En estas páginas, José Esteban reúne el fruto de muchos años de investigación en torno al tan fascinante como desconocido mundo de la bohemia española. En ellas está, y puede rastrearse, esa tribu de melenudos, de hampones, de hambrientos de vida y esperanza, navegantes de la Puerta del Sol, proletarios del arte que quisieron cambiar la vida, y fueron conscientes de su condición de artistas abandonados a su suerte; que condenaron el capitalismo sin alma y el mal gusto burgués. Acta de existencia, por otra parte, de una literatura sumergida, pero literatura, sin catalogar, y sin embargo de una riqueza y una vitalidad sorprendentes, que llevó al profesor Zamora Vicente, uno de sus iniciadores, a pedir una urgente revisión de la historia de la literatura de principios del siglo pasado. Libro de indispensable consulta y primera sistematización de la literatura bohemia, que se lee como un relato novelesco. José Esteban (Sigüenza, Guadalajara, 1937) ha repartido su vocación literaria entre la edición, la investigación, la crítica y la novela. Como escritor ha cultivado numerosos géneros y en el catálogo de Renacimiento y Espuela de Plata pueden encontrarse una buena muestra de sus trabajos con libros como Vituperio (y algún elogio) de la errata (2002), Judas... ¡Hi... de puta! Insultos y animadversión entre españoles (2003), Las mil y una palabras de casa de putas (2005), El epigrama español (2008), La generación del 98 en sus anécdotas (2012), Valle-Inclán y la bohemia (2014) o Los bohemios y sus anécdotas (2015). Su labor como librero y editor de Turner fue fundamental para animar la cultura española durante el postfranquismo y la Transición. Desde entonces ha sido responsable y asesor de un sinfín de ediciones, sobre todo de autores bohemios o finiseculares, y actualmente dirige para esta editorial la colección Biblioteca de Rescate, donde han aparecido ediciones suyas de Isidoro López Lapuya, Ciro Bayo o Manuel Ciges Aparicio.

La Autobiografía de sor Antonia de Jesús se inscribe dentro del subgénero de autobiografías espirituales femeninas de los siglos XVI y XVII, entre los que destaca, por encima del resto, el Libro de la Vida de Santa Teresa de Jesús. En su texto, Antonia de Jesús responde al mandato de escritura de su confesor y relata los sucesos más significativos que le han acontecido a lo largo de su vida, donde poseen especial relevancia acontecimientos como su nacimiento, que ya la predestina a formar parte de una orden religiosa, su profesión en el convento y las distintas experiencias espirituales. Sin embargo, por encima del resto, su conversión moral y religiosa se convierte en el eje central de la autobiografía, que vehicula su vida y da coherencia a todo su relato. El yo femenino encuentra en la producción literaria conventual un espacio en el que poder relatarse y dar cuenta de las experiencias de muchas mujeres que estuvieron limitadas a las paredes del claustro durante el siglo XVII. La autobiografía de sor Antonia, ante todo, se erige como un breve ejemplo de la autorrepresentación espiritual femenina barroca, de la forma de entender la propia identidad a ojos de una monja y de su manera de expresarse a sí misma textualmente. Un testimonio sorprendente sobre la vida espiritual de una monja enclaustrada del siglo XVII. Antonia de Jesús. Poco se sabe acerca de esta monja, más allá de lo que aparece escrito en su autobiografía. Antonia nace en Medellín en 1593, hija de padres cristianos. Estos juran a la Inmaculada Concepción que, si Antonia sobrevive, su hija se dedicará enteramente al estado religioso. A los once años y tras la muerte de su madre en el parto, Antonia entra sin ninguna vocación en el convento de franciscanas concepcionistas de Medellín (Extremadura), echando de menos a su padre y dudando de su validez como monja. Todavía sin vocación, profesa bajo el nombre de Antonia de Jesús y vive unos cuantos años «en pecado», hasta que sufre un proceso de conversión que cambia su forma de ver el mundo y la religión, al más puro estilo agustiniano. Antonia cambia su comportamiento y empieza a vivir de la forma más devota posible, deshaciéndose de tentaciones y cambiando sus hábitos. Por todo ello, su confesor le manda que redacte su autobiografía, donde destacan su infancia, su conversión, las experiencias místicas y las reflexiones interiores sobre el pecado y su lugar en el convento. Muere piadosamente en 1627, a los 34 años, con aura de santidad. Nicolás Mateos Frühbeck es doctor en Literaturas Hispánicas por la Universidad Autónoma de Madrid, en la que también se graduó y cursó sus estudios de máster. Su especialidad es el género autobiográfico de los siglos XVI y XVII, además de las múltiples formas de autorrepresentación literarias de la época. Hace menos de un año publicó su primera monografía, La autobiografía en el Siglo de Oro, en la que realiza uno de los primeros acercamientos panorámicos a dicho género, analizando y clasificando los textos del corpus de acuerdo con sus características principales. Actualmente forma parte del proyecto de investigación «Autoficción y egodocumentos en el Siglo de Oro» (PID2023-146789NB-I00) en la Universidad Autónoma de Madrid.

