La poesía de Gabriel Ventura traducida por primera vez al castellano, en este poemario sobre el espíritu disruptivo del arte. Estatuas con cabezas cortadas, templos quemados y abandonados, niños corriendo entre el desastre... Apuntes para un incendio de los ojos es un libro atravesado por el fuego, una tentativa de reflexionar sobre la iconoclastia y la adoración de imágenes.¿Contiene la poesía, aún, el germen de la rebelión? La puerta de entrada a este archivo de poemas extraños y fragmentados —como las piedras que lanzan los rebeldes— es una fotografía de Bruno Braquehais, tomada en la Place Vendôme de París, el año 1871, durante los días más salvajes de la Comuna. En ella se observa una estatua derrocada de Napoleón, tumbada a los pies de los sublevados. Dice la leyenda que, entre los retratados, se encuentran los rostros de Rimbaud y Manet, el poeta y el pintor que se alzaron contra la literatura y el arte de su tiempo. Revuelta estética y revuelta política, ¿no deberían ir siempre de la mano? «El interés por la destrucción de un icono suele ser el indicio de un miedo ancestral: el miedo a que las imágenes estén vivas. Eso las convierte en entidades temibles, en objetos que han de ser eliminados y mutilados.»Entendiendo el lenguaje como un cuerpo en construcción, errático y poroso, Gabriel Ventura nos adentra en una experiencia lingüística que busca constantemente «más ojo, más piel, más límite donde despeñarse». Subversión, inocencia, destrucción y transformación son los temas de una obra que se pregunta si es posible «arrancarle la cabeza al cuerpo del poder» y si todavía nos podemos rebelar a través el lenguaje.

Tras la publicación de Ariel en 1965, dos años después de su muerte, Sylvia Plath (Boston, 1932-Londres, 1963) se convirtió en un nombre señero de la poesía contemporánea. Pero muchos lectores no saben que el original que Plath dejó al morir difiere notablemente del poemario que la convirtió en una leyenda. Esta edición nos devuelve, por fin, el libro en su versión primera, con la selección y el orden establecidos en su día por Sylvia Plath. Además del facsímil del manuscrito, se incluyen los diversos borradores de 'Ariel' -el poema que da título al conjunto- y las notas que Plath hizo para la BBC sobre poemas centrales del libro como 'Señora Lázaro' y 'Papi'. Frieda Hughes, hija de Plath, ha escrito un prólogo iluminador que explica el porqué de las diferencias entre la edición de Ariel ya conocida -y preparada por el poeta Ted Hughes, esposo de Sylvia Plath y padre de Frieda- y la versión original que ahora damos a conocer. La publicación de este libro nos permite hacernos una idea del proceso creativo de la autora y reevaluar su legado y su extraordinaria visión poética.

«Mi hermano Miguel murió el 5 / de marzo de 1975, tres semanas / antes de su sexto cumpleaños. / Murió pasado el mediodía, era / una mañana nublada y de mucho / viento», con estos versos se abre Canal, un largo poema dividido en sesenta fragmentos y una coda, que investiga las consecuencias en el núcleo familiar de la muerte del hermano mayor. Esta edición especial de Canal reproduce la intervención artística, hasta ahora inédita, realizada por el ilustrador Aitor Saraiba en septiembre de 2016.

¿Qué nos queda cuando el presente escapa de entre los dedos? El eco en el vacío explora la fragilidad de la identidad a través de la desolación del vacío, la pureza del silencio y la persistencia del eco. Con una voz que dialoga con figuras como Baudelaire o Pizarnik, Jorge Gutiérrez Diego explora el dolor, el amor que se pierde en el tiempo y la búsqueda de una verdad en un mundo que parece esconderse en la ausencia. Este es un poemario que invita a descender al precipicio de la existencia, de la propia, para descubrir que, incluso entre la ceniza, también habita la esperanza. Una obra sobre la pérdida y la redención por la palabra.

