En su esperado regreso, Joe Sacco nos ofrece una obra maestra del periodismo gráfico sobre los pueblos indígenas de Norteamérica, la explotación de recursos naturales y nuestra deuda con la tierra Del autor de Notas al pie de Gaza UNA DE LAS 35 MEJORES NOVELAS GRÁFICAS SEGÚN ESQUIRE, ENTRE LOS 30 MEJORES LIBROS DE HISTORIA DE 2020 SEGÚN EL MUNDO Y UNO DE LOS CÓMICS ESENCIALES DE 2020 SEGÚN EL PERIÓDICO «Una obra maestra de un gran artista. Un libro imprescindible que utiliza el arte para denunciar la barbarie.» Jesús Jiménez, RTVE Los denes han vivido en el valle del río Mackenzie desde tiempos inmemoriales. La tierra es el elemento central de su modo de vida y creen, como muchas otras culturas nativas, que son ellos los que pertenecen a la tierra y no al revés. Pero los territorios del noroeste de Canadá también albergan importantes recursos minerales: petróleo, gas y diamantes. Con la minería llegaron las inversiones y el trabajo, pero también la tala de bosques, el fracking, los vertidos tóxicos y los oleoductos. Todo ello afectó al paisaje, así como también los modos de vida tradicional fueron deformados por un sistema educativo pernicioso, por un gobierno que se arrogó la propiedad de la tierra, por los estragos del alcohol y las deudas bancarias. Ambientado en un escenario natural tan vasto y sublime que empequeñece la escala humana, Un tributo a la tierrada voz a una galería inédita de personajes: tramperos, jefes indígenas, activistas, sacerdotes... para narrar una historia fascinante sobre el dinero, su dependencia, la extinción de una cultura y la lucha por la supervivencia.La crítica ha dicho... «Un tipo único en el cómic, capaz como pocos de hibridar la crónica periodística con la historieta sin restarle un ápice de verdad.» Juan Losa, Público «Sacco es una figura esencial, [...] un autor que siempre se moja y que no es objetivo, pero sí honesto [...] y que cuyo compromiso no evita que su métodosea riguroso y esté unido a la verdad y a los hechos. [...] Un libro maravilloso.» Gerardo Vilches, El ojo crítico (RNE) «Una obra tan acongojante como necesaria.» José Martínez Ros, Mondosonoro «Como un Brueghel de ahora mismo, Sacco dibuja los trabajos y los saberes de la gente común, las aventuras, las desgracias, las borracheras, las celebraciones colectivas.» Antonio Muñoz Molina, Babelia «Posiblemente, el mejor periodista-dibujante del planeta. [Este libro es] una vuelta a esos grandes reportajes de revista semanal, un documental sin prisas. [...] Un tebeo monumental.» Rubén Santamarta, La Voz de Galicia«A veces, para descubrir la verdad hay que excavar mucho. Lo sabe bien Joe Sacco que se aventuró cientos de metros bajo tierra. [...] Su obra más importante.» Tommaso Koch, El País «Sacco hace con sus dibujos y álbumes lo mismo que otros periodistas con sus reportajes escritos o fotográficos. Pionero de un género raro e innovador, explorador en primera línea de conflictos, [...] construye una ambiciosa obra con la que rompe diez años de silencio editorial.» Miguel Lorenci, La Voz de Galicia«El mayor exponente del cómic periodístico [...] regresa y logra que el lector se bañe en una atmósfera, a través de un montón de imágenes.» Fernando Díaz de Quijano, El Cultural «Una verdadera proeza, este es un libro iluminador.» The New York Times Book Review «La maestría de Sacco es innegable y su rigor, perpetuo. Aquí lodemuestra de manera apabullante, en su gran regreso al trabajo de campo tras varios libros realizados en el estudio.» Le Monde «El heredero de Robert Crumb y Art Spiegelman.» The Economist

Una aguda reflexión sobre el fenómeno social en el que se ha convertido la cultura del skincare. La cara se ha convertido en una superficie de control, en la prueba del tiempo... o de su negación. Este no es un ensayo sobre cremas ni rituales de bienestar, sino sobre lo que ocurre cuando nos miramos al espejo con una nueva arruga y un pensamiento intrusivo que también es nuevo. Sobre el gesto íntimo y cotidiano de aplicar una crema en el rostro por la mañana mientras nuestras hijas toman nota. Sobre la sospecha de que el nuevo imperativo es tener un cuerpo delgado y una piel perfecta.Este libro nace de un conflicto genuino: el deseo de verse bien y el temor de estar participando en la perpetuación de un sistema que no elegimos.

