El duelo es una novela del escritor ruso Antón Chéjov. Publicada por primera vez en 1891 en el periódico Tiempo Nuevo, esta obra exhibe la prosa madura de Chéjov en un importante período de transición en la literatura y la cultura rusas. La novela se sitúa entre el ocaso de la gran novela realista rusa y el auge de las tendencias vanguardistas que vendrían a definir la era modernista en vísperas de la Revolución Rusa. El duelo es una carta de amor a la literatura rusa del siglo XIX, que al mismo tiempo cita e imita los principales logros estilísticos literarios que la precedieron y marca el comienzo de un nuevo período, cuando las batallas ideológicas del pasado, representadas en la novela por un duelo real, ya han sido peleadas.

El derecho al trabajo se ha convertido en ese elefante en la habitación al que nadie hace ningún caso. A pesar de su amplia presencia en tratados internacionales y textos constitucionales, es habitual escuchar que no se trata de un genuino derecho. La razón: se ha asumido que consiste en la promoción pública del pleno empleo, un objetivo en última instancia inalcanzable en sociedades basadas en la libertad de mercado. Ante la imagen de un Estado mastodóntico pisoteándolo todo, se opta por hacer como si el derecho al trabajo no existiera. Este libro pretende hacer frente a esta interpretación canónica. El autor rescata una concepción alternativa del derecho al trabajo, que ha sido en buena medida olvidada, pero cuyo potencial emancipador nos sigue interpelando. Acuñado por Fourier a principios del siglo XIX, el derecho al trabajo se convierte, en 1848, en el caballo de batalla de un nuevo tipo de socialismo, heredero del discurso republicano y democrático de la Revolución Francesa. Este socialismo, cuyo exponente más destacado es Louis Blanc, no persigue que el Estado garantice un puesto de trabajo a los desempleados, sino que la esfera social esté regida por los mismos principios igualitarios que la esfera política. Su pretensión es que los trabajadores sean tratados como ciudadanos también en la fábrica. Que la República baje al taller.

El insomnio: el implacable mal de nuestra era, bajo la mirada de Ana Penyas, Premio Nacional de Cómic 2018. ¿Qué nos mantiene despiertos por la noche? Ana Penyas busca dar respuesta a esta pregunta. La autora dirige su mirada atenta, crítica y reveladora hacia el insomnio, la angustia compartida que se ha convertido en uno de los grandes males de nuestra era. En vela es una historia coral que transcurre durante seis noches y un día. Las horas sin dormir revelan situaciones de precariedad laboral, incertidumbre y desigualdades sociales que a menudo se transforman en fantasmas. Además, la falta de desconexión de las pantallas y el consumo de ansiolíticos como herramienta para sostener la vida dejan una huella profunda en la salud mental. Ana Penyas, Premio Nacional del Cómic 2018 por Estamos todas bien, vuelve a poner el foco con su reconocido trabajo gráfico en una realidad compleja, convirtiendo su obra en un aparato crítico y poético. La multipremiada autora acumula los siguientes reconocimientos: Premio Angouleme Éco-Fauve RAJA 2023 por Todo bajo el sol, Premio ACDCómic mejor obra nacional 2021 por Todo bajo el sol, Premio Nacional de Cómic 2018 por Estamos todas bien y el Premio FNAC-Salamandra Graphic 2017 por Estamos todas bien.

Tiembla, querido. Tiembla hasta petar. Por primera vez, las obscenas reflexiones sobre el porno (gay) del único y verdadero Hereje de la Disidencia Maricona. Bruce LaBruce, ese director de culto y "pornógrafo reticente", no es solo una pieza del engranaje del Nuevo Cine Queer, es su maldita columna vertebral. Emergió como un virus en los bajos fondos de Toronto a finales de los 80 con fanzines punk queer y películas en Super 8 que hacían sangrar los ojos de la moral establecida, para luego infectar la escena internacional del cine independiente. Mientras tanto, LaBruce derramaba su tinta corrosiva y disparaba su cámara para revistas como "Honcho", "Inches", "Exclaim!", "Vice" y otros reductos de la contracultura que se atrevían a publicarlo. Esta colección vomita sus artículos más viscerales, políticos, incendiarios y despiadadamente ingeniosos sobre la pornografía. El volumen incluye un enfrentamiento verbal entre LaBruce y la bestia sagrada del porno gay Peter Berlin, ensayos políticamente incorrectos, artículos que no piden permiso y tres diarios de rodaje brutalmente honestos para SKIN GANG, THE RASPBERRY REICH y L.A. ZOMBIE. Todo ello acompañado por fotografías que pulverizan los límites, obras de arte y retratos que no podrás borrar de tu retina, entre ellos imágenes de Richard Kern, Raul Hidalgo, Ricardo Gomes, Terry Richardson y otros conspiradores visuales.

