Traducción de Cristina Gómez-Baggethum Segundo volumen de la poesía completa de Jon Fosee, Premio Nobel de Literatura 2023 En un mundo en donde se afirma que esta realidad es lo único que existe y que no hay forma de modificarla, en un mundo bajo el poder de lo material, de lo palpable, de lo concreto, Jon Fosse nos recuerda lo que nos une de forma indisoluble con lo invisible. Porque ¿dónde quedó nuestro vínculo con el amor, que crea la alianza más poderosa con lo sagrado? ¿Dónde la lengua que algún día aprendimos para hablar con los animales? ¿Dónde los ángeles que durante siglos nos visitaron para poner en nuestros ojos visiones delicadas y de un misterioso regalo en nuestro vientre, que está a punto de nacer a cada instante? ¿Dónde nuestro andar por el mundo, sabiendo que todo es parte de un alfabeto divino que hace tiempo hemos olvidado cómo leer? Jon Fosse, con la delicadeza de la luz, con la violencia de la nieve sobre las tormentas del mar oscuro, nos responde en sus útimos poemas: todo lo que hemos perdido, todo lo que hemos olvidado, está dentro de nosotros, en estas palabras, reguardado, protegido, indestructible. Abrid este libro y recordad: lo invisibley sus dioses, y sus enseñanzas, intempestivas, intemporales, invulnerables, volverán a aparecer ante vuestros ojos. «Al entrar en la poesía de Fosse, se encuentra el regalo de unos poemas en los que el lector cae en una especie de fascinación verbal. Magistral Fosse». Túa Blesa, El Cultural «Un libro impactante , en forma y fondo , que amplía en su cuerpo central la extraordinaria , propuesta del autor noruego. Fosse es la poesía total, ultramoderna y antigua. Popular y compleja». Lucas Martín, La Opinión de Málaga

José Luis Ortiz Nuevo (Archidona, Málaga, 1948). Escritor y periodista especializado en el género flamenco, siendo así mismo historiador, activista y cómico en la materia. Autor de una veintena de libros sobre el particular. Entre ellos Coplas flamencas del siglo xx (2001), 77 seguiriyas de muerte (1988) y El impulso del riesgo, en torno de la obra de Enrique Morente (2023). Creador de la Bienal de Flamenco de Sevilla, 1980. Premio Nacional de investigación de la Cátedra de Flamencología de Jerez, 2023.   «José Luis Ortiz Nuevo compone estas letras desde un conocimiento amplísimo de la factura de los cantes y sus estructuras de composición. Desde el octosílabo rotundo que da título a la colección, En mi cuerpo ­mando yo, al recorrido por los distintos estilos, pasando por el uso de gitanismos y giros característicos de la oralidad del Mediodía que convierten la gramática en milagro musical. Ordenado así, el material toma las texturas propias de cada cante, de modo que, desde una seguiriya a una alboreá, el libro realiza un recorrido experiencial y expresivo que abarca de la pena al gozo, del realismo al lirismo, de las cadenas a la libertad, de la rebelión a la apertura al amor». Del Prólogo de Carmen Camacho

Una selección de los mejores poemas de Michael Krüger de cinco décadas, que revelan a un observador insobornable y reflexivo. Krüger sabe captar el mundo y tocar la esencia de las cosas en lo pequeño e infravalorado. El fluido verbo con el que se pronuncia -a veces con (auto)ironía, siempre con un vasto dominio de la tradición poética- sobre personajes que cruzan su camino, la conversación de los animales y plantas o procesos interiores propios, contiene ese necesario contrapunto grave que corresponde a un talante hondamente humanitario y político.

Este libro ha sido ganador, entre un centenar de obras presentadas, del VI Premio de Poesía joven Tino Barriuso. El jurado de dicho premio valoró en Debajo del lenguaje solo hay niñas llorando, el lirismo con el que expresa la entrada de una niña en la vida adulta. La autora recurre a un lenguaje poético de carne y hueso que se manifiesta como el autorretrato de alguien que se siente a sí misma y es consciente de sus cambios, con el descubrimiento del otro y el ansia original de integrarse en el mundo, sin renunciar a un saludable sentido del humor.

Oro en las grietas es merecido ganador del XXXIX premio de poesía Hiperión. El jurado destacó en él se perfección y belleza formal al servicio de los temas vitales más trascendentes como el amor, la amistad y la poesía, aludiendo en el título y en el contenido a la técnica japonesa de restauración de porcelanas con oro, conocida como Kintsugi.

