Chagall es uno de los artistas más singulares del siglo xx. Adorado por algunos, despachado por otros como fantástico y sentimental, su pintura encierra una cantidad de símbolos y significados ligados tanto a la historia reciente como a las más antiguas tradiciones rusa y judía. El texto de Pieyre de Mandiargues es delicado, original y extraño. Considera a Chagall un «pintor-poeta», le otorga la categoría de «un héroe de nuestro tiempo [cuya obra] es una defensa, una iluminación y una predicación perpetuas del amor»; y tiene razón cuando dice que no hay nada en el mundo en el que vivimos que sea tan moderno como el amor. La suya es una lectura atípica de la obra de Chagall, atrevida en sus referencias a su tendencia a la mística, inteligente al cambiar ese término por el de «mágico». André Pieyre de Mandiargues (París, 1909-1991) fue un novelista, poeta, dramaturgo y ensayista francés, cercano al grupo surrealista. Tradujo, entre otros autores, a Octavio Paz, W.B. Yeats, Alberto Savinio, Salvador Elizondo y Yukio Mishima, y su profunda relación con la pintura –estaba casado con Bona Tibertelli de Pisis, sobrina del pintor italiano Filippo de Pisis– le llevó a escribir sobre varios de sus contemporáneos artistas. En 1967 obtuvo el prestigioso Premio Goncourt por su novela Al margen y en 1979, el Gran Premio de Poesía de la Academia Francesa.

Remedios Varo: Los años de México es la más reciente monografía, dirigida a una audiencia mundial, sobre una de las pintoras surrealistas más interesantes y misteriosas. Magníficamente ilustrado, el volumen presenta las obras más importantes de la pintora, y el texto de Masayo Nonaka ofrece una mirada única hacia la vida y obra de Remedios Varo.Nacida y criada en España, Remedios Varo (1908-1963) se formó rigurosamente en la prestigiosa Academia de San Fernando en Madrid, antes de escapar de la Guerra Civil Española en 1937 para unirse al círculo de surrealistas en París. El brote de la Segunda Guerra Mundial la forzó a refugiarse en México, donde permaneció hasta su muerte en 1963.Conocida como una de las tres brujas, Varo compartió con Leonora Carrington un interés por el esoterismo o la tradición espiritual antigua, y con Kati Horna toda una variedad de intereses por las máquinas, la ciencia, y la ciencia ficción, así como por la filosofía, la psicología, y la literatura del romanticismo alemán.Durante los últimos 10 años de su vida, Remedios Varo se dedicó a crear un sueño poético extraordinario en los límites entre el misticismo y la mente moderna, razón por la que ha sido aclamada como una de las mujeres surrealistas más talentosas en el arte del siglo veinte.

El libro definitivo sobre uno de los grandes directores de la Historia. Una enciclopedia sobre su vida y obra, con un impresionante despliegue fotográfico.Es sin lugar a dudas uno de los grandes cineastas de la Historia y fue capaz de crear un universo propio y original a través de sus películas. Una veintena de autores de reconocido prestigio analizan en El universo de Federico Fellini todos sus films como director, y guionista, sus colaboradores, sus actores, sus obsesiones, sus filias, sus fobias

Anárquicos, irreverentes, iconoclastas, absurdos, geniales… Los Hermanos Marx siguen sumando adeptos generación tras generación como si su lenguaje no conociese de épocas ni de costumbres… básicamente porque nunca respetaron ni a las unas ni a las otras. Noches en la ópera, tardes en el circo, hoteles liosos, harpas y pianos, bigotes postizos, bocinas… y la pobre Margaret Dumont como diana de los dardos de Groucho. Veintiún prestigiosos críticos analizan en “El universo de los Hermanos Marx” todas sus películas (incluso las que rodaron en solitario), sus colaboradores, directores, actores y actrices, libros, sus obras teatrales, programas televisivos y radiofónicos, cartoons… todo ello presentado alfabéticamente a modo de enciclopedia.

La naturalesa simbiòtica del liquen el converteix en una de les formes de vida més poderoses de la natura. Un organisme que neix en simbiosi, que creix i s'expandeix en íntima dualitat. A partir de les paraules de la filòsofa Donna Haraway, la cantant Maria Arnal i les escriptores María Sánchez i Irene Solà uneixen les seves veus per construir un relat simbiòtic de peixos i natura, de sequera i de pantans, de personatges i llegendes, de ciència i poesia. Tres veus que es trenen en diàleg en aquest text. Un text que vol ser i és, un liquen.

