José Sacristán ha escrito dos de las tres películas que además dirigió e interpretó: Soldados de plomo (1983), firmado con Eduardo Mendoza y Cara de acelga (1987), al alimón con Carlos Pérez Merinero. El guion de Soldados de plomo es el que ha elegido Octubre Corto para homenajear al actor, director y guionista: un texto brillante que reúne el talento de dos artistas extraordinarios. Mendoza y Sacristán trabajaron juntos la historia en Nueva York. La colaboración, producto de sus charlas y paseos, partió de un relato del escritor que fueron adaptando para cine. El material aquí publicado es una joya editorial que toma como punto de partida el guion de trabajo de José Sacristán en el rodaje. El lector podrá disfrutar en esta singular edición no solo de la escritura original de los coautores, sino también de las anotaciones posteriores que Sacristán añadió sobre el papel a los diálogos, así como de sus indicaciones relativas a la música, los planos y la dirección de actores. José Sacristán recibió el Premio Rafael Azcona, que otorga el festival de cine Octubre Corto de Arnedo, en 2021, el mismo día que estampó la huella de su pie delante del teatro Cervantes. El calado de la huella que el actor ha dejado y sigue dejando (no solo en el cine y en los escenarios, sino en la cultura y en la memoria de España) es, sin embargo, de un número que requiere una horma especial: la suya, única e irrepetible.

Déjese hechizar por Gustav Klimt, con el catálogo completo de sus pinturas, incluyendo nuevas fotografías de la serie Stoclet Frieze (en Bruselas). Un siglo después de su muerte, el artista vienés aún sorprende con su erotismo desvergonzado, sus superficies deslumbrantes y su experimentación artística. Maestro del siglo XIX y pionero del movimiento secesionista, Klimt creó un legado de tonos suntuosos y texturas de pan de oro, incluyendo obras tan célebres como El beso y Retrato de Adele Bloch-Bauer I (La dama de oro).

Este libro es un soplo al corazón que nos adentra en la relación entre dos artistas brillantes, dos mujeres que se aman y que construyen sus días en compañía. Nuestro mundo muestra de una forma cercana, íntima y poética la relación de amor entre la poeta Mary Oliver y la fotógrafa Molly Malone Cook. Una vida compartida repleta de palabras y de imágenes, una existencia en común guiada por la atención al detalle, por el término exacto de las cosas y por el asombro ante lo cotidiano. Una ventana a la magia privada de un universo compartido, donde sobresale la fuerza de la naturaleza admirada por Mary Oliver pero también el estudio de revelado fotográfico de Molly.

El famoso jardinero francés Gilles Clément nos habla de un arte involuntario que, aunque parece pasar desapercibido, somos capaces de ver si estamos atentos a él.El arte involuntario es un arte poco estimado, pues no es premeditado, flota en la superficie de las cosas. No tiene peso, pues la sociedad no se lo da. Es un arte sin estatus, sin discurso, tan carente de mensaje que uno puede leerlo, finalmente, por lo que representa —una figura del azar— sin estar obligado a llevarlo más allá de sus propios límites. Es un arte desvalido, privado de acciones y misiones oportunas; se zafa de la política, se muestra con prisa y desaparece de inmediato. Privado de consistencia útil, nadie puede sacar partido de él porque no pertenece a nadie. Es un estado de ser fugaz y sutil. A veces una luz.

La obra maestra de Hokusai, el artista japonés más universal. ¡Descubre la colosal obra que supone la semilla de lo que hoy conocemos como manga!Por primera vez en edición completa y comentada, presentamos en dos grandes tomos los quince volúmenes de esta obra excepcional con más de 4000 imágenes: gran variedad de personajes, figuras en movimiento, animales, peces, árboles, plantas, flores, objetos de la vida cotidiana, arquitectura, paisajes, escenas humorísticas, el mundo sobrenatural y criaturas fabulosas. El Hokusai Manga es una enciclopedia visual del Japón de su tiempo imprescindible para conocer la cultura nipona.A lo largo de esta espectacular obra del artista japonés más célebre de todos los tiempos se representa todo tipo de personajes, seres vivos, objetos e incluso fantasmas y monstruos. No hay nada que no esté aquí dibujado. El Hokusai Manga gozó de gran popularidad en Japón y su éxito se extendió también a Europa, donde causó un gran impacto en artistas como Monet, Degas, Van Gogh, Toulouse-Lautrec, entre otros, y su influencia aún se deja sentir en la actualidad.

