Considerado el padre del realismo ruso y a la vez el precursor más genial del absurdo moderno, Nikolái Gógol (1809-1852) dinamitó las convenciones literarias del siglo xix. Su obra es el puente fundamental por el que transitaron después autores como Dostoievski, Bulgákov o el propio Kafka. Esta edición –que reúne la totalidad de su narrativa breve abarca desde el folclore colorista y demoníaco de sus primeros ciclos ucranianos (Veladas en el caserío cerca de Dikanka y Mírgorod), hasta las alucinadas estampas urbanas de sus relatos petersburgueses. El lector encontrará aquí obras maestras universales como «Tarás Bulba», «La Avenida Nevski», «La nariz» o «Diario de un loco», junto a piezas imprescindibles como «El retrato» o «El Vii» –donde el terror y la sátira se dan la mano–, así como una sección dedicada a todos aquellos textos dispersos o inconclusos, voluntaria o involuntariamente, a su muerte. La escritura de Gógol, capaz de transitar en un mismo párrafo de la risa incontenible al horror existencial, disecciona la burocracia, la corrupción moral y la pequeñez humana con una agudeza visual sin precedentes. Gógol es el inventor de un realismo grotesco donde lo sobrenatural irrumpe con naturalidad en la grisura cotidiana, y este es un volumen esencial para comprender el origen de la literatura moderna.

«Reúno aquí unas poéticas que he ido escribiendo a lo largo de los años, casi siempre a propuesta de alguien. Acompaño algunas de ellas con poemas, con la esperanza de que así se entienda mejor lo que dicen. Incluyo también un par de entrevistas que me parece que encajan bien con los demás textos, porque aportan otro tono, y que me ayudaron a formular algo que apenas intuía. Eso es, para mí, una poética: la formulación de algo que se intuía de un modo más o menos oscuro. Es decir, es algo medio consciente y medio inconsciente que está ahí antes de la escritura de un poema, pero que también se va definiendo durante la escritura y por medio de ella y que, por último, sólo después de la escritura podemos inferir». Mariano Peyrou

Una inteligente reflexión sobre las nuevas reglas de la cultura pop en la era del marketing personal. En la era del marketing personal, la autenticidad se ha convertido en uno de los activos más valiosos para cualquier estrella del pop. Convertidos en empresarios de sus propias marcas, los cantantes necesitan algo más que talento: tienen que construir una personalidad que se perciba como verdadera y genuina.Este ensayo examina cómo la identidad se define y se explota en una industria que exige reinvención constante, sobre todo a las mujeres. Una reflexión acerca de cómo la cultura de masas actual ha transformado el ideal romántico del artista en un producto brillante, accesible... y perfectamente coreografiado.

Aby Warburg (1866-1929) fue uno de los intelectuales e historiadores del arte más influyentes de su tiempo, y el principal responsable de sentar las bases del estudio de la iconografía. El carácter revolucionario de su obra y de su metodología de trabajo no solo lo siguen manteniendo como referente en el campo de la historiografía artística, sino que lo hacen extremadamente interesante desde una perspectiva psicoanalítica. ¿Tuvo para Warburg la elaboración de su trabajo intelectual una función de tratamiento psicológico para manipular su malestar e, incluso, encontrar una solución? En este ensayo a caballo entre el arte y el psicoanálisis lacaniano, Rosa Vázquez Santos analiza la producción del historiador para demostrar que también desempeñó con éxito la función de obra-síntoma, en especial en su Atlas Mnemosyne, una colección en la que pudo despojarse de la palabra mediante las imágenes.

«Es extraño, pero tal vez sabe leer los corazones.» Las circunstancias han entrelazado el destino de cinco desconocidos que se ganan la vida como troupe de un espectáculo de fenómenos. Este grupo de artistas desfigurados vive como si fuera una familia en un pequeño bote, mientras recorren el país actuando de ciudad en ciudad. Llevados por la esperanza de un golpe de suerte, emprenden un viaje en busca del 'kudan', una mítica criatura cuya aparición predice la tragedia. En 2014 'La barca de los cinco colores' ganó el Gran Premio del Japan Media Arts Festival en la categoría de manga, y en 2015 fue nominada al Premio Osamu Tezuka.

