Enzo Mari, uno de los diseñadores italianos más importantes del siglo XX y de mayor proyección internacional, tiene tanto de diseñador y artista como de pensador y agitador cultural. La vinculación entre ética y diseño ha sido uno de los ejes que han marcado su trayectoria como creador y este es precisamente el binomio que subyace en Proyecto y pasión, un libro que reflexiona sobre la tarea de proyectar como ejercicio creativo consciente y de consecuencias éticas. Con una prosa vibrante y la voz propia de un maestro, en estas páginas Mari nos habla de artesanos, utopías, empresarios, aprendizajes, bienes de consumo, poéticas del diseño… y nos regala, en realidad, una punzante reflexión que enlaza magistralmente técnica y cultura e ilumina muchos de los sentidos de cualquier actividad proyectual.

1964 es tal vez un año que podría pasar desapercibido, pero al observarlo con detenimiento parece revelarse como la bisagra de un cambio de época. Ese año Marcel Duchamp decide comercializar sus ready-mades, el pop sin complejos de Robert Rauchenberg gana la Bienal de Venecia, Dino Gavina realiza una edición de lujo de los muebles de la Bauhaus, Pete Townshend comienza a destrozar sus guitarras tras las actuaciones de los Who, los Rolling Stones publican su primer disco, se forma la Velvet Underground, Warhol expone la caja de detergente Brillo en Nueva York y abre su Factory en Manhattan donde se reúnen jóvenes alternativos... Una cultura underground se fraguaba en Europa y en EE.UU., donde activistas feministas, antirracistas y antibelicistas empezaban a organizarse en manifestaciones de estudiantes en Berkeley. También en 1964 Umberto Eco publicaba Apocalípticos e integrados, donde afirmaba que el anhelo utópico, revolucionario y disidente de las vanguardias había quedado integrado en la sociedad del espectáculo.1964. Cuando la cultura se convirtió en espectáculo ofrece una visión calidoscópica que recorre aquel año y muestra por qué es un momento clave para entender la formación de la identidad contemporánea y sus contradicciones: la rebelión y el inconformismo ligados a la cultura pop; la consolidación de la juventud en la escena social, cultural y política; la lucha por los derechos civiles y las distintas implicaciones de las comunidades surgidas en la Costa Oeste de Estados Unidos, Holanda, Francia, España...; la apoteosis del arte pop conceptual y la sublimación del mercado de arte; la aparición de movimientos contraculturales que condujeron a Mayo del 68 y al nacimiento del punk...

Cuando parecía difícil, por tanto, decir algo distinto sobre Bourgeois, Gabriela Barzaghi De Laurentiis nos sorprende con un libro poético y original.

¿Tiene futuro el crítico de arte en un mundo globalizado y tecnológico, donde el pensamiento ha sido sustituido por la opinión? La crítica del arte parece inseparable de los dictados del capitalismo y de la industria cultural. Hemos normalizado que los directores de museos, los comisarios y la crítica animen a «consumir cultura» tirando de prescriptores, influencers y copywriters. La figura del crítico independiente se ha visto relegada por las imposiciones del mercado, y solo le quedan dos opciones; plegarse a practicar el márquetin de influencia o convertirse en un kamikaze cultural condenado al ostracismo. Marisol Salanova hace accesible un ámbito endogámico y cerrado, acabando con mitos y auras mágicas con el objetivo de exponer el funcionamiento de la creación artistica actual, así como las dinámicas del mercado. También muestra cómo se generan y destruyen tendencias o famas, y cuál debería ser la labor del crítico.

Los jardines fueron creados para que sintieran placer nuestros sentidos. Estos espacios son estancias reservadas para la contemplación, un lugar íntimo y casi secreto donde la naturaleza puede mostrarnos con orden y concierto toda su belleza. Cicerón, uno de los más grandes estilistas de la prosa en latín, decía que si cerca de tu biblioteca tienes un jardín, no te faltará nada. Ciertamente en esos espacios y en la lectura está todo lo que puedes necesitar para entender el flujo natural de la vida

Este manual ofrece la doble perspectiva de aprender y disfrutar del cine, desde la convicción de que, al igual que las novelas, los poemas, las pinturas o las obras musicales, las películas son obras artísticas y, por tanto, el conocimiento sobre el cine es hoy un componente fundamental en la cultura de cualquier ciudadano. Está concebido como ayuda al lector para conocer, reflexionar, sugerir visionados y, en definitiva, mostrarle todo aquello que resulta indispensable para "saber de cine"; resume lo esencial y proporciona esquemas para una visión global del hecho cinematográfico. Obra amena y bien estructurada, se acompaña de textos complementarios, numerosas fotografías, comentarios sobre un centenar de películas, filmografía específica y una bibliografía completa para ulteriores profundizaciones. Varias decenas de universidades españolas y latinoamericanas han tenido este texto como libro de referencia a lo largo de los últimos años. Aparece ahora en una nueva edición que actualiza y amplía los contenidos proyectando la Historia del Cine hacia el Audiovisual digital.