«El indiscutible fenómeno literario del año» (El Confidencial), ganador del Premio Nollegiu 2023 por el mejor libro de narrativa traducida y el mejor libro del año, vendido en 32 idiomas antes de su publicación. Monza, Italia, 1936. Francesca, de trece años, yace a orillas del río Lambro bajo el peso de un hombre muerto que ha intentado violarla. Su amiga Maddalena se arrastra desde el agua y la ayuda a zafarse del cuerpo, que esconden entre unos arbustos. La relación entre las dos adolescentes comenzó un año antes, cuando Francesca quedó fascinada por la rebeldía de la que todos llaman «la Malnacida», de origen humilde y siniestros poderes. Contraviniendo la voluntad de una madre obsesionada por las convenciones e ignorando las malas lenguas que achacan varias muertes a la Malnacida, Francesca se unirá a su pandilla para descubrir una nueva forma de vida rebosante de libertad. Sin embargo, la guerra y el fascismo pondrán a prueba su vínculo, y las dos amigas deberán decidir si aliarse contra la opresión social y la injusticia o dejar que el curso de la historia las separe para siempre. La Malnacida es el fulgurante debut de Beatrice Salvioni, premia_do por la Scuola Holden que dirige Alessandro Baricco y que, antes de su publicación, ha conquistado a treinta y dos editores en el mundo.La crítica ha dicho: «Una pequeña joya que resulta imprescindible y confirma que las letras italianas en femenino están viviendo toda una revolución». Alberto Sisí Sánchez, Vogue «Hay primeras novelas que fascinan por su fondo y hay primeras novelas que fascinan por su forma. La Malnacida lo hace desde ambos puntos de vista. [...] Sus reflexiones, sus escenas ásperas y sus incómodos escenarios parecen salidos de [...] manos experimentadas como las de Elsa Morante, como las de Alberto Moravia o incluso como las de Elena Ferrante. [...] Léanla». Sonia Fides, Público «Late con autenticidad en una prosa también auténtica, de palpable oralidad, directa y certeramente expresiva. [...] Una excelente primera novela de las que -hoy infrecuentes- hacen lectores». Luis Alonso Girgado, El Ideal Gallego«La malnacida es llamativa por su dureza y por la sensibilidad con la que narra la historia de amistad -y en cierta forma de amor-». Diego Moreno Bermejo, El Debate «Un debut narrativo brillante, vital y hermoso». Forbes «Impecable y cautivador. [...] Un soplo de aire fresco». Gudrun Palomino, Papel en blanco«Con un final luminoso, Salvioni, pone el broche de oro a una historia llena de justicia e injusticia, de rabia, pero sobre todo una historia sobre el poder del amor aún cuando lo que reina es la miseria humana». Pilar Martín, EFE «La calidad literaria se nota en las primeras páginas. [...] De verdad que no deberíanperderse este libro, qué manera más bárbara de escribir. [...] Un fenómeno literario». Ana Rivera, Diari de Tarragona «Al leer La Malnacida, se entienden enseguida las razones del aplauso colectivo anticipado. [...] La amistad poderosa y visceral entre dos jóvenes diferentes y complementarias recuerda, por momentos, a La amiga estupenda». Leonetta Bentivoglio, La Repubblica«Una madurez lingüística y un dominio de la narrativa que sorprende y fascina. [...] Beatrice Salvioni [tiene] la habilidad de imaginar universos literarios en los que resuenan grandes temas contemporáneos». Giuseppe Lorenti, Il Venerdì «Profundamente conmovedora». Sufy, Librered