Tú, rojo profundo, hasta la muerte mi amor será igual a ti, no empalidecerá nunca, hasta la muerte, tú, rojo incandescente, él será igual a ti. Rojo intenso, Karoline von Günderrode Estas páginas pretenden dar a conocer a la lengua castellana y a sus hablantes el sentir y el pensar de una poeta lúcida y consciente de que su labor lleva consigo alumbrar aquello que terminará por sumirla en la nada… o disolverla en la totalidad. Karoline von Günderrode (1780-1806) es una escritora lejana y a la que muy poco nos hemos querido acercar. El interés por su obra ha sido postergado a favor del interés por su vida, por sus amigos, por su muerte, como si siempre dirigiéramos la mirada alrededor y no la centrásemos en lo que ella escribió. La historia del mito Günderrode empezó prácticamente al día siguiente de su muerte y ha servido para distraer la atención sobre su obra y para alejárnosla todavía más, hasta el punto que hay estudiosas que, fieles a su obra, rehúsan hablar de su suicidio. También se ha escrito bastante sobre la Günderrode feminista y seguramente esa perspectiva ha permitido la pervivencia del interés por su figura y por su obra. Pero no hemos elegido el título Dar a luz lo que me da muerte tanto por esta razón, sino más bien porque podemos ver en él claramente expresada la lucha, la contradicción que aparece a lo largo de su obra poética, hasta el punto de que podemos decir que la escritura de Günderrode consiste en eso: en dar a luz, en alumbrar aquello que la destruye, tanto a la escritura como a su autora. Soledad García Ferrer

La obra de una poeta que ha marcado a las nuevas generaciones. Mística y erotismo, reflexión y denuncia social, la poesía de Rossetti constituye un verdadero cosmos.Ana Rossetti (San Fernando, Cádiz, 1950) es una de las poetas más reconocidas de la poesía española contemporánea. Versátil y audaz en la escritura, destaca por una literatura en permanente renovación. El erotismo y la ironía marcaron Los devaneos de Erato (1980), Indicios vehementes (1985) y Yesterday (1988). En Devocionario (1986) indagó sobre la formación de su cosmovisión y su primer acercamiento a la palabra poética a través de los códigos de la religión católica. Más adelante, su verso se tornó más reflexivo con la profunda meditación acerca del amor de Punto umbrío (1995) y el ejercicio metapoético de Llenar tu nombre (2008), y en sus últimas obras, El mapa de la espera (2010) y Deudas contraídas (2016), ha elevado la voz contra las injusticias sociales y las violencias que asolan el mundo actual. La presente antología ofrece una amplia muestra de su producción poética y evidencia todos estos cambios temáticos, de tono y versificación que hacen de la poesía de Rossetti un verdadero cosmos para sus lectores.

La consagración absoluta de una de las grandes poetas actuales: un libro sobre la fragilidad a la que nos vemos sometidos cuando no podemos plantar raíces. La reconexión con ella tras la muerte de hierbamala marca el inicio de este singular viaje poético por territorios liminares entre el consciente y el inconsciente. Sus protagonistas nos llevan por un camino tortuoso y sembrado de trampas. Van cargadas y, a veces, se les nota el miedo. Hay algo que tienen que hacer juntas.Obsesionada por encontrar una lengua con la que llamar a las cosas por su significado, Miriam Reyes acude a la gran obra de María Moliner en busca de ayuda. En el rodeo de la definición encuentra la única estrategia de avance posible para este poema río que se retuerce en meandros. En él, contemplamos fluir lentamente los mecanismos de defensa, disociación y silenciamiento que operan en la conciencia escindida del sujeto.Más que en cualquiera de sus libros anteriores, la escritura de Reyes es aquí la de quien no sabe y busca, la de quien se entrega —no sin estremecimiento— a un modo de comprensión que desborda lo racional. Con versos de una sensorialidad vibrante, nos invita a abrir los sentidos y leer con todo el cuerpo para experimentar con ella esta deriva interior, que es también un intento de aprender a convivir con lo que nunca muere.

Si no hay redención posible, entonces el mundo, tal como existe en el lenguaje que hablamos, carece de sentido. En la obra de Zurita la redención no existe. El dolor persiste, es la raíz de la historia. ¿Cómo puede hablar la poesía, entonces, de un mundo en el que no habrá «ni pena ni miedo», palabras que Zurita hizo escribir en grandes letras con máquinas excavadoras en el desierto de Atacama? Se trata de un nuevo estatuto del lenguaje, del lenguaje incrustado en el paisaje, en la tierra o, en otros trabajos de Zurita, escrito en el cielo y en los enormes acantilados de la costa de Chile. Lo mismo se extiende al libro: las palabras convierten la página en superficie real, están en el espacio; el paisaje está en la página, se registra como masa y fuerza, no pertenece al reino de los símbolos. La escritura vuelca la página hacia afuera, hacia el mundo exterior. Por eso las palabras son densas, ocupan extensiones del espacio, son duraciones del tiempo. No representan, están. Ahí las palabras de Zurita que encabezan un muro del Cementerio General de Santiago donde se han grabado los nombres de centenares de desaparecidos: «Todo mi amor está aquí y se ha quedado pegado a las rocas al mar y a las montañas». Son palabras que alteran nuestra relación con el mundo, nosotros nos convertimos en otros: se trata de un devenir, nuestro y del paisaje, en que la vida se escribe de otra manera. La apuesta que recorre toda la obra de Zurita es nada menos que la creación de un nuevo lenguaje de la poesía, tal como, en su tiempo, habían realizado César Vallejo o William Carlos Williams. Las revoluciones del lenguaje poético suceden pocas veces ya que requieren una energía artística excepcional. La poesía de Zurita es un decir y en el mismo instante un suceder. En una época en que el lenguaje que hablamos y leemos no es capaz de dar cuenta de un evento catastrófico, la poesía de Zurita restituye el suceder al lenguaje. En medio de la destitución más extrema, puntual experiencia de la población chilena y de otras poblaciones en la actualidad, esta obra habla de la posibilidad de la vida nueva, del paraíso, posibilidad sin la cual nuestro estar en la tierra no tendría por qué. William Rowe Doctor Honoris Causa de la Pontificia Universidad Católica del Perú, miembro de la Academia Británica

