En un caluroso fin de semana de julio de 1987, con la ciudad de Madrid desierta, Miguel, un veterano articulista, temido y respetado, se cita en un café con Ángela, una joven estudiante de primer curso de Periodismo. Obligados a convivir en una jornada muy particular, ambos tratarán de sobrevivir al roce del deseo. Como dos trenes, sus personalidades chocan frontalmente, en la España de 1987, un país que terminaba de cerrar el capítulo negro del franquismo y se instalaba plácidamente en la democracia. Quizá demasiado plácidamente, mientras los valores y las jerarquías tradicionales aún disfrutaban de un poder sólido. Anagrama presenta Madrid 1987, la última película del escritor y realizador David Trueba, definida por la crítica norteamericana tras su paso por el festival de cine de Sundance como un cruce entre el cine intimista y la literatura de Philip Roth, acompañada de su guión, que es, también, otra magnífica obra literaria de Trueba. Presentación: Caja con DVD + guión.

Según Richard Schechner, director de The Drama Review, Augusto Boal «consiguió hacer lo que Brecht tan solo pudo soñar o escribir: un teatro alegre e instructivo. Una forma de terapia social». En La Estética del oprimido, su última obra, fundamenta los principios de su célebre e influyente método -el Teatro del Oprimido- en una estética viva, que descubre en cada ciudadano a un artista y le exhorta a manifestar esa capacidad para rebelarse contra el lenguaje impuesto por los mecanismos del poder. El arte es «un peligroso instrumento de dominación», pero todos podemos servirnos de él. De la filosofía presocrática a la sociedad del espectáculo de Debord, pasando por las modernas teorías neurológicas, de la moral esclavista al caos sin castigo inducido por la crisis financiera de 2008, Boal hace un apasionado recorrido por los conceptos y hechos que han condicionado nuestra cultura estética y nos invita a corregirlos, matizarlos, desenmascararlos. El trabajo teatral con los marginados -niños desprotegidos, pacientes de hospitales psiquiátricos, presos- ocupa asimismo un lugar importante en este libro. «Shakespeare decía -nos recuerda Boal- que el teatro es un espejo que nos muestra nuestros vicios y virtudes. El Teatro del Oprimido quiere ser un espejo mágico con el que podamos, de forma organizada, politizada, transformar nuestra imagen y todas las imágenes de opresión que éste refleje.»

Este libro reúne la más importante investigación sobre el Arte Correo en México y sus conexiones con el mundo. A partir de la revisión de quince archivos -públicos y privados- de diferentes artistas e instituciones, se configura un mapa del movimiento del arte correo durante sus décadas de auge; es decir, 1960, 1970 y 1980. Durante esos años, artistas mexicanos utilizaron los servicios postales para tender comunicaciones con sus contemporáneos en todas partes del mundo. El libro contiene obras inéditas de Mathias Goeritz, Pedro Friedeberg, Felipe Ehrenberg, Clemente Padín, Diether Rot, Marcos Kurtycz, Polvo de Gallina Negra, y cientos de artistas de los cinco continentes. Todas tienen en común haber viajado hasta México por medio del correo.

Una guía indispensable para triunfar en el mundo del arte actual, sin necesidad de talento o sensibilidad artística. En este libro paródico (una crítica valiente, lúcida y llena de humor sobre la decadencia del arte conceptual), Helguera ha llegado a su punto más ácido

Carl Einstein, crítico e historiador de arte alemán, fue. el primero en escribir, con extraordinaria lucidez, sobre. las claves formales del arte negro y sobre el alcance. revolucionario del cubismo. Los escritos que recoge. este volumen, inéditos en Espa

Este libro se divide en dos partes. Mientras la primera aborda las películas que se han aproximado a la guerra contra el francés, la segunda trata las representaciones fílmicas de los distintos conflictos que arrancan en 1810 y conducirán a la emancipación de las repúblicas americanas.

Biografía de una de las mujeres más originales e importantes de la historia del arte español Dotada de un talento que le permitió compaginar múltiples facetas (entre otras, las de pintora, profesora de arte, ceramista, ilustradora, ensayista, escenógrafa o diseñadora de joyas), Maruja Mallo (1902-1995) es una de las mujeres más originales e importantes de la historia del arte español. Amiga de figuras tan destacadas como Salvador Dalí, Federico García Lorca, Pablo Neruda o Ramón Gómez de la Serna; única mujer del grupo de Vallecas y cuya relación sentimental con Rafael Alberti fue muy importante para ambos, así como su amistad con Miguel Hernández; enérgica, brillante, libre, y transgresora con un temible sentido del humor y llena de atractivo, entre 1922 y 1936 asombró y escandalizó a la sociedad de su tiempo, aunque nadie discutía la calidad de su obra, impregnada de surrealismo y cargada también de una oscuridad que parecía presagiar futuros desastres. La guerra civil, que rompió tantos sueños, la llevó al exilio; en América renacerá con grandes lienzos en los que geometría y naturaleza se acoplan con misteriosa armonía. Su regreso a España en 1965 marca una etapa agridulce donde el personaje, a medio camino entre el presente y el pasado, estuvo a punto de devorar a la artista. Una artista que, siempre hermética respecto a su vida personal, solía declarar: "Mi biografía está en mi pintura".