Este hombre lo tiene todo para ser feliz, pero está enamorado Un personaje anónimo hace lo imposible por conquistar a su amada con gestos exagerados, tiernos, ridículos. Escala una pirámide, se enfrenta a un cocodrilo, se disfraza de millonario, de león, de domador. Pero ella ni se digna a mirarlo, o al menos no hasta que un accidente capta su atención. ¿Puede acabar bien un amor no correspondido? Publicado por primera vez en Francia en 1992, este pequeño álbum de culto, realizado en esténcil y linograbado y luego impreso en offset, es una hermosa declaración de amor al propio intento —menos o más afortunado— de acercarse al otro sin perderse uno mismo, y también a las preguntas que el enamoramiento trae consigo. Un homenaje al poder de los sentimientos. He aquí una historia de amor tan sencilla como absurda, para quien esté enamorado y para quien tenga el corazón roto, para quien tenga sentido del humor o de la ironía, y para quien aprecie la ilustración y el diseño. Un clásico de formato perfecto para atesorar.

El arte contemporáneo bulle y nunca ha gozado de tanta popularidad, pero, detrás de esa proliferación sin precedentes, cabe preguntarse si de verdad es tan «contemporáneo» y si es verdaderamente arte. Soldados de juguete ensangrentados, carritos de la compra bañados en oro, manchas de semen sobre crucifijos: supuestamente, el arte contemporáneo es un espacio de libertad en el que los artistas rompen tabús y desenmascaran el encorsetamiento al que nos someten las ideas heredadas sobre lo que es y no es «arte». Confrontan al espectador con algunas obras de gran profundidad emocional, pero también con otras de una banalidad escalofriante. El espectador, a su vez, se dice conmovido, interpelado, cree estar ante lo nunca visto. Sin embargo, más allá de las estrategias de shock y persuasión de artistas y galeristas, quedan muchas preguntas por responder. ¿Quién mueve los hilos de la escena del arte realmente? ¿Qué impacto ha tenido la supremacía cultural y política estadounidense? ¿Qué función cumple en la sociedad actual y quién decide cuál será en el futuro? El trabajo de Julian Stallabrass nos descubre un mundo en el que la aparente variedad e imprevisibilidad de la creación artística apenas logra disfrazar una realidad mucho más uniforme y cruda. Sus misterios no son tales y sus honduras son mucho más superficiales de lo que se pretende. ¿Arte y dinero siempre fueron de la mano? Tal vez, pero nunca hasta este extremo. La poderosa influencia de los ultrarricos y las grandes empresas, la entrada en escena de nuevos agentes, como China o los países árabes, la reinvención de artistas y museos en marcas: todo ello apunta a un arte que busca embaucar al público mientras se postra voluntariamente ante los poderosos. Julian Stallabrass es escritor, fotógrafo, comisario y conferenciante. Sus áreas de especialización son las relaciones entre arte y política, los efectos de la globalización en la escena artística y las bienales, y las correspondencias entre el populismo político y el cultural. Es profesor en el Courtauld Institute of Art y colaborador habitual en diversas publicaciones, entre ellas el London Review of Books, Art Monthly, New Stateman y New Left Review, así como autor de numerosos libros, el más reciente de los cuales es Killing for Show: Photography, War and the Media in Vietnam and Iraq (Rowman and Littlefield, 2020).

Se recogen en estas páginas las traducciones que el gran poeta Venezolano Rafael Cadenas, Premio Cervantes en 2023, ha realizado de la poesía de D. H. Lawrence (1885-1930). Conocido sobre todo como novelista, Lawrence escribió algunos de los poemas amorosos más intensos y atormentados de su tiempo, así como una colección de epigramas y 'pensamientos' en verso en los que volcó su fe en la primacía del instinto y la imaginación creadora, su odio hacia las abstracciones y su rechazo visceral de la hipocresía y las convenciones sociales.

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En muy pocos poemarios de calidad la reflexión sobre el zeitgeist del presente se da la mano con el espíritu apocalíptico de la ciencia-ficción. Este es uno de ellos: Que nadie se aburra, / no habrá tiempo para el bostezo. / El futuro nos ha tomado por sorpresa. / Se nos viene un vendaval / de estímulos psicoeléctricos, y nuevas obligaciones / en el vastísimo / botadero cibernético [...] / Aburrirse genera cortocircuitos / en el sistema de recompensas / de los algoritmos. / Que nadie se aburra. / No hay tiempo para el bostezo. La poesía como una hermenéutica de la materia, donde están los residuos, el resto, lo que nadie ve.