El sueño de un creador es poseer los poderes ocultos del brujo y conseguir con ellos efectos mágicos que transformen la realidad cotidiana en otra más profunda, bella y esencial, ante los sorprendidos ojos de la tribu. Enseguida descubrimos que por el hecho de disfrazarnos y pintarnos, y hacer gestos y signos espectaculares, no pasamos de ser farsantes en el terreno de la ilusión, con más o menos acierto. Los médicos desean curar a los enfermos que llegan a su lado posando sus manos sobre ellos. Cuando descubren el pobre resultado del acto simbólico, no les queda más remedio que ponerse a estudiar medicina y a investigar durante toda su vida. Mucho más interesante que escribir este manual hubiera sido inventar unas pastillas con poderes especiales que otorgaran el don del conocimiento y la capacidad artística creadora. Busqué el plano secreto, el camino fácil y directo, y al final tuve que aceptar realizar el rodeo necesario a partir de los planos limitados de otros exploradores del pasado. En las páginas de este manual están las pistas que conseguí encontrar que a mí me parecieron más fiables, los materiales que creo más útiles para la inmersión en el océano del hecho teatral. Cada uno puede recorrerlas según sus gustos, motivaciones y necesidades: de principio a fin, a saltos, eligiendo los caminos más esotéricos o los más racionales, o leyendo sólo los capítulos o partes que resulten más de su interés. La meta no es el conocimiento por el conocimiento, sino la perla escondida en el fondo del mar, el diamante de la montaña profunda, pero? ¿cómo llegar a ellos si no es buscándolos? José Luis Alonso de Santos

La correspondencia entre el poeta Joan Brossa (Barcelona, 1919-1998) y el artista Antoni Tàpies (Barcelona, 1923-2012) conforma una documentación íntima excepcional que permite conocer la extensa e intensa relación de amistad y de colaboración entre dos de los grandes referentes de la vanguardia artística y literaria catalana de la segunda mitad del siglo XX. En diciembre de 1950, después de haber inaugurado su primera exposición individual en Barcelona, Antoni Tàpies se iba a París, becado por el Instituto Francés. El 15 de diciembre de 1950 escribía a su amigo Joan Brossa para explicarle sus primeras impresiones de la ciudad y comentarle cómo de importante era para él su amistad. Es la primera de las cartas que constituyen el epistolario entre los dos creadores formado por 32 documentos que van de 1950 a 1991. Las cartas son un rico testimonio de la fascinación por París, la atmósfera asfixiante del franquismo, el descubrimiento de la amistad y la admiración mutua en un momento clave de la evolución de la obra creativa del poeta y del pintor. Estimulados, entre otros, por el poeta y crítico brasileño João Cabral de Melo abandonan el neosurrealismo de Dau al Set y buscan un nuevo realismo crítico que conducirá a la poesía rasa y esencial de Brossa y al informalismo matérico de Tàpies. La crisis y el final de su colaboración en la revista Dau al Set, el éxito internacional del pintor o su fraternal huella creativa en libros de artista imprescindibles como Novel·la (1965) o Fregoli (1969) son algunos de los hechos que relata esta correspondencia, hasta ahora inédita en su totalidad, que cuenta con un riguroso estudio introductorio y una cuidadosa edición y anotación del crítico y ensayista Manuel Guerrero Brullet.

A través de la lente de sus pinturas originales, junto con expiaciones íntimas y en ocasiones satíricas, este libro fuera de lo común es provocativo, crudo y universalmente identificable. El arte de Bender ilumina a personas de todas las edades y condiciones sociales, proponiendo que quizá nuestros mayores errores sean nuestras mayores oportunidades de sanar.