Desde los primeros años del nuevo siglo hemos visto generalizarse una serie de dinámicas multitudinarias de participación e interrelación en torno a una infinidad de redes sociales, blogs y grandes repositorios colectivos de archivos compartidos por millones de personas diariamente.   Un buen número de artistas no tardó mucho en comenzar a explorar críticamente estas nuevas dinámicas sociales y las tecnologías que las posibilitaban, haciendo de ellas los nuevos contextos de referencia y actuación de sus investigaciones creativas.   Centrado en el análisis y caracterización de esta «segunda época» de la relación entre prácticas artísticas e Internet, este libro presenta un pormenorizado estudio tanto de la actualidad del net art (blog-art, intervenciones en redes sociales y en metaversos, instalaciones conectadas a la red, etc.), como de aquellas manifestaciones artísticas que, sin ser obras en línea, trabajan «acerca de» Internet en cualquiera de sus dimensiones, estéticas, técnicas, lingüísticas, políticas o económicas y a través de un sinfín de medios (vídeo, imagen fija, performance, etcétera).   La amplitud y profundidad de este análisis hacen de este libro un material imprescindible para conocer cómo está evolucionando una faceta fundamental del arte de nuestro tiempo.

"A la pintura le falta cabaret, le sobra espíritu conventual, moralidad, trascendencia y muchas éticas mal entendidas cuando no falsas". La cita es del artículo Titanlux y moralidad que apareció en 1983 en el número cero de la revista Figura y lo firmaba Rafael Agredano (Córdoba, 1955). En el que fue su primer texto, escrito por encargo como todos los que han venido después, el artista plástico y uno de los fundadores de Figura -una revista de arte de "dudosa periodicidad"- hizo "una especie de manifiesto de cómo enfrentarse a la pintura", en palabras de Agredano, que aún hoy sigue estudiándose en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla. "Muy bueno no tiene que ser porque se lee muy bien y, además, se entiende", asegura el artista, tan irónico como su obra, en alusión al lenguaje críptico que utilizan los críticos de arte. Este y otros 12 textos, publicados entre 1983 y 2010, aparecen ahora reunidos en un libro, Titanlux y moralidad. El musical.

A finales de 2008, Miquel Barceló invitó a Michael Damiano, un estudiante norteamericano de veintidós años, a vivir en su taller de París. Durante el siguiente año, Michael llegaría a conocer profundamente al pintor, pasando tardes con él en París y acompañándole en viajes a Barcelona, Ginebra o el País Dogón de Mali. También estudiaría la personalidad del artista a través de conversaciones con los miembros de su círculo más íntimo. Este libro, el resultado de este proceso de investigación personal, relata la vida singular de Barceló desde sus años radicales de pobreza en la Mallorca posfranquista hasta las vicisitudes de sus grandes proyectos públicos y sus triunfos y frustraciones en el mundo del arte internacional. De ahí surge el retrato de un hombre brillante y contradictorio, un hombre, en palabras del autor, «de enorme generosidad y a la vez de gran egoísmo, con un lado cariñoso y otro peligroso». «En estas páginas vemos el arte de Barceló: sus cuadros, sus murales, sus esculturas se alzan ante nosotros, cobran vida, casi respiran... gracias a la maestría descriptiva de Michael Damiano» (Rodrigo Rey Rosa).