El miembro fantasma es la amputación que permanece como dolor y como presencia. ¿Se trata de un dolor imaginario? No, es real. Los personajes de estos cuentos cargan con lo perdido. Dolores que quedan enquistados, latiendo sordamente en el ámbito más íntimo; que permanecen alojados en la memoria de las familias, los amantes, las amistades; que se inscriben en la historia de una nación herida. En ese universo, las adicciones, las huidas o los desapegos son la anestesia para lo que no se puede soportar o borrar: porque algunos fantasmas no se ven, deambulan dentro de nosotros.

Una historia sobre la dificultad de hacerse un lugar cuando no se nace con uno. Desde que ganó un concurso de dibujo en segundo de primaria, Anna ha sabido que tener un talento es también cargar con una promesa: la de no decepcionar. Ese primer premio, un maletín de rotuladores, se convirtió súbitamente en la obligación autoimpuesta de pintar siempre mejor, de superar aquel listón. Por eso, cuando, ya treintañera, le ofrecen una oportunidad que podría catalizar su carrera como artista plástica, algo dentro de ella se rompe.La llamada de Maria Manzoni, la galerista más importante del país y figura de gran relevancia en el coleccionismo privado de arte contemporáneo, desencadena una profunda crisis creativa y existencial. Anna se enfrenta entonces no solo a la presión del mercado, sino al recuerdo de una infancia atravesada por el rechazo y la culpa, a una amistad fundacional que se resquebraja y a la sospecha de que tal vez haya traicionado algo importante por el camino.La boca llena de trigo es la historia de una niña prodigio convertida ahora en una mujer atrapada en un lienzo en blanco. Una historia sobre el azar, sobre la tensión entre libertad y obediencia, sobre el deseo de ser honesta con lo que una es y con lo que arrastra. Una reflexión en torno a la autoexigencia, la impostura y la precariedad emocional y económica que debe afrontar quien trata de abrirse paso en un mundo todavía anclado a la ficción de la meritocracia.Con una escritura plástica, irónica y afilada, Mayte Gómez Molina debuta en la narrativa de la mano de una novela profundamente íntima en la que el vértigo de ser vista y el miedo a no estar a la altura se convierten en una apuesta radical por el cuidado, a una misma y a los demás, como forma de resistencia. Una novela en la que el arte no es un tema, sino una herida: lo que duele, lo que salva, lo que nos une.

Tras quedar huérfano de madre, Moisés vive con su padre y su hermana Luzia en Tapera do Paraguaçu, una aldea cuyas tierras son propiedad de la Iglesia, que posee allí un monasterio desde el siglo xvii. Todos los hermanos se han marchado en busca de una vida mejor, pero Luzia se ve obligada a quedarse para cuidar de su padre y del niño. A pesar de cargar con el estigma de unos presuntos poderes sobrenaturales, lleva una vida de profundo sentir religioso, trabajando como lavandera del monasterio y educando rigurosamente a Moisés con el objetivo de matricularlo en el colegio de los curas y garantizarle la educación que ninguno de ellos pudo tener. Sin embargo, la vida en este colegio marcará al niño de tal manera que acabará abandonando su hogar inesperadamente. Varios años después, tras un grave suceso que sirve de pretexto para que toda la familia se reúna, Moisés se reencuentra con Luzia, una Luzia arrepentida de sus silencios y herida por las mentiras, pero también combativa, que lucha como nunca contra las injusticias y por la posesión de la tierra de sus antepasados.

En lo pequeño y lo insignificante: ahí es donde se esconde la vida, ahí es donde construye su nido. Nuestro narrador padece un extraño síndrome: sufre de empatía patológica, es capaz de adentrarse sin permiso en los recuerdos de los demás. Así, viaja de un recuerdo a otro, desde una feria rural búlgara en 1925 —donde conoce a un minotauro— hasta el interior de la mente de una babosa que es devorada por su propio abuelo. A partir de esa materia insólita, Gueorgui Gospodínov construye en Física de la tristeza un prodigioso laberinto donde la memoria personal se funde con la historia colectiva. En parte relato de madurez, en parte crónica familiar y en parte reflexión sobre la vida en la Europa del siglo XX, la novela salta de época en época y de identidad en identidad, trazando un mapa de pérdidas, migraciones y nostalgias. Física de la tristeza es un raro artefacto literario —a la vez íntimo y panorámico— que redefine la novela como museo de voces. Esta nueva edición celebra la energía polifónica de un texto que confirma a Gospodínov como una de las voces más singulares e imprescindibles de la narrativa europea. Una novela-laberinto sobre la memoria, la melancolía y el asombro. CRÍTICA «Imposible dejar de leerlo.» —The New York Times «Sobre la desintegración, los finales y la futilidad de la vida cotidiana.» —Al Majalla «Gospodinov ha conseguido capturar la más profunda esencia de la tristeza.» —Andrés Seoane,El Cultural «Absolutamente original.» —Alberto Manguel «La de Gospodínov es la literatura más exquisita sobre nuestra percepción del paso del tiempo, escrita con un estilo magistral y totalmente imprevisible..» —Olga Tokarczuk «Un humorista de la desesperaciónque se aleja de las tierras de lo convencional.» —Neue Zürcher Zeitung «Gospodínov entiende sus obras como un arca de Noé en la que conviven en armonía “especies” distintas, llámense absurdo, fábula, lo onírico, lo poético, lo cotidiano o lo metaliterario.» —Marta Rebón, La Lectura «Es uno de los narradores más fascinantes e insustituibles de Europa.» —Dave Eggers