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Con humor, ternura y una honestidad desarmante, Natza Farré convierte la historia de su familia en el retrato de toda una generación La historia de una familia atravesada por la heroína, contada por quienes tuvieron que vivir a su alrededor Con lucidez, pero también con ironía, ternura y elegancia, Natza Farré disecciona sus vivencias como hermana pequeña de un drogodependiente. Lo hace en primera persona, con un relato honesto y valiente que no esquiva ni edulcora la incomodidad. La suya era una familia de clase media que, como tantas otras, en los años ochenta tuvo que enfrentarse por primera vez con la heroína y todas sus consecuencias. A partir de los recuerdos y de la correspondencia familiar, dibuja una época y traza, al mismo tiempo, un retrato muy personal de una vida llena de pequeñas esperanzas, victorias efímeras y recaídas. Con una precisión brutal, narra el silencio como un pacto colectivo y el peso de la culpa como una prisión emocional. «Natza Farré tiene la habilidad de escribir un drama con un humor que siempre te coge desprevenido. No puedes parar de leer». Marc Giró «Natza Farré se enfrenta a la escritura de este libro con valentía, dirigiendo su mirada crítica donde las demás preferiríamos no tener que mirar. Cuestiona, con esta despedida, instituciones tan sólidas como la familia tradicional, fulminando con la palabra y los recuerdos de la niña que fue un sentimiento de vergüenza que no tendría que haber existido nunca. Natza retrata, retratándose, un pasado que el dolor baña con hipocresía, sin abandonar un afilado sentido del humor y una sensibilidad fuera de lo común que nos descubren belleza en los lugares más insospechados».Paula Bonet «Qué difícil este triple salto mortal hacia atrás y qué éxito su ejecución. […] La autora habla del dolor, del desgaste y del rencor, de su batalla constante entre el odio y el amor, y de cómo esta situación le robó parte de la infancia y la juventud. […] La última escena es una piedra preciosa que dice tantas cosas...». Marta Orriols «El viaje que presenciamos es el de la hermana, que tampoco es épico ni glorioso, sino largo, errático y lleno de contradicciones. No culmina en una conquista exterior, sino en una integración íntima que, paradójicamente, acaba convirtiendo la herida en testimonio». Leticia Asenjo, Ara «Las historias que cuenta –el hermano que se lleva a la niña a comprar droga, los intentos de desintoxicación, la relación con un perro, la escena de la agonía en el despacho del padre fallecido– les resultarán familiares a muchos lectores. Para quienes no las hayan vivido, serán una sacudida». Julià Guillamon, La Vanguardia

Han pasado ocho largos años desde que Samantha Strong, ciudadana ejemplar y osa parda sedienta de sangre, irrumpiera en la ciudad, secuestrara a un simpático patito, descuartizase su cuerpo y enterrase los restos en el bosque. La familia del patito busca, desde entonces, justicia con ahínco aunque sin ningún avance. Sin embargo, casi una década después de que la adorable Samantha Strong se consolidase como la única asesina en serie de Woodbrook, el mundo está entrando en una nueva etapa. Como Samantha pronto descubrirá, no hay secretos en la era de internet y aquellos que perdieron a sus seres queridos en la masacre siguen buscando justicia. Se avecina un ajuste de cuentas en Woodbrook. ¿Habrá hecho bien su trabajo esta encantadora osa? 'Bajo los árboles, donde nadie te ve 2. La consagración de la primavera' es una secuela escrita por el guionista y cineasta Patrick Horvath, ganador del premio Harvey 2025 a la obra del año y nominada al premio Eisner 2024 a la mejor serie nueva por 'Bajo los árboles, donde nadie te ve 1' (Astiberri, 2025), cuya publicación en España lleva tres ediciones en solo un año. Horvath vuelve a demostrar con esta obra una habilidad admirable para acoplar las escenas más macabras con una estética propia de las fábulas infantiles.