2024: Año Sexton Toda la obra poética de una de las autoras más influyentes de la poesía contemporánea, ganadora del Premio Pulitzer, en una nueva traducción por su 50.º aniversario. Anne Sexton hizo de sus experiencias personales como mujer y escritora el centro de su obra lírica, y fue pionera a la hora de retratar sin tapujos la realidad del deseo, el matrimonio, la maternidad, la masturbación, el aborto, el alcoholismo, la salud mental y física, o el impulso de muerte. Junto a estos temas, también la amistad, la resiliencia y la vitalidad tienen un espacio en su poesía. Como dice Maxine Kumin en la introducción a este volumen, «las poetas en especial tienen una deuda con Anne Sexton, quien entró en territorios nuevos, desmontó tabús y soportó infinidad de ataques por el camino debido al descarode los temas tratados. [...] Sexton se ha ganado su lugar en el canon». Hoy, la ganadora del Premio Pulitzer por Vive o muere ocupa un lugar de honor en ese canon y su voz se ha consolidado como una de las más relevantes de la literatura estadounidense del siglo XX. Esta nueva traducción de su poesía completa, a cargo de Ana Mata Buil, incluye sus diez poemarios, así como siete poemas compuestos durante sus últimos meses de vida.«Tu mano encontró la mía. La vida corrió por mis dedos como un coágulo de sangre».La crítica ha dicho: «Poesía sin pelos en la lengua. Poesía honesta, íntima, al tiempo que combativa y fuertemente política.Poesía que pisotea y destruye los mitos misóginos del sueño americano. Esta nueva traducción de la obra lírica completa de Anne Sexton se me antoja como un acontecimiento. Por el respeto, el cuidado y la inteligencia que Ana Mata Buil ha puesto en el proceso de volcar al castellano las palabras de una de las grandísimas poetas del siglo XX, por supuesto; pero también por lo que significa tener a Sexton de esta manera tan lúcida en nuestras bibliotecas. La voz de Anne Sexton gustará y sorprenderá a amantes de la poesía, pero también de otros géneros. Resulta imposible no vincular su voz con la de Sylvia Plath, de quien fue colega, pero es que Sexton también tiene resonancias con los relatos de Lucia Berlin (por la visión de las adicciones y de las convenciones sociales), con los diarios de Patricia Highsmith (por la crudeza altiva de sus vivencias), o con el feminismo de Susan Sontag (¿quién dijo que la poesía no podía ser pensamiento?). Qué distinta sería la poesía de nuestro tiempo sin los trucos, la magia y las palabras malsonantes que aprendimos de Anne Sexton. Ante ella me arrodillo». Luna Miguel «Una poeta de un talento inquietante». Joyce Carol Oates «Anne Sextondomestica mi terror, lo examina y lo describe, le enseña trucos que me fascinan y le deja volver a mi interior». Kurt Vonnegut «Sus poemas son mucho menos rígidos que los míos y encima frasea bien y es sincera». Sylvia Plath «Ella es, junto a Sylvia Plath y Virginia Woolf, una de las grandes autorasde la historia. Heroína de la ciénaga, la miseria, el dolor y la cloaca. Nadie sale indemne de su lectura». Ángeles López, La Razón «Nadie como ella ha hablado con mayor profundidad sobre el cuerpo de la mujer, no como fantasía masculina, sino como sangre, carne, piel y placer propio». Elena Hevia, El Periódico«La actualidad de la poesía de Anne Sexton es absoluta: nada de ella ha perdido hoy vigencia». Jaime Siles, ABC Cultural «Ella, siempre intensa, no dejaba indiferente a nadie». Elsa Fernández Santos, El País

Kae Tempest es poeta, letrista, performer y artista musical. Ha publicado obras, poemas, una novela, un ensayo, varios discos y ha girado por todo el mundo, agotando entradas desde Reykjavik a Río de Janeiro. Ha recibido nominaciones a los Mercury Music Prize por los discos Everybody Down y Let Them Eat Chaos, y dos nominaciones a los premios Ivor Novello por su escritura de canciones en The Book of Traps and Lessons. Ha recibido el Ted Hughes Award por su poema narrativo Brand New Ancients y el León de Plata en la Bienal de Teatro de Venecia. Sus libros se han traducido a once idiomas, y se han publicado por todo el mundo con gran éxito de crítica. Nació en Londres en 1985, donde reside a día de hoy. Espera poder seguir juntando palabras durante mucho tiempo.

