En su esperado regreso, Joe Sacco nos ofrece una obra maestra del periodismo gráfico sobre los pueblos indígenas de Norteamérica, la explotación de recursos naturales y nuestra deuda con la tierra Del autor de Notas al pie de Gaza UNA DE LAS 35 MEJORES NOVELAS GRÁFICAS SEGÚN ESQUIRE, ENTRE LOS 30 MEJORES LIBROS DE HISTORIA DE 2020 SEGÚN EL MUNDO Y UNO DE LOS CÓMICS ESENCIALES DE 2020 SEGÚN EL PERIÓDICO «Una obra maestra de un gran artista. Un libro imprescindible que utiliza el arte para denunciar la barbarie.» Jesús Jiménez, RTVE Los denes han vivido en el valle del río Mackenzie desde tiempos inmemoriales. La tierra es el elemento central de su modo de vida y creen, como muchas otras culturas nativas, que son ellos los que pertenecen a la tierra y no al revés. Pero los territorios del noroeste de Canadá también albergan importantes recursos minerales: petróleo, gas y diamantes. Con la minería llegaron las inversiones y el trabajo, pero también la tala de bosques, el fracking, los vertidos tóxicos y los oleoductos. Todo ello afectó al paisaje, así como también los modos de vida tradicional fueron deformados por un sistema educativo pernicioso, por un gobierno que se arrogó la propiedad de la tierra, por los estragos del alcohol y las deudas bancarias. Ambientado en un escenario natural tan vasto y sublime que empequeñece la escala humana, Un tributo a la tierrada voz a una galería inédita de personajes: tramperos, jefes indígenas, activistas, sacerdotes... para narrar una historia fascinante sobre el dinero, su dependencia, la extinción de una cultura y la lucha por la supervivencia.La crítica ha dicho... «Un tipo único en el cómic, capaz como pocos de hibridar la crónica periodística con la historieta sin restarle un ápice de verdad.» Juan Losa, Público «Sacco es una figura esencial, [...] un autor que siempre se moja y que no es objetivo, pero sí honesto [...] y que cuyo compromiso no evita que su métodosea riguroso y esté unido a la verdad y a los hechos. [...] Un libro maravilloso.» Gerardo Vilches, El ojo crítico (RNE) «Una obra tan acongojante como necesaria.» José Martínez Ros, Mondosonoro «Como un Brueghel de ahora mismo, Sacco dibuja los trabajos y los saberes de la gente común, las aventuras, las desgracias, las borracheras, las celebraciones colectivas.» Antonio Muñoz Molina, Babelia «Posiblemente, el mejor periodista-dibujante del planeta. [Este libro es] una vuelta a esos grandes reportajes de revista semanal, un documental sin prisas. [...] Un tebeo monumental.» Rubén Santamarta, La Voz de Galicia«A veces, para descubrir la verdad hay que excavar mucho. Lo sabe bien Joe Sacco que se aventuró cientos de metros bajo tierra. [...] Su obra más importante.» Tommaso Koch, El País «Sacco hace con sus dibujos y álbumes lo mismo que otros periodistas con sus reportajes escritos o fotográficos. Pionero de un género raro e innovador, explorador en primera línea de conflictos, [...] construye una ambiciosa obra con la que rompe diez años de silencio editorial.» Miguel Lorenci, La Voz de Galicia«El mayor exponente del cómic periodístico [...] regresa y logra que el lector se bañe en una atmósfera, a través de un montón de imágenes.» Fernando Díaz de Quijano, El Cultural «Una verdadera proeza, este es un libro iluminador.» The New York Times Book Review «La maestría de Sacco es innegable y su rigor, perpetuo. Aquí lodemuestra de manera apabullante, en su gran regreso al trabajo de campo tras varios libros realizados en el estudio.» Le Monde «El heredero de Robert Crumb y Art Spiegelman.» The Economist

Una aguda reflexión sobre el fenómeno social en el que se ha convertido la cultura del skincare. La cara se ha convertido en una superficie de control, en la prueba del tiempo... o de su negación. Este no es un ensayo sobre cremas ni rituales de bienestar, sino sobre lo que ocurre cuando nos miramos al espejo con una nueva arruga y un pensamiento intrusivo que también es nuevo. Sobre el gesto íntimo y cotidiano de aplicar una crema en el rostro por la mañana mientras nuestras hijas toman nota. Sobre la sospecha de que el nuevo imperativo es tener un cuerpo delgado y una piel perfecta.Este libro nace de un conflicto genuino: el deseo de verse bien y el temor de estar participando en la perpetuación de un sistema que no elegimos.