Daniel, psicoanalista argentino de mediana edad, vive exiliado en París desde el golpe de Estado de Videla. De espaldas a su pasado y sin haber regresado nunca a su país natal, su vida transcurre sin sobresaltos, aunque con una cierta apatía… hasta que una llamada inesperada lo cambia todo. El Banco Nacional de Datos Genéticos de Argentina ha registrado un positivo. Pero lo que ha encontrado no es a su hermana «desaparecida»: es a su hija. Sin embargo, Daniel no ha tenido hijos con ninguna de sus compañeras de vida. ¿Se trata, pues, de un error del mejor Departamento Forense del mundo? Así empieza esta historia sobre el pasado reciente de Argentina, los crímenes de la dictadura y la represión de toda una generación de jóvenes idealistas que quisieron cambiar su país. Daniel deberá enfrentarse con aquello de lo que ha estado huyendo, ya sea su pasado o su identidad, en un país que todavía conserva tantas heridas abiertas.

T.E.D. Klein (Nueva York, 1947) fue de niño un ávido lector de revistas pulp y, ya en la adolescencia, descubrió la obra de Lovecraft y cayó totalmente hechizado por su mundo fantástico y terrible. En los primeros ochenta fue editor jefe de Rod Sherling’s Twilight Zone Magazine y en 1984 publicó su primera y única novela, The Ceremonies, que fue recibida con auténtico entusiasmo por críticos, aficionados y colegas como Stephen King o Ramsey Campbell. Klein se convirtió entonces en un autor de culto, a pesar de que su estilo y temáticas, influido por autores como Machen o M.R. James, iban a contracorriente de las tendencias imperantes del género. En 2012 fue galardonado con el premio Grand Master de la World Horror Convention a toda su carrera. El presente volumen reúne las dos únicas colecciones de relatos publicadas por Klein hasta la fecha: Dioses oscuros (1985) e Historias reconfortantes (2006). Relatos como “Hijos del Reino”, una narración en primera persona con guiños a los Mitos de Cthulhu, “Petey”, que transcurre durante una fiesta en una casa de campo rodeada por un bosque que oculta un secreto insospechado, “Los incidentes en la granja Poroth”, en la que un profesor que se retira al campo para escribir siente cómo su sosiego se ve alterado con una serie de episodios cada vez más inquietantes, o “El fin de Nat Crumley”, un relato ingenioso y retorcido en torno a la figura del doble y del asesino en serie psicópata convertido en estrella mediática, son historias que proponen un retorno a los miedos y terrores cósmicos, arcanos y esotéricos de Lovecraft y Machen pero rehuyendo los tópicos argumentales y efectismos del género.

Hugo Mujica nació en Buenos Aires en 1942. Estudió Bellas Artes, Filosofía, Antropología y Teología. Después de dedicarse al arte en el Nueva York de los años 60, hizo voto de silencio y empezó a escribir poesía en un Monasterio de la orden trapense. Hoy es uno de los poetas más importantes de la literatura argentina. «Hugo Mujica, uno de los maestros de la poesía contemporánea, entrega aquí un nuevo libro esencial. Su título largo, hecho de diez palabras, es puro lenguaje en movimiento. Suena directamente a vida la partitura anotada en estas páginas. El poeta pone ante nuestros ojos (y en nuestras manos) una totalidad, la del mundo, que se nos hace gratamente breve. Atiende a lo pequeño, porque está más cerca de lo invisible. Nos cura de muchas dualidades dolorosas, haciendo que seamos “la carne que / algunos llamamos / alma”. Es esta una poesía para dejar de estar solo, para andar descalzo y para resolver lo que la lógica da por irresoluble. Hugo Mujica podría ser minoritario en una época como la nuestra, pero ha hecho el milagro de llegar al gran público literario. Muchas personas seguirán viviendo poéticamente —es decir, viviendo mejor— gracias a él». Juan Antonio González Iglesias