«Cuánto dura Quanto» era el eslogan de un suavizante. ¿Cuántas frases hemos heredado que han perdido su sentido al ser constantemente pronunciadas? ¿Cuántas palabras se han desemantizado por manoseadas? La idea con la que surgió cuánto dura cuanto y otros poemas fue darles una vida nueva, un sentido, una nueva patria, una nueva libertad, una nueva identidad incluso, sabiendo que patria, libertad o identidad son, ahora mismo, palabras llenas de borra que han sido borradas, como decía Gracián, de algunos hombres. Hay más patria en una nevera que en todas las banderas del mundo, hay más identidad en los armarios que en los sesudos libros y más libertad en un tendedero que en una sede parlamentaria. Vivir en ese ángulo; desde ese ángulo me basta.

Esta colección de veinte autores pretende ofrecer al lector español la dimensión del paisaje poético rumano consagrado, empezando con los poetas nacidos en la posguerra, que escribieron con una notable diversidad temática y estilística durante (y a pesar de) la dictadura, en un sistema que impedía la libre expresión, introducía la censura hasta los rincones más recónditos y, mientras propugnaba la «revolución cultural» y el «hombre nuevo», activaba perversos mecanismos de coerción y ruina. Junto a esta generación que rechazó el aislamiento autista, manteniendo el contacto con la literatura universal, conforman esta antología voces que se afirman (algunas incluso por vez primera) después de la caída del totalitarismo, cuando la permeabilidad fronteriza confiere inmediatez a su notoriedad. Son poetas que llegan con fuerza al mercado literario y editorial de una Rumanía en plena efervescencia cultural y artística.

"Los Rebereques para un sueño que se olvidó de dormir conforman una propuesta para reescribir lo no dicho, lo que falta en la historia oficial. Es un brinco que se escapa de las palabras grandes y pasa a ocupar los espacios en blanco o el interlineado en los relatos hegemónicos. Lo chico (que es gigante al mismo tiempo), lo que pudo pasar entre las grietas o entre las marcas de las piedras, es lo que trae aquí José Miguel Martín Muñoz. Una afirmación rotunda en contra de dejar pasar un tiempo arrebatado." Paula Fernández Hernández "No se lo he preguntado, pero estoy seguro que Josemi ama a Gelman y a Pessoa y si no es así, debería. Los dos, sin que consten conversaciones previas, aseguraron que la patria es la lengua. Josemi ejerce ese patriotismo lingüístico con el cachorro puesto para amortiguar a Magec, margullando en sus recuerdos, enderezando líneas cambadas, alongado siempre en el precipicio emocional, cocinando utopías en el fuego hipnótico del fogal, aruñando versos para desvelar cicatrices, escupiendo ripiones iróni- cos, atravesado siempre con la magua del chinijo que anhela los ecos de los

La redacción de Guerra en España, el más anómalo de los proyectos editoriales de Juan Ramón Jiménez, se inició en paralelo a la contienda que le dio título, cuando ni el poeta ni su mujer, Zenobia Camprubí, vislumbraban que tras su salida de Madrid en 1936 nunca regresarían a su país en vida. Consciente de las críticas que su actitud política y la naturaleza unilateralmente lírica de su poesía habían suscitado, y dolido por las calumnias que sobre su persona se difundieron a ambos lados del Atlántico, decidió recopilar en un volumen misceláneo un conjunto de materiales diversos —propios y ajenos— en los que quiso aclarar los puntos más conflictivos y polémicos al respecto. Hasta principios de los años cincuenta reunirá bajo este título: diarios, aforismos, poemas, traducciones, notas autobiográficas, artículos, conferencias, semblanzas, cartas, entrevistas, fotografías, manifiestos y críticas cuyo único denominador común es su estricta vinculación con asuntos relacionados con la guerra civil, el exilio y las consecuencias que tuvieron tanto en su vida como en su obra. Guerra en España, por tanto, supone una revisión de su biografía atendiendo especialmente a su actitud ideológica, a sus actividades de carácter social o político y a su expresión de hombre libre sin ataduras, ante el que fuera el acontecimiento más doloroso y trascendental en nuestra historia reciente y en el itinerario de uno de los poetas más influyentes de su tiempo. Partiendo de la estructura básica que Ángel Crespo estableció en 1985 para la primera edición de la obra —que su autor nunca consiguió publicar—, Soledad González Ródenas revisa su propia edición de 2009 y completa sus contenidos a la luz de las últimas investigaciones en los archivos del poeta conservados en Puerto Rico. Asimismo, los contextualiza acompañándolos de un pormenorizado prólogo y numerosas notas. Se añaden a esta edición diecinueve nuevos documentos, once de ellos inéditos.

