1.1 01.1 10000000000000000

La obra más aclamada de un poeta y grabador visionario. Incluye la reproducción facsímil de la edición original de Blake.La obra de William Blake (Londres, 1757-1827) es una de las más originales e imaginativas de la literatura inglesa. Poeta, artista plástico y grabador de profesión, se vio a sí mismo como un profeta que anunciaba el valor indispensable del arte para la adecuada formación del ser humano. Además, partiendo del cristianismo inconformista y de las revoluciones de su tiempo, creó una visión insólita y certera de la historia de la humanidad. Las Canciones de inocencia y de experiencia son la obra más conocida y, posiblemente, la más importante de las que produjo Blake, al menos desde el punto de vista literario. En ellas, la relación entre texto e imagen es crucial al tratarse de una de las "impresiones iluminadas" del poeta, una combinación de poesía e ilustración grabadas, impresas y coloreadas. El grupo de las Canciones de inocencia fue, además, el primero de los volúmenes que compuso mediante este "método infernal", el mismo que lograría seducir a poetas, músicos y críticos de la talla de Allen Ginsberg, Patty Smith y Harold Bloom.

Una preciosa edición bilingüe ilustrada por Elena Ferrándiz que reivindica la obra poética de Emily Brontë. Los poemas de Emily Jane Brontë, una de las escritoras más relevantes del siglo XIX, son apasionados y poderosos y transmiten la vitalidad del espíritu humano y del mundo natural. Tan solo veintiuno de sus poemas se publicaron en vida. Este volumen, en edición bilingüe, reúne dichos poemas y nueve más que se le atribuyen, con evocadoras ilustraciones de Elena Ferrándiz. Emily Dickinson (1830-1886), amaba los poemas de Emily Brontë y pidió que se leyera «No Coward Soul», incluido en este volumen, en su funeral.

¿Puede el deseo hablar en marxista? ¿Puede el cuerpo amado tener plusvalías, la piel una tasa de beneficio, el orgasmo ser democracia del proletariado? En este poemario la respuesta es sí, y esta afirmación no es un juego intelectual, si acaso una declaración de principios: el capitalismo lo ha colonizado todo, incluido el amor, y solo nombrándolo con sus propias armas se puede intentar la fuga. La revolución no es una metáfora construye un idiolecto poético donde Marx, Lenin, Gramsci y los soviets conviven con la geología de un cuerpo deseado, el salario mínimo como compañero de cama y las golondrinas bolcheviques sobrevolando un horizonte de derrota hermosa. Elegía lúcida de quien sabe que el sujeto revolucionario se ha extraviado pero no renuncia a buscarlo, aunque sea entre sábanas. Quien busque mítines y nostalgia doctrinaria que se busque otro catre. Con una voz que va de la letanía al poema en prosa, del epigrama feroz a la ternura descarnada, este libro pregunta en voz alta lo que muchos callan: si ya no hay revolución posible, ¿para quién el pan de las palabras?

Una de las mayores obras de la literatura universal, presentada ahora en una nueva y cuidada edición. Edición bilingüe. Poesía y prosa. «El Purgatorio es el teatro de la crueldad: el sufrimiento se convierte en placer porque lo engaña la esperanza.» ANTONIN ARTAUD La Divina Comedia es la más alta rehabilitación del diablo emprendida por un cristiano.» EMIL CIORAN «Reinventar y reventar los clásicos: un proyecto innovador y precioso.» IRENE VALLEJO Con la banda sonora original. Incluye el texto La economía del pecado y la redención.