Leonor Pataki (Oaxaca, 1995), es artista transdisciplinaria. Su obra plástica se ha exhibido, entre otros espacios, en el Museo de Arte de Querétaro y en el Festival Internacional Cervantino. Actualmente es directora de proyectos de LibrodeArena, coordinando anualmente el desarrollo y la edición fílmica de un Coloquio de Semiología Cultural. Este libro, su primera obra publicada, ha obtenido en 2025 el Premio Loewe de Poesía a la Creación Joven. «Todos los miembros de la cofradía de los amantes de los gatos, se sentirán identificados en cada línea de este libro. Si para los mortales existe un amor que es causa de la dicha y la desdicha, si de los dioses existe el amor de la gracia y para ellos el amor exaltado de la devoción, Leonor Pataki nos revela que en los gatos reside una devoción sin deuda, un amor sin servidumbre, una gracia ineluctable y una liturgia del sigilo. Nos invita a descifrar un paseo existencial, encriptado en el lomo de su felino, maestro de la autonomía. Una madeja de estambre es también un tributo a lo literario femenino. En la voz de la poeta, se despliegan las voces solitarias de las muchas mujeres de nuestro tiempo y de las mujeres inmemoriales, pero sobre todo, de las que han construido una mística relación con su gato, de las que escriben, de las que existen en la ciencia amorosa de la gatología». Francisco de Paula Nieto

Guglielmo Foffani se adentra en una profunda meditación sobre la naturaleza de la realidad y la conciencia, trascendiendo las fronteras científicas y filosóficas para sumergirse en la fenomenología de los sueños lúcidos. La obra invierte la pregunta tradicional: la cuestión crucial no es por qué soñamos, sino por qué el ser humano retorna a la vigilia, haciéndonos tambalear ante la validez ontológica de ambos estados. La estructura narrativa de la obra proviene del registro detallado del diario de sueños lúcidos del autor a lo largo de un periodo de ocho años (2013-2020). Central en la obra es la confrontación con el clásico «argumento del sueño» de Platón y Descartes, que postula la imposibilidad de distinguir con certeza el sueño de la vigilia, así como la búsqueda del «yo» en el encuentro con el «no ser» de Parménides o la exploración cuasifreudiana del sexo onírico. El autor integra, además, los conceptos neurobiológicos, los arquetipos junguianos y la mitología clásica (Eros y Psique), confiriendo a la experiencia lúcida un matiz iniciático y revelador.

Nevermind es la emotiva novela gráfica con la que Tuono Pettinato rindió homenaje a Kurt Cobain, el alma atormentada detrás del fenómeno Nirvana. Lejos del mito de la estrella del rock, esta historia nos lleva a los orígenes del músico: un niño imaginativo y entusiasta, cuya vida cambió para siempre tras la separación de sus padres. Con sensibilidad y una buena dosis de ironía, la obra retrata la fragilidad, la rabia y el brillo efímero de quien -a su pesar- se convirtió en la voz de toda una generación. Un retrato íntimo y diferente del gran icono del grunge.

