MATAR NO ES UN DELITO, MATAR ES UN ARTE: LA NUEVA OBRA DEL GENIAL ALTARRIBA Enrique Rodríguez es profesor de Historia del Arte en la Universidad del País Vasco y a sus 53 años se encuentra en la cima de su carrera. Además de estar a punto de convertirse en una figura destacada en su campo, y tener que lidiar con las consecuentes rivalidades con sus colegas de profesión, cultiva una extraña afición a la que le gustaría dedicarse a tiempo completo: el asesinato como forma de arte. Enrique aprovecha convenciones y compromisos académicos para cometer asesinatos motivados sólo por fines estéticos. Cada uno de ellos es una obra de arte inspirada en una técnica específica que marca su impecable trayectoria como artista. Antonio Altarriba (Premio Nacional del cómic 2010 por El arte de volar) une fuerzas con Keko Godoy (4 botas) para ofrecernos una inteligente reflexión sobre la ambigüedad de la moral humana en forma de thriller perverso.

"...Quería sentir. Quería soñar. Quería escribir y vivir. Quería sersombra ser luz y pirámide al mismo tiempo..."

El principio de Pascal nos presenta una ciudad anónima y descontextualizada donde cinco personajes luchan por hacerse hueco en un mundo en el que parecen no encontrar su sitio. 101 fragmentos desordenados en los que el azote del mundo hipermoderno deja a los personajes atrapados en un espacio y un tiempo donde la velocidad, la ansiedad, la superficialidad o las nuevas tecnologías los arrastrarán hacia un precipicio incierto. Escrito en presente y con una narrativa veloz, cuando uno de los personajes se mueva de la foto, el resto se desencajará y, como gotas de agua en un mundo ya líquido, sufrirán las consecuencias del principio del físico y matemático francés que da título a este relato.

Más allá del río Dwat, el país de Kumei ha entrado en guerra. Por motivos que no quedan demasiado claros, y guiados por líderes no demasiado brillantes,el ejército y la legión se enfrentan por todo el territorio. A lo largo de esta colección de relatos cómicos y dramáticos (en ocasiones, al mismo tiempo), el cronista nos recuerda que la guerra es divertida para contarla, pero no para vivirla.

Hurón, un feriante, y Migra, un policía de fronteras, se encuentran en La ciénaga, un charco inmenso repleto de funestos presagios. Hurón se ha acercado a rezar por un hermano que perdió en aquellos parajes. Migra ha acudido para controlar de cerca los vaivenes de los turbios asuntos que se trae entre manos y que tienen que ver con el tráfico de personas, con la explotación de los emigrantes y con el rechazo de los refugiados. Los acontecimientos nos hacen descubrir la relación entre la desaparición del hermano de Hurón y los negocios de Migra. Nadie se salva en la frontera. Afirma en el prólogo Raúl Cortés: "Retrato de nuestro tiempo, La ciénaga es estupor y es lamento, dolor ante la incomprensible herida sangrante del otro, del desterrado, del extranjero. Es una incómoda y necesaria pregunta. Urge hoy un teatro valiente, como La ciénaga, y autores arrojados, como Antonio Miguel Morales, capaces de abismarse en los vacíos que han dejado la fi losofía, el propio arte e incluso, la religión -profundidades a las que rehúye gran parte del teatro actual- para atravesar las brumas y llegar allí donde la creación se hace zozobra." Junto a La ciénaga, en el interior de un cortijo, María Selva, embarazada, espera la llegada de El extranjero. Mientras tanto, en las proximidades, se celebra una verbena con charanga, noria, algodones de azúcar y buñuelos de chocolate.

EDICIÓN ESPECIAL CONMEMORATIVA DEL 50 ANIVERSARIO DE ALIANZA EDITORIAL Publicada originalmente en 1938, " La naúsea " de Jean-Paul Sartre es, junto con " El extranjero " de Albert Camus, la novela que encarna de forma más emblemática la corriente de pensamiento existencialista. En ella, Antoine Roquentin, dedicado en la ciudad portuaria de Bouville a escribir un libro sobre un turbio aristócrata del siglo XVIII, se ve asaltado un día por una sensación desconocida, la Náusea, cuya revelación como el sentimiento radical de la contingencia y la soledad del ser humano cambiará por completo el sentido de su vida.