El cuadro que representa a Saturno devorando a su hijo es posiblemente uno de los más enigmáticos de la obra de Francisco de Goya. Hasta el mismo título resulta engañoso: no hallamos en el viejo de mirada delirante ninguno de los atributos mitológicos que, en la historia del arte, han caracterizado la representación pictórica de ese dios griego. Y sin embargo, aun liberado de su referente directo, el Saturno de Goya provoca en el espectador un profundo desasosiego. ¿Dónde reside su secreto? En Goya y el abismo del alma, el ensayista y filólogo húngaro László Földényi nos hace partícipes de la epifanía que experimentó en el inicio de sus estudios acerca de la obra goyesca, al tiempo que disecciona las claves que permiten interpretar este cuadro desde una óptica completamente novedosa. En lugar de concebirlo como una alegoría política o acaso como una sofisticada representación de la melancolía, analiza cada uno de los elementos que componen la obra hasta llegar a su sustancia última: la concepción del mundo de un creador genial que, en vez de adscribir el mal a la imperfección del mundo, lo acepta como algo inherente a la propia creación. El Saturno sería pues una suerte de autorretrato intelectual en el que Goya expresa en forma pictórica los misterios inescrutables de la existencia.

Desde fanzines que se pliegan en un minuto hasta lujosos cuadernos o tomos encuadernados en piel, la artista Esther K Smith nos invita a descubrir las infinitas posibilidades de la confección de libros a través de increíbles proyectos con ilustraciones e instrucciones paso a paso. Si te dedicas a escribir, a recopilar cuadernos de recortes, a hacer activismo político o a coleccionar postales, o si simplemente eres un enamorado del papel, en Cómo hacer libros encontrarás una oportunidad única de sumergirte en los fundamentos básicos de la encuadernación.

En las páginas de este libro se despliega una exuberante guía de los rincones de esta ciudad en clave de artesanía y diseño. Un paseo que incluye los lugares milenarios unidos a la tradición como la Semana Santa o la Feria de Abril así como la recuperación de oficios que sigue presente en el nuevo diseño sevillano. En la capital andaluza bulle todo un movimiento artístico contemporáneo de gran interés. Los nuevos diseñadores sevillanos están orgullosos de su ciudad, de sus tradiciones, y nos ofrecen otra visión de la artesanía. Un esperado libro después de los éxitos editoriales Hecho en Madrid: Diseño y artesanía en la ciudad y España a mano. Guía de talleres artesanos, también editados por La Fábrica. Un fantástico viaje al corazón del arte sevillano a cargo de la periodista e historiadora Macarena Navarro-Reverte.

Llega el esperado y ansiado primer libro de no ficción de Quentin Tarantino. Su libro más personal: un viaje íntimo por sus películas favoritas, relatado con una voz inconfundible. «La crítica cinematográfica de Tarantino [es] tan rotunda, inteligente y asombrosa como sus películas». The New York Times«Se antoja difícil que haya un mejor libro de cine en 2023 que este arrebatado Meditaciones de cine. A no ser que Quentin publique una segunda parte». Gregorio Belinchón,El PaísProbablemente, Quentin Tarantino sea uno de los mayores cineastas de la historia, pero de lo que no hay atisbo de duda es de que estamos hablando del espectador que mejor puede contagiar su pasión entusiasta por las películas que ha visto. Ahora, por fin llega el libro con el que tantos años soñaron él y sus seguidores. En Meditaciones de cine, Tarantino analiza desde los puntos de vista más insólitos y con su particular conocimiento enciclopédico varias películas clave del cine norteamericano de los setenta, todas ellasvistas en su más tierna infancia (de las más violentas a las más tórridas), así como revisitadas compulsivamente. El resultado es una obra tan rigurosa y reflexiva como juguetona y entretenida. Meditaciones de cine es, a la vez, crítica cinematográfica, teoría del cine, reportajeliterario y unas memorias formidables, a la altura de clásicos del género como los de Hitchcock y Truffaut o Luis Buñuel.La crítica ha dicho: «Un libro sagrado». La Razón (Libro del día) «Apasionante y revelador». Xavi Serra, Diari Ara «En la distancia corta, Quentin Tarantino no huele a pólvora. Si tuviera que oler a algo olería a triunfo». Jacinto Antón, El País«Es un verdadero placer leerle, ajeno a todo tópico y siempre dispuesto a relecturas originales de viejas películas». Daniel Serrano, Público«Una pasarela vivaz por la que desfilan películas, repartos y directores, unas veces muy conocidos y otras mucho menos. Los rescata del olvido y contagia las ganas por revisar sus trabajos. En fin: un festín». Tino Pertierra, La Nueva España «Se disfruta mucho su lectura, nos contagia su pasión hasta la obligación de revisar esos filmes, y a su vez invita a recorrer un periodo en el que el cine en salas ejercía una influencia política y social real en la población. Pero sobre todo este testimonioapasionado es una evidencia del talento que germinó como espectador y desarrolló como cineasta para centrifugar en su propia voz las ramificacionesde su desatada cinefilia. Y así este libro bien podría ser su Santo Grial». Carlos Reviriego, El Cultural «Tarantino especula, reflexiona, y le sale de Oscar. [...] Inesperado, ingenioso, genial, divertido, iluminador». Rodrigo Fresán, ABC Cultural (Cinco estrellas)«Un manual fabuloso en el que habla mucho de sí mismo para hablar de todo lo demás». Rubén Amón, El Confidencial