«Poeta exclusivo del amor»me llamaron. Y quizá era verdad.Pero el viento sobre la hierba y los rumoresde la ciudad lejana,¿no son también amor?Bajo nubes cálidas,¿no persisten aún los sonidosde un amor que ardey nunca más se aleja?Considerado por Pier Paolo Pasolini el más grande poeta italianodel siglo xx, Sandro Penna (1906-1977) es autor de una obraintensa y delicada, marcada por la emoción y la sutileza con quetrata el amor homoerótico. Profundamente sensorial y vitalista,la escritura de Penna se condensa en breves instantáneas queevocan escenas, atmósferas, los momentos de iluminaciónque justifican una vida.Como señaló Natalia Ginzburg, «sus poemas son como suspasos, ligeros y silenciosos, pero dejan una huella profunda enquien los lee, como si el mundo se detuviera en un instantede belleza y dolor».

Raramente coincide la visión del rayo con la percepción del trueno. Si esto ocurriera, la experiencia inmediata de ambos fenómenos se saldaría con la muerte. Así la intensidad del corazón, si se toma por la parte del fuego. Y es que el discurso amoroso se vislumbra, pero siempre queda más allá, desvinculado, abono de la mentira. Decimos el amor y sabemos que cada segundo que pasa después de pronunciarlo es una unidad de tiempo transcurrido tras su incendio. Aunque es un tema antiguo —más del lado de Heráclito que del Prometeo de Esquilo— este desfase emocional entre los cuerpos ha sido un motivo predilecto en la poesía del cambio de siglo: amamos, pensamos y decimos siempre a pie cambiado. Lo contrario es un relato que contaban nuestros padres sobre sus abuelos. La poesía del cambio de siglo, digo, se ha ocupado de constatarlo. Si no lo ha hecho, se ha escrito desde dicha constatación. Pero qué poco importa la naturaleza última de nuestras palabras, nuestras formas ignífugas de llegar al otro, si a pesar de ello la intensión nos anima a contar su historia. Pol Guasch (Tarragona, 1997), autor de novelas como Napalm en el corazón (Anagrama, 2021) y Reliquia (Anagrama, 2026), lo afirma a las primeras de cambio en su segundo poemario, que traducimos ahora del catalán: «Con toda seguridad, sé que se puede amar sin preguntarse por qué se ama».

Fabio Morábito aunque nacido en Alejandría en 1955 de padres italianos, ha escrito toda su obra en español y ha merecido los más altos galardones literarios. «El título de este libro se debe a una feliz coincidencia. Al lado del hotel en el que me alojaba estaban construyendo otro. Unos cuarenta albañiles se afanaban en levantar la cimbra, ese ensamble de tablas y tablones que tiene una existencia tan efímera como esencial en la construcción de un edificio. Colgando a menudo en el vacío, martillaban, serruchaban y amarraban con alambres el maderamen de la cimbra, moviéndose con dificultad en los espacios que quedaban libres en esa maraña de tablas y palos. Yo me asomaba al balcón, no sabiendo si mirarlos a ellos, que estaban a un par de metros de mi hotel, o contemplar el mar. Ganaron los albañiles. Era otro mar, tan agitado, ensordecedor y cambiante como el que rompía en la playa. Poco a poco fui descubriendo una armonía en el aparente caos de la obra; la cuadrilla se estructuraba con un orden casi militar, todos sabían qué hacer y, encaramados en la cimbra, se gritaban para decirse alguna peladez o pedir ayuda; y pensé que tal vez las olas en altamar se organizan de la misma manera, llamándose unas otras, levantando barcos, rompiendo contra las rocas y los puertos, para entre todas sostener la inmensidad, el horizonte y lo infinito». Fabio Morábito

