La leyenda del vampiro más cinematográficoAntes de ser elevada por el cine y por innumerables series de novelas a uno de los puestos privilegiados del imaginario actual, la leyenda del vampiro alcanzó un gran reconocimiento en este clásico de la literatura de terror. En ella se sintetizan magistralmente las pulsiones más profundas del ser humano: la vida y la muerte, la sexualidad y el bien y el mal.

1912 es el año correspondiente a este séptimo volumen de los artículos de G.K. Chesterton. Año del hundimiento del Titanic; del setenta aniversario del semanario londinense The Illustrated London News para el que escribió entre 1905 y 1936; año del escándalo Marconi, que puso en jaque a David Lloyd George, Chancellor of the Exchequer (equivalente al ministro de Hacienda, en Inglaterra); año de la publicación de su revitalizadora novela Manalive, así como de la publicación del conjunto de ensayos The Great State de H. G. Wells, con quien continuará sus divertidas, inteligentes y lúcidas discusiones... sin olvidar a un contrincante habitual: el dramaturgo George Bernard Shaw. 1912, el año en que Chesterton funda The Players' Club, una compañía teatral, y cuando comienza a construir su estudio en Beaconsfield. Los intereses de Chesterton son muchos, pero su mirada no es dispersa sino precisa, rebosante en ingenio y humor hasta la hilaridad, a la vez que elegante y erudita, una mirada que parece no dejar nada fuera de su campo de visión: las feministas y la discusión sobre quiénes debían tener prioridad en las barcas de salvamento cuando el naufragio del Titanic; los intelectuales y la opinión pública; la apatía de la sociedad y los fundamentos del Estado; los legisladores y aquellos proyectos de ley que carecen de principios precisamente porque los políticos se ponen de acuerdo «sobre el principio» de tal proyecto; la literatura de Tolstoi, Dickens, Dostoievski, Byron, Wilde, entre otros; y la estupidez de la gente culta, esa que dice Chesterton se encuentra «en la gente próspera e incluso poderosa (...). Y la señal de esta estupidez, en todos los casos, es una total irreflexión; la costumbre de empezar una frase sin saber o preocuparse de cómo va a terminar».

El autor no se ha dejado seducir por la publicidad de la prosa, sino que la ha tomado como herramienta para irse hacia dentro, hacia las profundidades del trabajo poético, de la oscuridad psíquica, del misterio mismo de la escritura. Y, en ese movimiento, logra una exploración de la forma, no un simple conglomerado de notas: entre idas y venidas, precisiones, añadidos, apuntes que remiten a otros o los corrigen.

Una crítica posmodernista del capitalismo y el catolicismo. Don Quijote cabalga de nuevo. Pero ahora es una mujer, dama andante que vagabundea entre Londres y Nueva York. No son los libros de caballería los que la han enloquecido y lanzado al mundo, sino la experiencia transfiguradora de un aborto. Y no tiene que vérselas con molinos de viento, sino con los hechiceros de su tiempo: con la historia americana y con Richard Nixon, aún líder de un mundo de pesadilla poblado por dueñas de prostíbulos, transexuales y sacerdotes masoquistas. ¿Y qué busca esta imprevisible Don Quijote? El amor, o quizá solo el conocimiento de lo que es el amor, para así salvar el mundo. Pero que los lectores no se engañen: en el universo de Kathy Acker el amor no es más que una dialéctica de amo y esclavo, una mitología cruel, una ficción del lenguaje inventada por los hombres a espaldas de las mujeres, un conflicto entre poderes.Como su Quijote, Acker vivió entre Nueva York y Londres y se movió en la escena de vanguardia, con gente como David Byrne o Laurie Anderson. La publicación del libro, en 1986, marcó un punto de inflexión en su obra. Con él, Acker emprendió una reescritura radical del deseo, entendido como estructura que desestabiliza la identidad o juego de dominación y resistencia.Hasta ese momento, el sexo en su obra había sido tratado como una parodia del poder o una mercancía dentro del capitalismo tardío; sin embargo, Don Quijote, que fue un sueño fue el primer libro en el que la autora abordó frontalmente las relaciones sexuales entre mujeres y la fluidez del género. A lo largo del texto van asomando sus influencias, como la apropiación textual de William S. Burroughs, la performatividad de Gertrude Stein o la teoría feminista de Hélène Cixous, que Kathy Acker no solo absorbió, sino que subvirtió, ganándose los calificativos de «estrella de la vanguardia postpunk» y «primera pornógrafa feminista».

