La obra completa del mayor innovador de la poesía moderna por primera vez en español Hay poetas que transforman una tradición; hay otros que inventan una manera nueva de leer. Edward Estlin Cummings (1894-1962) pertenece a ambas categorías. Figura esencial de la poesía en lengua inglesa del siglo xx, su obra ocupa un lugar único: el punto de encuentro entre la experimentación más audaz y la fidelidad más profunda a la tradición lírica. A menudo recordado por sus rupturas tipográficas y sintácticas, Cummings fue mucho más que un innovador formal. Su obra nace de una convicción radical: que el lenguaje debe recuperar la capacidad de sorprendernos. Frente a los lugares comunes, las abstracciones y las fórmulas heredadas, sus poemas buscan devolver a las palabras su intensidad primera. De ahí su voluntad de trastocar la gramática, alterar el orden de las frases o reinventar la disposición visual del poema. No se trata de una provocación estética, sino de una ética de la percepción: ver el mundo como si fuera la primera vez. Quizá por eso su poesía sigue resultando tan contemporánea. Porque, en una época inclinada a la homogeneización de las voces y de las miradas, Cummings continúa recordándonos que cada persona constituye una excepción irrepetible. Y que la poesía, cuando alcanza su plenitud, no nos enseña únicamente a leer mejor: nos enseña a mirar. Esta Poesía completa reúne por primera vez en español la totalidad de su obra: más de novecientos poemas que revelan la amplitud, la coherencia y la extraordinaria vigencia de una voz que continúa desafiando las convenciones para recordarnos que la poesía sigue siendo una de las formas más profundas de la libertad. «Nadie más ha conseguido hacer tan atractivos para el lector los poemas experimentales y de vanguardia». Randall Jarrell «Hay muy pocas personas que merecen llamarse poetas. Cummings era una de ellas». Archibald MacLeish

De tilos que sueñan con Catalina de Médici ofrece un rico espacio de lectura: una lengua de admirable versatilidad en recursos y registros, en tonos y densidades, que pasa de lo barroco a lo coloquial sin solución de continuidad. Edgardo Dobry (Rosario, 1962) lo dispone como campo sin jerarquías, libre de estructura, sostenido en las relaciones internas de los poemas: su movimiento permanente no avanza en una dirección determinada, es un estado de agitación, de inestabilidad, que sería también el de la vida y un pensar-sentir en torno a ella, abierto a que se decante un sentido pero independiente de él en su modo de estar. En realidad, ese continuo bullir tiende a hacerse espiral: sucesión de lugares y detalles vivos, relatos cuyo poso superpone estratos de tiempo, conversaciones, líneas de la reflexión o del ánimo. Con un impulso de regreso al origen, como en otros libros del autor, hacia lo argentino o lo judío, tras las huellas de la historia colectiva y la personal, para luego alejarse de nuevo. La lengua de ese trazo que se distancia es la ironía: múltiple en formas, actúa como un peculiar perspectivismo, proliferación de los modos de ver: el turista y el artista, lo cotidiano y lo histórico, los sentimientos propios y los ajenos, el viaje y la retracción doméstica. Y, si la ironía alimenta esta red tan tensa como ligera, no excluye lo lírico: un boquete que pareciera alcanzar el otro lado del mundo. Cuando se da de pronto, aparece en medio de la inestabilidad la quietud, o —entre lo dispar— una armonía como la que se dice de la Cábala: «música del pensamiento / donde cantan letras, no notas». Pero esto también se acalla y vuelve a fragmentarse en el espacio bullente, cuajado de momentos vivos, que es el libro, ese no cesar de la inquietud. Miguel Casado

La «cesura» que da título a este libro de poemas de Benito del Pliego es en él marca de estilo y voluntad de búsqueda de sentido. El ritmo, la entonación, la fonética de ese verso encabalgado en el cielo de la boca, el balbuceo y el nudo en la garganta. Cesura como quiebra del lenguaje poético que sólo puede ser descifrado (des-encriptado) por otra mirada humana con la misma complejidad poética con que la ha trazado el emisor, que reclama un lector no acomodaticio, dispuesto a transgredir los umbrales y descubrir nuevos horizontes. Pero también para el lector inocente, dispuesto a dejarse llevar o a ser interpelado por un solo ritmo del sentido. Del Pliego obliga a ir un paso más allá de lo obvio, a buscar la palabra que huye de lo banal reproducible, para instalarse en una exigencia de reivindicación y resistencia de lo subjetivo y, por extensión, de lo humano. ¿Resistencia frente a qué? Frente al lenguaje que banaliza la realidad, que la aplana para reproducirla mejor. Resistencia frente al lenguaje gastado y reivindicación de nuevas formas de decir. A estas alturas del conocimiento, tal vez lo que resta de humano sea eso que ningún avatar ni ningún ciborg puede repetir, porque es incapaz de articular un discurso propio que muestre la perplejidad y el asombro humano. Como dice Mario Montalbetti: «El poema no miente porque arma sus normas». Así, el arte nuevo y la poesía nueva no se alojarían en repetir frases hechas ni en amontonar palabras vaciadas, sino en su capacidad para transcribir los pliegues imprevisibles e irreproducibles técnicamente. Benito del Pliego busca explorar esos límites, allí donde no llega el lenguaje utilitario. En la contracubierta de Posos de lectura escribía Del Pliego: «No se trata tanto de descubrir lo que somos a través de interpretaciones de lo informe, como de descubrir que somos algo informe que tratamos constantemente de interpretar». Lo suscribo completamente. Amalia Iglesias Serna