Después de la excelente acogida del libro Teatro 1989-2014, presentamos Elipses, que reúne por primera vez ensayos, conferencias y artículos que Juan Mayorga ha escrito entre 1990 y 2016, paralelamente a sus piezas para la escena. Se trata de textos que revelan el pensamiento del dramaturgo, el muro de carga sobre el que se sostiene su obra de ficción. Al leerlos, asistimos a la puesta en escena de un pensar que es permanente autointerrogación. A lo largo de seis espacios de lectura -entre ellos, una fructífera conversación con el crítico Ignacio Echevarría-, el autor ofrece sus posiciones y dudas acerca de temas diversos pero íntimamente vinculados que se encuentran en el centro de su obra teatral: la historia, la memoria, la libertad, la violencia, la cultura, la crítica, Europa, Auschwitz... y, desde luego, el teatro como arte de la reunión y la imaginación. Así, Mayorga se nos presenta como lector de Aristóteles, Benjamin, Bulgákov, Calderón, Kantor, Kraus, Lope, Mate, Pasolini, Tabori, entre otros muchos. Elipses nos permite descubrir al pensador que hay detrás de -o dentro de- un autor cuyas obras se representan en escenarios de todo el mundo. «Juan Mayorga lleva más de dos décadas experimentando formas de pensar y contar la realidad presente y pasada siguiendo un hilo conductor que bien puede ser visto como una línea de vida: la búsqueda obsesiva de la verdad.» Claire Spooner

Yun Sun Limet nunca podrá olvidar la última conversación que tuvo con su amigo, el filósofo Jacques Derrida. Ella estaba en plena mudanza, huyendo de París, comenzando otra vida, y él estaba ya enfermo de cáncer. Él le dijo que esperaba que el nuevo tratamiento funcionara mejor, pero murió apenas unos meses después. Ella no podía imaginar entonces que al poco se vería siguiendo un tratamiento muy parecido y afrontando la posibilidad de una muerte temprana. Y es precisamente este vuelco inesperado de su propia existencia el que da origen a este libro. Gravemente enferma, la autora debe pasar un larga temporada en un hospital y allí comienza a escribir a una serie de amigos, con los que desarrolla una meditación al tiempo íntima y teórica, de enorme lucidez y belleza, sobre el sentido de la vida y, muy especialmente, del trabajo. Pues el trabajo, lo queramos o no, está siempre en el centro de nuestras vidas, y quizás sólo cuando la enfermedad y la muerte realmente nos acechan, y nos obligan a alejarnos de los despachos y las oficinas, somos conscientes del valor de todas esas horas consagradas a otros y en beneficio de otros. Y la reflexión sobre ese tiempo «cedido» nos conduce a un interrogante mayor: ¿el trabajo nos acerca a la felicidad o es acaso su mayor obstáculo? Así, a lo largo de treinta y nueve cartas (que no son sino correos electrónicos), Yun Sun Limet se dirige a unos pocos destinatarios privilegiados, repasa de forma brillante la historia y la sociología del trabajo en nuestra civilización, y se pregunta sobre el verdadero papel que éste juega en nuestras vidas. Por supuesto, estas cartas nos traen a la memoria otras correspondencias clásicas, preñadas de auténtica sabiduría vital, como las de Séneca o Thoreau. Al fin y cabo, todas estas epístolas fueron escritas en un hospital con el objetivo quizás último y secreto de apartar a la muerte, componiendo una formidable llamada a la vida. A la vida feliz.

Ignacio Aldecoa, Juan Carlos Onetti, Roberto Fontanarrosa, Juan Villoro, Ricardo Piglia, Eduardo Berti, Gonzalo Suárez, Eduardo Halfon, Pedro Juan Gutiérrez, Abelardo Castillo, Liliana Heker, Francisco Ayala, Fernando León de Aranoa, Ray Loriga, Antonio Martínez Menchén, Armando López Salinas, Ana María Shua, Eduardo Arroyo, Manuel Alcántara, Joan de Sagarra, Jacinto Antón. Las mejores plumas de nuestra literatura se enfundaron en alguna ocasión los guantes de cuero rojo para acercarse al mundo de narices rotas, toallas a punto de caer, orgullos fracturados, amaños a deshora, y besos a la única que se deja querer: la lona. Los hemos reunido para así trazar un recorrido necesario por el subgénero más sudoroso, el de la literatura de boxeo.

Leopoldo María Panero lucha con la memoria literaria, las repetidas citas a menudo sin cursiva, no desviaciones, pero sí directrices del texto; de Eliot, de Pound, de Lacan, de Kierkegaard, de Gimferrer, de Virgilio, de Ovidio, hasta de Lou Reed, se convierten en lucha con el recuerdo de sí mismo, las citas son autocitas: «Porque solo soy el recuerdo de mí mismo», o «una voz escupe en mi cerebro / la palabra ayer». Como Dino Campana en el manicomio de Castel Pulci, Panero, dictando sus nuevos textos, somete su obra a una vibración, a un temblor: «y con la risa blanca y muda que eyaculo / imito al pus / que aúlla desde el vientre del cadáver». Las largas y exuberantes composiciones del primer Panero se han hecho descarnadas en estos extremos textos de su «poesía última».