Cuenta una leyenda que la invención del ajedrez estuvo ligada a un hecho sangriento. Y a un hecho sangriento conduce la partida que dos maestros comenzaron a jugar de adolescentes. Durante un viaje en tren, un desconocido aborda a Dieter Frisch, industrial de éxito y eminencia internacional del ajedrez, para contarle una historia: la del enigmático Tabori, un viejo jugador judío que décadas atrás, prisionero en el campo de concentración de Bergen-Belsen, se vio obligado a disputar un macabro torneo. Dos días después, Frisch aparece muerto en el laberinto de setos de su mansión. ¿Accidente? ¿Suicidio? ¿La ejecución de una sentencia? Con la tensión de los grandes duelos, La variante Lüneburg es una novela de iniciación, de memoria y de reparación en la que el ajedrez trasciende lo metafórico para convertirse en el único lenguaje posible entre dos antagonistas movidos por una obsesión inagotable. Una pieza de culto de la literatura italiana de finales del siglo XX.

Versalles, 1682. Décadas antes de que nacieran los hermanos Grimm, un grupo de mujeres nobles se reunieron en un salón para narrar cuentos de hadas, transformando maridos violentos, encierros y amantes fugados en Barba Azul, Piel de Asno y el Gato con Botas. Las Hadas Modernas es la novela más irreverente y políticamente afilada de los últimos años: oscura, sensual y deslumbrantemente divertida, con la erudición ligera de quien ha leído a Calvino o a Angela Carter sin perder la sonrisa. París, finales del siglo XVII. Mientras Versalles se desangra en envenenamientos, paranoia y perfumes con los que disimular el hedor de los orinales, en un salón parisino un grupo de mujeres nobles —encabezado por Marie-Catherine d'Aulnoy, recién rehabilitada tras un escándalo, un encarcelamiento y un matrimonio infantil con un barón brutal— se reúne para contar lo que la propia anfitriona acaba de bautizar como contes de fées. Un siglo antes que los hermanos Grimm, son ellas, junto a un Charles Perrault viudo y recién expulsado de la corte, quienes están fundando el cuento de hadas moderno: Caperucita Roja, La Cenicienta, La Bella Durmiente, Rapunzel, brujas y princesas envenenadas que no son sino versiones cifradas de sus propias vidas, marcadas de maridos violentos, encierros, hijas vendidas y amantes que desaparecen. Entre ellas, sin embargo, se ha colado un lobo: alguien que escucha, toma nota y delata, y que amenaza con llevarlas al cadalso una a una. Heredera del espíritu cruel de Angela Carter y emparentada con la Matrix de Lauren Groff, Las hadas modernas es una novela de historias dentro de historias, que rastrea el origen real, mundano y peligrosísimo de los cuentos de los que nos crían, y nos los devuelve crudos, sensuales y cargados de filo político. CRÍTICA «La obra de Pollard ocupa un lugar destacado en el canon de los cuentos de hadas, junto a las de Italo Calvino, Angela Carter, Helen Oyeyemi y Edward Carey.» —The New York Times Book Review «Una aventura deliciosamente picante.» —Publishers Weekly «Pollard evoca con viveza y potencia el tumulto, la pasión y la creatividad de esta época pasada, creando un relato que es a la vez atemporal y de plena actualidad.» —Booklist «Un libro obsceno y brillante, tan oscuro y delicioso como el chocolate oscuro que se sirve en los salones de las Hadas Modernas.» —The Irish Times «Una novela desenfrenada.» —Glamour «Pollard tiene un toque certero, mezcla a la perfección el humor y el asco... Una novela con un encanto desbordante.» —John Self, The Times «Inteligente y resplandeciente, esta hermosa novela se parece tanto a la corte como a los cuentos que describe.» —Kirkus Review

¿Por qué leemos, si no es con la esperanza de revelar la belleza, ensalzar la vida en su plenitud y explorar su misterio más profundo? En La vida en la escritura, Annie Dillard se adentra en el misterio del oficio de escribir para mostrar que el sentido de la creación exige algo más que inspiración: escribir es avanzar a oscuras, destruir lo ya construido, aprender a perder y confiar en que, al final del camino, aparezca una verdad que no existía antes de comenzar. Como May Sarton o Mary Oliver, con una prosa tan precisa como visionaria, enlaza anécdotas personales, imágenes de la naturaleza, filosofía y humor para mostrar que toda obra auténtica nace de una entrega radical. Un libro imprescindible para quien intuya que crear consiste, ante todo, en aprender a mirar.