Un thriller contemporáneo y barriero que hará las delicias de los aficionados a la literatura negra y al arte en general.

«El secreto está aquí, en estas páginas, tejido con sílabas e imágenes. Me lo confió justo antes de morir. Leí la primera frase y no entendí nada. Leí el segundo párrafo y no entendí nada. Leí la primera página y fui iluminado. Las lágrimas del asombro rodaban solas por mis mejillas.» En una plaza de Marruecos, un narrador cuenta la historia de una niña. Es la octava hija de un padre que, desesperado por no tener aún un heredero, decidió llamarla Ahmed y hacer creer a todos que había sido un varón. La vida de este niño fabricado, de esta niña a la que no dejaron ser, es el desgarrador relato del martirio provocado por un padre y aceptado con sumisión. «El niño de arena» es una deslumbrante novela sobre la construcción identitaria del individuo y la relación con el cuerpo. Es también una maravillosa reflexión sobre el poder fabulador del lenguaje y el embrujo de las historias, un juego de espejos y narradores sin fin enraizado en la tradición oral árabe, lleno de guiños a Borges y a «Las mil y una noches».

Presentamos de nuevo una selección de las inolvidables narraciones eróticas, jocosas y deslenguadas de tan ilustre y libertino escritor, editadas por Alfonso Martínez Galilea, prologadas por Joaquín López Barbadillo e ilustradas con grabados del siglo xviii de Noël Le Mire y de Hubert François Gravelot. Una lectura fresca y acalorada a la par que saludable.

Una historia de la conciencia del mundo occidental en el siglo XX. Un espectáculo de fantasía, lujuria y conciencia moral. El Mago es la novela central –su redacción definitiva se extiende a lo largo de veinte años– de John Fowles, uno de los más singulares novelistas ingleses; un escritor muy preocupado por los grandes temas filosóficos e intelectuales de nuestro tiempo que es a la par un extraordinario fabulador que arrastra irresistiblemente al lector.Enormemente rica, compleja y ambiciosa –con elementos de la novela gótica, el thriller, la historia iniciática, la novela erótica, la filosófica–, en esta obra asistimos a la educación sentimental del joven Nicholas, que abandona Londres y a su amante y se establece en una remota isla griega como profesor de inglés. Allí conoce a un misterioso personaje, un excéntrico millonario, Conchis, el Mago, que le hace participar, a menudo contra su voluntad, en experiencias extrañas. Fascinado por este mago enigmático, que le envía para seducirle a dos hermanas gemelas, Nicholas es conducido a través de un complicado juego de invenciones, charadas, decorados múltiples, de una especie de Juego Supremo, a las fronteras movedizas de la realidad y el sueño.¿Cuál es el fin de estas experiencias truculentas? ¿Cómo saber su significado, el grado de seriedad científica, de intuición metafísica, de pura superchería? Y sobre todo, se pregunta Nicholas angustiado, ¿quién es realmente Conchis? ¿Un ser dotado de poderes supranormales? ¿Un déspota caprichoso que escenifica sus propios fantasmas para turbar las sensibilidades frágiles? ¿Un psiquiatra que, en aras de la ciencia, prosigue el estudio de un «caso»? Un circuito recurrente y emblemático en esta obra apasionante: de la apariencia a la sospecha y al desenmascaramiento de esta apariencia como mentira, y a la sospecha de esa nueva apariencia: la última máscara jamás se quita.El Mago, como toda su obra, está bajo el signo del misterio, eje central de la misma; de la búsqueda de la autenticidad individual; del erotismo y de la dominación de la mujer por el hombre, teñida de sadismo –no en vano la novela se abre con una cita del divino marqués–. Jean Ruer ha calificado esta novela, fundada sobre premisas existencialistas más o menos enmascaradas, como «una suerte de historia de la conciencia del mundo occidental en el siglo XX».Fowles escribió que con esta obra quiso elaborar «una fábula acerca del hombre y de su concepción de Dios», es decir, «las ilusiones humanas acerca de algo que no existe de hecho: el conocimiento absoluto y el poder absoluto», y sobre la destrucción de ambas ilusiones.