La poesía de José Luis Parra (Madrid, 1944), escrita a lo largo de los últimos veinticinco años, se fija con recurrencia en la labor de zapa realizada por cada minuto, hora y día. Descarnada y lúcida, viene envuelta sin embargo en una dicción siempre elegante. El tono, nunca adusto, sabe ser grave sin solemnidad (no rechaza la ironía ni tampoco, en ocasiones, el humor) y propicia la mezcla de la precisión con la inquietud, su claridad reverberando hacia lo amargo, tiznada por el daño. Donde otros quizá recurrirían -porque la temática los admite- a registros más abruptos, más coloquiales, de rendimiento efectista, Parra prefiere entregar, guiado por un cálculo lírico como hay pocos, composiciones en cuya alta serenidad se agazapan el escorpión de la pérdida o el gusano casi inmóvil de la decrepitud. Es el suyo un mensaje desasosegante pero vehiculado a través de un medio que destila delicadeza, tacto expresivo, potencia. Con toda seguridad, el tiempo -el Enemigo- va a ser clemente con la obra de José Luis Parra. No importan ni el insuficiente conocimiento que de ella tiene en la actualidad la secta de los lectores de poesía ni su desubicación generacional. Se impondrán la verdad y la fuerza -dos sinónimos- con las cuales la pobre condición humana es cantada en sus versos. Y de la que sus versos se apiadan.

Alberto Santamaría (Torrelavega, 1976), es autor de los siguientes libros de poesía: El orden del mundo (2003), El hombre que salió de la tarta (2004), Notas de verano sobre ficciones del invierno (2005), Pequeños círculos (2009), Interior metafísico con galletas (2012), Yo, chatarra, etcétera (2015), Lo superfluo y otros poemas (2020) y De las cosas pálidas (2025). En 2025 fue reconocido con el Premio de las Letras Ciudad de Santander por su trayectoria literaria. Una distorsión narrativa reúne poemas escritos a lo largo de los últimos veinticinco años. Leídos en conjunto, trazan una suerte de cartografía —irónica, desplazada— del primer cuarto del siglo XXI: una radiografía cultural y estética donde lo central se disuelve y son los márgenes, las ruinas y los espacios excéntricos los que adquieren densidad y sentido. Desde esa mirada oblicua, la escritura de Alberto Santamaría configura un territorio propio, reconocible en su tensión entre pensamiento y extrañamiento. No en vano, el crítico y poeta Luis Bagué ha señalado que estamos ante «una de las cosmovisiones más singulares de la poesía española contemporánea».

Con sus traducciones, Ramón Buenaventura (Ciudad Internacional de Tánger, 1940) ha sido conocido durante mucho tiempo como uno de los grandes introductores de Rimbaud al castellano. Sin embargo, el autor es uno de los bravos de la poesía de finales de siglo. Frente a la modernidad reactiva de una España empañada, su escritura es un modelo de vitalismo puro y duro, zancada edénica, de impúdico brío. Junto a la ardicia lenguaraz, el Buenaventura artificiero, el perista confeso del idioma al que le «encanta reunir palabras extranjeras» para «recauchutarlas y vendérselas al castellano como nuevas», gozosa vacilación lingüística de quien nació «en una ciudad que ya no existe / en un país que no existía». La publicación de este volumen ofrece por primera vez al lector una edición moderna y cuidada de la poesía reunida de un autor irrepetible en nuestras letras.