Un insectario que funciona como un espejo del alma humana. En Vida insecta, los poemas indagan en una relación que mantenemos con lo diminuto, con aquello que bate y horada el silencio de lo doméstico. Aunque todos parecemos estar a la altura de algo extraordinario que transforme nuestra existencia, lo cierto es que nuestra vida no es tan distinta de la de los insectos. Está hecha de repeticiones, rutinas y aburridas tareas. También de gestos en apariencia insignificantes que, sin embargo, nos sostienen y nos ofrecen una precaria sensación de seguridad. Para explorar esa condición, la autora se vale de un lenguaje capaz de protegernos frente a lo incontrolable y de ayudarnos a habitarlo sin quedarnos sin palabras.El libro se levanta sobre un diálogo de umbrales: por un lado, la invocación de William Blake, que cuestiona la hegemonía de lo humano –«¿No soy yo / una mosca como tú?» –; por otro, la advertencia de Alejandra Pizarnik sobre la espera, que siempre lleva implícita una silenciosa transformación interior. A partir de ahí, la poeta despliega una entomología de los afectos en la que el miedo «incuba huevos en el cerebro» y el dolor se posa como «polvo fino de mariposa».Desde la mujer polilla que emerge en busca de sus partes desmembradas hasta la tiranía de la república de las obreras, se revela una naturaleza que nos recuerda que «tocar es siempre ser tocado». Al final, queda el «largo proceso» de descomposición larvada en la raíz, un territorio donde la palabra –«la muerte de la mosca»– intenta suspender el tiempo antes de que irrumpan «las bestias carniceras de la noche».En este ecosistema que zumba, repta y aletea, Cristina Sánchez-Andrade difumina los límites entre refugio estético e intemperie. Vida insecta no es solo un libro de poemas, es en sí mismo, una metamorfosis.

La secuela de Trainspotting treinta años después de su publicación. ¿Los echabas de menos? Hablamos de Renton, Spud, Begbie y Sick Boy, los protagonistas de Trainspotting, la novela que lanzó al estrellato a Irvine Welsh y que se convirtió en un fenómeno literario y cinematográfico. Hombres enamorados retoma al cuarteto justo donde los dejó Trainspotting, después de aquella compraventa de heroína que acabó en trifulca y con cuyo dinero Renton se da a la fuga y deja al resto con un palmo de narices.Estamos a finales de la década de los ochenta del pasado siglo, años terminales del gobierno Thatcher y de transición del punk al dance. Con el dinero sustraído a sus compinches, Renton se instala en Ámsterdam, donde se adentrará en un submundo de clubes de más que dudosa reputación y frecuentará a personajes peligrosos; Sick Boy se ha quedado en Londres, donde intenta desengancharse y donde conoce a Amanda, una pija, hija de un político, que lo introducirá en un entorno social muy distinto; la vida de Begbie transcurre entre la cárcel y Leith, el maldito barrio del que no logra salir; hasta allí ha vuelto también Spud, que se enamora de Ali, una chica con más afición a los opiáceos que al sexo… Ahí van Renton, Spud, Begbie y Sick Boy tratando de convertirse en hombres de provecho… o algo parecido.Irvine Welsh regresa al lugar del crimen, retoma sus protagonistas más queridos y nos ofrece una nueva muestra de su inmenso talento para la narración trepidante, el lenguaje callejero y la construcción de unos personajes desnortados y repletos de flaquezas que forman parte ya de las vidas de muchos lectores.Hombres enamorados es una novela sobre el complicado arte de madurar y manejar los sentimientos, sobre las dificultades de dejar atrás los años salvajes y buscar un norte en tu vida. Todo ello sin dejar atrás, tratándose de una novela de Irvine Welsh, sexo, visceralidad y desenfrenos varios.

