúne, por primera vez en un solo volumen, los textos sobre fotografía más importantes del artista e intelectual británico. Los cerca de veinticinco ensayos que componen este volumen, cuidadosamente seleccionados por el novelista y ensayista Geoff Dyer, aparecen ordenados cronológicamente en un recorrido donde se suceden desde textos emblemáticos ya publicados en algunas de las obras más conocidas de Berger, hasta artículos inéditos aparecidos en catálogos de exposiciones. También comparte sus visiones con colegas como Sebastião Salgado o Martine Franck y nos regala brillantes reflexiones sobre la obra fotográfica de Henri Cartier-Bresson, Paul Strand o Eugene Smith. Un conjunto reflexivo de peso que pasa a formar parte por derecho propio de las grandes obras sobre el medio fotográfico.

ste libro reúne los dos textos que Ivo Andric, premio Nobel de Literatura en 1961, dedicó al gran pintor español Francisco de Goya. En el primero, el escritor resume la vida del pintor y analiza algunos de los aspectos biográ cos más decisivos para entender el estilo y los temas en su obra. En el segundo, Andric recrea una conversación con Goya, quien se le aparece en un viaje a Burdeos, ciudad donde el pintor pasó sus últimos años. Y pese a que Goya le confiese su falta de elocuencia, y hasta la reivindique como el resultado de su apego a la sencillez, su voz suena clara y su discurso es luminoso. Andric realizó así el homenaje más generoso que un escritor puede rendir a un pintor: prestarle las palabras para expresar de otro modo lo que las imágenes pueden seguir revelándonos dos siglos después de haber sido creadas. Para comprobarlo, al lector le bastará contemplar las treinta reproducciones de obras de Goya alojadas en el Museo del Prado que se incluyen en las últimas páginas del libro.

El ultraísmo en España, publicado en 1925, es el primer libro crítico acerca del movimiento ultraísta. El autor, Manuel de la Peña, había participado directamente y de modo destacado en la vida del movimiento, sobre todo durante sus años finales, como editor de las revistas Vértices (1923-24) y Tobogán (1924-25) y como poeta, con la colección Bordón (1925). En El ultraísmo en España, pues, Manuel de la Peña escribe desde una perspectiva privilegiada pero algo partidista, utilizando su familiaridad directa con las actividades ultraístas pero igualmente demostrando sus propias preferencias y afinidades dentro del movimiento. En el momento de su aparición El ultraísmo en España se presentó como la primera entrega de una serie de cuatro volúmenes, que desgraciadamente no llegaron a publicarse. Este detalle explica la selección de poetas cuya obra se estudia aquí César González-Ruano, Gerardo Diego, Rafael Lasso de la Vega, Guillermo de Torre, Eduardo de Ontañón, donde evidentemente faltaban varias de las figuras ultraístas más destacadas. De todas maneras, el libro nos ofrece una visión valiosa y única de lo que fue el primer movimiento de vanguardia en España. Manuel de la Peña (h. 1900- ¿?) empezó su carrera literaria colaborando, durante 1917-18, en la revista Los Quijotes. Fue miembro de la tertulia del Café de Platerías y amigo de César González-Ruano y José Ojeda. Tras un hiato de unos años, reanudó su actividad, sirviendo como secretario y luego director de la revista ultraísta Vértices (1923-24) y como director de Tobogán (1924-25) y su filial Ediciones Tobogán (1925). Allí publicó también su único libro de poesía Bordón. Poemas 1922 (1925). Ese mismo año colaboró en Plural y en otra revista de distinta índole, Castilla Gráfica. Culminando su trabajo literario para 1925, publicó El ultraísmo en España, y a partir de 1926 volvió a desaparecer, con mínimas excepciones, de la escena cultural madrileña. Andrew A. Anderson es profesor de literatura española en la Universidad de Virginia. Es especialista en la obra de García Lorca, la vanguardia histórica española (Futurismo, Ramón Gómez de la Serna, Ultraísmo, Sebastià Gasch, Salvador Dalí, Giménez Caballero, Surrealismo), el teatro de entreguerras y la historiografía literaria de la misma época. Sobre Lorca ha publicado Lorca's Late Poetry: A Critical Study (1990), Federico García Lorca en Nueva York y La Habana. Cartas y recuerdos (2013, con Christopher Maurer), y diversas ediciones críticas, entre ellas Diván del Tamarit. Llanto por Ignacio Sánchez Mejías. Seis poemas galegos (1988), Epistolario completo (1997, con Christopher Maurer), y Poeta en Nueva York (2013). Sobre la vanguardia cuenta con cuatro monografías: El veintisiete en tela de juicio. Examen de la historiografía generacional y replanteamiento de la vanguardia histórica española (2005), Ernesto Giménez Caballero: The Vanguard Years (1921-1931) (2011), El momento ultraísta. Orígenes, fundación y lanzamiento de un movimiento de vanguardia (2017) y La recepción de las vanguardias extranjeras en España: cubismo, futurismo, dadá (2018).