Escrito durante quince años, Las luces es el poemario más formalmente ambicioso y sentido de Ben Lerner. Las luces es una constelación de versos y prosas, canciones antiguas, mensajes de voz, interferencias y silencios, un vergel celeste de resplandores sostenidos en la negrura del vacío espacial. Estos poemas miran tan lejos como cerca, tan fuera como dentro, y reflejan las fuerzas que dan forma a las complejidades de la sociedad humana y los ritmos incesantes del mundo natural. Hablan del poder de las nuevas tecnologías y de las maravillas de nuestro planeta atemporal. A veces, su naturaleza es íntima y silente; otras, su escala es grandiosa, como experimentos órficos en la colectivización del sentimiento.Escrito durante quince años, este libro es la culminación lírica de la poética de Ben Lerner: una documentación de los placeres, riesgos y absurdidades de la creación artística, y un intento de encontrar sentido a la vida en una realidad de crisis interconectadas y aceleradas. A pesar del poder de atracción de la oscuridad, es la luz lo que aquí permanece, prolongada en el crepúsculo, en imágenes del espacio, en poemas que vienen del pasado, en apagones, en las conexiones fugaces y constantes entre personas.De la mano de uno de los mejores escritores norteamericanos de su generación, Las luces llega a nosotros como un faro que ilumina nuevas posibilidades de pensamiento y emoción.

1.1 01.1 10000000000000000

La obra más aclamada de un poeta y grabador visionario. Incluye la reproducción facsímil de la edición original de Blake.La obra de William Blake (Londres, 1757-1827) es una de las más originales e imaginativas de la literatura inglesa. Poeta, artista plástico y grabador de profesión, se vio a sí mismo como un profeta que anunciaba el valor indispensable del arte para la adecuada formación del ser humano. Además, partiendo del cristianismo inconformista y de las revoluciones de su tiempo, creó una visión insólita y certera de la historia de la humanidad. Las Canciones de inocencia y de experiencia son la obra más conocida y, posiblemente, la más importante de las que produjo Blake, al menos desde el punto de vista literario. En ellas, la relación entre texto e imagen es crucial al tratarse de una de las "impresiones iluminadas" del poeta, una combinación de poesía e ilustración grabadas, impresas y coloreadas. El grupo de las Canciones de inocencia fue, además, el primero de los volúmenes que compuso mediante este "método infernal", el mismo que lograría seducir a poetas, músicos y críticos de la talla de Allen Ginsberg, Patty Smith y Harold Bloom.

Una preciosa edición bilingüe ilustrada por Elena Ferrándiz que reivindica la obra poética de Emily Brontë. Los poemas de Emily Jane Brontë, una de las escritoras más relevantes del siglo XIX, son apasionados y poderosos y transmiten la vitalidad del espíritu humano y del mundo natural. Tan solo veintiuno de sus poemas se publicaron en vida. Este volumen, en edición bilingüe, reúne dichos poemas y nueve más que se le atribuyen, con evocadoras ilustraciones de Elena Ferrándiz. Emily Dickinson (1830-1886), amaba los poemas de Emily Brontë y pidió que se leyera «No Coward Soul», incluido en este volumen, en su funeral.

¿Puede el deseo hablar en marxista? ¿Puede el cuerpo amado tener plusvalías, la piel una tasa de beneficio, el orgasmo ser democracia del proletariado? En este poemario la respuesta es sí, y esta afirmación no es un juego intelectual, si acaso una declaración de principios: el capitalismo lo ha colonizado todo, incluido el amor, y solo nombrándolo con sus propias armas se puede intentar la fuga. La revolución no es una metáfora construye un idiolecto poético donde Marx, Lenin, Gramsci y los soviets conviven con la geología de un cuerpo deseado, el salario mínimo como compañero de cama y las golondrinas bolcheviques sobrevolando un horizonte de derrota hermosa. Elegía lúcida de quien sabe que el sujeto revolucionario se ha extraviado pero no renuncia a buscarlo, aunque sea entre sábanas. Quien busque mítines y nostalgia doctrinaria que se busque otro catre. Con una voz que va de la letanía al poema en prosa, del epigrama feroz a la ternura descarnada, este libro pregunta en voz alta lo que muchos callan: si ya no hay revolución posible, ¿para quién el pan de las palabras?

Una de las mayores obras de la literatura universal, presentada ahora en una nueva y cuidada edición. Edición bilingüe. Poesía y prosa. «El Purgatorio es el teatro de la crueldad: el sufrimiento se convierte en placer porque lo engaña la esperanza.» ANTONIN ARTAUD La Divina Comedia es la más alta rehabilitación del diablo emprendida por un cristiano.» EMIL CIORAN «Reinventar y reventar los clásicos: un proyecto innovador y precioso.» IRENE VALLEJO Con la banda sonora original. Incluye el texto La economía del pecado y la redención.