Kafka y sus traductores: un fascinante fresco de historia literaria del siglo XX. ¿Qué ocurre con la obra de un escritor cuando se traduce? ¿Y qué sucede cuando ese escritor se llama Franz Kafka? Desde mediados de los años veinte, un puñado de autores dieron nueva vida a sus obras fuera del idioma y el lugar en los que fueron concebidas, salvándolas del olvido al que pretendían condenarlas las autoridades soviéticas y nazis.Bruno Schulz lo tradujo al polaco antes de ser asesinado de un tiro por un miembro de la Gestapo, Milena Jesenská lo vertió con precisión al checo antes de ser deportada, y Jorge Luis Borges, al español, antes de perder la vista. Paul Celan y Primo Levi lo tradujeron, al rumano y al italiano, a la luz de su paso por los campos de concentración. Sus traductores rusos trabajaron en la clandestinidad. Y en cuanto al poeta Melech Ravitch, lo trasladó al yidis para un público prácticamente desaparecido tras la guerra.Con una prosa clara y poética, atravesada por un sutil sentido del humor, Maïa Hruska explora la traducción no como un ejercicio de fidelidad, sino como una experiencia transformadora: una relación amorosa, un laberinto, una criatura viva. Galardonado con el Premio François Billetdoux, el Transfuge al mejor ensayo, el Premio Malraux de ensayo sobre arte y el Gran Premio de la Crítica Literaria del PEN Club francés, este estudio vivo y erudito nos embarca en un viaje por los grandes nombres de la literatura europea y los episodios más oscuros del siglo XX, con Kafka, siempre, como punto de partida y de retorno.

«Vonnegut es uno de los mejores escritores norteamericanos del siglo XX». JONATHAN FRANZEN «Vonnegut es un escritor imprescindible. Si aún no lo has leído, ahora es el momento». MARGARET ATWOOD En Madre Noche —la novela que Vonnegut consideraba una de sus más logradas— seguimos la historia de Howard W. Campbell Jr., un dramaturgo estadounidense que vive en la Alemania nazi, un hombre cuya vida entera depende de una distinción imposible: ¿es culpable por lo que hizo, o por lo que permitió que los demás creyeran que hacía? Campbell es, a la vez, propagandista nazi y espía estadounidense, traidor y patriota, monstruo y víctima. Un hombre atrapado en el papel que interpretó durante la guerra, condenado a vivir dentro del personaje que creó para sobrevivir. Madre Noche plantea preguntas que hoy resuenan más que nunca: ¿somos dueños de nuestra identidad o estamos hechos de las ficciones que fabricamos para encajar?, ¿qué responsabilidad tiene quien difunde mensajes tóxicos «en broma», «por trabajo» o «por no meterse en líos»?, ¿qué significa ser inocente en un mundo construido sobre máscaras? A medio camino entre la sátira amarga, el thriller moral y el teatro de la conciencia contemporánea, esta novela es una de las piezas más inquietantes y vigentes del autor.

En Las locas que no lo eran Carmen V. Valiña se sumerge en el archivo del Manicomio de Conxo para encontrarse en él con la subversión y la rebeldía de madres solteras, de alcohólicas o de esposas que deseaban divorciarse. Muchas de esas mujeres no tenían en realidad ningún trastorno mental. La ruptura con lo que se esperaba de ellas fue la causa de su reclusión. Las cartas y los informes familiares permiten a la autora recuperar las palabras, las subjetividades y las emociones de esas «locas», sus vidas más allá de los testimonios médicos. Porque estas mujeres, aunque analfabetas en su inmensa mayoría, encerradas tan lejos de sus pueblos y aldeas, fueron al mismo tiempo poderosas y valientes: se las arreglaron, incluso dentro de las paredes de un manicomio, para que sus testimonios llegasen hasta nosotras. Escucharlas es un ejercicio de justicia histórica.

Once relatos autobiográficos que se adentran en los territorios más íntimos para cuestionar los mitos que solemos dar por intocables. En esta colección de once narraciones autobiográficas escritas entre 2011 y 2025, Margarita García Robayo se adentra en los territorios más íntimos para cuestionar los mitos que solemos dar por intocables –padre, madre, familia, hogar, intimidad, pareja, sexo– y mostrar las grietas donde se levanta una vida. Con una franqueza conmovedora y un humor irónico, nos revela la autopsia de su yo interior imperfecto y, sin embargo, trágicamente universal.Las piezas recorren el amor y el enamoramiento, las obsesiones, la amistad y el deseo. También las contradicciones de la maternidad y las frustraciones que se arrastran con ella, las mudanzas que reconfiguran el mapa personal. La relación con los hombres mayores se enreda con la sombra del padre, mientras las crisis mentales de su madre se observan desde la cotidianidad, casi como un paisaje doméstico.«El epígrafe de todos mis textos podría ser: antes de escribirla, esta idea era mejor.» Las dos narraciones inéditas –«¿Qué tienes en la cabeza? La búsqueda de sentido en la escritura» y «Casa llena»– exploran la escritura como forma de resistencia frente a las ficciones con las que tratamos de hacernos un lugar en el mundo.El de García Robayo es un testamento de pensamientos que, como señala Leila Guerriero en el prólogo, «no fulgura en las majestuosas cúpulas de lo grandilocuente, sino en los pequeños infiernos y paraísos que se esconden en el cada día».

