En pleno fragor de la Primera Guerra Mundial, poco después de que en Zúrich naciera el Dadaísmo y en Rusia el Suprematismo, un reducido grupo de artistas funda en Holanda la revista De Stijl y establece los principios fundamentales de la estética neoplástica. Hoy son de sobra conocidos los productos de la moda y del marketing que utilizan el lenguaje de Mondrian: desde el famoso vestido de Yves Saint Laurent a los frascos de cosméticos de l'Oréal. Pero muy pocos saben qué se esconde en realidad detrás de esas líneas y de esos colores tan característicos. En el presente volumen, Charo Crego desentraña lo que nos quieren decir los cuadros de Mondrian, los muebles de Rietveld o las casas de Oud. Tras un detallado estudio histórico del grupo y de sus relaciones con las demás corrientes de vanguardia de la época, la autora analiza las obras artísticas y las ideas estéticas de estos artistas, ofreciéndonos un apasionante y riguroso retrato de este movimiento artístico

Esta edición crítica, al cuidado de Liliane Meffre, experta investigadora y traductora de la obra de Carl Einstein ofrece, reunidos por primera vez, los tres textos más importantes de este autor sobre arte africano. La escultura negra (Negerplastik), publicado en 1915 en Leipzig, es el primer texto teórico que confiere al arte africano un estatuto de arte de primer rango.Como dice Liliane Meffre, este ensayo, denso e innovador, que abre caminos inexplorados, sigue siendo hoy una de las obras maestras del siglo XX que debe leerse y comprenderse como un manifiesto a favor del arte moderno, más concretamente del cubismo. Complementa dicho texto una erudita investigación, de Ezio Bassani y Jean-Louis Paudrat sobre la iconografía de la edición original. De La escultura africana (Afrikanische Plastik) publicado en Berlín en 1920, se ofrece un fragmento inicial que resume el pensamiento del autor sobre el tema. Por último, A próposito de la exposición de la Galerie Pigalle, París 1930, publicado originalmente en francés, constituye un auténtico alarde de los conocimientos etnológicos del autor.

Diez fi guras de indiscutible talla de la industria japonesadel videojuego, creadores de títulos icónicoscomo Rez, Ico o PaRappa the Rapper, se dan cita paracompartir su sabiduría. En esta remesa de extensasentrevistas se ahonda en la personalida

A través de veinte textos, Valentín Roma nos descubre algunos episodios en que sus protagonistas viven momentos inesperados de cambio, de vacío, de aislamiento, de locura, de interrupción brusca o disrupción en el tiempo. Son situaciones de «apagón» que provocan un giro en el proceso de la historia. Estos episodios hilvanados constituyen un cierto manifiesto sobre la interpretación, sobre como percibimos y comprendemos lo que nos es expuesto, ya sea un cuadro, una obra literaria, un espectáculo teatral, un discurso... Para Valentín Roma, el arte es conversación: «Mirar es la antesala del decir, porque en el decir habita el deseo por ser oído y, finalmente, porque esa búsqueda de algún oyente nos obliga a escuchar otras palabras, a entablar conversaciones».

La pintora Marisa Camino conoció a John Berger en Madrid, a principios de la década de los noventa y a partir de ese encuentro comenzaron a intercambiar cartas y dibujos. Y así, desarrollaron cuestiones acerca de la naturaleza del espacio en las pinturas rupestres, la apelación a la memoria corporal que nos lanzan los objetos de un bodegón o la pulida ingravidez de las esculturas de Brancusi...

Fundador en 1897 del Teatro del Arte de Moscú, la figura de Constantin Stanislavski (1863-1937) ocupa un puesto destacado en la reformulación de la labor interpretativa planteada a principios del siglo XX a causa de su empeño en desarrollar una concepción teatral basada en la adecuada ambientación de cada obra y en la preparación psicotécnica del actor. LA CONSTRUCCIÓN DEL PERSONAJE, su último libro, fue publicado póstumamente, y el tratamiento de los temas que en él se abordan la caracterización física de los autores, el vestuario, la expresión corporal, la plasticidad del movimiento, la contención y el control, la dicción y el canto, la acentuación y la expresividad, el ritmo en el movimiento y el lenguaje, la ética teatral, etc. da fe de la riqueza de experiencias, el talento didáctico y el sentido dramático del gran actor y director de escena.

Un actor se prepara es la primera obra de pedagogía teatral de Konstantín Stanislavski. Aunque obra de carácter autobiográfico, adopta la forma narrativa de diario de un estudiante, llamado Kostya, durante su primer año de aprendizaje del «sistema Stanislavski», que no se presenta como un «método» particular sino como todo un análisis sistemático del orden «natural» de la verdad teatral. En él se abordan numerosos aspectos relacionados con las habilidades que tiene que desarrollar un actor en escena, desde la relajación de los músculos o la memoria emotiva a la concentración y motivación interna. Konstantín Stanislavski (seudónimo de Konstantín Serguéievich Alekséyev, Moscú, 1863-1938) actor, director y teórico teatral, fue uno de los grandes renovadores del mundo de la escena y del arte teatral del primer tercio del siglo XX, junto con Serguéi Diáguilev (el creador de los Ballets Rusos) y Erwin Piscator (director teatral y autor de Teatro político). Cofundador del Teatro de Arte de Moscú y creador de un método interpretativo que pretende proyectar la emoción de los personajes al espectador de forma verídica y alejada de toda artificialidad.