Historia, memoria, vivencias, películas, amores, familia, fracasos y éxitos, Cannes, Berlín, Yugoslavia, Serbia y la música. Escrito con la energía que caracteriza su obra, estas páginas son el apasionante repaso de una vida en marcha y una apuesta por el futuro. Sin duda, la mejor forma de acercarse a uno de los más brillantes directores de cine de las últimas décadas.«El hombre tiende a olvidar, y con el paso del tiempo el olvido se ha convertido en un arte fundamental de la especie humana. Si el olvido, ese gran señor, no atenuara los pensamientos apasionados, los convirtiera en razonables y los ordenara, nuestro cerebro sería un simple contenedor. Sin el olvido, ¿podríamos dirigir la mirada al futuro? ¿Qué pasaría si sintiéramos que de nuestra alma no deja de manar sufrimiento, si el olvido no cubriera los duros momentosde nuestra vida como las nubes ocultan el sol? Sería imposible sobrevivir».«Los tamborileros del capitalismo liberal nos han invitado a que dejemos de lado todo apego a nuestra cultura y nuestra identidad y que nos dejemos arrastrar por el torbellino de la revolución tecnológica, que supuestamente canaliza el curso de nuestro destino y convierte el mercado en el regulador de nuestros procesos vitales» (Emir Kusturica).Web: http://kustu.comFilmografía- Maradona by Kusturica, 2008, documental- Prométeme, 2007- La vida es un milagro, 2004- Super 8 Stories, 2001, documental- Gato negro, gato blanco, 1998- Underground, 1995- El sueño de Arizona, 1993- Tiempo de gitanos, 1988- Papá está en viaje de negocios, 1985- ¿Te acuerdas de Dolly Bell?, 1981- The Brides are coming, 1978- Guernica, 1978, cortoDistinciones- Guernica, Primer premio del Festival de cine de los estudiantes en Karlovy Vary (1978)- ¿Te acuerdas de Dolly Bell?, León de Oro en el Festival de cine de Venecia (1981)- Papá está en viaje de negocios, Palma de Oro Festival de cine de Cannes, premio FIPRESCI, nominado a «mejor película en lengua extranjera», Oscar (1985)- Tiempo de gitanos, Premio al mejor director en el Festival de cine de Cannes (1989)- Sueños de Arizona, Oso de Plata Festival de cine de Berlín (1993)- Underground, Palma de Oro Festival de cine de Cannes (1995)- Gato negro, gato blanco, León de Plata en la Mostra de Venecia (1999)- Drvengrad (Pueblo de madera), Premio Europeo de Arquitectura Phillipe Rotthier (2005)- Premios César 2005 a la Mejor película de la Unión Europea por La vida es un milagro

Rocha fue uno de los más importantes directores del cine latinoamericano y uno de los fundadores del 'cinema novo', cine de oposición surgido en Brasil a mediados del siglo XX en abierto enfrentamiento a la colonización estética de Hollywood y al 'falso populismo' de los estudios nacionales. El presente volumen recoge una serie de ensayos, manifiestos, artículos críticos y entrevistas publicados en su mayoría por primera vez en español y organizados en dos secciones: la revolución del 'cinema novo' y el siglo del cine.

Este bello rostro, este verde paisaje, envejecerán, se marchitarán, pero los tendré para siempre tan verdaderos como en la naturaleza, tan bellos como en el recuerdo, perpetuamente míos; lo que preservo no es el fragmento de naturaleza, que ya existe y que será siempre superior a cualquier representación, sino el gozo de haber recreado la naturaleza pincelada a pincelada.

Escalinatas colosales que llegan del abismo y se pierden en alturas inaccesibles; bosques de columnas que soportan arcos de enorme vuelo detrás de los cuales se perfilan otros que arrastrados en su propia fuga se precipitan hacia las profundidades.

Brueghel, un hombre erudito, comenzó su vida pictorica con trabajos de paisajes, un interés que retuvo durante toda su vida. Demuestra, en este y en otros cuadros, su habilidad para representar el cambio de estaciones y las características de la naturaleza en cada una. Procesó una gran admiración por su pintor flamenco predecesor, El Bosco, que influyó notablemente en muchos de sus trabajos. Redefinió sus técnicas creativas, pero al mismo tiempo mantuvo el contacto con la realidad. Se ha dicho de su trabajo que es más "meditación", que pintura.

La publicación de esta cuidada edición en español de los Escritos más relevantes de Marcel Duchamp (1887-1968) supone todo un acontecimiento editorial. José Jiménez ha llevado a cabo una exhaustiva tarea de revisión y anotación de los textos, fijando la terminología para su mejor comprensión en nuestra lengua. Se trata de una cuestión decisiva, ya que si hoy se suele considerar a Duchamp como uno de los artistas más importantes de nuestro tiempo, no pocas veces se habla de él sin conocer suficientemente la complejidad de su trabajo, en el que la representación visual y la escritura constituyen un entramado indisociable. Duchamp planteó de modo radical el interrogante acerca de la especificidad del arte en un mundo caracterizado por la sobreabundancia de imágenes, resultado de la aplicación de la técnica a la producción de objetos, la comunicación y el consumo. Nos enseñó a ver, a comprender, que en la era de la configuración tecnológica de la vida, las propuestas artísticas se articulan como juegos de lenguaje, cuyos sentidos no son aprehensibles de forma inmediata o directa en la representación visual. En definitiva, Marcel Duchamp supo anticipar los nuevos horizontes del arte en el mundo actual. En su trabajo: las obras, las imágenes y objetos elegidos, los textos,y su desdoblamiento en un alter ego femenino como Rrose Sélavy, se integran en una misma unidad, en una originalísima síntesis poética de visualización y reflexión. Por eso es imprescindible: nos ha enseñado a «mirar» de otro modo, evitando el mero brillo superficial de lo sensible, impugnando en su raíz el esteticismode la vida cotidiana en las sociedades de masas.

