La más completa teoría filosófica del Estado.El Estado ha existido siempre, al menos desde el paso de las sociedades primitivas a las primeras civilizaciones. Pero ¿pueden los Estados actuales resistir a la captación corporativa, la corrupción, el fanatismo religioso y la manía nacionalista? ¿Pueden encontrar la manera de colaborar en favor de la integridad de la Tierra y la prosperidad de los pueblos? ¿O no se halla el Estado a la altura de estas exigencias? Con una visión más realista que utópica, Philip Pettit examina la naturaleza del Estado y de qué modo puede desempeñar mejor su función.Pettit identifica un ideal de Estado que constituye la condición previa para la justicia. Solo si los Estados se acercan a este ideal funcional podrán hacer frente a los problemas recurrentes de la pobreza extrema y la discordia encarnizada, así como a los retos que se ciernen sobre los próximos siglos. A pesar de las narrativas persistentes sobre su declive, el Estado sigue siendo irrenunciable para el futuro de la especie humana.«La teoría del Estado más importante que ha sido defendida en los últimos años». José Luis Martí«Por su ambición y ejecución, El Estado se asemeja a obras canónicas de filosofía política como Leviatán (1651) de Thomas Hobbes o El contrato social (1762) de Jean-Jacques Rousseau, y probablemente se contará entre ellas con el tiempo». Adam Coleman, The Irish TimesÍndice:Parte I. El rol del Estado y sus exigenciasLa función del orden políticoEl orden político integradoEl orden político descentralizadoParte II. El potencial del Estado y sus dimensionesLos poderes colectivos de los ciudadanosLos derechos individuales de los ciudadanosLas exigencias de una economía de mercadoConclusión. Resumen de la argumentación

Si no hay redención posible, entonces el mundo, tal como existe en el lenguaje que hablamos, carece de sentido. En la obra de Zurita la redención no existe. El dolor persiste, es la raíz de la historia. ¿Cómo puede hablar la poesía, entonces, de un mundo en el que no habrá «ni pena ni miedo», palabras que Zurita hizo escribir en grandes letras con máquinas excavadoras en el desierto de Atacama? Se trata de un nuevo estatuto del lenguaje, del lenguaje incrustado en el paisaje, en la tierra o, en otros trabajos de Zurita, escrito en el cielo y en los enormes acantilados de la costa de Chile. Lo mismo se extiende al libro: las palabras convierten la página en superficie real, están en el espacio; el paisaje está en la página, se registra como masa y fuerza, no pertenece al reino de los símbolos. La escritura vuelca la página hacia afuera, hacia el mundo exterior. Por eso las palabras son densas, ocupan extensiones del espacio, son duraciones del tiempo. No representan, están. Ahí las palabras de Zurita que encabezan un muro del Cementerio General de Santiago donde se han grabado los nombres de centenares de desaparecidos: «Todo mi amor está aquí y se ha quedado pegado a las rocas al mar y a las montañas». Son palabras que alteran nuestra relación con el mundo, nosotros nos convertimos en otros: se trata de un devenir, nuestro y del paisaje, en que la vida se escribe de otra manera. La apuesta que recorre toda la obra de Zurita es nada menos que la creación de un nuevo lenguaje de la poesía, tal como, en su tiempo, habían realizado César Vallejo o William Carlos Williams. Las revoluciones del lenguaje poético suceden pocas veces ya que requieren una energía artística excepcional. La poesía de Zurita es un decir y en el mismo instante un suceder. En una época en que el lenguaje que hablamos y leemos no es capaz de dar cuenta de un evento catastrófico, la poesía de Zurita restituye el suceder al lenguaje. En medio de la destitución más extrema, puntual experiencia de la población chilena y de otras poblaciones en la actualidad, esta obra habla de la posibilidad de la vida nueva, del paraíso, posibilidad sin la cual nuestro estar en la tierra no tendría por qué. William Rowe Doctor Honoris Causa de la Pontificia Universidad Católica del Perú, miembro de la Academia Británica