Modiano en estado puro: un baile a través de la memoria y el tiempo perdido. Un parisino se topa con un viejo conocido que, de entrada, niega ser quien es. El fugaz reencuentro despierta en él la evocación de una ciudad ya extinguida: el París de su juventud, habitado por personajes de pasado difuso, con ecos de violencia, exilio y culpa. Aquellos supervivientes, a la fuerza marginales y misteriosos, asoman en su cabeza cincuenta años después «igual que suben los ahogados a la superficie del Sena».De entre todos ellos, se impone el recuerdo de una bailarina que, como en una caja de música, gira sin cesar al ritmo de una memoria fragmentada. Ella y su hijo Pierre se convierten en el eje de una búsqueda retrospectiva y melancólica de su propia identidad, de sus «comienzos en la vida»: un periodo evocado entre brumas, hecho de clubes nocturnos y habitaciones estrechas, de pasiones clandestinas e inquietantes reapariciones.En La bailarina, Patrick Modiano rompe la línea cronológica para acoger las visiones tal como llegan, aunque haya que «andar con pies de plomo para burlar el desorden y las trampas de la memoria». Entregado a la invocación del pasado, su narrador se erige en testigo silencioso y, como es habitual en su literatura, reconstruye aquel París oscuro y frío, poblado de personajes de sombra alargada que transmiten un estado de alerta constante: una tensión que subyace bajo la belleza lírica característica del autor, y que redefine el género negro. Y es que tras el enigma que aquí se resuelve no hay tanto un crimen como una pregunta: cómo aceptar las cicatrices, cómo mudar de piel y aprender a vivir en un presente eterno. Un Modiano concentrado y fulgurante, que deja emerger de entre la niebla brillos de una luminosidad imprevista.

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Camila comprende, desde muy temprano, que la identidad que el mundo le asigna no coincide con la que ella siente como propia. Al trasladarse a Córdoba (Argentina) para estudiar, la precariedad la empuja a pasar noches en el parque, donde encuentra a un grupo diverso de mujeres trans que conviven en torno a la casa rosa de la Tía Encarna. Allí se tejen vínculos que permiten sostenerse frente a la violencia policial, el estigma social y la inseguridad económica. En ese entorno, Camila escucha, narra y va hilando su propia historia de tránsito hacia la adultez. Las malas es una novela deslumbrante que convierte la vida de un grupo de travestis en un territorio mítico, feroz y humano. Camila Sosa Villada construye un testimonio íntimo y a la vez cuestionador, que amplía el campo de la narración sobre la identidad y la experiencia trans. Celebrada por la crítica y los lectores, premiada internacionalmente y traducida a numerosas lenguas, Las malas se ha consolidado como un libro imprescindible de la literatura latinoamericana contemporánea. El lenguaje gráfico de Sonia Pulido —su paleta vibrante, los contrastes potentes, los cuerpos grandes y empoderados— amplifica el sentido crítico del texto, al tiempo que subraya la ternura de la comunidad travesti.

Este aleluya conmemora el aniversario de la ley de brujería más antigua de Europa, originaria de los Valles de Àneu, mediante una historia ilustrada en secuencia y versos breves del proceso contra Gabriela Sanci, vecina de Esterri d’Àneu en el siglo XVI. Creada por Luci Gutiérrez —Premio Nacional de Ilustración 2023—, la obra parte de los interrogatorios conservados del tribunal del castell de València d’Àneu para reconstruir uno de los casos mejor documentados de la región. La pieza convierte el expediente judicial en un relato visual intenso y evocador que, a la luz de la sensibilidad contemporánea, permite comprender la violencia que atravesó aquellos procesos en el Pirineo del siglo XVI. Este auca devuelve presencia a mujeres excluidas de la narrativa oficial y propone una mirada crítica a un tiempo en que la justicia se veía condicionada por el miedo, la arbitrariedad y un sistema dispuesto a castigar con la muerte cualquier desviación de lo normado.

