El libro realiza un recorrido que va desde lo menos tangible, los poemas relacionados con en encuentro con la vida adulta, con las emociones que provoca un exilio… hasta lo más físico, el cuerpo. Así, el lenguaje va avanzando también hasta dibujar un campo de batalla. Se narra un conflicto bélico en el que el adversario es interno y, al mismo tiempo, universal. Tan universal como la necesidad de alimento, en sentido literal o figurado. A modo de epílogo, la autora dedica la última parte del libro a una serie de poemas que juegan con los elementos recurrentes en la obra del malogrado artista Pepe Espaliú, como conclusión.

Dos ejércitos llevan diez años batallando a las puertas de Troya. De un lado, los defensores de la ciudad, comandados por Héctor. Del otro, la alianza de griegos capitaneada por Agamenón. Cansados, hartos y polvorientos, los aqueos se enfrentan a su mayor momento de crisis. Agamenón ha ofendido a Aquiles, el de los pies ligeros, su principal guerrero. Aquiles monta en cólera y decide retirar a sus fuerzas del conflicto. Nadie consigue hacerle cambiar de idea, ni su amado compañero Patroclo ni su leal camarada Ulises. La ira de Aquiles es inflexible, y la sombra del desastre se cierne sobre la armada griega. Esta es la historia contada por Homero, la historia de la rabia de un hombre que duró varias semanas en una playa del estrecho de los Dardanelos. La primera historia de la civilización europea.

Martin Buber, uno de los pensadores más importantes del siglo XX, se ocupó de resolver la tarea del saber después de los traumáticos sucesos acaecidos durante el período de las guerras mundiales. Sus libros son el reflejo de los radicales cambios de aquel tiempo en los que la humanidad había destruido los valores de su propia historia. Pensador comprometido y destacado de la filosofía judía, junto a Hermann Cohen, Gershom Scholem y Franz Rosenzweig, estudioso de la mística jasídica y de sus implicaciones sociales, construyó una filosofía del diálogo, renovó la ética judía y reflexionó sobre la relación de lo mundano y lo divino.

Con Huidobro, el ‘pájaro de lujo’, llegan Apollinaire y Reverdy. La imagen recobra las alas. La influencia del poeta chileno fue muy grande en América y España; grande y polémica. Esto último ha dañado la apreciación de su obra; su leyenda oscurece su poesía. Nada más injusto: Altazor es un poema en el que la aviación poética se transforma en caída hacia ‘los adentros de sí mismo’, inmersión vertiginosa en el vacío. Vicente Huidobro, el ‘ciudadano del olvido’: contempla de tan alto que todo se hace aire. Está en todas partes y en ninguna: es el oxígeno invisible de nuestra poesía. Octavio Paz

Baba Yagá es una criatura oscura y solitaria, una bruja que rapta niños y vive en el bosque, en una casa que se sustenta sobre patas de gallina. Pero también viaja a través de las historias, y en cada una de ellas adopta una nueva forma: una escritora que regresa a la Bulgaria natal de su madre, que, atormentada por la vejez, le pide que visite los lugares a los que ella ya no podrá volver; un trío de ancianas misteriosas que se hospedan durante unos días en un spa especializado en tratamientos de longevidad; y una folclorista que investiga incansable la figura tradicional de la bruja. Ancianas, esposas, madres, hijas, amantes. Todas ellas confluyen en Baba Yagá. A caballo entre la autobiografía, el ensayo y el relato sobrenatural, su historia se convierte en la de Medusa, Medea y tantas otras figuras malditas, dibujando un tríptico apasionante sobre cómo aparecen y desaparecen las mujeres de la memoria colectiva. Un magistral cuento de cuentos que, lleno de ingenio y perspicacia, pone en el punto de mira la archiconocida figura de la anciana perversa. Un viaje fascinante en el que Baba Yagá, adoptando numerosos disfraces, nos invita a explorar el mundo de los mitos y a reflexionar sobre la identidad, los estereotipos femeninos y el poder de las fábulas.

El estreno del primer capítulo de Twin Peaks, el 8 de abril de 1990, está considerado como un momento fundacional en la historia de la televisión: en gran medida, David Lynch y Mark Frost sentaron las bases de lo que sería en el futuro el formato de la serie televisiva, anticipándose a fenómenos como Perdidos. Sin embargo, tal y como argumenta Pacôme Thiellement en este volumen de ensayos iluminadores sobre el que sin duda es uno de los trabajos más conocidos y reconocidos de David Lynch, la intención del creador de Twin Peaks no fue tanto revolucionar la televisión como reflexionar sobre el lenguaje televisivo de su tiempo y, de paso, alertar sobre la crisis que estaba atravesando la ficción concebida para la pequeña pantalla.