«Antes de nada hay que distinguir entre el arte que nos incita y excita, y el arte que nos eleva y suprime. Y después, saber que el uno existe para huir del otro». En este aforismo o, si se quiere, en esta breve poética, se encierran el secreto y el anhelo de toda la obra de José Mateos -Jerez, 1963- una obra que no se ciñe sólo a la poesía, objeto de esta antología, sino que abarca también la filosofía, con libros como Soliloquios y divinanzas, La razón y otras dudas o Silencios escogidos, el relato, como demuestra el libro Historias de un Dios menguante, o la pintura, que lejos de ser un divertimento, en José Mateos es una prolongación poética, una poesía que se pinta a sí misma. Aunque él diga que «como pintor soy un verdadero fracaso: ni siquiera logro rozar lo que veo». «Hay un arte que nos eleva y suprime» y en él vive José Mateos. Parapetado tras sus versos, trata -como escribe en uno de sus más certeros aforismos- de quitarse a sí mismo de delante de sus ojos para que las cosas puedan reír, y cantar, y explicarse. Por eso, toda su obra es un empeño de supresión, de voluntario apartamiento para que la verdad florezca y nos acabe elevando a lo más sagrado. Pedro Sevilla

Futurópolis propone una mirada a las alternativas de evolución para las ciudades contraponiendo dos horizontes aparente-mente antagónicos: la utopía tecnológica que se articula sobre la extensión y dominio de las tecnologías de la información y la comunicación, y la distopía que se vaticina desde el escenario de la crisis ecológica global. ¿O viceversa? Las utopías ecológicas que auspician nuevas formas de vida y relación sostenibles frente a un futuro de desigualdad y crisis social apenas encubierto con una tecnocracia ingobernable.

El narrador es un escritor que regresa después de años a su pueblo natal en los Alpes para dar una conferencia sobre un famoso autor -Kleist- que terminaría con su vida suicidándose. Es la oportunidad de reencontrarse con su hermano, quien nunca ha partido del pueblo. Pocas palabras los unen y será la última vez que se vean, porque unos meses después recibirá la inesperada noticia de su suicidio. A pesar de lo lejano de la relación, la decisión minuciosamente premeditada de poner fin a su vida de ese hombre no le dará tregua. Emprenderá entonces la búsqueda de la pregunta a esa repuesta que el hermano les dio a todos con su acto.

Antaño en Paramollano es una novela de arquitectura sutil pero sólida, donde contrastan dos tiempos, dos lenguajes, dos galerías de sujetos bien dibujados: los de la multitud del antaño, frente al corrupto trío del ahora. En el territorio de Paramollano -una especie de meseta cartografiada con trazos faulknerianos-, mientras se estraperlea, se levantan puentes con tecnologías de vanguardia sobre el dolor y la humillación de los vencidos en la guerra. Un recorrido literario jalonado de verdades silenciadas, que emergen en esta novela a través del conocimiento y la memoria.

Internet no es la respuesta es un ensayo periodístico de divulgación, escrito desde el mismo corazón de Silicon Valley por un autor crítico y muy lúcido, sobre los efectos de internet en una sociedad que considera que en el mundo digital las virtudes humanas más básicas han sido sustituidas por un modelo rapaz donde el ganador se lo lleva todo. Reconocido por el Washington Post como uno de los mejores títulos del momento y como un texto de enorme utilidad para todos aquellos a quienes les preocupa que la vida digital no sea tan brillante como nos hacen creer nuestros avatares en las redes.

Tras el éxito de "Medicamentos que matan", Peter Gotzsche analiza de forma muy crítica los abusos combinados de la psiquiatría y la industria farmacéutica en la medicalización de la vida cotidiana. Un alegato brutal contra unos medicamentos que se emplean sin ton ni son, y pueden llegar a provocar la muerte.

"De allí no me llevé nada bueno. Solo un trauma eterno que me quitará nadie, un poso negativo que te queda para siempre." Una investigación aterradora que destapa unos hechos ocultos y silenciados durante décadas: los abusos sexuales, los maltratos físicos y psíquicos, la explotación laboral y las prácticas médicas dudosas que sufrieron miles de niños en los internados religiosos y del Estado durante el franquismo y hasta bien entrada la democracia. Un ejercicio de periodismo de primer orden que da voz a víctimas y testimonios y denuncia con nombres y apellidos la supuesta superioridad moral al servicio de las más bajas pasiones. Montse Armengou y Ricard Belis, con el orgullo del periodismo comprometido como bandera, quieren ofrecer a los damnificados la reparación que no les dan las instituciones y facilitar que se sepa qué pasó ens esos internados, con esta infancia tan injustamente tratada. "Me cuesta confiar en la gente que me aprecia y no sé dejarme querer. Supongo que me construí una coraza para sobrevivir en ese mundo. Allí nosotros no éramos nada, la morralla de la sociedad: hijos del pecado, padres en prisión, niños abandonados... Nadie respondía por nosotros y nuestros destinos los marcaba con impunidad total us sistema fascista tocado por la mano de Dios."