Jaime Siles (Valencia, 1951). Catedrático de Filología Latina, ha traducido a Wordsworth, Paul Celan, Arno Schmidt, Hans R. Jauss y Martin Walser; es autor de libros de ensayo y de diversas monografías de carácter lingüístico y literario. En 1983, su obra Música de agua obtuvo el Premio de la Crítica, y el Premio Fundación Loewe con Semáforos, Semáforos, en 1989 y en 1999 el Premio Generación del 27, entre otros. En 2004 se le concedió el Premio de las Letras Valencianas, en 2025 el Premio Internacional García Lorca y en 2026 el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamérica. Himnos tardíos —I Premio Internacional de Poesía Generación del 27— supone un cambio en la forma y temas de su autor. No hay en él otro estilo, hay otro poeta, más claro, pero más misterioso también que se enfrenta no solo con el lenguaje sino con la existencia y deja constancia escrita del dolor de vivir. Para Siles la vida no es canto sino pérdida, y la palabra, un intento de conocer a partir de la desesperación, un adiós a sí mismo y a las cosas, una experiencia madura y a la vez radical, que supone una nueva vía dentro de su obra. «Elegía y análisis, o sea, un lirismo de tipo elegíaco y una práctica metapoética que se unen de nuevo para expresar la existencia humana y, a través de un dolor ontológico, la dificultad del yo para ser». Henry Gil

De fluidez sonámbula, como un diálogo sin interlocutor, el poema de Magdalena Chocano nos envuelve en su materialidad fónica y en la poderosa proyección de las imágenes. La lengua intransigente de una conciencia sensorial, arrebatada y neutra; un oído interior cuya masa sonora se ilumina y nos ilumina para luego extinguirse en lo opaco, en el silencio de que brotó y desde el que escuchamos. Olvido García Valdés […] los poemas trazan […] el paso de lo conocido a lo desconocido, y a un mismo tiempo señalan la salida de lo familiar para entroncar con una lejanía que permita pensar y sentir sin andamiajes. La implacable dureza de la vida se hace presente en la materialidad misma de las palabras desde un tono seco, duro, afilado. Tania Favela Si romper con la palabra portadora de plusvalía simbólica se hace condición ineludible de la escritura poética contemporánea, ruptura cuyos momentos paradigmáticos se dan en la antipoesía de Parra, en la imagen lezamiana, o en la crítica al poder de Hinostroza, los poemas de Chocano asumen esta necesidad al proponer un retorno a la percepción pura. William Rowe El tránsito que se da en la poesía de Chocano es de la percepción y emergencia de los cuerpos a su iluminación por la opaca luz del lenguaje y finalmente a un sonido que no llena. […] El sonido ya no converge hacia un todo de equivalencias simbólicas; el verso y el poema ya no convergen hacia un mundo poético; divergen. José Ignacio Padilla

Miembro de la Generación del 27, Cernuda desarrolló una obra inconfundible, atravesada por la búsqueda de una libertad siempre amenazada. Luis Cernuda concibió La Realidad y el Deseo como una urgencia física. Escribía para exorcizar la angustia de ver pasar el tiempo, para apresar el impacto de la belleza antes de que desapareciera. Y, sin embargo, el motor de este libro es una fractura íntima, una de las confesiones más radicalmente honestas que un autor puede hacerse: «nunca he encontrado lo que amo en lo que escribo».Para escapar de la complacencia y de su ciudad natal, que lo ahogaba, Cernuda abrazó una vida itinerante. Cuando le sobrevinieron largas temporadas de silencio, las entendió como el reposo necesario para mudar de piel: para ensanchar la vida hace falta atreverse a ser múltiple, haber sido «muchacho y muchacha, matorral y pájaro».Este libro es la bitácora de esa metamorfosis. Una obra que, como el propio autor intuyó, fue escrita para un público que entonces aún estaba por nacer. El registro de una batalla que sigue siendo la nuestra: la inmensidad de lo que deseamos frente a la realidad que nos encierra. Seguido de «Historial de un libro», en el que el propio Cernuda cuenta la historia detrás de su obra. ______Este libro ha sobrevivido a su propio tiempo para llegar hasta ti. Tal vez formule preguntas que sean también las tuyas. Quizá te reconozcas en sus páginas, consiga sacudirte o te haga imaginar otros mundos. Vuelve a nosotros porque revive en cada nueva lectura: por eso lo llamamos clásico.Clásicos urgentes para leer sin prisa.