Muy documentado, claro y preciso, une un profundo conocimiento de los dossiers de la crisis ecológica con el compromiso anticapitalista. Proporciona análisis y argumentos para las gentes ecologistas combativas y propone que para salvar el clima hay que cambiar de sistema. Afirma que la catástrofe ya ha comenzado y amenaza con transformarse en cataclismo. Pero rechaza las posturas fatalistas y el pesimismo pasivo. Canta las verdades a los partidarios del capitalismo verde, a los neo malthusianos obsesionados por la demografía y a los colapsólogos que dicen que no se puede hacer nada. Señala también el fracaso de las Conferencias climáticas internacionalesy el peligro que representan los aprendices de brujo de la geoingeniería.

"Uno de los espacios más importantes para la consecución de los derechos de las mujeres se encuentra en el ámbito del trabajo. Sin embargo, a pesar de los avances legales conseguidos en los países democráticos, los datos nos demuestran que las trabajadoras siguen teniendo los contratos más precarios, más dificultades para el acceso de ciertos sectores, a la promoción y a la dirección, y mayor tasa de desempleo, temporalidad y contratos a tiempo parcial. Son los sectores laborales más feminizados los que encuentran peores condiciones laborales. Además, las trabajadoras son mayoritariamente las que asumen la conciliación entre la vida familiar y laboral con claras repercusiones en la trayectoria laboral. Desde la perspectiva sindical feminista, la igualdad y la eliminación de la cualquier forma de discriminación deben estar presentes en todos los niveles de nuestra intervención, ya sea en los centros de trabajo, en la negociación colectiva o en el diálogo social. Esta guía es el resultado del trabajo sindical en el que aportamos elementos para analizar cuáles son las causas de la discriminación de género, herramientas para erradicarlas, propuestas sindicales para lograr una igualdad real y efectiva, buenas prácticas y reflexiones para un cambio de modelo económico más justo, equitativo, solidario y sostenible. "

"El pasado no te da de comer. Me iré como he llegado. Intacta, acusando de mis faltas a quienes me torturaron. Me hubiera gustado nacer estatua, soy una babosa debajo de mi estiércol". Un autorretrato obsesivo y revelador de una mujer notable humillada por las circunstancias de su nacimiento y por su apariencia física. Cuando se publicó por primera vez, ‘La Bastarda' obtuvo las comparaciones de Violette Leduc con Jean Genet por la descripción franca de sus escapadas sexuales y su comportamiento 'inmoral'. Una obra confesional que contiene retratos de varios autores y autoras franceses famosos, este libro es más que una memoria centelleante. El brillante estilo de escritura de Leduc y su atención al lenguaje transforman esta autobiografía en una obra de arte.

Edición integral de los tres volúmenes —el último de ellos inédito hasta el momento— del clásico de los años ochenta que inspiró a los «Rasca y Pica» de Matt Groening. Squeak the Mouse, el cómic más famoso, irreverente, vanguardista y pop de Massimo Mattioli, es una parodia de los dibujos animados para niños protagonizado por el gato y el ratón más sanguinarios de la historia, un festival de hemoglobina y amputación que desde hace décadas es inspiración y referencia para multitud de autores underground. En esta obra maestra de Mattioli la diversión está garantizada: humor negro, sexo explícito, guiños a las películas de terror y ciencia ficción de serie B y, sobre todo, un ritmo endiablado que conduce a una escalada de violencia y destrucción como nunca antes se había visto y que nadie ha logrado superar. En Squeak the Mouse, Mattioli alcanza las más altas cotas de delirio, saciando los bajos instintos del lector más depravado. En palabras de Ratigher, «si fuera escultor, habría perfeccionado la esfera, si fuera director de cine, rodaría el primerísimo de los primeros planos, si fuera los Beatles sería también los Rolling Stones… Pero Mattioli es dibujante de cómics y ha inventado a Squeak the Mouse».