Un personaje de «Noche y día», la segunda novela de Virginia Woolf, confiesa que todo el mundo le parece un poco raro, y añade: «tal vez sea el efecto de Londres». La capital inglesa no es solo el telón de fondo de gran parte de la obra de Woolf, sino que se erige como un personaje más de sus historias. Pero en el libro que tienes en tus manos son las multitudes en sus calles, la magnificencia de sus catedrales, la majestad de sus instituciones y el ritmo de la vida de sus gentes los protagonistas absolutos. Publicados entre 1927 y 1950, estos ocho textos nos invitan a dar un inolvidable paseo por el Londres de principios del siglo XX que empieza con la búsqueda de un lápiz y acaba contemplando la ciudad desde la vista privilegiada de los cielos. La mirada única de Woolf, unida a la del pintor Arnau Sánchez Campamà, consiguen capturar ese embriagador «efecto de Londres». «Virginia Woolf sostuvo la luz de la lengua inglesa contra la oscuridad». E. M. Forster

Cuerpos que conciben. Cuerpos que crecen. Cuerpos que envejecen. Cuerpos que se rompen y sanan. Cuerpos que no olvidamos. Los cuerpos que deben ser cuidados y que cuidan. Nuestros cuerpos y sus cuerpos. Conmovedora por su honestidad, bella por su proximidad, única por su humor, la escritura de Ana María Shua es también cuerpo recordado y recreado. El asombro y la agitación en el descubrimiento; la dignidad y el esfuerzo en la superación; el dolor y el amor en el duelo conviven con una mirada lúcida y una literatura cómplice, donde el síntoma, la herida o la cicatriz son un canto a la vida.

Poco después de iniciar su andadura con Jockey Slut —la revista que con los años se convertiría en uno de los medios más influyentes y reputados de la actualidad de la música electrónica—, sus creadores, John Burgess y Paul Benney, recibieron la maqueta de un dúo francés del todo desconocido formado en París por Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo y que respondía al nombre de Daft Punk. Enseguida decidieron concertar la que a la postre sería la primera entrevista que concedieron y que supondría el pistoletazo de salida de una de las carreras más fulgurantes y apasionantes de la música de finales de los 90 y principios del siglo XXI. Además de esta primera entrevista seminal, "Daft Punk: We Were the Robots" recoge todo el material que la revista publicó sobre el grupo a lo largo de la trayectoria de este (que terminó abruptamente, y para sorpresa de todos, a principios de 2021) y da buena cuenta de los hitos de la banda: sus álbumes y hits, por supuesto, así como la evolución de su particularísima presencia escénica, cuando a partir de 1999 y hasta el final de su carrera comparecerían ataviados (y escondidos) con dos aparatosos y ultrasofisticados disfraces de robots. A partir de entonces, la leyenda no hizo más que crecer, hasta que el tándem se consolidó como uno de los proyectos de música electrónica más aclamados de todos los tiempos y batió récords cuando lanzó "Get Lucky" en 2013, que contó con la colaboración de Pharrell Williams y Nile Rodgers. Este libro, en color y profusamente ilustrado con fotos y documentos de la historia de Daft Punk, reúne, además de los diferentes artículos y entrevistas que aparecieron en la revista Jockey Slut (más adelante rebautizada como Disco Pogo), otros artículos y piezas especialmente encargados para este volumen, incluyendo el prólogo de David y Stephen Dewaele (2manydjs) —otro de los dúos más exitosos de la música electrónica—, una entrevista con James Murphy de LCD Soundsystem, así como la historia paralela de la música electrónica francesa —lo que se llamó "French touch"—, que Daft Punk no solo protagonizaron con su música, sino también con los sellos que dirigieron: Roulé (Bangalter) y Crydamoure (Homem-Christo), entre otros muchos materiales.