Se recogen aquí los textos escritos por Marguerite Duras para Cahiers du cinéma, revista que en 1980 encargara un número especial a la escritora y cineasta otorgándole total libertad en la escritura, ilustración y compaginación del mismo, que más tarde, ya en formato libro, se ampliaría con más contribuciones suyas a la mítica cabecera —entre ellas una justamente famosa entrevista a Elia Kazan a partir del deslumbramiento ante Wanda de Barbara Loden—. Les Yeux verts, que así se tituló aquel número de junio, es un apasionante e inclasificable paseo de la mano de Duras por multitud de temas, entre los que sobresale la reflexión sobre su propia obra cinematográfica y literaria y la de otros (Chaplin, Bresson, Allen, Laughton, Renoir, Godard…), sin olvidar pasiones no menos importantes para ella, como la política, la historia o los sucesos periodísticos, que toma la apariencia de un misterioso mosaico al que barniza la inconfundible música del estilo durasiano, aquí especialmente espontáneo y directo. Queda de igual manera cobijada en estas páginas la singular asunción del cine por parte de la famosa novelista, una práctica, la fílmica, que la relacionaría fuera del mainstream cultural con otras personas, muchas jóvenes, y que llegaría a dialogar íntima y conflictivamente con su obra literaria tras convertirse de forma paulatina en una nueva escritura a contracorriente, destructiva, iconoclasta («mi relación con el cine es la del crimen»), que alteraba la jerarquía entre imagen y palabra abriéndola a una nueva erótica. De este firme y lento proceso también nacería su enrabietada lucha —que hoy día ya podemos calificar de visionaria— por un lugar en la industria y en los medios de comunicación para las películas baratas y diferentes, así como por un espectador dispuesto a abandonar la kantiana minoría de edad.

Decía Elias Canetti a propósito de su ambicioso ensayo de 1960, Masa y poder, sobre las dinámicas institucionales de control social en el siglo XX, que sentía que por fin había podido «agarrar a este siglo por el cuello». Con su nuevo poemario, podemos decir que Juan de Salas (Madrid, 1999) ha agarrado al suyo también, pero además lo ha hecho pasar por el tubo, hasta hacerle cantar de agudeza, arte e ingenio.Como si se tratara de una miniserie inspirada en los episodios nacionales de Galdós, este libro emprende con furor y comedia una larga ruta turística por la España decimonónica de Isabel II, las guerras carlistas y el ruido de sables, y, por figuración, nos ofrece una mayor visibilidad de la España del euro en la que nació el autor y el resto seguimos vivos. Por lo tanto, también es una visita guiada a pie de obra por nuestros propios corazones.Con El siglo Juan de Salas inaugura la epopeya lírica española del nuevo milenio.

Este libro reúne un conjunto de estudios que tratan de la relación fecunda de Fernando Quiñones con el flamenco. Por un lado, el escritor gaditano se sirvió de los mimbres del flamenco y del cante jondo para todos sus escritos: del cuento a la novela, de la poesía al teatro, del ensayo al artículo periodístico, del guion a la entrevista. Por otro lado, puso en valor su peso en el seno de la historia, la sociedad y la cultura españolas, al igual que hicieron otros intelectuales y críticos en la segunda mitad del siglo XX. De modo que Fernando Quiñones y el flamenco aborda esta relación a partir de tres perspectivas fundamentales: la consideración del flamenco como fuente de Quiñones para la creación literaria —algo visible en el uso de algunos recursos técnicos y en la construcción de argumentos, personajes, escenarios, ambientes y descripciones—; la investigación que llevó a cabo en torno al flamenco, con títulos como De Cádiz y sus cantes (1964) y El flamenco, vida y muerte (1971), y su labor divulgativa en las revistas y los medios de comunicación, como hace en los programas de televisión Flamenco (1975-1977) y Ayer y hoy del flamenco (1980-1981).