Un insectario que funciona como un espejo del alma humana. En Vida insecta, los poemas indagan en una relación que mantenemos con lo diminuto, con aquello que bate y horada el silencio de lo doméstico. Aunque todos parecemos estar a la altura de algo extraordinario que transforme nuestra existencia, lo cierto es que nuestra vida no es tan distinta de la de los insectos. Está hecha de repeticiones, rutinas y aburridas tareas. También de gestos en apariencia insignificantes que, sin embargo, nos sostienen y nos ofrecen una precaria sensación de seguridad. Para explorar esa condición, la autora se vale de un lenguaje capaz de protegernos frente a lo incontrolable y de ayudarnos a habitarlo sin quedarnos sin palabras.El libro se levanta sobre un diálogo de umbrales: por un lado, la invocación de William Blake, que cuestiona la hegemonía de lo humano –«¿No soy yo / una mosca como tú?» –; por otro, la advertencia de Alejandra Pizarnik sobre la espera, que siempre lleva implícita una silenciosa transformación interior. A partir de ahí, la poeta despliega una entomología de los afectos en la que el miedo «incuba huevos en el cerebro» y el dolor se posa como «polvo fino de mariposa».Desde la mujer polilla que emerge en busca de sus partes desmembradas hasta la tiranía de la república de las obreras, se revela una naturaleza que nos recuerda que «tocar es siempre ser tocado». Al final, queda el «largo proceso» de descomposición larvada en la raíz, un territorio donde la palabra –«la muerte de la mosca»– intenta suspender el tiempo antes de que irrumpan «las bestias carniceras de la noche».En este ecosistema que zumba, repta y aletea, Cristina Sánchez-Andrade difumina los límites entre refugio estético e intemperie. Vida insecta no es solo un libro de poemas, es en sí mismo, una metamorfosis.

La secuela de Trainspotting treinta años después de su publicación. ¿Los echabas de menos? Hablamos de Renton, Spud, Begbie y Sick Boy, los protagonistas de Trainspotting, la novela que lanzó al estrellato a Irvine Welsh y que se convirtió en un fenómeno literario y cinematográfico. Hombres enamorados retoma al cuarteto justo donde los dejó Trainspotting, después de aquella compraventa de heroína que acabó en trifulca y con cuyo dinero Renton se da a la fuga y deja al resto con un palmo de narices.Estamos a finales de la década de los ochenta del pasado siglo, años terminales del gobierno Thatcher y de transición del punk al dance. Con el dinero sustraído a sus compinches, Renton se instala en Ámsterdam, donde se adentrará en un submundo de clubes de más que dudosa reputación y frecuentará a personajes peligrosos; Sick Boy se ha quedado en Londres, donde intenta desengancharse y donde conoce a Amanda, una pija, hija de un político, que lo introducirá en un entorno social muy distinto; la vida de Begbie transcurre entre la cárcel y Leith, el maldito barrio del que no logra salir; hasta allí ha vuelto también Spud, que se enamora de Ali, una chica con más afición a los opiáceos que al sexo… Ahí van Renton, Spud, Begbie y Sick Boy tratando de convertirse en hombres de provecho… o algo parecido.Irvine Welsh regresa al lugar del crimen, retoma sus protagonistas más queridos y nos ofrece una nueva muestra de su inmenso talento para la narración trepidante, el lenguaje callejero y la construcción de unos personajes desnortados y repletos de flaquezas que forman parte ya de las vidas de muchos lectores.Hombres enamorados es una novela sobre el complicado arte de madurar y manejar los sentimientos, sobre las dificultades de dejar atrás los años salvajes y buscar un norte en tu vida. Todo ello sin dejar atrás, tratándose de una novela de Irvine Welsh, sexo, visceralidad y desenfrenos varios.

