De fluidez sonámbula, como un diálogo sin interlocutor, el poema de Magdalena Chocano nos envuelve en su materialidad fónica y en la poderosa proyección de las imágenes. La lengua intransigente de una conciencia sensorial, arrebatada y neutra; un oído interior cuya masa sonora se ilumina y nos ilumina para luego extinguirse en lo opaco, en el silencio de que brotó y desde el que escuchamos. Olvido García Valdés […] los poemas trazan […] el paso de lo conocido a lo desconocido, y a un mismo tiempo señalan la salida de lo familiar para entroncar con una lejanía que permita pensar y sentir sin andamiajes. La implacable dureza de la vida se hace presente en la materialidad misma de las palabras desde un tono seco, duro, afilado. Tania Favela Si romper con la palabra portadora de plusvalía simbólica se hace condición ineludible de la escritura poética contemporánea, ruptura cuyos momentos paradigmáticos se dan en la antipoesía de Parra, en la imagen lezamiana, o en la crítica al poder de Hinostroza, los poemas de Chocano asumen esta necesidad al proponer un retorno a la percepción pura. William Rowe El tránsito que se da en la poesía de Chocano es de la percepción y emergencia de los cuerpos a su iluminación por la opaca luz del lenguaje y finalmente a un sonido que no llena. […] El sonido ya no converge hacia un todo de equivalencias simbólicas; el verso y el poema ya no convergen hacia un mundo poético; divergen. José Ignacio Padilla

Miembro de la Generación del 27, Cernuda desarrolló una obra inconfundible, atravesada por la búsqueda de una libertad siempre amenazada. Luis Cernuda concibió La Realidad y el Deseo como una urgencia física. Escribía para exorcizar la angustia de ver pasar el tiempo, para apresar el impacto de la belleza antes de que desapareciera. Y, sin embargo, el motor de este libro es una fractura íntima, una de las confesiones más radicalmente honestas que un autor puede hacerse: «nunca he encontrado lo que amo en lo que escribo».Para escapar de la complacencia y de su ciudad natal, que lo ahogaba, Cernuda abrazó una vida itinerante. Cuando le sobrevinieron largas temporadas de silencio, las entendió como el reposo necesario para mudar de piel: para ensanchar la vida hace falta atreverse a ser múltiple, haber sido «muchacho y muchacha, matorral y pájaro».Este libro es la bitácora de esa metamorfosis. Una obra que, como el propio autor intuyó, fue escrita para un público que entonces aún estaba por nacer. El registro de una batalla que sigue siendo la nuestra: la inmensidad de lo que deseamos frente a la realidad que nos encierra. Seguido de «Historial de un libro», en el que el propio Cernuda cuenta la historia detrás de su obra. ______Este libro ha sobrevivido a su propio tiempo para llegar hasta ti. Tal vez formule preguntas que sean también las tuyas. Quizá te reconozcas en sus páginas, consiga sacudirte o te haga imaginar otros mundos. Vuelve a nosotros porque revive en cada nueva lectura: por eso lo llamamos clásico.Clásicos urgentes para leer sin prisa.

Una reflexión sobre los límites difusos entre deseo y muerte a través de la influencia fundamental de Yukio Mishima en la obra de Angélica Liddell. ¿Qué significa llevar una vida hasta sus últimas consecuencias? ¿Qué significa mover los labios para pronunciar «última vez»? En Pido el fin de la vida, Angélica Liddell levanta un largo poema que hace del aniquilamiento un horizonte de lucidez. Tensiona su concepción de la muerte como ideal estético, pues en ella se encuentra la exigencia radical de belleza: no un fracaso, sino un triunfo absoluto y una pasión merecida. Porque, paradójicamente, solo aquello que acepta su desaparición puede aspirar a una belleza incondicional, solo aquello que se consume puede escapar de la degradación.Atravesado por la obra y el pensamiento de Yukio Mishima, este libro establece un diálogo apasionado con el escritor japonés y con las máximas del Hagakure, el código ético de los samuráis que entiende la muerte como una disciplina del espíritu antes que como una negación de la vida. Se encarna, de este modo, la tríada indisoluble formada por el erotismo, la belleza y la muerte.Así, se entreteje su biografía con imágenes de Ingmar Bergman, con la historia sangrienta de la cultura y con una nómina espectral de suicidas ilustres —de Virginia Woolf a Kurt Cobain—, reclamando para todos ellos «honores», «genuflexiones raras» y «un columbario de pan de oro». Su escritura, forjada bajo un cielo que amenaza con doblarse, es una carrera kamikaze impulsada por el asco y el amor desmedido. Pido el fin de la vida regresa a uno de los núcleos de su escritura: la convicción de que el genio comienza allí donde termina el instinto de conservación y donde la existencia deja de medirse por su duración para hacerlo por su intensidad. Porque este libro es una promesa: la de llevarnos hasta el fin del mundo, la de completar la obra de arte con el acabamiento de la propia vida.