Con El extraño caso del doctor Jekyll y Mr. Hyde (1886), obra maestra de la literatura de terror con que se abre esta selección de sus mejores narraciones de miedo, R.L. Stevenson volvió a ocuparse de un tema que le preocupó durante toda su corta vida: la dualidad de la naturaleza humana. Todo empezó con un sueño: «Lo que soñé sobre el doctor Jekyll -confesó el autor al New York Herald- fue que un hombre se ve obligado a entrar en un armario e ingiere una droga que lo transforma en otro ser. Me desperté y comprendí inmediatamente que había encontrado el eslabón perdido que andaba buscando desde hacía mucho tiempo, y antes de irme a la cama tenía muy claro casi todos los detalles de la trama». Localizada en el corazón de un Londres victoriano, la novela viene a ser una sucesión de testimonios procedentes de varios testigos cuyo presunto fin es desvelar un misterio. Jekyll y Hyde son como una entidad disociada en dos. Hyde es la personalidad demoníaca, monstruosa de Jekyll, al que horrorizan las acciones de su doble maligno, y simboliza el mal que Jekyll se reprime a sí mismo, el cual, una vez liberado, no puede controlar. La edición, a cargo de Juan Antonio Molina Foix, se completa con otros cuatro relatos: «Janet, la torcida» (1881), historia que transcurre en Escocia en 1712, fue el resultado de un concienzudo estudio de Stevenson sobre la brujería escocesa; «El ladrón de cadáveres» (1881) aborda un hecho real ocurrido en Escocia a comienzos del siglo XIX; en «Markheim» (1884) vuelve a aparecer el tema del doble, pero el doble, en este caso, es el diablo; y «Olalla» (1885), que también fue producto de un sueño y plantea el contraste entre la prístina belleza del escenario natural y la «antigua y ruinosa casa solariega» símbolo de la degeneración hereditaria.

Estamos en una ciudad hundida entre cerros, lejos del mar, pero surcada por un río. El calor es pegajoso, el sonido de las chicharras aturde. Ella recibe una noticia en su correo electrónico: hay una ballena jorobada que canta a una frecuencia distinta a la de todas las demás. Nunca ha visto uno de estos animales y nunca antes había necesitado escuchar su canto. Hasta ahora. Ahora no deja de pensar en las ballenas y, mientras evoca imágenes de su infancia que suceden junto al agua o en el agua, traza un plan para escucharlas. Tamara Silva Bernaschina convierte la búsqueda de ese canto en un recorrido por la propia infancia —las travesuras, el amor a los abuelos, el miedo irracional, el deseo incipiente—, cuando la felicidad estaba siempre al alcance de la mano; y en una exploración de las primeras ausencias, de los silencios y los temores más íntimos. Un libro, en palabras de la artista uruguaya Magela Ferrero, «tan emocionante como ver una playa por primera vez». «Es una novela de apariencia simple, pero con una gran cantidad de capas de sentido. Narrada con un estilo rico y expresivo, construye un mundo y personajes que nos permiten reflexionar sobre la soledad, la familia y el deseo, en un mundo amenazado por la explotación sin límites de nuestros recursos naturales». —Jurado del premio Juan Carlos Onetti «Prodigiosa su escritura». —María Fernanda Ampuero

Tereza tiene doce años. Ivan, su profesor de dibujo, cincuenta. Durante más de un lustro los unirá una relación enmarañada por el poder, el desequilibrio, el sexo y la obsesión. Tereza se confesará con su amiga Silvia y buscará palabras para nombrar esa sensación que le bulle en las entrañas. Ivan guardará el secreto y soñará con relojes que hacen tictac y lo persiguen. Cuando se emborrache, repetirá: «Te pareces tanto a mi hija, ¿sabes lo aterrador que es eso?». Nicol Hochholczerová ha escrito una novela deliberadamente ambigua. Su prosa, afilada en el minimalismo y el simbolismo, sigue a Tereza en su compulsión por devorar aquello que no le alimenta. Las canas que a Ivan se le caen en el regazo, los miembros de sus otros amantes, las paredes de su habitación infantil. Tereza mastica y traga, pero su cuerpo es incapaz de digerir y asimilar el mundo que se abre ante ella. Se atraganta en su hambre por el goce y el dolor, por entender los mecanismos bulímicos que rigen su deseo. Traducida a ocho idiomas, finalista del premio más prestigioso de Eslovaquia —el Anasoft Litera— y a la vez vetada en los institutos por el propio patrocinador del galardón, Esta habitación imposible de comer llega a las librerías españolas como uno de los debuts más polémicos y desafiantes de la literatura europea reciente. «Una obra maestra del minimalismo; convincente, absorbente y poderosa», Michael Tate, Asymptote Journal