Luis Cernuda (Sevilla, 1902-Ciudad de México, 1963) está considerado como uno de los poetas más imprescindible de la Generación del 27, fi gura estelar en la poesía contemporánea y una de sus voces más atractivas. Su influencia entre los poetas de las últimas generaciones es considerable y de ascenso incesante. Ya desde sus primeros poemas demostró su rechazo y hostilidad con la sociedad, con los valores establecidos, y contra cualquier tipo de represiones y prohibiciones. Su disconformidad le encaminó a oponerse con cierto radicalismo en contra de la hipocresía y de la ausencia de sensibilidad, en busca de un paraíso perdido en el que prevalecieran el amor y la belleza, la poesía y la libertad sexual, una realidad alejada de aquel mundanal ruido y un deseo solo alcanzable en los sueños. Contra esa sociedad burguesa escribe violentos ataques mientras busca una armonía espiritual que no alcanza, basada en los mitos, y sobre todo en el Amor y la Belleza. Provisto de un gran talento versificador y de una originalidad asombrosa. Para esta edición definitiva de la Poesía completa de Luis Cernuda hemos seguido la establecida por Derek Harris y Luis Maristany, con la ayuda de Ángel Yanguas Cernuda, con algunas modificaciones y adiciones. La obra de Cernuda es una exploración de sí mismo; una orgullosa afirmación, al fi n de cuentas no desprovista de humildad de su irreductible diferencia. Él mismo lo dijo: “Yo solo he tratado, como todo hombre, de hallar mi verdad, la mía, que no será la mejor ni peor que la de otros sino solo diferente”. La obra de Cernuda es un camino hacia nosotros mismos. En esto radica su valor moral. Pues aparte de ser un alto poeta —o, más bien: por serlo—, Cernuda es uno de los poquísimos moralistas que ha dado España, en el sentido en que Nietzsche es el gran moralista de la Europa moderna y, como él decía, “su primer psicólogo”. La poesía de Cernuda es una crítica de nuestros valores y creencias; en ella destrucción y creación son inseparables, pues aquello que afirma implica la disolución de lo que la sociedad tiene por justo, sagrado o inmutable. Como la de Pessoa, su obra es una subversión y su fecundidad espiritual consiste, precisamente, en que pone a prueba los sistemas de la moral colectiva. Su hostilidad ante el cristianismo no es menor que su repugnancia ante las utopías políticas». Octavio Paz «La poesía de Cernuda, tanto en verso como en prosa, documenta el proceso difícil y paulatino que conduce al descubrimiento de que lo que da validez a la vida no son los ideales que se buscan sino la experiencia confl ictiva provocada por los sucesivos fracasos de aquellos ideales. La búsqueda del acorde místico, en todas sus manifestaciones variadas, lleva al poeta a un acontecimiento cada vez más profundo de sí mismo, al conocimiento de la verdad del hombre interior, y a la decisión de guardar fidelidad a este». Derek Harris.

En el curso de lo cotidiano, por medio de paisajes tanto físicos como emocionales de una madre y su hijo durante unas vacaciones de verano, el último libro de Adriana Bañares conduce al lector a través de los matices del amor, la pérdida y la redención. La autora reflexiona sobre la belleza y la melancolía que se encuentran en los recuerdos de la infancia y la pérdida de seres queridos. Desde las playas del pueblo de su niñez hasta las vastas extensiones del mar, cada poema refleja el carácter inasible del lenguaje, que al mismo tiempo que se crea, también se desarticula y fragmenta.

El presente volumen, en edición bilingüe, confirma sobradamente la solidez de la producción poética de John Berger. Es prácticamente una obra completa, ya que abarca los poemas escritos entre el año 1955 y 2008. Lo acompaña un código QR que recoge, con la voz del autor, veintiuno de los más de setenta poemas incluidos en esta compilación, grabados en 2010 durante una de sus visitas al Círculo de Bellas Artes.