El carácter estructural de la noción sistema del arte, a menudo hace olvidar que su definición, compartimentación, organización y función están sustentadas sobre una comunidad artística formada por hombres y mujeres. El crecimiento exponencial de la incorporación de las mujeres en el sistema del arte en España en las últimas décadas, nos ha llevado a preguntarnos con una visión crítica y política por la situación actual de las mujeres en los diversos sectores profesionales. La pretensión de dibujar el estado de la cuestión de primera mano a cargo de sus protagonistas es el origen de esta compilación, a la que han contribuido una quincena de profesionales: artistas, críticas, comisarias, conservadoras, educadoras, investigadoras, historiadoras y gestoras, respondiendo a un cuestionario inicial que preguntaba por los antecedentes y sus aportaciones, las vías de solución a sus problemas específicos y las consecuencias para el sistema del arte, la recepción de audiencias y públicos, y sus efectos en el imaginario social. De este modo la asociación Mujeres en las Artes Visuales, MAV, presenta un volumen dedicado por completo a analizar la situación de las profesionales del arte en el sector español, para lo que ha contado con textos de Nekane Aramburu, Assumpta Bassas Vila, Elvira Cámara López, María Cañas, Nieves Correa, Celia Díez Huertas, Concha Jerez, Marián López-Fernández Cao, Ana Martínez-Collado, María Concepción Martínez Tejedor, Margarita Moreno Conde, Marina Núñez, Estibaliz Sádaba Murguia, Piedad Solans, Matilde Torres López, Rocío de la Villa y Virginia Villaplana.

Como bien dice Gérard de Cortanze en la introducción del libro: «En realidad, Frida Kahlo es una de las artistas más enigmáticas que existen, una de las más íntimas, como abrasada por sus opciones políticas, su dolor físico, su amor por Diego. Esto es lo que interesa de su pintura. Pero más allá de lo que Carlos Fuentes llama sus «treinta y nueve años de sufrimiento», tenemos a una mujer que crea un universo pictórico vigoroso y colorido, cuyo grito adopta una forma emocional y visible. Es ese viaje hacia un mundo impresionante, muy particular, muy vivo, único en la historia de la pintura, lo que he tratado de describir en este libro, que no es ni un ensayo ni una biografía en el sentido clásico de la palabra, sino más bien un recorrido por los meandros de una obra y una vida, que descubrimos detrás de una falsificación en la que el creador siempre nos abre su diario auténtico. En algunos bocetos y en algunas pinturas de Frida Kahlo aparece un verde a veces profundo, un amarillo desvaído, color éste último al que ella le da una definición particular: Locura y misterio. Esa locura y ese misterio son exactamente lo que me emociona de Frida Kahlo.» Esta obra nos adentra en la vida de aquella joven mexicana que en septiembre de 1925 sufre un accidente que trastornará por completo su porvenir. Bella e independiente, se casa en 1929 con Diego Rivera, el célebre pintor muralista. Esa joven era Frida Kahlo y este libro es su historia, que nos cuenta cómo una de las máximas de su vida fue no cerrar jamás los ojos a la fealdad, sino, por el contrario, abrirlos para presenciar así el nacimiento de una belleza terrible, para la que ella inventa otra realidad. Torturada por el dolor físico, pero arrebatada por sus compromisos políticos y amores tumultuosos, con el paso de los años construyó una obra pictórica poderosa y singular. La última de sus obras, Viva la vida, es un canto a la luz y a la alegría de vivir.

Raymond Depardon fue uno de los fotógrafos fundadores de la agencia Gamma antes de dedicarse casi por entero al cine documental. El paso entre la imagen fija y la imagen en movimiento constituye uno de los mestizajes más interesantes entre artes hermanas como son el cine y la fotografía. Sus primeros cortometrajes, realizados al mismo tiempo que sus reportajes fotográficos, muestran la tensión entre imagen fija e imagen en movimiento, la necesidad de "liberarse" de la tiranía estática de la fotografía. Sin embargo, a lo largo de su carrera, su relación con la cámara ha ido cambiando, y una vez superada la etapa de exploración de los movimientos de cámara, su cine ha ido volviendo a los orígenes: la imagen fija.