«Poeta exclusivo del amor»me llamaron. Y quizá era verdad.Pero el viento sobre la hierba y los rumoresde la ciudad lejana,¿no son también amor?Bajo nubes cálidas,¿no persisten aún los sonidosde un amor que ardey nunca más se aleja?Considerado por Pier Paolo Pasolini el más grande poeta italianodel siglo xx, Sandro Penna (1906-1977) es autor de una obraintensa y delicada, marcada por la emoción y la sutileza con quetrata el amor homoerótico. Profundamente sensorial y vitalista,la escritura de Penna se condensa en breves instantáneas queevocan escenas, atmósferas, los momentos de iluminaciónque justifican una vida.Como señaló Natalia Ginzburg, «sus poemas son como suspasos, ligeros y silenciosos, pero dejan una huella profunda enquien los lee, como si el mundo se detuviera en un instantede belleza y dolor».

Raramente coincide la visión del rayo con la percepción del trueno. Si esto ocurriera, la experiencia inmediata de ambos fenómenos se saldaría con la muerte. Así la intensidad del corazón, si se toma por la parte del fuego. Y es que el discurso amoroso se vislumbra, pero siempre queda más allá, desvinculado, abono de la mentira. Decimos el amor y sabemos que cada segundo que pasa después de pronunciarlo es una unidad de tiempo transcurrido tras su incendio. Aunque es un tema antiguo —más del lado de Heráclito que del Prometeo de Esquilo— este desfase emocional entre los cuerpos ha sido un motivo predilecto en la poesía del cambio de siglo: amamos, pensamos y decimos siempre a pie cambiado. Lo contrario es un relato que contaban nuestros padres sobre sus abuelos. La poesía del cambio de siglo, digo, se ha ocupado de constatarlo. Si no lo ha hecho, se ha escrito desde dicha constatación. Pero qué poco importa la naturaleza última de nuestras palabras, nuestras formas ignífugas de llegar al otro, si a pesar de ello la intensión nos anima a contar su historia. Pol Guasch (Tarragona, 1997), autor de novelas como Napalm en el corazón (Anagrama, 2021) y Reliquia (Anagrama, 2026), lo afirma a las primeras de cambio en su segundo poemario, que traducimos ahora del catalán: «Con toda seguridad, sé que se puede amar sin preguntarse por qué se ama».

Fabio Morábito aunque nacido en Alejandría en 1955 de padres italianos, ha escrito toda su obra en español y ha merecido los más altos galardones literarios. «El título de este libro se debe a una feliz coincidencia. Al lado del hotel en el que me alojaba estaban construyendo otro. Unos cuarenta albañiles se afanaban en levantar la cimbra, ese ensamble de tablas y tablones que tiene una existencia tan efímera como esencial en la construcción de un edificio. Colgando a menudo en el vacío, martillaban, serruchaban y amarraban con alambres el maderamen de la cimbra, moviéndose con dificultad en los espacios que quedaban libres en esa maraña de tablas y palos. Yo me asomaba al balcón, no sabiendo si mirarlos a ellos, que estaban a un par de metros de mi hotel, o contemplar el mar. Ganaron los albañiles. Era otro mar, tan agitado, ensordecedor y cambiante como el que rompía en la playa. Poco a poco fui descubriendo una armonía en el aparente caos de la obra; la cuadrilla se estructuraba con un orden casi militar, todos sabían qué hacer y, encaramados en la cimbra, se gritaban para decirse alguna peladez o pedir ayuda; y pensé que tal vez las olas en altamar se organizan de la misma manera, llamándose unas otras, levantando barcos, rompiendo contra las rocas y los puertos, para entre todas sostener la inmensidad, el horizonte y lo infinito». Fabio Morábito

Jaime Siles (Valencia, 1951). Catedrático de Filología Latina, ha traducido a Wordsworth, Paul Celan, Arno Schmidt, Hans R. Jauss y Martin Walser; es autor de libros de ensayo y de diversas monografías de carácter lingüístico y literario. En 1983, su obra Música de agua obtuvo el Premio de la Crítica, y el Premio Fundación Loewe con Semáforos, Semáforos, en 1989 y en 1999 el Premio Generación del 27, entre otros. En 2004 se le concedió el Premio de las Letras Valencianas, en 2025 el Premio Internacional García Lorca y en 2026 el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamérica. Himnos tardíos —I Premio Internacional de Poesía Generación del 27— supone un cambio en la forma y temas de su autor. No hay en él otro estilo, hay otro poeta, más claro, pero más misterioso también que se enfrenta no solo con el lenguaje sino con la existencia y deja constancia escrita del dolor de vivir. Para Siles la vida no es canto sino pérdida, y la palabra, un intento de conocer a partir de la desesperación, un adiós a sí mismo y a las cosas, una experiencia madura y a la vez radical, que supone una nueva vía dentro de su obra. «Elegía y análisis, o sea, un lirismo de tipo elegíaco y una práctica metapoética que se unen de nuevo para expresar la existencia humana y, a través de un dolor ontológico, la dificultad del yo para ser». Henry Gil