* Un estudio en profundidad de los archivos fotográficos de Magnum, con excelentes imágenes de un destacado grupo de fotógrafos. * La piedra angular de lo que ahora se conoce como fotografía de calle, el impulso de captar imágenes espontáneas e improvisadas en la esfera pública, ha formado parte del ADN de Magnum desde su fundación en 1947. * La fotografía de calle es una actividad poética muy solitaria que requiere enormes reservas de paciencia y resiliencia. Aunque algunos trabajos en esta colección son el resultado de encargos, en su gran mayoría son obras personales, el resultado de exploraciones propias y trayectos arriesgados hacia lo desconocido. La belleza de la fotografía de calle se fundamenta en lo incongruente, lo implausible, lo inconsistente y lo inefable. Celebra la ambigüedad, insinuando realidades paralelas que solo podemos sintonizar ocasionalmente y solo durante una fracción de segundo. Es más una tradición que un género, un conjunto de herramientas improvisadas para utilizarse cuando el momento lo exige, como un músico de jazz en busca de un riff. En la mejor fotografía de calle experimentamos una variedad de emociones, a veces de un ingenio extravagante como Elliot Erwitt, pero también compasión, intriga y en ocasiones asombro. Se incluyen imágenes que en algunos casos se publicaron en periódicos y revistas, que trascendieron la inmediatez del reportaje.

Un ensayo interdisciplinario y ecléctico que conjuga textos de ámbitos diversos como la crítica literaria, la estética, la filosofía, la poesía, la economía política, la antropología y la historia del arte. Valeria Mata, antropóloga social que se ha especializado en estudiar prácticas de edición independiente y los cruces entre antropología y arte, nos introduce a un tema poco explorado: ¿qué es la originalidad? ¿Cómo ha cambiado el concepto de propiedad? ¿De qué forma el Internet ha reconfigurado el campo artístico? ¿Es la literatura el resultado de un proceso infinito de copia y reinterpretación? ¿A quién le pertenece la obra? El ensayo está acompañado de ejemplos clave: desde análisis comparativos entre prácticas artísticas de culturas diversas hasta la evidencia de múltiples proyectos que buscan desmitificar la idea de propiedad privada, la creación aislada y la autoría. Este libro de Valeria Mata, autora de Todo lo que se mueve, Comisura, 2022), interesará a lectores y lectoras de todo tipo, tanto aquellos que buscan un ensayo más académico como los que optan por un ensayo de tipo creativo, pero también convocará íntimamente a creadores en general, en la medida en que el libro reflexiona sobre algunas de las claves del proceso creativo.

La pintura, del mismo modo que la literatura y el cine, fue otra de las artes que no escapó del implacable genio –creativo y crítico– de Pier Paolo Pasolini. Su inquietud pictórica, acaso una de sus facetas más desconocidas, afloró de forma intermitente a lo largo de su vida, pero siempre permaneció latente e influyó de forma determinante en su multifacética trayectoria. En los textos recogidos en el presente volumen, con su habitual mirada incisiva, lúcida y apasionada, el intelectual italiano se manifiesta sobre la pintura y los artistas de su tiempo –desde Andy Warhol hasta Renato Guttuso–, también sobre clásicos como Caravaggio… e incluso sobre sí mismo.