Un pintor que se pregunta por el origen de las imágenes; un poeta que reflexiona frente a las obras de otros artistas; un filósofo que pinta mientras cuestiona el lugar del artista en la sociedad: tras Todas las pantallas encendidas y Manifiesto de la mirada, Antón Patiño culmina su trilogía sobre la teoría de la imagen con De dónde vienen las imágenes, un periplo a través de la práctica artística, entendida como forma de conocimiento y exploración sensorial. Patiño rastrea los procesos artísticos donde los distintos estratos de la creación establecen una urdimbre con el imaginario colectivo. El relieve del mundo, las sensaciones multiformes, los presentimientos toman cuerpo. La imagen como vértigo, irrupción de lo inesperado, extrañamiento y pulsión inconsciente, desde la que emerge lo real transfigurado. Se trata de lograr respuestas a inquietudes que definen nuestro momento histórico y atraviesan diferentes geografías culturales. Las imágenes se integran, forman parte de nosotros mismos y se despliegan como proceso y construcción sociocultural.

Con intención de sintetizar de manera didáctica la comprensión de los procesos de gestación y análisis de las diferentes concepciones de la pintura de paisaje en Andalucía, nace este trabajo recopilatorio del conjunto de la producción paisajística que aparece por primera vez bajo el título: Pintura de Paisaje y plein-air en Andalucía: 1800-1936; resultado a su vez de una serie de estudios, de trabajos de localización y catalogación de pinturas tanto en colecciones institucionales como particulares. Dicha publicación aspira no solo a consignar la producción de paisajes de artistas activos en los siglos XIX y XX, sino presentar un panorama de concepciones y puntos de vista estéticos proyectados por pintores tanto nacionales como extranjeros en Andalucía.

Un maravilloso recorrido por las películas que mejor capturaron su tiempo y terminaron por moldear el nuestro. El cine no es solo un reflejo del Zeitgeist que lo produce, sino que, en sentido contrario, puede influir en su momento histórico. Así lo demuestra Fernanda Solórzano en este espléndido libro que explora la relación entre el cine y su tiempo a través del análisis de películas que marcaron un hito en la gran pantalla. La naranja mecánica, que ejemplifica la historia de la violencia tanto en el cine como en Londres y las pandillas de Nueva York del siglo XIX; El último tango en París, conocida por la controversia que provocó, pero menos por el debate feminista que originó en su época; o El padrino, que ofrece una original e interesante mirada a la política estadounidense, son algunas de las películas icónicas sobre las que reflexiona Solórzano. A partir de su contexto, pero también de numerosas curiosidades (sobre actores, directores, productores, guionistas), sorprendentes ejemplos y conexiones inesperadas, Solórzano muestra con brillantez el poderoso papel que desempeñaron en el inconsciente colectivo. La crítica ha dicho... «Una guía que explica con erudición el presente en el que se desarrolló un producto cultural que lograría la inmortalidad. Cada película es diseccionada en un ensayo literario en el que lleva al lector a un viaje que incluye calzarse los zapatos de los creadores y explicar el contexto que llevó a los proyectos a convertirse en referencias de varias generaciones.» Luis Pablo Beauregard, El País «Acuciosa, informada y amena, la impecable prosa de Fernanda Solórzano es seguida por miles de lectores cinéfilos. Estupenda obra.» Los Angeles Times «Atractivo. Fernanda Solórzano ha encontrado en el cine una metáfora de la sociedad.» Aandrés Olascoaga, Gatopardo «Los nuevos libros sobre cine necesitan encontrar caminos diferentes. Este invita a recuperar el ritual de asistir a una sala de cine y reflexionar sobre el contexto que da vida a una película dejando de lado la inmediatez.» Rafael Paz, Forbes «Su capacidad analítica es envidiable. Compren este libro, léanlo y vean o vuelvan a ver las películas que lo vertebran. Aprendan de cine.» Julio Patán, Milenio

El estreno del primer capítulo de Twin Peaks, el 8 de abril de 1990, está considerado como un momento fundacional en la historia de la televisión: en gran medida, David Lynch y Mark Frost sentaron las bases de lo que sería en el futuro el formato de la serie televisiva, anticipándose a fenómenos como Perdidos. Sin embargo, tal y como argumenta Pacôme Thiellement en este volumen de ensayos iluminadores sobre el que sin duda es uno de los trabajos más conocidos y reconocidos de David Lynch, la intención del creador de Twin Peaks no fue tanto revolucionar la televisión como reflexionar sobre el lenguaje televisivo de su tiempo y, de paso, alertar sobre la crisis que estaba atravesando la ficción concebida para la pequeña pantalla.

Es verdad que la ecología ha recibido escasa atención en el ámbito de la historia del arte, pero también es cierto que su visibilidad e importancia han ido creciendo en los últimos tiempos, de la mano de las amenazas del cambio climático y la destrucción medioambiental. Al imbricar el extendido compromiso político y estético de diversos artistas con procesos y condiciones medioambientales por todo el planeta -y dirigiendo su mirada a los punteros avances teóricos, políticos y culturales que se han producido y producen en el Sur y el Norte globales-, el presente libro ofrece una significativa y original contribución a los campos interconectados la historia del arte, la ecología, la cultura visual, la geografía y la política medioambiental.