La más completa teoría filosófica del Estado.El Estado ha existido siempre, al menos desde el paso de las sociedades primitivas a las primeras civilizaciones. Pero ¿pueden los Estados actuales resistir a la captación corporativa, la corrupción, el fanatismo religioso y la manía nacionalista? ¿Pueden encontrar la manera de colaborar en favor de la integridad de la Tierra y la prosperidad de los pueblos? ¿O no se halla el Estado a la altura de estas exigencias? Con una visión más realista que utópica, Philip Pettit examina la naturaleza del Estado y de qué modo puede desempeñar mejor su función.Pettit identifica un ideal de Estado que constituye la condición previa para la justicia. Solo si los Estados se acercan a este ideal funcional podrán hacer frente a los problemas recurrentes de la pobreza extrema y la discordia encarnizada, así como a los retos que se ciernen sobre los próximos siglos. A pesar de las narrativas persistentes sobre su declive, el Estado sigue siendo irrenunciable para el futuro de la especie humana.«La teoría del Estado más importante que ha sido defendida en los últimos años». José Luis Martí«Por su ambición y ejecución, El Estado se asemeja a obras canónicas de filosofía política como Leviatán (1651) de Thomas Hobbes o El contrato social (1762) de Jean-Jacques Rousseau, y probablemente se contará entre ellas con el tiempo». Adam Coleman, The Irish TimesÍndice:Parte I. El rol del Estado y sus exigenciasLa función del orden políticoEl orden político integradoEl orden político descentralizadoParte II. El potencial del Estado y sus dimensionesLos poderes colectivos de los ciudadanosLos derechos individuales de los ciudadanosLas exigencias de una economía de mercadoConclusión. Resumen de la argumentación

Si no hay redención posible, entonces el mundo, tal como existe en el lenguaje que hablamos, carece de sentido. En la obra de Zurita la redención no existe. El dolor persiste, es la raíz de la historia. ¿Cómo puede hablar la poesía, entonces, de un mundo en el que no habrá «ni pena ni miedo», palabras que Zurita hizo escribir en grandes letras con máquinas excavadoras en el desierto de Atacama? Se trata de un nuevo estatuto del lenguaje, del lenguaje incrustado en el paisaje, en la tierra o, en otros trabajos de Zurita, escrito en el cielo y en los enormes acantilados de la costa de Chile. Lo mismo se extiende al libro: las palabras convierten la página en superficie real, están en el espacio; el paisaje está en la página, se registra como masa y fuerza, no pertenece al reino de los símbolos. La escritura vuelca la página hacia afuera, hacia el mundo exterior. Por eso las palabras son densas, ocupan extensiones del espacio, son duraciones del tiempo. No representan, están. Ahí las palabras de Zurita que encabezan un muro del Cementerio General de Santiago donde se han grabado los nombres de centenares de desaparecidos: «Todo mi amor está aquí y se ha quedado pegado a las rocas al mar y a las montañas». Son palabras que alteran nuestra relación con el mundo, nosotros nos convertimos en otros: se trata de un devenir, nuestro y del paisaje, en que la vida se escribe de otra manera. La apuesta que recorre toda la obra de Zurita es nada menos que la creación de un nuevo lenguaje de la poesía, tal como, en su tiempo, habían realizado César Vallejo o William Carlos Williams. Las revoluciones del lenguaje poético suceden pocas veces ya que requieren una energía artística excepcional. La poesía de Zurita es un decir y en el mismo instante un suceder. En una época en que el lenguaje que hablamos y leemos no es capaz de dar cuenta de un evento catastrófico, la poesía de Zurita restituye el suceder al lenguaje. En medio de la destitución más extrema, puntual experiencia de la población chilena y de otras poblaciones en la actualidad, esta obra habla de la posibilidad de la vida nueva, del paraíso, posibilidad sin la cual nuestro estar en la tierra no tendría por qué. William Rowe Doctor Honoris Causa de la Pontificia Universidad Católica del Perú, miembro de la Academia Británica