Kafka y sus traductores: un fascinante fresco de historia literaria del siglo XX. ¿Qué ocurre con la obra de un escritor cuando se traduce? ¿Y qué sucede cuando ese escritor se llama Franz Kafka? Desde mediados de los años veinte, un puñado de autores dieron nueva vida a sus obras fuera del idioma y el lugar en los que fueron concebidas, salvándolas del olvido al que pretendían condenarlas las autoridades soviéticas y nazis.Bruno Schulz lo tradujo al polaco antes de ser asesinado de un tiro por un miembro de la Gestapo, Milena Jesenská lo vertió con precisión al checo antes de ser deportada, y Jorge Luis Borges, al español, antes de perder la vista. Paul Celan y Primo Levi lo tradujeron, al rumano y al italiano, a la luz de su paso por los campos de concentración. Sus traductores rusos trabajaron en la clandestinidad. Y en cuanto al poeta Melech Ravitch, lo trasladó al yidis para un público prácticamente desaparecido tras la guerra.Con una prosa clara y poética, atravesada por un sutil sentido del humor, Maïa Hruska explora la traducción no como un ejercicio de fidelidad, sino como una experiencia transformadora: una relación amorosa, un laberinto, una criatura viva. Galardonado con el Premio François Billetdoux, el Transfuge al mejor ensayo, el Premio Malraux de ensayo sobre arte y el Gran Premio de la Crítica Literaria del PEN Club francés, este estudio vivo y erudito nos embarca en un viaje por los grandes nombres de la literatura europea y los episodios más oscuros del siglo XX, con Kafka, siempre, como punto de partida y de retorno.

En Las locas que no lo eran Carmen V. Valiña se sumerge en el archivo del Manicomio de Conxo para encontrarse en él con la subversión y la rebeldía de madres solteras, de alcohólicas o de esposas que deseaban divorciarse. Muchas de esas mujeres no tenían en realidad ningún trastorno mental. La ruptura con lo que se esperaba de ellas fue la causa de su reclusión. Las cartas y los informes familiares permiten a la autora recuperar las palabras, las subjetividades y las emociones de esas «locas», sus vidas más allá de los testimonios médicos. Porque estas mujeres, aunque analfabetas en su inmensa mayoría, encerradas tan lejos de sus pueblos y aldeas, fueron al mismo tiempo poderosas y valientes: se las arreglaron, incluso dentro de las paredes de un manicomio, para que sus testimonios llegasen hasta nosotras. Escucharlas es un ejercicio de justicia histórica.

Once relatos autobiográficos que se adentran en los territorios más íntimos para cuestionar los mitos que solemos dar por intocables. En esta colección de once narraciones autobiográficas escritas entre 2011 y 2025, Margarita García Robayo se adentra en los territorios más íntimos para cuestionar los mitos que solemos dar por intocables –padre, madre, familia, hogar, intimidad, pareja, sexo– y mostrar las grietas donde se levanta una vida. Con una franqueza conmovedora y un humor irónico, nos revela la autopsia de su yo interior imperfecto y, sin embargo, trágicamente universal.Las piezas recorren el amor y el enamoramiento, las obsesiones, la amistad y el deseo. También las contradicciones de la maternidad y las frustraciones que se arrastran con ella, las mudanzas que reconfiguran el mapa personal. La relación con los hombres mayores se enreda con la sombra del padre, mientras las crisis mentales de su madre se observan desde la cotidianidad, casi como un paisaje doméstico.«El epígrafe de todos mis textos podría ser: antes de escribirla, esta idea era mejor.» Las dos narraciones inéditas –«¿Qué tienes en la cabeza? La búsqueda de sentido en la escritura» y «Casa llena»– exploran la escritura como forma de resistencia frente a las ficciones con las que tratamos de hacernos un lugar en el mundo.El de García Robayo es un testamento de pensamientos que, como señala Leila Guerriero en el prólogo, «no fulgura en las majestuosas cúpulas de lo grandilocuente, sino en los pequeños infiernos y paraísos que se esconden en el cada día».