Sharon Olds (San Francisco, 1942) es una de las grandes poetas de nuestro tiempo y seguramente lo siga siendo cuando nuestro mundo ya sea otro. Sus poemas no son sencillos, pero las palabras y las imágenes que los construyen pertenecen a un territorio familiar para cualquier persona. Mientras existan el amor y el dolor, la poesía de Sharon Olds seguirá emocionando a quien la lea. En El salto del ciervo, Olds relata la historia de una separación, que empieza una noche de invierno en un dormitorio de matrimonio y se extiende hasta años más tarde. El ritmo acompasado y nunca conforme de los versos de Olds nos transporta por el insoportable e incomprensible dolor inicial, las conversaciones difíciles y las aparentemente banales, la separación de bienes, el último sexo o la construcción de una nueva soledad. A lo largo de los años, la poesía de Sharon Olds ha recibido la admiración de la crítica y el calor de los lectores. En 2023, fue la ganadora de la primera edición del Premio Internacional de Poesía Joan Margarit. La presente traducción, la última realizada por Margarit antes de su muerte en 2021, pretende recordar y celebrar la honda amistad que unió a estas dos voces poéticas que cantaron desde y para la vida a ambos lados del Atlántico.

Organizados en cinco capítulos, con un opening y un ending a la manera de los animes, los poemas de Paola Llamas Dinero avanzan en narrativa para indagar en las sensaciones de lo que sucede cuando la ficción forma parte fundamental de la vida. Con un lenguaje construido a partir de palabras, imágenes y signos que se encuentran en las calles, la televisión y el internet, la autora explora nuestra relación con el mundo ficcional a través de los animes, el manga y las redes sociales, y se pregunta cómo este determina nuestros afectos e identidades. Si constantemente nos relacionamos con personajes que no existen, ya sea viendo una serie o scrolleando las historias de Instagram, ¿es realmente posible vincularnos con lxs otrxs?

Dice Malévich que es difícil establecer una línea entre lo que es arte y lo que no lo es. La poesía nos fuerza a detenernos y extrañarlo todo, también lo conocido. Si el mundo no es objetivo, como también quiere Malévich, ¿no es la poesía la que hace que el mundo sea otra cosa? Seguramente, algo mental, pero no voluntario, no deliberado, sino forzoso.La materia no-objetiva del mundo sería también, en virtud de la magia de la poesía, ubicua, pero indetectable si no fuera de forma indirecta, como es la materia «oscura» del universo.El poeta seguramente aspira a llegar al punto en que poder hacer con esa materia «cualquier cosa», como dice Riley de su música. «Got to the point where I could do anything I wanted».Es de suponer que la poesía seguirá aprendiendo de la música, como en su origen. Quizás le toca volver atrás por haber desconocido -no reconocido- el valor de las vanguardias del siglo pasadoà Y creo que la poesía se reconducirá a lo que no tiene valor psicológico, a la simultaneidad de tiempos, rápido y lento, a la indeterminación en el proceso, no en el resultado, a poner el acento en las partes, no e

Barbara Guest (1920-2006) es una de las figuras más prestigiosas y enigmáticas de la poesía experimental estadounidense. Única mujer entre los poetas de la Escuela de Nueva York (celebrada por nombres sobresalientes como John Ashbery y Frank OÆHara), la escritora recibió un reconocimiento tan esporádico como tardío.Hoy Guest representa un punto de referencia fundamental entre importantes poetas neovanguardistas como Charles Bernstein, Mei-mei Berssenbrugge, Susan Howe, Bernadette Mayer, Ron Silliman o Rosmarie Waldrop. No en vano Guest tendió un sutil pero insoslayable hilo de continuidad entre las mujeres que contribuyeron a la innovación de la literatura en inglés durante el siglo XX, empezando por escritoras señeras como Dorothy Richardson, Gertrude Stein, H.D. y Marianne Moore.Guest tanteó con curiosidad, cuidado e imaginación los medios y linderos convencionales de la poesía moderna: «El acto más importante de un poema es llegar más allá de la página para que seamos conscientes de otro aspecto del arte. Lo que nos proponemos es delimitar la obra de arte para que parezca que no tiene ni principio ni fin,