Un zepelín y un volcán, los indios que perdieron sus territorios y la reina que una vez conquistó el mundo; encuentros con rayos, con estrellas fugaces, con canciones y dentro de canciones; Emily Dickinson y los ojos que se cierran para ver, como el Cuadrado negro de Malévich que antes de él pintaron otros; una ciega mirando una vaca, dos prostitutas romanas, un soldado que se rompió los dientes para volver a casa y que podría ser cualquier desertor de cualquier batalla… En este entramado de personajes y tiempos que transita por la crónica, el ensayo y la fabulación, Mireya Hernández recorre los últimos dos siglos intentando asir una realidad oculta, invisible como la escritura, y, como en Las mil y una noches, cuenta historias para sobrevivir. Los relatos se transforman en espejos que reflejan un mundo fragmentado, y entre guerras y bailes, las dudas se multiplican, se suceden las preguntas y lo cotidiano se mezcla con lo extraordinario bajo el prisma del asombro y el humor. Aquí el mundo suena discordante, pues lo oímos a través de unos soldados que atacan enemigos en la niebla, o del hielo chocando con el casco de un barco, o de un piano desafinado, pero su melodía podría escucharse desde el espacio.

El célebre tenor Ian Bostridge pasó casi dos años sin poder pisar los escenarios a causa de la pandemia, hecho que lo llevó a reflexionar sobre el valor irrenunciable del contacto directo con el público, a la vez que le permitió ahondar en el amplio catálogo de clásicos que ha interpretado a lo largo de su carrera. Mediante una prosa lúcida y absorbente, Bostridge explora en estas páginas el modo en que Monteverdi, Schumann y Britten emplearon y subvirtieron los roles de género en sus composiciones, cuestiona la jerarquía y el poder coloniales en Chansons madécasses de Ravel, y analiza las meditaciones de Britten sobre la muerte en obras como War Requiem o Death in Venice. Las singulares reflexiones de Bostridge nos permiten comprender la asombrosa intensidad de sus interpretaciones, en las que la extraña fusión de melodía y pensamiento brinda auténticas epifanías tanto al cantante como a su público.

Las raíces, estructuras que nos amarran al mundo, constituyen elementos esenciales a la hora de sostenernos ante los vaivenes propios de la existencia. Hasta el punto de, como en el caso de las algas, ser capaces de resistir la violencia titánica del fondo oceánico, en una excelente metáfora de nuestro indisoluble vínculo con la Naturaleza. En este sugerente ensayo, Kathleen Dean Moore, reconocida filósofa, ensayista y naturalista estadounidense, emprende un viaje literario y vital en busca de aquello que nos arraiga. Desde los paisajes del Pacífico Norte, pasando por las costas de Oregón o las tierras salvajes de Alaska, nos propone una mirada íntima sobre el amor, la pérdida y el sentido de comunidad, y reflexiona, con delicadeza y lirismo, sobre los elementos esenciales que nos fundamentan: la crianza y el inevitable distanciamiento de los hijos, el duelo ante la muerte de un padre o la sencilla alegría de los días de otoño. Con cada palabra, revela la belleza silenciosa de nuestro entorno, y la urgente necesidad de protegerlo no solo como refugio físico, sino como fuente de consuelo y de sentido. En un mundo en que nuestras raíces parecen desprenderse con facilidad, y el sentido de pertenencia se desdibuja a la mínima, la lectura de este ensayo nos recuerda los profundos lazos que nos anclan a lo verdaderamente importante. Una invitación a la calma, a mirar distinto y a reconocer en lo natural no solo un paisaje, sino un espejo de aquello que somos.