Decía Elias Canetti a propósito de su ambicioso ensayo de 1960, Masa y poder, sobre las dinámicas institucionales de control social en el siglo XX, que sentía que por fin había podido «agarrar a este siglo por el cuello». Con su nuevo poemario, podemos decir que Juan de Salas (Madrid, 1999) ha agarrado al suyo también, pero además lo ha hecho pasar por el tubo, hasta hacerle cantar de agudeza, arte e ingenio.Como si se tratara de una miniserie inspirada en los episodios nacionales de Galdós, este libro emprende con furor y comedia una larga ruta turística por la España decimonónica de Isabel II, las guerras carlistas y el ruido de sables, y, por figuración, nos ofrece una mayor visibilidad de la España del euro en la que nació el autor y el resto seguimos vivos. Por lo tanto, también es una visita guiada a pie de obra por nuestros propios corazones.Con El siglo Juan de Salas inaugura la epopeya lírica española del nuevo milenio.

Una puerta a la mejor poesía reciente preparada específicamente para estudiantes de ESO y de Bachillerato.Esta antología ofrece un recorrido esencial por la poesía española del siglo xx. Organizada en seis etapas, desde el Modernismo y la generación del 98 hasta la España democrática, permite seguir con claridad la evolución de formas, estilos y modos de expresión que configuran la sensibilidad poética más reciente. Así, las obras, seleccionadas especialmente para jóvenes estudiantes, presentan una muestra significativa de cada momento y nos acercan a una tradición amplia y en constante progreso. Un volumen que, acompañado de notas e introducciones a cada periodo, invita a aprender y disfrutar de la mejor poesía española del siglo pasado, animando a una lectura pausada y a reconocer el valor y la vigencia del legado de nuestros poetas.

Antología de Francisca Aguirre, Premio Nacional de las Letras 2018. Prólogo de su hija, la poeta Guadalupe Grandes. Vuelta de Tuerca es una colección de antologías poéticas de autores que consideramos imprescindibles para comprender el panorama literario

Unos de los mejores poemas en español de la historia y sus glosas por distintas personalidades de múltiples esferas del conocimiento y la creación. El "Llanto" de Lorca comentado por 11 personalidades de la filosofía, el arte, la tauromaquia, la música, el baile, la filología, el flamenco, la literatura: : Andrew A. Anderson, Georges Didi-Huberman, Luis Francisco Esplá, Pedro G. Romero, Alberto González Troyano, Belén Maya, Luis Pérez-Oramas, Antonio J. Pradel, Francesc Torres, Noël Valis. Con la edición de José Javier León y colofón de Laura García-Lorca.

La obra completa de Charles Wright (Tennessee, 1935), reunida por primera vez en español en cuatro volúmenes, constituye uno de los proyectos poéticos más notables y coherentes de la literatura contemporánea. A lo largo de más de cinco décadas, Wright ha alcanzado un tono singular en el que la reflexión y el pensamiento se refuerzan con base en la tradición estadounidense moderna, que a su vez recoge la poesía griega y latina en sus más altos exponentes, como Safo y Catulo, por lo que en su obra encontramos tanto al más vasto Whitman como al hermético Pound. En Wright, pues, tenemos la asimilación lírica oriental de la dinastía Tang y el clasicismo europeo de Dante, Montale, Baudelaire o Trakl. En este cruce de influencias, Wright ha construido una voz propia, reconocible por su música, sus claroscuros con los que nos entrega imágenes de una perfección propia de los grandes de la pintura a los que recurre: Cézanne, Morandi, Uccello. Este primer volumen que recoge su poesía inicial, nos invita a asistir al surgimiento de esa voz en estrecha relación con el paisaje, una meditación sobre la estructura del lenguaje, símil que vierte en una gnosis y su contraparte: la vía dolorosa de la primavera, un peregrinaje en donde el tiempo no se impone como ruptura, sino como sedimento; la memoria no reconstruye, sino que interroga; y lo espiritual aparece no como certeza, sino como una presencia difusa, casi imperceptible, inscrita en las nubes, las aves, los vitrales imaginados por todas partes.