En el año 1910 se inauguraba el primer conjunto de viviendas de interés social realizado con fondos públicos en la Argentina: el barrio Butteler. Desde entonces han transcurrido 100 años y sin embargo la tecnología hoy empleada en la construcción de las VIS ha variado muy poco,distanciándose así de los avances de las ciencias que ha caracterizado al siglo pasado y que se han multiplicado en el nuevo siglo. En ese rezago tecnológico han incidido factores que pocas veces fueron puestos de manifiesto en su verdadera magnitud ni tenidos en cuenta en los análisis de esa problemática. Efectivamente, la necesidad de implementar nuevas tecnologías en la construcción de las VIS, para mejorar la calidad, los plazos y costos de las obras, resultó desalentada por causas cuyos orígenes y resolución no dependieron de los proyectistas ni de los constructores, pero cuyas consecuencias las sufre la sociedad toda. Este trabajo identifica y cuantifica esas incidencias negativas en la construcción de VIS, como lo son la baja productividad, las abultadas cargas fiscales, los costos financieros y las escasas inversiones, que impiden, sino resolver, atenuar el déficit habitacional de nuestro país, el que lejos de disminuir se incrementa anualmente, al igual que las villas y asentamientos urbanos, originando que el diez por ciento de los habitantes del Gran Buenos Aires vivan hoy en esa clase de alojamientos precarios. La Cámara de la Vivienda y Equipamiento Urbano CAVERA es una institución fundada en 1973 con el propósito de nuclear a todos aquellos que, de distintas maneras, trabajan en la solución del déficit habitacional. Está integrada por constructores, productores de insumos y profesionales vinculados a la actividad de la construcción de viviendas de interés social.

El Instituto Balear de la Vivienda (IBAVI) es un organismo público adscrito a la Consejería de Movilidad y Vivienda del Gobierno de las Islas Baleares, cuyo principal objetivo es la promoción y el alquiler social de vivienda protegida desde 1986. El IBAVI colabora puntualmente con otros organismos en la gestión de subvenciones o garantías hipotecarias, entre otras acciones, todas ellas destinadas a facilitar y mejorar el acceso a la vivienda de los vecinos de esta comunidad. También gestiona el parque de vivienda público de las Islas Baleares, que en 2019 era de 1.753 viviendas protegidas de alquiler. En este momento, hay 1.118 nuevas viviendas en diferentes fases: terminadas, en construcción, o en fase de redacción de proyecto con financiación para las obras. Estas 46 promociones, adaptadas a la escala de los núcleos urbanos insulares, siguen los principios de Life Reusing Posidonia, proyecto financiado por el programa europeo LIFE+ para Proyectos de Conservación de la Naturaleza y Adaptación al Cambio Climático, y que ha recibido el Premio LIFE 2021 al Mejor Proyecto de Medioambiente por la Comisión Euro

Entre las mujeres artistas que han trascendido en la historia del arte, ninguna tuvo un ascenso tan meteórico como Frida Kahlo. Fue una figura prominente del arte mexicano, además de pionera del discurso político en materia de sexualidad y feminismo. Esta monografía combina sus pinturas con fotografías y páginas de su diario.