Las personas del verbo reúne la poesía completa de Jaime Gil de Biedma, una obra que ha contribuido a modernizar la poesía de nuestro tiempo, entroncando la poesía de lengua española con la tradición poética inglesa del monólogo dramático. De ahí, en parte, su notable singularidad. Porque, como señaló hace tiempo Joan Ferraté, en el que sigue siendo uno de los ensayos más lúcidos escritos sobre este poeta, el tema en la poesía de Gil de Biedma no es, desde luego, 'la simple sacudida emotiva o la combinación de emociones a cuya expansión verbal se entregan regularmente nuestros poetas, sino siempre un complejo de emoción y conciencia, de visión y actitud, de vida vivida y juicio sobre la vida, complejo donde, insisto, ambos polos opuestos guardan la misma distancia con relación al yo del poeta, cuya experiencia privada se define en cada caso en términos de su oposición específica'.

Una concentración de vulnerabilidades pide a gritos acción comunitaria. Quizás eso explique el furor asociativo que sacude al barrio. Escribir desde ese furor es ya una forma de cambiar lo que puede ser dicho y visto. Como lo es sacar a la calle la silla de la palabra, atendiendo a la cháchara desafiante de las aceras estrechicas. Puede que se trate de una resistencia pequeña, pero ay cuando además es obstinada. Ay cuando se apropia de un decir nuestro que tiene mucho de muertito y nos lo devuelve (¡al barrio, de nuevo al barrio!) en estado de riesgo. Hay un desafío en las palabras que se juntan como esos dedos “que también son puños”. Hay una falta de miedo y una exigencia: ser miradas desde otro lugar. Los poemas que aquí se recogen tienen más de una cara, o lados diferentes de la misma. Hay abuelos que mueren dos veces, bebés que se caen de las manos, padres asesinados, zapatos primeros y amantes descalzos. Hay préstamos de cuerpo. No solo porque en cada historia de vida se esconde alguien pidiendo que nos pongamos en su piel, sino porque todo poema es un organismo debajo del cual se arrastran, palpitan y se imponen otros organismos a la deriva. Del prólogo de Erika Martínez

La figura de Pier Paolo Pasolini (1922-1975) brilla como un relámpago en la cultura europea de posguerra. Poeta, ensayista y cineasta, su libérrima actitud intelectual le permitió ser un comentarista lúcido, astuto y compasivo de la Italia de su época. Identificó muy pronto a la hidra y luchó con sus tres cabezas: la falta de conciencia social de los humildes y vulnerables, el desarraigo traumático que fue para ellos la modernidad, y la mentira institucionalizada. Como él mismo afirmó, 'en tiempos de la mentira universal, decir la verdad es un acto revolucionario'. La poesía fue para Pasolini no sólo raíz y centro de su proyecto creativo, sino un ejercicio casi vertiginoso de renovación y autocrítica. Con La insomne felicidad, el poeta Martín López-Vega nos ofrece una ejemplar antología bilingüe que incluye la totalidad de Las cenizas de Gramsci (1957), quizá su poemario más celebrado, así como una selección representativa del resto de su trabajo, tanto en friuliano como en italiano, incluidos títulos fundamentales como Poesía en forma de rosa o Transhumanar y organizar. Poeta felizmente político, Pasolini nos recuerda que el mundo no ha de ser por fuerza como es. Su escritura es una radiografía pasional de los mecanismos que lo mueven y una invitación a cambiarlos.

Claudia Masin nació en 1972 en Chaco, Argentina. Ha publicado doce libros de poemas, varias antologías, un ensayo y su Poesía Reunida. Muchos de estos libros fueron premiados, editados y traducidos en diversos países. Esta antología prologada y seleccionada por la propia autora recoge textos escritos a lo largo de 30 años. La poesía, dice Masin, es el nuevo punk porque es el discurso desobediente que enfrenta la violencia y la crueldad de estos tiempos. Algunos de los grandes temas en la obra de esta autora son la infancia, el daño, el amor, la pérdida, las heridas primarias que buscan reparación por obra de la potencia sanadora del lenguaje. Claudia Masin es una de las voces principales de la poesía actual. Su obra ha sido asociada a la de escritoras de la talla de Mary Oliver, Diana Bellessi y Adrienne Rich. La propia Bellessi escribió: Masin hace temblar la página con sus poemas. Su obra es leída por varias generaciones y cada uno de sus recitales reúne una multitud de seguidores de su poesía.