Un emotivo ejercicio de memoria y un bello homenaje a la amistad, la música y las primeras aventuras de la adolescencia. El 30 de diciembre de 2004, una multitud de adolescentes abarrotaba la sala República de Cromañón, en Buenos Aires. Comenzaba el segundo de los conciertos que la popular banda de rock underground Callejeros tenía previsto celebrar allí tres noches consecutivas. Pero al poco de empezar a sonar la primera canción se produjo la tragedia: una bengala impactó contra una lona del techo y, en cuestión de segundos, se propagó un violento incendio que acabó con la vida de casi doscientos jóvenes y dejó heridos a cerca de mil. Aquel acontecimiento, una de las peores desgracias de la historia reciente de Argentina, no solo conmocionó al país: también supuso el fin de la inocencia para toda una generación.Tiempo después, Camila Fabbri, que había asistido al concierto de la noche anterior, abordó el desastre y sus consecuencias en este libro que ahora, cuando se cumplen veinte años de la catástrofe, reeditamos acompañado de un prólogo inédito de la autora. A medio camino entre la novela coral y la crónica periodística, Fabbri construye un evocador relato en el que vuelca sus propios recuerdos y el testimonio de los afectados. Con una mirada lúcida y serena, no busca la recapitulación periodística de los hechos ni señalar a los culpables, sino explorar la dimensión humana del accidente y presentar la instantánea, tanto personal como histórica, de una época. A lo largo de la obra, su voz se funde con la de amigos, familiares y testigos conformando un mosaico fragmentado pero preciso de un suceso que aún hoy sigue dolorosamente presente en la memoria colectiva.El día que apagaron la luz no solo es una valiosa reflexión sobre el descubrimiento de la vulnerabilidad y sobre cómo la tragedia nos golpea y nos transforma en adultos: también es un homenaje emotivo y agridulce a los compañeros que ya no están, a las primeras aventuras nocturnas, a la juventud añorada y a los sueños y la música que un día forjaron nuestra identidad.

El retrato de una época y una generación. David Trueba nos lleva a 1969, el año en el que nació y «símbolo definitorio de todos los viceversas». Asomado al mundo desde el vientre de su madre, describe el lugar al que está a punto de llegar como benjamín de una numerosísima familia: la evolución de los suyos y de esas barriadas desbocadas y en transformación, y también el eco de lo que sucede más allá de la España de los últimos años de la dictadura, como una nueva manera de hacer cine, literatura o música que terminará marcando su vida.El autor busca las claves de su educación sentimental y, con su inconfundible naturalidad, dibuja el retrato de una época y una generación.

No existe en toda la tradición de la poesía castellana un poeta tan talentoso y desdichado como Miguel Hernández. Autor de media docena de clásicos instantáneos de la literatura como “Elegía”, “Nanas de la cebolla”, “Hijo de la luz y la sombra” o “Canción última”, su carrera se vio brutalmente cortada tras ingresar en prisión, como preso político, ya muy enfermo, donde le fue negada la asistencia médica. Hernández, cuya obra de lee mejor a lado de sus pares, Lorca y Cernuda, ha sufrido una división artificial entre sus poemas íntimos y sus poemas más políticos, entre los dedicados a visiones serenas de la naturaleza y los que levantan estampas sangrientas de la guerra. La presente antología pretende restituir a Miguel Hernández todos sus poderes. Versos donde lo íntimo, lo político, la naturaleza y la justicia humana se combinan en una visión inconformista de lo que cada individuo puede esperar de la vida, y que se convierten en cantos radicales sobre la ternura y la oscuridad de la carencia. De todas nuestras estrategias de resistencia, de nuestro incansable rebrotar. Con prólogo de Berta García Faet, una de las poetas más innovadoras y entusiastas de nuestro panorama, y bellamente ilustrado, el presente volumen trata de ofrecer la visión más completa y compleja de un poeta tan indispensable como irrepetible.

«En unos pocos meses, Rusia dijo todo lo que había callado siglos enteros». En el caos, la incertidumbre, la violencia y los peligros de una turbulenta Rusia en revolucionaria ebullición, colapsa el antiguo orden zarista y nace un nuevo sistema que determinará el destino de la nación y de su papel en el mundo. Pero incluso en ese torbellino de aplausos, gritos, proclamas, frenesí, amenazas, discursos, promesas y guerra, el joven Kóstik intenta seguir siendo él mismo y no olvidar en ningún momento en qué cree y quién quiere llegar a ser. Publicada en 1956, «El comienzo de una era desconocida» es la tercera pieza de esta odisea monumental que es Historia de una vida. Con la narración de un episodio clave de la historia de Rusia, el de la Revolución de 1917 y la posterior guerra civil, Paustovski prosiguió una de las obras más extraordinarias de la literatura rusa y universal, por la que fue varias veces candidato al Premio Nobel de Literatura. Unas memorias íntimas, líricas y vibrantes que, alcanzando el impulso de una novela de formación, constituyen un retrato inolvidable de la convulsa sociedad rusa de principios del siglo xx. «Una de las grandes autobiografías rusas, tan actual hoy como cuando se escribió y cuando se vivió». Julian Barnes