Greta García (Solo quería bailar, 11.000 ejemplares vendidos) vuelve con su humor mordaz y mucho que decir sobre el trauma padre-hija en este libro ilustrado. Mi padre dibuja. Yo escribo. Él lleva años en horizontal. Sin salir de casa. De pronto se me ocurre que podríamos hacer un libro. Decido que se llame Muere, papá, como si se tratara de un juego. Fantaseo con su muerte. Si escribo sobre sus miedos, quizá los exorcize, me digo. Así, mi padre resurgirá del viscolátex con una columna vertebral espigada y unos abdominales nuevos, con actitud zen y una luz emanando por los poros, cual figura santa. Pero pasan los días y dudo. ¿Y si he invocado lo contrario? ¿Y si de tanto recrearme lo he matado? Sería de un morbo repugnante. Pornografía familiar. Hay gente que no sabe hasta dónde es mi persona y hasta dónde el personaje. El problema es que yo tampoco lo sé. Greta García, autora de la novela Solo quería bailar, vuelve incisiva y mordaz con este libro ilustrado por su padre, el artista José Toro, en el que se adentra en las tinieblas de la familia. «Un padre singular. Una hija que escribe sin filtros. Un libro que mezcla humor, traumas existenciales, amor filial y memes internos. Muere, papá es autoficción experimental con una voz propia, descarada, estrafalaria y tierna a la vez, acompañada por ilustraciones del propio padre. Vorágine doméstica convertida en ARTE». —Joaquín Reyes «Greta García vuelve siendo más ella, más multidimensional, compleja, juguetona, ácida, irónica y profunda. Nos invita a jugar con la idea preconcebida de las jerarquías de poder con ese lenguaje tan suyo que atrapa porque es verdadero». —Brenda Navarro «Nunca el trauma padre-hija fue más divertido». —Kiko Amat «Esto es lo que pasa cuando un padre dibuja y una hija escribe con un humor más negro que mi corazón. Un libro que se bebe». —Violeta Niebla

*En la longlist del International Booker Prize 2026 por su edición en inglés* *National Book Award a mejor obra traducida 2025* *Premio Sor Juana Inés de la Cruz 2024* *Premio Fundación Medifé Filba 2024* *Premio Ciutat de Barcelona 2023* EN LA LISTA DE LOS MEJORES LIBROS DEL AÑO SEGÚN BABELIA Abordaje lírico e irreverente del personaje histórico de la Monja Alférez, que nació en España como niña en 1592 y se sumó travestida como varón a la Conquista de América. «Tan aguda, tan urgente, tan valiente. Gabriela Cabezón Cámara es una de las voces más auténticas escribiendo en español en este momento, y de todos sus talentos hay uno cada día más difícil: no solo hurga y desafía, no solo se anima a la oscuridad, sino que entrega a cambio la subversiva valentía de pensarnos más humanos, más vivos y luminosos que nunca». Samanta Schweblin Para cumplirle a su Virgen del naranjel —lo ha salvado de la horca— Antonio huye con dos niñas famélicas. En la selva, tan viva como un animal hecho de muchos, comienza una carta a su tía, priora del convento del que escapó siendo novicia. Arriero, tendero, soldado, grumete y paje, ha empuñado la espada y hundido la daga. Ahora debe cuidar de una manada y de Michi y Mitãkuña, que lo interrumpen una y otra vez con sus preguntas difíciles. La autora encuentra en Catalina de Erauso, la legendaria Monja Alférez, quien narre la cruel destrucción de América y le permita avanzar contra los géneros. Donde la avaricia colonial destruye, esta novela monumental funda una nueva gramática amorosa en la que el cine de Miyazaki, los rezos en latín, las canciones en vasco y las palabras del guaraní rompen la métrica del Siglo de Oro.Reseñas: «Las niñas del naranjel es una lectura exigente, hay crueldad, sexo y sangre, retuerce el lenguaje y la tradición y ahonda en el sentimiento de soledad del ser humano, además de explorar temas como el género o la colonización de América. [...]. Cabezón Cámara ha escrito una crónica de Indias desde el futuro». Aloma Rodríguez, El Mundo«Las niñas del naranjel es, sin embargo, una novela de una enorme belleza, tanto que en algunos momentos pensé que habría que poner fragmentos en un marco y colgarlos en alguna sala de arte». Patricia Kolesnicov, Infobae «Es una de las más interesantes voces de la literatura argentina actual. Con su nueva novela, Las niñas del naranjel, Gabriela Cabezón Cámera demuestra su calidad como narradora con una historia inspirada en la aventura de Catalina de Erauso, la conocida como Monja Alférez, uno de los pocos personajes femeninos que dio el Siglo de Oro». Víctor Fernández, La Razón «La escritura de Gabriela Cabezón es única en la lengua española: un latido intrépido que nos cimbra y nos desarma ante el poder mudo, a la vez tremendo e inocente, de la selva y las criaturas que retrata». Fernanda Melchor«La poética cautivante de Cabezón Cámara nos demuestra cómo experimentar con la historia puede ser a la vez mágico y áspero». The New York Times «La escritura queer en su momento más emocionante». The Times Literary Supplement