Modiano en estado puro: un baile a través de la memoria y el tiempo perdido. Un parisino se topa con un viejo conocido que, de entrada, niega ser quien es. El fugaz reencuentro despierta en él la evocación de una ciudad ya extinguida: el París de su juventud, habitado por personajes de pasado difuso, con ecos de violencia, exilio y culpa. Aquellos supervivientes, a la fuerza marginales y misteriosos, asoman en su cabeza cincuenta años después «igual que suben los ahogados a la superficie del Sena».De entre todos ellos, se impone el recuerdo de una bailarina que, como en una caja de música, gira sin cesar al ritmo de una memoria fragmentada. Ella y su hijo Pierre se convierten en el eje de una búsqueda retrospectiva y melancólica de su propia identidad, de sus «comienzos en la vida»: un periodo evocado entre brumas, hecho de clubes nocturnos y habitaciones estrechas, de pasiones clandestinas e inquietantes reapariciones.En La bailarina, Patrick Modiano rompe la línea cronológica para acoger las visiones tal como llegan, aunque haya que «andar con pies de plomo para burlar el desorden y las trampas de la memoria». Entregado a la invocación del pasado, su narrador se erige en testigo silencioso y, como es habitual en su literatura, reconstruye aquel París oscuro y frío, poblado de personajes de sombra alargada que transmiten un estado de alerta constante: una tensión que subyace bajo la belleza lírica característica del autor, y que redefine el género negro. Y es que tras el enigma que aquí se resuelve no hay tanto un crimen como una pregunta: cómo aceptar las cicatrices, cómo mudar de piel y aprender a vivir en un presente eterno. Un Modiano concentrado y fulgurante, que deja emerger de entre la niebla brillos de una luminosidad imprevista.

En el cuarenta aniversario del fallecimiento de la autora, el relanzamiento de uno de los textos más poderosos e influyentes del siglo XX.El segundo sexo revolucionó nuestra manera de pensar la condición femenina y marcó de forma decisiva el desarrollo del feminismo contemporáneo. Este poderoso ensayo nos interpela hoy con una vigencia asombrosa. En él, Simone de Beauvoir combinó filosofía, historia, literatura, sociología y autobiografía para explorar los factores que han contribuido a construir a la mujer como la Otra, definida en relación con el sujeto masculino y situada entre lo que se ha presentado como "naturaleza femenina" y las exigencias de una sociedad patriarcal. Fiel a su célebre afirmación "no se nace mujer, se llega a serlo", Beauvoir mostró hasta qué punto la feminidad es una construcción cultural. Frente a ese destino impuesto, reivindicó la libertad, la responsabilidad y la capacidad de las mujeres para definirse por sí mismas. Más de siete décadas después, la obra de Simone de Beauvoir ha trascendido lo literario y filosófico para influir en algunos de los más importantes movimientos sociales y políticos, y sigue siendo una referencia ineludible para quienes se niegan a aceptar la desigualdad como un hecho "natural".

La biografía de Miguel de Unamuno, su novela personal, su drama vital del que es dramaturgo, ocupa un lugar prominente en la historia contemporánea sociocultural y política de España. Aspira el espíritu regenerador de la Institución Libre de Enseñanza y de la Generación del 98 y lo difunde a lo largo de toda su vida a través de la palabra hablada de su docencia universitaria y de la palabra escrita de su prolífica obra literaria que es tan autobiográfica. El libro se adentra en las «hondas entrañas» de su existencia, en su lucha agónica entre la razón y la fe, entre el corazón y la cabeza, entre el alma y el cuerpo, en el sentimiento trágico de la vida, la angustia existencial, la nostalgia de la edad bendita de la niñez, la «locura de no morir» y el «ansia loca de inmortalidad», la fantasía delirante de haber recibido la llamada divina que lo hace apóstol evangelizador e instrumento de la divinidad con la misión de renovar España y salvar la civilización cristiana occidental. Por qué se adhiere al golpe militar de julio de 1936 es una pregunta inquietante que el libro trata de responder. Después de haber proclamado, ante el horror de devastación y muerte de la guerra en un mar «que azotan las galernas», que «vencer no es convencer», y de haber oído los gritos militares amenazantes que decían «muera la inteligencia» y «viva la muerte», entra en un tiempo final de «horas vacías», de desolación, de tristeza y desesperación en el que las pérdidas, las derrotas y la impotencia lo abocan a la melancolía, «encadenado a la desgana». El libro alude al reciente debate en torno a su muerte y establece que Unamuno muere de melancolía como su héroe don Quijote.