La democracia, tan desafiada actualmente, es una de las cosas cuya consolidación y mejora no sabemos exactamente qué nos está requiriendo: ¿indignación ante sus enemigos o serenidad confiada en su resistencia? ¿Son debidos sus males a la incompetencia de los dirigentes o a la estupidez de las masas? ¿Hasta qué punto podemos confiar en quienes aseguran defenderla? La historia de la democracia ha estado siempre acompañada por ese tipo de dilemas, lo cual parece indicarnos mucho acerca de su naturaleza, de ese equilibrio inestable en el que se articulan y renegocian los principios que la caracterizan. En este libro no hablo de su agitada historia sino de su incierto porvenir. Si la democracia es una forma de gobierno abierta al cuestionamiento y la renegociación de lo que se daba por establecido, la reflexión acerca de ella no está menos obligada a revisar sus conceptos, prácticas y previsiones.

Más allá del mito del adolescente genial y el poeta maldito, del enigma de su abandono de la escritura y de Europa, o de su cualidad de clásico moderno, la poesía de Arthur Rimbaud se mantiene viva, ofreciendo inagotables formas de relación entre la palabra y el mundo. En un primer momento, el de las Poesías, el estímulo de los distintos géneros poéticos -desde la sátira sociopolítica a la penetrante observación de la vida y la capacidad de autoanálisis- genera una gama asombrosa de recursos y se funde ya con la madurez. Tras este periodo arrollador y disperso, Rimbaud compone dos libros de poesía en prosa, Una temporada en el infierno e Iluminaciones, ambos de formato perfectamente nuevo, que abren una de las ramas más fecundas de la lírica moderna, la menos codificada, la más abierta aún. En esta Obra reunida, el poeta y crítico Miguel Casado nos ofrece su versión definitiva de toda la poesía de Rimbaud, el resultado de una frecuentación que se remonta a sus años de juventud, pero que se beneficia de una vida de lecturas y de reflexión sobre una obra que no ha perdido, siglo y medio después de su breve aparición, un ápice de su vigencia. El desafío de su Obra reunida sigue siendo la posibilidad de leer a Arthur Rimbaud como un poeta nuevo al que se llega siempre por primera vez.

Uno de los libros más personales de John Berger, y un mosaico conmovedor sobre el poder transformador del arte para captar lo esencial de nuestra existencia y mantener viva la esperanza frente a la injusticia y el olvido.«He viajado por muchos lugares. He vivido mis años. He aquí un libro de encuentros (si omito alguno, esa es otra historia). Cada ensayo se inicia con una imagen que conjura el momento en que se fijó mi encuentro con ella. Algunos considerarán difícil hallar en un mapa los lugares que aquí se glosan; para otros, por el contrario, resultará sencillo. Lugares, por supuesto, que también han sido visitados por más viajeros. Solo tengo la esperanza de que mis lectores los reconozcan en este libro y puedan decir: Yo estuve allí...»Este es, pues, un libro de encuentros, pero también de despedidas, y de la tensión inevitable que media entre esos dos instantes: entre el crítico y el arte, el artista y su tema, su tema y lo desconocido; entre lo invisible y lo visible, la presencia y la ausencia. Entre imágenes, en definitiva, y personas. Pero, sobre todo, se trata de un encuentro entre el autor y quien lo lee, que se descubre inmerso en la elocuencia y la valentía moral que destila la imaginación de John Berger. Ya esté comentando una pintura, una postal o una fotografía, Berger nos envuelve en la fascinación y la riqueza infinita del mundo visual, enfocando a la vez la imagen de la que habla y la constelación de asociaciones que convoca a su alrededor.Anteriormente publicado como Siempre bienvenidos, este conjunto de ensayos de John Berger se presenta ahora por primera vez en castellano en su edición completa.