Pintora y escritora extraordinaria, pionera del surrealismo y figura crucial del arte del último siglo, Leonora Carrington tuvo una vida siempre a contracorriente, tan surrealista como su pintura. Nació en Inglaterra en una familia aristocrática, de la que se fugó con apenas veinte años. Vivió en Francia, pasó por España y Portugal antes de embarcarse, junto con gran parte de su generación artística europea, rumbo a América, primero a Estados Unidos y definitivamente a México, donde encontró una nueva vida. Una vida que, como las de Max Ernst, Frida Kahlo o Peggy Guggenheim, recorre gran parte de los avatares políticos y artísticos del siglo XX. Esta novela gráfica ilustra un periodo muy concreto de la vida de Leonora, que ella misma reflejó en su diario Memorias de abajo (1943), una etapa convulsa enmarcada en la España de 1940, recién salida de una guerra civil, en un mundo que se preparaba para la Segunda Guerra Mundial.

En este libro hablaremos a través de diálogos entre fotógrafas y escritoras sobre la sexualidad, los cuidados, la violencia, el lenguaje, el juego, la vejez o los cánones de belleza. Participan: Aida González Rossi y Paula Yubero, Belén López Peiró y Lucía Antebi, Nerea Pérez de las Heras y Malu Reigal, Aitana Cordero y Laura C.Vela, Ángelo Néstore y Ókaro, Cristina Fallarás y Nagore Legarreta, Weldon Penderton y Laura San Segundo. Relatos de ficción, ensayos y series fotográficas inéditas que abordan el culo desde distintos enfoques que buscan experimentar junto a otras artistas y reconciliarnos con nuestros cuerpos y sus implicaciones emocionales, sociales y políticas.

Primera edición ilustrada del célebre texto de Sontag en torno a la estética Camp, acompañado de un estudio preliminar de Victor Mora, autor de ¿Quién teme a lo queer?Primera edición ilustrada del célebre texto de Sontag en torno a la estética Camp, acompañado de un estudio preliminar de Victor Mora, autor de ¿Quién teme a lo queer?

Escrito de manera vertiginosa, con la conciencia de su propia muerte acechando después de un diagnóstico de leucemia, "No binarix" es el tipo de memoria que podríamos esperar de alguien que asumió la técnica burroughsiana del "cut-up" como misión vital. Cortocircuitar el control implicó para Genesis P-Orridge una práctica expendida, que no solo debía aplicar a su medio privilegiado, el lenguaje, sino también a las formas de vida establecidas y a su propia identidad. Esta memoria, por lo tanto, será todo menos convencional. Fluida. Fragmentaria. Mutante. No binaria porque el sujeto y el objeto, la figura y el fondo se fusionan y entrelazan. El yo está constantemente intervenido por su relación con otras personas como el mismo William Burroughs, Ian Curtis, Timothy Leary y Lady Jaye, con quien decidió terminar con el paradigma masculino/femenino y dar conocimiento a un nuevo ser unificado, con dos mitades de una nueva totalidad pandrógina. "No binarix" es también el testimonio vibrante de una época revolucionaria, que teje en su narrativa experiencias contraculturales y estéticas pioneras como lo fueron el g

América, años 60. Los guetos estallan en llamas. Los jóvenes cantan “haz el amor y no la guerra”. Una nueva camada de directores, valientes e inconformistas, irrumpe con fuerza en Hollywood. Espejo de ese escurridizo crisol de tendencias hoy conocido como “contracultura”, su cine se propone destruir la tradición, cuestionar la historia oficial made in USA. Con placentera vocación desmitificadora, no tardarán en dirigir el punto de mira hacia el universo cinematográfico que mejor encarna los valores fundacionales de la nación: el western. El sistemático atentado que este, desde 1960 a 1980, sufrirá a manos de Sam Peckinpah, Robert Altman o Monte Hellman es uno de los más hermosos himnos antipatrióticos jamás entonados por el cine americano. Nos habla de rebeldes arrinconados, de soñadores a la búsqueda de la inocencia perdida, de gente que lucha (y pierde) contra el sistema. Son películas apasionadas y escépticas, mugrientas y líricas, intimistas y extravagantes, cuya voz se alzará como una de las más lúcidas del momento; una voz que se apagaría enseguida, pero cuyos ecos continúan aún hoy “Blowin' In The Wind”… De eso tratan estos veinte pequeños ensayos cinéfilos. Del cambio de los tiempos. De derrotas que son triunfos y victorias que quedan en nada. De la vida misma. Sed bienvenidos a este violento y nostálgico viaje por la época más irreverente de un género infinito en la historia del séptimo arte.