Tres obras imprescindibles para entender a uno de los dramaturgos españoles más relevantes de hoy.Alberto Conejero (Jaén, 1978) es una de las figuras más relevantes de la dramaturgia española contemporánea, tanto por la excelencia formal como por la profundidad ética y estética de su escritura teatral. Las tres obras que recoge este volumen pretenden dar muestra de su producción hasta la fecha, marcada por unos textos de alta tensión poética y una concepción del teatro como el arte del vínculo amenazado. Así, La piedra oscura trabaja sobre la materia histórica a partir de la figura de Rafael Rodríguez Rapún, que fue secretario de La Barraca y el gran amor de Federico García Lorca; Ushuaia indaga entre los pliegues más terribles del pasado europeo y la ocultación de sus crímenes en América del Sur, y En mitad de tanto fuego presta voz al deseo de Patroclo por Aquiles, tantas veces silenciado por el clamor bélico. Tres miradas muy diferentes al pasado para hablar de las luces y sombras de nuestro presente.

En una sociedad donde el valor individual se define por la capacidad de consumir, la pobreza ya no se mide por la falta de trabajo, sino por la exclusión del circuito de bienes y estilos de vida. Esta transformación marca el paso de la antigua ética del trabajo a una nueva estética del consumo, donde ya no basta con querer trabajar: lo que importa es poder comprar.En este ensayo, Zygmunt Bauman analiza las consecuencias de ese giro profundo y cuestiona la eficacia de los métodos tradicionales para combatir la pobreza. ¿Tiene sentido seguir confiando en recetas heredadas del siglo xix? ¿Y si empezáramos a pensar el derecho a una vida digna más allá del empleo remunerado?Una invitación provocadora a repensar la justicia social en tiempos de preocupante y creciente desigualdad.

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El viaje interior de un hijo en busca de un padre inalcanzable, una historia que rebosa ternura, ironía y emoción «Ya sabes cómo es». Esa frase, repetida como un conjuro por la madre de Emanuele Trevi durante su infancia, encierra el misterio que atraviesa este libro: la figura esquiva de un padre tan fascinante como inaccesible, porque su hijo, en realidad, nunca supo cómo era. Mario Trevi, célebre y reservadísimo psicoanalista junguiano, fue para muchos un «mago» capaz de sanar las almas heridas; para su hijo, una presencia distante, casi irreal. Crecer a su sombra significó aprender pronto a ocupar un lugar secundario, a aceptar las distracciones y los silencios del padre. Tras su muerte, un legado incómodo: un apartamento que nadie quiere comprar, todavía impregnado de las vidas «torcidas» que durante décadas pasaron por allí en busca de consuelo. Emanuele decide mudarse a ese espacio y, al hacerlo, se adentra en una investigación íntima y literaria que se traduce en un descenso a la memoria, una exploración de la locura y un diálogo entre vivos y muertos. Los recuerdos familiares, el psicoanálisis y algunos episodios tan extraños como reveladores sirven al autor para desentrañar el enigma de un hombre que no dejó nada sobre sí mismo por escrito. Emanuele Trevi nos ofrece su novela más personal y conmovedora: un libro luminoso e irónico sobre uno de los vínculos más exigentes, el que se forja entre un padre y un hijo, donde la búsqueda del otro se convierte inevitablemente en la búsqueda de uno mismo. Un texto ágil y tierno, divertido e inesperado. «Emanuele Trevi, el hijo del “mago”, también es mago. Este libro es su hechizo». Antonio Scurati