Al principio, los cambios llegaron con tanta lentitud que pasaron a formar parte del tejido de las molestias cotidianas. Los cortes de electricidad eran esporádicos y breves, nadie les dio mucha importancia. Pero poco a poco comenzaron a condicionar la vida diaria, las horas en las que se podía poner una lavadora o simplemente leer. Parecía que nadie quería ver que los cortes se hacían cada vez más largos, pero un buen día la electricidad no regresó. Para entonces ya no se encontraba gasolina ni se veían aviones en el cielo. Nadie quería admitirlo y nadie parecía asumirlo, pero la civilización, la de los combustibles fósiles y el torbellino de consumo, se derrumbaba. En realidad hacía décadas que la Tierra lo gritaba. Nell y Eva son hermanas, tienen diecisiete y dieciocho años y viven en la casa familiar enclavada en el bosque, a las afueras de Redwood. Allí las educaron sus padres, en plena naturaleza, sin ir al colegio ni al instituto, desobedeciendo todas las convenciones, creyendo por encima de todo en los libros y la música. Querían ofrecerles una existencia plena y libremente elegida, ajena a las peores exigencias sociales, pero no contaban con que la sociedad en su conjunto colapsara. Tal vez nadie puede contar con eso, tal vez los humanos somos así. Tal vez por eso es tan difícil reconocer el desplome aun en medio de la ruina y tal vez por eso Nell y Eva conservan sus pasiones: Nell todavía confía en que vuelvan a convocarse unas pruebas de acceso para Harvard, y se prepara leyendo todo lo que encuentra; Eva quiere dedicarse a la danza y ensaya a diario, aunque ya no pueda poner música, reproduciendo cada composición en su cabeza. Sin embargo, frente a lo desconocido que está por llegar, ambas tendrán que reconocer que ningún gobierno, ninguna compañía energética, va a devolverles la vida que creían suya. En realidad, su vida, su nueva vida, está ya en el bosque que las rodea, repleto de riquezas inagotables que, hasta ahora, les han pasado inadvertidas.

La palabra Ru, elegida por Kim Thúy como título de esta bellísima novela, significa «canción de cuna» en vietnamita, su lengua materna, y «arroyuelo» en francés, su lengua de adopción. Tomando la forma del caudal de un arroyo (leve, continuo), la narración navega, a través de pequeñas escenas, lúcidas y precisas, engarzadas como los eslabones de una cadena, por los recuerdos de la protagonista, desde una infancia de ensueño y privilegio en Saigón a la huida precipitada del país en una barcaza, el paso por un campo de refugiados en Malasia y el comienzo de una nueva vida de inmigrante, junto a su familia, en Canadá. Thúy recrea con gran delicadeza y luminosidad una historia que tardó treinta años en decidirse a escribir: la suya propia. Impelida por el deber de recordar, la novela no elude el relato de las dificultades a las que ha de enfrentarse un ser humano abocado a un proceso de reinvención impuesto por el exilio. Sin embargo, su punto de partida es la serenidad y la gratitud de quien, pese a todo, se siente en la obligación de ser feliz. «En la escritura de Kim Thúy hay un contraste entre el horror y la belleza. Como si la palabra (poética, sensible) superase el mal y, en cierto momento, lo anonadase. Si podemos “hacer belleza” contando con el horror, entonces el horror pasa simplemente a formar parte de los dolores de la vida: una reducción a sus miserables e inhóspitos contornos.» Alejandro Gándara, El Mundo «Kim Thúy escribe con la misma delicadeza y sinceridad sobre una infancia marcada por la brutalidad que sobre los placeres de la paz cotidiana. Un libro valiente y conmovedor, que muestra los complicados procesos de la supervivencia emocional.» Eva Hoffman

desnudos bocarriba en un camastro sin sábanas mi cara al lado de tus pies tu revés es mi derecho siempre igual sin movernos hasta cuándo

Gloria Anzaldúa (1942-2004) escribió durante toda su vida con la convicción de que había que pensar que significaba vivir en la frontera: la de Estados Unidos y México, la de ser lesbiana y mestiza. El estar atravesada entre dos formas de vida y de pertenencia la condujo a hacerse cargo del modo en que la construcción histórica, política y social de la soberanía estatal y de la identidad nacional configuran heridas en los cuerpos. En este sentido, su trabajo ha sido fuente de inspiración en los estudios poscoloniales y feministas al aportar un marco de comprensión que da cuenta de la creación de espacios en los que se reproducen formas transversales de injusticia y desigualdad. La voz de Gloria Anzaldúa nos permite entender qué significa pensar desde una perspectiva poscolonial y feminista, qué nuevas tensiones surgen de un pensar radical que opera desde la herida de la frontera.

Hay libros eternos, sobre los que se vuelve una y otra vez sin que decaiga nunca la pasión que un día levantaron. Son los libros de siempre jamás, los que nos enseñan a encarar la vida, a entenderla, a conocer mejor el mundo y a nosotros mismos. Fulgenci

¿Puede el lenguaje poético materializarse como un cuerpo? ¿Puede ser inflexión, carne o textura? ¿Puede vencer la barrera del movimiento y trasspasar la frontera escénica del papel? Ana Gorría pone en marcha estas preguntas en Nostalgia de la acción. Como premisa, el trabajo fílmico, coreográfico y escénico de la artista Mayra Deren (1917-1961). En un diálogo explícito con algunas de sus piezas, el sujeto poético desenvuelve la variedad de sus personas verbales, la posibilidad física de la existencia en la palabra, las emociones humanas al calor de la emociones-acción, reracción-de un cuerpo móvil. Los dibujos de Marta Azparren introducen un tercer lenguaje que fija la indagación poética a la manera de un fotograma del gesto y añaden, en su propio estilo, una variación más en las lecturas posibles de Deren.