En el cuarenta aniversario del fallecimiento de la autora, el relanzamiento de uno de los textos más poderosos e influyentes del siglo XX.El segundo sexo revolucionó nuestra manera de pensar la condición femenina y marcó de forma decisiva el desarrollo del feminismo contemporáneo. Este poderoso ensayo nos interpela hoy con una vigencia asombrosa. En él, Simone de Beauvoir combinó filosofía, historia, literatura, sociología y autobiografía para explorar los factores que han contribuido a construir a la mujer como la Otra, definida en relación con el sujeto masculino y situada entre lo que se ha presentado como "naturaleza femenina" y las exigencias de una sociedad patriarcal. Fiel a su célebre afirmación "no se nace mujer, se llega a serlo", Beauvoir mostró hasta qué punto la feminidad es una construcción cultural. Frente a ese destino impuesto, reivindicó la libertad, la responsabilidad y la capacidad de las mujeres para definirse por sí mismas. Más de siete décadas después, la obra de Simone de Beauvoir ha trascendido lo literario y filosófico para influir en algunos de los más importantes movimientos sociales y políticos, y sigue siendo una referencia ineludible para quienes se niegan a aceptar la desigualdad como un hecho "natural".

La biografía de Miguel de Unamuno, su novela personal, su drama vital del que es dramaturgo, ocupa un lugar prominente en la historia contemporánea sociocultural y política de España. Aspira el espíritu regenerador de la Institución Libre de Enseñanza y de la Generación del 98 y lo difunde a lo largo de toda su vida a través de la palabra hablada de su docencia universitaria y de la palabra escrita de su prolífica obra literaria que es tan autobiográfica. El libro se adentra en las «hondas entrañas» de su existencia, en su lucha agónica entre la razón y la fe, entre el corazón y la cabeza, entre el alma y el cuerpo, en el sentimiento trágico de la vida, la angustia existencial, la nostalgia de la edad bendita de la niñez, la «locura de no morir» y el «ansia loca de inmortalidad», la fantasía delirante de haber recibido la llamada divina que lo hace apóstol evangelizador e instrumento de la divinidad con la misión de renovar España y salvar la civilización cristiana occidental. Por qué se adhiere al golpe militar de julio de 1936 es una pregunta inquietante que el libro trata de responder. Después de haber proclamado, ante el horror de devastación y muerte de la guerra en un mar «que azotan las galernas», que «vencer no es convencer», y de haber oído los gritos militares amenazantes que decían «muera la inteligencia» y «viva la muerte», entra en un tiempo final de «horas vacías», de desolación, de tristeza y desesperación en el que las pérdidas, las derrotas y la impotencia lo abocan a la melancolía, «encadenado a la desgana». El libro alude al reciente debate en torno a su muerte y establece que Unamuno muere de melancolía como su héroe don Quijote.

Tres obras imprescindibles para entender a uno de los dramaturgos españoles más relevantes de hoy.Alberto Conejero (Jaén, 1978) es una de las figuras más relevantes de la dramaturgia española contemporánea, tanto por la excelencia formal como por la profundidad ética y estética de su escritura teatral. Las tres obras que recoge este volumen pretenden dar muestra de su producción hasta la fecha, marcada por unos textos de alta tensión poética y una concepción del teatro como el arte del vínculo amenazado. Así, La piedra oscura trabaja sobre la materia histórica a partir de la figura de Rafael Rodríguez Rapún, que fue secretario de La Barraca y el gran amor de Federico García Lorca; Ushuaia indaga entre los pliegues más terribles del pasado europeo y la ocultación de sus crímenes en América del Sur, y En mitad de tanto fuego presta voz al deseo de Patroclo por Aquiles, tantas veces silenciado por el clamor bélico. Tres miradas muy diferentes al pasado para hablar de las luces y sombras de nuestro presente.

'Titanes del bochorno. Tomo 1: Política nacional' es el retrato sin filtros de la fauna política que llevamos décadas viendo en portada, en ruedas de prensa y en cada tertulia imaginable. Pedro Vera la observa, la caricaturiza y la desmonta con su humor habitual, ese que no necesita exagerar nada porque la realidad ya viene suficientemente torcida de fábrica. Aquí encontrarás promesas que mutan, gestos solemnes que duran lo que un parpadeo, certezas que se derrumban al tocarlas y egos capaces de eclipsar al sol. También culpa, postureo, contradicciones y un surtido infinito de situaciones que solo pueden existir en la política española. Un libro para mirar de frente y sin anestesia a los titanes que llevan años marcando nuestra vida pública.