'Yo tenía siete años. Mi hermano mayor, once; y el pequeño, cinco. Vivíamos en Moscú, en un barrio apartado, en las afueras de la ciudad, cerca de un parque zoológico. El piso de mi familia era bastante pequeño, me parece; sobre todo recuerdo el comedor, con dos ventanas que daban a un patio en el que crecían algunos árboles y rodeado de algunas cabañas o barracones que servían para guardar herramientas de todas clases'. Así escribe Gala Dalí en el arranque La vida secreta, un texto que se desplaza con agilidad del dato biográfico al apunte lírico y visionario, desde la historia compartida hacia las vivencias íntimas, y que permite una aproximación inédita a la mujer que se escondía y alimentaba el mito de 'Gala'.

¿Hay que obligar a los museos a devolver sus mármoles? ¿Es posible "descolonizar" nuestras galerías? ¿Debe caer Rodas? Desde el arte robado de Wakanda en Black Panther, pasando por el reciente compromiso de Emmanuel Macron con la restitución de obras de arte, hasta el provocador vídeo musical de Beyoncé y Jay Z filmado en el Louvre, la cuestión de descolonizar nuestra relación con el arte que nos rodea está ganando terreno rápidamente. La gente se está dando cuenta de la sórdida historia de las colecciones de arte de todo el mundo y está empezando a plantearse preguntas difíciles sobre cómo debería ser el futuro de los museos. En ‘El cuadro completo’, Alice Procter, historiadora del arte y guía del Uncomfortable Art Tour, ofrece un manual para deconstruir todo lo que creíamos saber sobre el arte y rellena los huecos con las historias que han quedado fuera del canon de la historia del arte durante siglos. El libro se divide en cuatro secciones cronológicas, bautizadas con los nombres de cuatro tipos diferentes de espacios artísticos: el Palacio, el aula, el memorial y el patio de recreo. Cada sección aborda las fascinantes y a menudo chocantes historias de cinco obras de arte diferentes, entre ellas el cuadro propagandístico que la Compañía de las Indias Orientales utilizó para justificar su control en la India; los cráneos maoríes mokomokai que fueron objeto de comercio y coleccionados por los europeos como "objetos de arte"; y la controvertida escultura contemporánea de Kara Walker Una sutileza, que planteó cuestiones sobre las interacciones "apropiadas" con el arte. A través de estas historias, Alice saca a la luz la narrativa colonial subyacente que acecha bajo la industria del arte actual y sugiere diferentes formas de ver y pensar el arte en el mundo moderno. ‘El cuadro completo’ es una provocación muy necesaria para analizar de forma más crítica las narrativas aceptadas sobre el arte, y repensar y alterar la forma en que interactuamos con los museos y galerías que lo exhiben. "Indagador, sin jerga y escrito con el ritmo de una novela policíaca... [Procter] disecciona la cultura museística occidental con tal furia forense que al lector le resultará difícil volver a ver esas instituciones de la misma manera." Financial Times 'Una obra inteligente, accesible y brillantemente estructurada que anima a los lectores a ir más allá de la gran arquitectura de las instituciones culturales y ver las problemáticas historias coloniales que hay detrás de ellas.' - Sumaya Kassim

La diferencia entre Tarantino y yo –dijo Jean-Luc Godard– es que el cine vive en mí, mientras que él vive en el cine”. Gerardo Sánchez (Madrid, 1960), que los menciona a ambos en el primer párrafo de este libro, ha vivido desde que recuerda en los cines y, definitivamente, el cine vive en él. En las páginas de este libro, constantemente lo sucedido en el mundo real se mezcla con las películas o se explica a través de ellas. Su biografía no se entiende sin esas imágenes, diálogos, libros y bandas sonoras que atesora en su prodigiosa memoria para regalárnoslas generosamente aquí, como el Martin Tupper de la serie Sigue soñando, que vivía su vida a través del cine en blanco y negro que había visto hipnotizado desde niño en su televisor. Desde sus primeras visitas al cine Usera con su abuela, hasta sus más de quince años como director del programa Días de Cine de RTVE, Gerardo Sánchez –soñador y trabajador de energía inagotable– nos relata cómo se construye desde la curiosidad y la devoción una cinefilia, mientras repasa su vida de la misma forma en la que habla: rápido, directo y afilado. Con un particular sentido del humor, desgranando anécdotas hilarantes, vergonzosas y sorprendentes, postrándose ante sus referentes cinéfilos y desenmascarando ligero, como un espadachín, a algún que otro impostor de cuyo nombre no quiere acordarse. Todo es real, pero ya saben, este libro está impreso, y su autor es fordiano, así que quizá se encuentren con alguna leyenda.