Latitud cero es un viaje por Ecuador que trasciende la mera crónica lírica para convertirse en una exploración de la identidad, la memoria y la pertenencia. Entre volcanes, selvas y comunidades indígenas, la voz poética recorre la geografía ecuatoriana mientras dialoga con sus afectos, sus muertos, la experiencia de la migración y el vínculo con la madre. De las islas Galápagos a la Amazonia, desde la cosmovisión shuar hasta el archivo familiar, el poemario traza una cartografía emocional donde el paisaje se convierte en espejo del ser. Entrelazando con maestría naturaleza, historia, medicina, mitología y tradiciones populares, este poemario reflexiona sobre el desarraigo, los cuidados, la herencia y la búsqueda de un lugar en el mundo.

ÓBOLO No fue un mal sueño, era el alma contando sus monedas: el precio del poema para sobornar a los ujieres de la luz. La obra de Ricardo Pochtar tiene esa magnífica propiedad de crearse en el instante mismo de la lectura. Tal vez la mayor gratificación para el lector sea el acto de quitar el velo, ese sentimiento de descubrir la verdad o la esencia de una situación oculta tras su apariencia. Dice Pochtar: cuando el filósofo descubre las delicias de la ironía ya no volverá a dejarse tentar por la verdad, una afirmación que es también una ironía y un ejercicio de investigación en un escenario de Escher saturado de trucos, trampas y perspectivas. Una quincena de libros ya es capaz de generar estela, quizá la única que anuncia el paso de la nave e ignora su huella, la última habilidad que puede permitirse un poeta comprometido fieramente en lograr que las palabras sujeten a las ideas, y las ideas a lo humano. Lo que, además, se defiende en este libro es una estética del poema despojado de toda belleza que no esté fundada en la escritura. Julio Obeso

Solamente quienes han arrastrado el lenguaje hasta más allá de los límites, hasta asomarse a la sintaxis infartada del vacío, pueden quedarse con su sombra entre las manos y sentarse a enmudecer sin miedo en las rodillas del mundo. Este discurso exangüe de Miguel Ángel Muñoz Sanjuán no invoca a ninguna pertenencia. O en todo caso, orbita en torno a lo fallido. Su gramática dolorida es un banquete de restos, una ceremonia residual en la que «existen palabras sin fe» precipitadas como organismos ciegos hacia el des-entendimiento. La poesía de Muñoz Sanjuán nos ha entregado, desde siempre, un conato continuo. El conato del vuelo inicial que elige detenerse antes de ser otra cosa. Las palabras se retraen a su cualidad de signos que sobreviven entre otros para hacerlos crujir en el acto del habla. Un alfabeto indefinido, un «lugar al que se llama escritura», desprendido ya de las babas retóricas y del peso de las consignas. Poesía del descreimiento. Baile de brozas y muñones como única solución, radical e innegociable, de agotar las sospechosas credenciales del texto literario. Tomás Sánchez Santiago

En la noche espero que me salven / Las estrellas no me miran / La luna no me tiende la mano / Pero yo espero en la noche. Esperar en la noche, esperar en ese espacio inmenso, inconmensurable, habitado por criaturas cuyos ojos penetran a través de velos estrellados, escuchando el eco de un viento cargado de palabras. Las palabras revolotean alrededor de las cosas, de las personas, de los animales. No solo hay un mensaje; también una sonoridad que es capaz de expandirse y de concentrarse, y cuando esto ocurre, la noche comienza a latir. Todas las palabras escritas en este poemario antes fueron solo tenues sonidos. Se ocultaron entre los pliegues del alma, esperando ser escuchados. Y lentamente, como la noche se cierne sobre el día, el viento los tomó para convertirlos en estas palabras que ahora leemos, que sentimos, que nos otorgan el poder de ver a través de la oscuridad, de poder habitar la noche. Y ahí, frente a lo que sentimos, seremos salvados porque, a pesar de la extrañeza, hay esperanza, hay camino. Miguel Ángel Mañas

Todo lo que dejamos para mañana: lo que pesa, lo que duele, una carta, una despedida, una declaración de amor o de intenciones. Todo lo que dejamos para mañana: la revolución.