Se recogen aquí los textos escritos por Marguerite Duras para Cahiers du cinéma, revista que en 1980 encargara un número especial a la escritora y cineasta otorgándole total libertad en la escritura, ilustración y compaginación del mismo, que más tarde, ya en formato libro, se ampliaría con más contribuciones suyas a la mítica cabecera —entre ellas una justamente famosa entrevista a Elia Kazan a partir del deslumbramiento ante Wanda de Barbara Loden—. Les Yeux verts, que así se tituló aquel número de junio, es un apasionante e inclasificable paseo de la mano de Duras por multitud de temas, entre los que sobresale la reflexión sobre su propia obra cinematográfica y literaria y la de otros (Chaplin, Bresson, Allen, Laughton, Renoir, Godard…), sin olvidar pasiones no menos importantes para ella, como la política, la historia o los sucesos periodísticos, que toma la apariencia de un misterioso mosaico al que barniza la inconfundible música del estilo durasiano, aquí especialmente espontáneo y directo. Queda de igual manera cobijada en estas páginas la singular asunción del cine por parte de la famosa novelista, una práctica, la fílmica, que la relacionaría fuera del mainstream cultural con otras personas, muchas jóvenes, y que llegaría a dialogar íntima y conflictivamente con su obra literaria tras convertirse de forma paulatina en una nueva escritura a contracorriente, destructiva, iconoclasta («mi relación con el cine es la del crimen»), que alteraba la jerarquía entre imagen y palabra abriéndola a una nueva erótica. De este firme y lento proceso también nacería su enrabietada lucha —que hoy día ya podemos calificar de visionaria— por un lugar en la industria y en los medios de comunicación para las películas baratas y diferentes, así como por un espectador dispuesto a abandonar la kantiana minoría de edad.

Decía Elias Canetti a propósito de su ambicioso ensayo de 1960, Masa y poder, sobre las dinámicas institucionales de control social en el siglo XX, que sentía que por fin había podido «agarrar a este siglo por el cuello». Con su nuevo poemario, podemos decir que Juan de Salas (Madrid, 1999) ha agarrado al suyo también, pero además lo ha hecho pasar por el tubo, hasta hacerle cantar de agudeza, arte e ingenio.Como si se tratara de una miniserie inspirada en los episodios nacionales de Galdós, este libro emprende con furor y comedia una larga ruta turística por la España decimonónica de Isabel II, las guerras carlistas y el ruido de sables, y, por figuración, nos ofrece una mayor visibilidad de la España del euro en la que nació el autor y el resto seguimos vivos. Por lo tanto, también es una visita guiada a pie de obra por nuestros propios corazones.Con El siglo Juan de Salas inaugura la epopeya lírica española del nuevo milenio.

Este libro reúne un conjunto de estudios que tratan de la relación fecunda de Fernando Quiñones con el flamenco. Por un lado, el escritor gaditano se sirvió de los mimbres del flamenco y del cante jondo para todos sus escritos: del cuento a la novela, de la poesía al teatro, del ensayo al artículo periodístico, del guion a la entrevista. Por otro lado, puso en valor su peso en el seno de la historia, la sociedad y la cultura españolas, al igual que hicieron otros intelectuales y críticos en la segunda mitad del siglo XX. De modo que Fernando Quiñones y el flamenco aborda esta relación a partir de tres perspectivas fundamentales: la consideración del flamenco como fuente de Quiñones para la creación literaria —algo visible en el uso de algunos recursos técnicos y en la construcción de argumentos, personajes, escenarios, ambientes y descripciones—; la investigación que llevó a cabo en torno al flamenco, con títulos como De Cádiz y sus cantes (1964) y El flamenco, vida y muerte (1971), y su labor divulgativa en las revistas y los medios de comunicación, como hace en los programas de televisión Flamenco (1975-1977) y Ayer y hoy del flamenco (1980-1981).