«No van a pillarnos», arenga Dan Aykroyd, enfundado en el papel de Elwood Blues, a su hermano Jake, inmortalizado por John Belushi. «Esta es una misión del Altísimo, Dios lo quiere». Así arranca la comedia musical de acción The Blues Brothers [Granujas a todo ritmo] que llegaría a la gran pantalla el 20 de junio de 1980, si bien del nacimiento de ambos personajes (1974) se cumple ahora el cincuentenario. Su misión divina en el guion tenía inicialmente por objeto salvar de la ruina el orfanato de Chicago en el que crecieron los hermanos Elwood; pero Aykroyd, acaso el más iluminado de tan ferviente pareja de conversos al rhythm & blues, y que escribió gran parte de la película, concibe una misión para mayor gloria, si cabe: rendir tributo al, por aquel entonces, olvidado acervo del rhythm & blues, algunos de cuyos más grandes artistas —Aretha Franklin, James Brown, John Lee Hooker, Cab Calloway, Ray Charles— convirtieron el largometraje, con sus actuaciones, en un extático delirio tanto o más inolvidable que las salvajes persecuciones en coche que jalonan la comedia. Con más retraso del debido, puliéndose un pastizal, y al filo del descalabro —en más de una ocasión, por las incesantes excentricidades de sus volubles estrellas— el estreno cosechó la censura de una caterva de indignados críticos que se escandalizaron con tan incendiario engendro. Sea como fuere, en los 44 años transcurridos desde entonces, ha sido elevado al pedestal de los grandes clásicos de la comedia musical de acción, y aclamada como una de las películas más célebres y celebradas del siglo XX en su género (probablemente inexistente hasta su estreno). La investigación de todo lo que conduce a la creación de un clásico siempre entraña no pocos hallazgos y sorpresas. La saga de esta desopilante comedia es épica, abarcando las respectivas infancias de Belushi y Aykroyd; la revolución de la comedia desencadenada por The Harvard Lampoon y por Second City en Chicago; el nacimiento y los primeros años de Saturday Night Live, programa humorístico en el que los Blues Brothers fueron ruidosamente alumbrados; y, por supuesto, la indeleble narración de cómo se fue gestando la película. Con docenas de entrevistas que sondean los recuerdos de los protagonistas, desde el director John Landis y el productor Bob Weiss hasta el propio Aykroyd, este sentido homenaje devuelve a la vida los avatares de una obra maestra del cine estadounidense al tiempo que recompone las semblanzas de algunos de los preclaros genios a quienes debemos el alumbramiento de la comedia moderna. La ambiciosa aproximación de Tick desgrana la carrera de la artista con nuevos hallazgos que ponen de manifiesto la obsolescencia de la visión tradicional que segregaba al jazz vocal de la corriente principal del género: la instrumental. Mientras surcaba las procelosas aguas de la industria discográfica que la llevaban del jazz al pop, la cantante pudo echar mano de un amplísimo abanico de recursos que la convertirían en una de las pioneras del jazz vocal modernista con un repertorio asombrosamente diverso. Gracias a la recuperación de canciones perdidas, reseñas procedentes de medios afroamericanos y prensa local silenciada por los popes de la crítica —racista hasta en la selección de sus fuentes—, material de archivo en colecciones privadas y grabaciones que no han visto aún la luz del día, esta intrépida e infatigable historiadora revela cómo Lady Ella dejó su indeleble impronta en actuaciones tanto o más significativas que sus propios registros fonográficos en estudio. Una exhaustiva celebración de la vida y obra de la prodigiosa artista que estableció un estándar de excelencia sin parangón en la canción popular norteamericana.

Una rápida compañera presenta, por primera vez en castellano, los escritos de Víctor Muñoz Sanz en torno a los nuevos espacios creados alrededor de ù y posibilitados porù las tecnologías de la automatización. Es un viaje que nos traslada a fábricas de calzado de finales del siglo XIX, a innovadores puertos logísticos e invernaderos en los que no encontramos rastro de trabajadores humanos y a terrenos fangosos donde vacas frisonas fruto de la selección genética conviven con robots de la más alta tecnología.Lejos de ser complaciente, este ensayo, entre la observación más aguda y la especulación más sugestiva, no se deja cegar por el brillo de las tecnologías más recientes ni fascinar por productos espaciales nunca vistos. Su trabajo nos ayuda a entender los avances espaciales que día tras día transforman toda clase de entornos de trabajo tras los muros opacos del oscurantismo empresarial y, a la vez, la forma en que la tecnología, la ciencia y la arquitectura moldean, días tras día, cuerpos humanos y no humanos.Prólogo de Landa Hernández Martínez.

Andrea Giunta parte de un hecho consumado: la crisis del Covid supuso un gran cambio social que afectó de manera vertical y horizontal a todas las sociedades del planeta. Observar esa capacidad de cambio que ha mostrado la humanidad, la lleva a pensar acerca de los cambios en el mundo de la creación artística que han permitido abrir los museos de arte contemporáneo a aquellas obras que nunca pudieron formar parte del canon y la discusión. ¿Cuánta parte de este cambio debemos a los propios artistas? Es así como Andrea crea una discusión en torno a seis artistas que con sus obras y discursos se posicionaron, de maneras muy variadas, contra lo establecido. Cada una de sus historias en la de la ruptura de un techo de cristal, ya sea impuesto por el género, la identidad sexual o la procedencia.