Traducido por primera vez al español, Que el bien os acompañe es junto a Todo fluye el último libro que escribió Vasili Grossman. Si Todo fluye es su testamento político, Que el bien os acompañe es su testamento personal. A finales de 1961, cuando ya daba Vida y destino por desaparecida en manos de la KGB, y enfermo del cáncer que acabaría con su vida, Grossman recibe el encargo de traducir una novela del armenio. Estará dos meses en el Cáucaso, y hay algo allí, en esa tierra y su gente, que a Grossman le parece cercano: el sufrimiento armenio es hermano del sufrimiento judío. Ósip Mandelstam ya había definido Armenia como 'la hermana pequeña de la tierra judaica'. Armenia no es sólo el lugar donde se detuvo el Arca de Noé después del diluvio, sino que también su destino se hermana con el del pueblo judío. Una historia marcada por la persecución planificada, el genocidio y la diáspora. Ese reconocimiento mutuo entre ambos pueblos fue, en palabras de Grossman, la impresión más profunda que tuvo en Armenia. En este ensayo-meditación, nos encontramos con el Grossman más personal que hayamos leído. La mirada que pasea sobre Armenia y sus habitantes es la mirada sobre todas las tierras y todas las gentes. Nada de lo que es humano escapa a un escritor que se sabe cercano a la muerte y decide escribir con toda libertad de aquello que realmente le conmueve y le apasiona, lejos del control de cualquier censura, pues sabe que difícilmente volverá a publicar. El resultado es un canto a 'toda la belleza del mundo', que diría el poeta Seifert, el libro más íntimo e iluminador de Vasili Grossman.

Casi una familia. Emma, Yul, Sam e Ignatz son cuatro jóvenes estudiantes de esquinismo que comparten piso y vivencias en la vibrante ciudad de Babilô. Mientras, ven cómo a su alrededor el ambiente se caldea al son de diversas revueltas sociales que se irán haciendo cada vez más y más intensas. La amistad, el amor, el arte y la revolución se dan la mano en esta obra que se perfila como la más ambiciosa de cuantas ha realizado hasta la fecha Javier de Isusi (Premio Nacional del Cómic 2020 por 'La divina comedia de Oscar Wilde'), en la que lleva trabajando cinco años y que será un díptico. Según afirma Paco Roca, “con esas bellas pinceladas de acuarela, Isusi crea unos personajes tan reales y entrañables que uno querría formar parte del grupo y nunca abandonar la lectura de este cómic; afortunadamente –apostilla el dibujante valenciano– tendremos un segundo tomo”.

Yechezkel Damjanich es un joven violinista judío que vive con su madre en la desolada Budapest de 1947. Un día, recibe una carta desde Jerusalén enviada por su tío Yosef, del que no sabe nada desde hace doce años, y al que su madre aborrece sin razón aparente. Huyendo de la miseria, ambos llegan a Palestina en un convulso momento político, justo antes de que los ingleses abandonen la región. El tío Yosef regenta el Café Budapest, un pintoresco local cercano a la Ciudad Vieja, donde coexisten judíos, árabes, occidentales... Un efímero oasis de armonía donde las notas del violín de Yechezkel no tardarán en dar paso al estruendo de los obuses Davidka, las bombas árabes, el odio y la destrucción. El Café Budapest se convierte en un pequeño escenario donde se reflejan el caos y la barbarie presentes en toda Palestina. 'Café Budapest' ha obtenido los premios Haxtur 2008 al mejor guion y al finalista más votado en el Salón Internacional del Cómic del Principado de Asturias, que se celebra en la ciudad de Gijón.

La obra de Lordon se va a convertir en referencia obligada del pensamiento contemporáneo, pues ha sabido encontrar una de las teclas básicas de la acción humana en general y de la política en particular: los afectos. Y lo ha hecho evitando ese «giro emocional» contemporáneo al que hace referencia y que denuncia. El neoliberalismo adopta como una de sus estrategias políticas hacer mirar al sujeto hacia dentro de sí, para evitar que mire hacia afuera. El reto del análisis de los procesos de subjetivación, expresado de forma radical, consiste, por el contrario, en «guardar los afectos pero desembarazándose del sujeto», al menos en su concepción liberal y cartesiana. El estructuralismo de las pasiones es un nuevo intento de desentrañar las relaciones entre el sujeto y el mundo, pero con la virtud de teorizar un sujeto que es mundo y un mundo que se hace sujeto. Todo ello desde el ineludible compromiso con la diferencia subjetiva, propio de un enfoque materialista consecuente. Lordon ha abordado el tema de los afectos de manera exhaustiva en diferentes obras. Los afectos de la política hace especial hincapié en lo político. La société des affects y Capitalisme, désir et servitude complementan el análisis político con la ineludible aproximación a lo social. Los tres títulos constituyen una arquitectura teórica de primera magnitud que es de esperar esté pronto al alcance del lector en lengua castellana.