Antes de que Picasso se convirtiera en Picasso, el icónico artista que es hoy una de las figuras más destacadas del mundo, la policía lo tenía bajo constante escrutinio. En medio de las tensiones políticas de la primavera de 1901, los servicios de seguridad le señalaron como anarquista. Esta se convertiría en la primera de las muchas entradas que llegarían a formar un extenso expediente policial. Aunque no tardó en convertirse en el líder de la vanguardia cubista ni en lograr grandes retribuciones por sus obras a medida que su reputación crecía en todo el mundo, el arte de Picasso quedó excluido en gran medida de las colecciones públicas en Francia durante unas cuatro décadas. Al genio que concibió el Guernica como una declaración visceral contra el fascismo en 1937 se le negó la ciudadanía francesa incluso tres años después, en vísperas de la ocupación nazi. En un país en el que la policía y la conservadora Academia de Bellas Artes representaban dos de los principales pilares de la oligarquía de la época, Picasso se enfrentó a un triple estigma: el de extranjero, ideólogo radical y artista de vanguardia. Un extranjero llamado Picasso aborda la carrera y la obra del artista desde un ángulo completamente nuevo, basado en unas extensas fuentes de archivo que, a pesar de ser fascinantes, se han desoído durante demasiado tiempo. En esta innovadora narración, Picasso emerge como un artista adelantado a su tiempo tanto estética como políticamente, un artista que ignoró las costumbres nacionales en favor de las formas cosmopolitas contemporáneas. Eligió el sur antes que al norte, las provincias a la capital y los artesanos a los académicos, al tiempo que alcanzaba una gran fama. Cohen-Solal revela cómo, en un periodo que abarcó la brutalidad de la primera guerra mundial, la ocupación nazi y las rivalidades de la guerra fría, Picasso tuvo que convertirse en estratega y luchar para preservar su agencia, hasta que finalmente abandonó París para siempre en 1955. El artista nunca llegó a ser ciudadano francés, pero enriqueció y dinamizó su cultura como pocas otras figuras en la historia del país. Este libro explica por primera vez cómo lo hizo.

En El fin de los libros, se describe una reunión en la que los miembros congregados van exponiendo los cambios que vislumbran de cara al nuevo siglo XX. Ante la sorpresa general, uno de ellos anuncia el final del papel. Partiendo de ese texto del s. XIX, el diseñador Jaime Narváez ha escrito El libro tras el anuncio de su muerte, un elogio del libro físico en el que afirma que lo digital nos ha forzado a volver a pensar sobre los objetos que nos rodean y a reconsiderar el valor de lo material.

Carlos Yushimito juega con el modelo de las glosas o anotaciones dejados al borde de la página por quienes leían los viejos libros medievales y de este modo nos recuerda que leer y escribir son, en el fondo, las dos caras de la misma moneda. Sus textos, que oscilan entre el vuelo poético y el profundo análisis, se construyen mediante el diálogo con citas luminosas que se expanden en nuevas revelaciones, pero también a través de la la rememoración de los libros leídos y releídos, entre los que encontraremos a Marcel Proust, Michele Petit, Hilda Mundy, Borges, Walter Benjamin, Peter Mendelsund o Clarice Lispector. En esta edición de Comisura, los microensayos de Yushimito se funden con una galería de fotografías de archivo que muestran a mujeres y hombres haciendo ejercicios y estiramientos, además de distintos paisajes exteriores, estableciendo un diálogo desplazado con el texto y ampliando sus resonancias, glosándolo a su vez como nuevas marginalia. Porque, como dice Yushimito, escribir es leer al revés, un arte poco notable pero para el que sin duda se necesita una curiosa mezcla de ejercitación, rigor y flexibilidad. Un recordatorio muy generoso sobre qué es, o qué significa, escribir y leer para poder vivir y convivir en este mundo tan opaco.