Este delicioso e incisivo ensayo de Murielle Joudet reúne ocho retratos de actrices: Nicole Kidman, Thelma Ritter, Brigitte Bardot, Meryl Streep, Mae West, Frances McDormand, Isabelle Huppert y Bette Davis. Ocho maneras de afrontar esa «segunda mujer» que, según anunciaba Gena Rowlands en Opening night, hacía su entrada cuando la juventud declinaba y moría, inevitable ruptura de identidad que explorara a fondo Simone de Beauvoir. Se analiza aquí un esfuerzo específico, sostenido bajo la presión social y el escrutinio masculino —y dentro de una industria que tritura la realidad del cuerpo femenino—, la infatigable inventiva de unas mujeres que acaban por transformarse en agentes dobles de su propia apariencia, haciendo del cine el lugar de una posible y milagrosa reinvención de sí mismas. En cada actriz subyace una parecida historia de ingenuidad inicial y posterior rearme, estrategias de resistencia en un medio tan restrictivo y codificado como el cine: de la aceptación plácida a la lucha por ampliar límites o, simplemente, a la liberación y el abandono de tan exigente receptáculo de miradas. Estas intérpretes, en tanto que «mujeres intensificadas» que se observan a sí mismas mientras se saben examinadas, convierten las películas en espacios simbólicos que expresan, comentan y escenifican la condición femenina, y cómo sus historias pueden ser suprimidas o reescritas. La actriz, por fin, como creadora de formas.

La correcta estructuración de un proyecto es una condición necesaria para su éxito. El libro que aquí se presenta, fruto de más de 25 años de experiencia tanto profesional como académica, expone de manera conceptualmente avanzada y metodológicamente aplicada las condiciones para elaborar y evaluar un proyecto cultural.

¿Cuál es la distancia que separa una obra de arte valiosa de la que no lo es? ¿Acaso es una mera cuestión de gusto, de bagaje, de canon, de accesibilidad, de marketing? Juan Cárdenas aventura en este libro una teoría: «Todo gran arte trae consigo la marca de la ligereza». No es tan fácil distinguir lo ligero de lo pesado, pero hay algo que está claro: la fuente primordial de la ligereza es el placer. El arte da placer no porque imite a la vida, sino porque es capaz de traducir sus leyes secretas al lenguaje de las formas sensibles. Y la vida es ligera, fugaz, esquiva, grácil, vulnerable y resistente de un modo inexplicable. En su afán por desentrañar este concepto, el autor nos lleva de la mano por una serie de cuestiones esenciales para reflexionar sobre lo que hoy consideramos digno de admiración, ya sean las modas, lo militante, las inercias del mercado, la posibilidad de la utopía o el lado oscuro de uno de los mantras de la sensibilidad contemporánea: la búsqueda de la autenticidad. Un recorrido original que acaba por ser, además, una manera de esclarecer los mecanismos de su propia escritura. La precisión y la afabilidad de su prosa, la plasticidad de sus ideas y su deslumbrante capacidad para exponerlas de una forma tan sencilla como profunda hacen de La ligereza un ensayo estimulante y fértil, una grieta luminosa en el imperturbable territorio de lo mayoritario.

Cuando pintaba las fiestas de su pueblo, las vecinas, los niños vestidos de angelitos, las procesiones, los entierrosà destilaba pureza. Tras los años oscuros de una dictadura que monopolizó la cultura y la estética de varias generaciones, Ocaña devolvía a los grandes iconos secuestrados por el franquismo el olor a campo, la luz de amanecer y el sentimiento de hogar que habían sido reconvertidos en dogma, tradicionalismo y precepto. Desacreditado por sus detractores, y frecuentemente malinterpretado por sus admiradores póstumos, Ocaña encarnó una figura tan compleja como generosa, una personalidad que trazó en su breve recorrido un camino difícil de catalogar por su ausencia absoluta de prejuicios o filiaciones. Un ejercicio de libertad que permitió reinterpretar con luminosidad vitalista las imágenes típicamente descriptivas del repertorio nacional. «Ocaña quizás fue la última gran locaza andaluza. [à] Una figura anacrónica y contradictoria hoy en día: la mariquita tradicionalista y religiosísima que se pasaba el día pegada a las vírgenes, altares y cirios de los mismos que le condenaban».(Shangay Lil