Una reflexión sobre los límites difusos entre deseo y muerte a través de la influencia fundamental de Yukio Mishima en la obra de Angélica Liddell. ¿Qué significa llevar una vida hasta sus últimas consecuencias? ¿Qué significa mover los labios para pronunciar «última vez»? En Pido el fin de la vida, Angélica Liddell levanta un largo poema que hace del aniquilamiento un horizonte de lucidez. Tensiona su concepción de la muerte como ideal estético, pues en ella se encuentra la exigencia radical de belleza: no un fracaso, sino un triunfo absoluto y una pasión merecida. Porque, paradójicamente, solo aquello que acepta su desaparición puede aspirar a una belleza incondicional, solo aquello que se consume puede escapar de la degradación.Atravesado por la obra y el pensamiento de Yukio Mishima, este libro establece un diálogo apasionado con el escritor japonés y con las máximas del Hagakure, el código ético de los samuráis que entiende la muerte como una disciplina del espíritu antes que como una negación de la vida. Se encarna, de este modo, la tríada indisoluble formada por el erotismo, la belleza y la muerte.Así, se entreteje su biografía con imágenes de Ingmar Bergman, con la historia sangrienta de la cultura y con una nómina espectral de suicidas ilustres —de Virginia Woolf a Kurt Cobain—, reclamando para todos ellos «honores», «genuflexiones raras» y «un columbario de pan de oro». Su escritura, forjada bajo un cielo que amenaza con doblarse, es una carrera kamikaze impulsada por el asco y el amor desmedido. Pido el fin de la vida regresa a uno de los núcleos de su escritura: la convicción de que el genio comienza allí donde termina el instinto de conservación y donde la existencia deja de medirse por su duración para hacerlo por su intensidad. Porque este libro es una promesa: la de llevarnos hasta el fin del mundo, la de completar la obra de arte con el acabamiento de la propia vida.

Las personas del verbo reúne la poesía completa de Jaime Gil de Biedma, una obra que ha contribuido a modernizar la poesía de nuestro tiempo, entroncando la poesía de lengua española con la tradición poética inglesa del monólogo dramático. De ahí, en parte, su notable singularidad. Porque, como señaló hace tiempo Joan Ferraté, en el que sigue siendo uno de los ensayos más lúcidos escritos sobre este poeta, el tema en la poesía de Gil de Biedma no es, desde luego, 'la simple sacudida emotiva o la combinación de emociones a cuya expansión verbal se entregan regularmente nuestros poetas, sino siempre un complejo de emoción y conciencia, de visión y actitud, de vida vivida y juicio sobre la vida, complejo donde, insisto, ambos polos opuestos guardan la misma distancia con relación al yo del poeta, cuya experiencia privada se define en cada caso en términos de su oposición específica'.

Una concentración de vulnerabilidades pide a gritos acción comunitaria. Quizás eso explique el furor asociativo que sacude al barrio. Escribir desde ese furor es ya una forma de cambiar lo que puede ser dicho y visto. Como lo es sacar a la calle la silla de la palabra, atendiendo a la cháchara desafiante de las aceras estrechicas. Puede que se trate de una resistencia pequeña, pero ay cuando además es obstinada. Ay cuando se apropia de un decir nuestro que tiene mucho de muertito y nos lo devuelve (¡al barrio, de nuevo al barrio!) en estado de riesgo. Hay un desafío en las palabras que se juntan como esos dedos “que también son puños”. Hay una falta de miedo y una exigencia: ser miradas desde otro lugar. Los poemas que aquí se recogen tienen más de una cara, o lados diferentes de la misma. Hay abuelos que mueren dos veces, bebés que se caen de las manos, padres asesinados, zapatos primeros y amantes descalzos. Hay préstamos de cuerpo. No solo porque en cada historia de vida se esconde alguien pidiendo que nos pongamos en su piel, sino porque todo poema es un organismo debajo del cual se arrastran, palpitan y se imponen otros organismos a la deriva. Del prólogo de Erika Martínez