El nuevo libro de una joven y brillante poeta, una de las voces que trazará el rumbo de la lírica española de los próximos años.«La confirmación de una auténtica creadora de universos. Bienvenidos al Big Bang.» Luis Bagué Quílez, Babelia (El País) «Bello y conmovedor. ... Una autora que ha venido para quedarse.» El Cultural «Confirma que nos encontramos ante una gran poeta.» M.Á. Vázquez Medel, Ideal de Granada «Rebasa las expectativas con un poemario formalmente exquisito y con ese duende que no todos los poetas tienen.» Jesús Miguel Pacheco Pérez, La Verdad «Celebra la poesía como una “máquina poderosísima”.» Braulio Ortiz, Diario de Sevilla «Quiere pensar en voz alta, no aburrir. ... Un libro lleno de celebraciones.» Juan Marqués ¿Cómo sedimentan los poemas? El nuevo libro de Rosa Berbel entiende la poesía como una tarea geológica, en la que los estratos se acumulan y los distintos tiempos se confunden para emerger en formas inesperadas. Prosiguiendo con algunas intuiciones que ya abordó en Los planetas fantasma, La sedimentación se asoma a un paisaje horadado por corrientes subterráneas: las del afecto, la pérdida y el deseo, que dejan profundas huellas en la materia. El tiempo geológico y el tiempo íntimo se superponen para dar lugar a una historia discontinua, musical y plástica. Igual que los sedimentos arrastrados por la corriente, los poemas de este libro se depositan en capas y configuran una serie sin principio ni fin atravesada por repeticiones e imágenes insistentes. Entre esos estratos persisten dos preguntas cruciales: qué fuerzas modelan nuestra vida y qué restos quedan después de la erosión.

La publicación de la obra completa de Charles Wright (Tennessee, 1935), reunida por primera vez en español en cuatro volúmenes, representa uno de los acontecimientos editoriales más relevantes y una oportunidad excepcional para descubrir la obra de una de las voces más singulares de la poesía contemporánea, que se sitúa en un lugar de confluencia donde tradiciones muy diversas dejan de percibirse como herencias separadas para convertirse en una misma respiración poética. A lo largo de más de cincuenta años de escritura, Wright ha hecho dialogar la amplitud visionaria de Whitman con el rigor formal de Pound; el legado clásico con la serenidad contemplativa de la poesía china de la dinastía Tang; y la gran tradición europea, de Dante y Baudelaire a Trakl y Montale, con una incesante meditación sobre el paisaje, el tiempo y la conciencia. El resultado es una voz de rara coherencia, reconocible por el ritmo hipnótico de sus versos, la limpidez de sus imágenes y una concepción de la luz que convierte la mirada en una forma de conocimiento. Este segundo volumen reúne libros fundamentales de la madurez de Charles Wright, donde su escritura alcanza una de sus expresiones más depuradas: el paisaje se convierte en la verdadera gramática del espíritu; y las montañas, los árboles y la luz del sur de Estados Unidos son los signos de una escritura que explora el desgaste del tiempo, la persistencia de la memoria y la proximidad de la muerte. En estas páginas, la naturaleza, el arte y la tradición dialogan con una persistente interrogación sobre la trascendencia y lo cotidiano, mientras el poema avanza con la serenidad de quien sabe que toda respuesta permanece, necesariamente, incompleta

Este esfuerzo antológico de Muriéndome a compás. Poesía Reunida del pintor y poeta Juan Grande, nace de la admiración por una vivencia artística sin límites, que desemboca en un torrente poético-popular excelso, de poesía inmortal y pobre como la acuñaría Borges. Una estética tan personal como para crecer al margen de las corrientes prevalentes. Lo que aquí nos reúne es el Pathos de una obra atemporal, derramada en movimientos arquetípicos desde lo hondo. Porque de lo que se trata en esta obra es de la prevalencia del duende y de sus logros mayores. Lo que se está poniendo en realidad sobre la mesa, apenas advertido, es lo humano como consagración de la sangre. Lo poético como conflagración del Espíritu. Extraído del prólogo de Antonio López Cañestro a la obra.

Esta edición de Poeta en Nueva York, preparada con rigor y esmero por el hispanista británico Andrew A. Anderson, sigue fielmente la última voluntad de Federico García Lorca, plasmada en el original que el poeta entregó a José Bergamín en las oficinas de la editorial 'Cruz y Raya' pocas semanas antes de su muerte en Granada. Un original, a medias manuscrito y mecanografiado, de cuya existencia y paradero se tenían hasta hace pocos años noticias inciertas. Ésta es la primera edición moderna que se basa directamente en ese material esquivo, y por eso puede considerarse, sin lugar a dudas, como la versión definitiva de un poemario que se cuenta entre las cimas de la poesía del siglo veinte y que ha ejercido una poderosa influencia no sólo en la tradición hispanohablante sino también en la cultura contemporánea occidental. Nada podría ser más notable, en esta nueva colección, Poeta en Nueva York, que la fertilidad aparentemente inagotable de la imaginación de Lorca. Una imaginación, pródiga y fantástica, que estaba en todas partes a la vez: los mundos subjetivo y objetivo combinados e inflamados en una sola bola; lo cotidiano desposado singularmente con lo clásico; la canción popular cruzada con el barroco.