Con El extraño caso del doctor Jekyll y Mr. Hyde (1886), obra maestra de la literatura de terror con que se abre esta selección de sus mejores narraciones de miedo, R.L. Stevenson volvió a ocuparse de un tema que le preocupó durante toda su corta vida: la dualidad de la naturaleza humana. Todo empezó con un sueño: «Lo que soñé sobre el doctor Jekyll -confesó el autor al New York Herald- fue que un hombre se ve obligado a entrar en un armario e ingiere una droga que lo transforma en otro ser. Me desperté y comprendí inmediatamente que había encontrado el eslabón perdido que andaba buscando desde hacía mucho tiempo, y antes de irme a la cama tenía muy claro casi todos los detalles de la trama». Localizada en el corazón de un Londres victoriano, la novela viene a ser una sucesión de testimonios procedentes de varios testigos cuyo presunto fin es desvelar un misterio. Jekyll y Hyde son como una entidad disociada en dos. Hyde es la personalidad demoníaca, monstruosa de Jekyll, al que horrorizan las acciones de su doble maligno, y simboliza el mal que Jekyll se reprime a sí mismo, el cual, una vez liberado, no puede controlar. La edición, a cargo de Juan Antonio Molina Foix, se completa con otros cuatro relatos: «Janet, la torcida» (1881), historia que transcurre en Escocia en 1712, fue el resultado de un concienzudo estudio de Stevenson sobre la brujería escocesa; «El ladrón de cadáveres» (1881) aborda un hecho real ocurrido en Escocia a comienzos del siglo XIX; en «Markheim» (1884) vuelve a aparecer el tema del doble, pero el doble, en este caso, es el diablo; y «Olalla» (1885), que también fue producto de un sueño y plantea el contraste entre la prístina belleza del escenario natural y la «antigua y ruinosa casa solariega» símbolo de la degeneración hereditaria.

Estamos en una ciudad hundida entre cerros, lejos del mar, pero surcada por un río. El calor es pegajoso, el sonido de las chicharras aturde. Ella recibe una noticia en su correo electrónico: hay una ballena jorobada que canta a una frecuencia distinta a la de todas las demás. Nunca ha visto uno de estos animales y nunca antes había necesitado escuchar su canto. Hasta ahora. Ahora no deja de pensar en las ballenas y, mientras evoca imágenes de su infancia que suceden junto al agua o en el agua, traza un plan para escucharlas. Tamara Silva Bernaschina convierte la búsqueda de ese canto en un recorrido por la propia infancia —las travesuras, el amor a los abuelos, el miedo irracional, el deseo incipiente—, cuando la felicidad estaba siempre al alcance de la mano; y en una exploración de las primeras ausencias, de los silencios y los temores más íntimos. Un libro, en palabras de la artista uruguaya Magela Ferrero, «tan emocionante como ver una playa por primera vez». «Es una novela de apariencia simple, pero con una gran cantidad de capas de sentido. Narrada con un estilo rico y expresivo, construye un mundo y personajes que nos permiten reflexionar sobre la soledad, la familia y el deseo, en un mundo amenazado por la explotación sin límites de nuestros recursos naturales». —Jurado del premio Juan Carlos Onetti «Prodigiosa su escritura». —María Fernanda Ampuero

Tereza tiene doce años. Ivan, su profesor de dibujo, cincuenta. Durante más de un lustro los unirá una relación enmarañada por el poder, el desequilibrio, el sexo y la obsesión. Tereza se confesará con su amiga Silvia y buscará palabras para nombrar esa sensación que le bulle en las entrañas. Ivan guardará el secreto y soñará con relojes que hacen tictac y lo persiguen. Cuando se emborrache, repetirá: «Te pareces tanto a mi hija, ¿sabes lo aterrador que es eso?». Nicol Hochholczerová ha escrito una novela deliberadamente ambigua. Su prosa, afilada en el minimalismo y el simbolismo, sigue a Tereza en su compulsión por devorar aquello que no le alimenta. Las canas que a Ivan se le caen en el regazo, los miembros de sus otros amantes, las paredes de su habitación infantil. Tereza mastica y traga, pero su cuerpo es incapaz de digerir y asimilar el mundo que se abre ante ella. Se atraganta en su hambre por el goce y el dolor, por entender los mecanismos bulímicos que rigen su deseo. Traducida a ocho idiomas, finalista del premio más prestigioso de Eslovaquia —el Anasoft Litera— y a la vez vetada en los institutos por el propio patrocinador del galardón, Esta habitación imposible de comer llega a las librerías españolas como uno de los debuts más polémicos y desafiantes de la literatura europea reciente. «Una obra maestra del minimalismo; convincente, absorbente y poderosa», Michael Tate, Asymptote Journal