El mar siempre ha sido un enclave propicio para la aventura, la exploración, lo desconocido, las grandes hazañas y también, por qué no decirlo, para el horror. No es extraño encontrar en muchos viejos mapas de mares y costas, en todas las lenguas y culturas, la enigmática expresión que nos advierte: “más allá hay monstruos”. La antología que nos ocupa está preñada de salitre, de mareas, de mástiles y velas desplegadas al viento, y de hombres, de personajes que afrontan el mar con desafío, con cobardía, con indiferencia o sorpresa, y también con horror. Mares tenebrosos es una antología que reúne veinte relatos de terror ambientados en el mar. La selección, a cargo de José María Nebreda (que también se ha ocupado de la traducción y las notas biográficas), ha procurado ser lo más variada posible: hay cuentos que se desarrollan en la costa, cerca del mar; otros en las islas desconocidas y desiertas; en las cantinas portuarias, llenas de viejos lobos de mar que narran extrañas historias; en un faro perdido entre los escollos, a decenas de kilómetros del continente; en un barco fantasma que no sabe que lo es; en otro que ha visto un espectro y siente un pánico paralizante; vagabundearemos sin rumbo, enloquecidos, en medio de la bruma más espesa e impenetrable; incluso viajaremos tierra adentro, a un pueblecito alejado del mar por una gran distancia y que, sin embargo, alberga una de las más bellas historias fantásticas sobre el mar jamás escritas. No podían faltar en esta antología autores de la talla de W.H. Hodgson, gran maestro de este peculiar género, H.P. Lovecraft o Robert E. Howard. También se han incluido autores menos conocidos por el aficionado español como John Masefield, James Anley, William Outerson, Frank Norris, Michel Bernanos y Jack Cady.

Una puerta a la mejor poesía reciente preparada específicamente para estudiantes de ESO y de Bachillerato.Esta antología ofrece un recorrido esencial por la poesía española del siglo xx. Organizada en seis etapas, desde el Modernismo y la generación del 98 hasta la España democrática, permite seguir con claridad la evolución de formas, estilos y modos de expresión que configuran la sensibilidad poética más reciente. Así, las obras, seleccionadas especialmente para jóvenes estudiantes, presentan una muestra significativa de cada momento y nos acercan a una tradición amplia y en constante progreso. Un volumen que, acompañado de notas e introducciones a cada periodo, invita a aprender y disfrutar de la mejor poesía española del siglo pasado, animando a una lectura pausada y a reconocer el valor y la vigencia del legado de nuestros poetas.

¿Qué es la investigación artística? ¿Qué es un documento de investigación? ¿Qué relación guardan con el proceso de creación, la invención y la creatividad? ¿Qué se espera exactamente de mí? Si alguna vez te has hecho estas preguntas, este libro es para ti. Descubrirás los aspectos clave del proceso de investigación y documentación: cómo encontrar un tema y un enfoque adecuados, formular la pregunta de investigación, desarrollar un método, elegir un estilo (o varios) de escritura adecuado y comprender la importancia del material visual, virtual, sonoro, corporal y espacial. En este libro encontrarás decenas de ejemplos procedentes del ámbito del arte y el diseño. Cada uno de ellos ilustra un aspecto específico del desarrollo de una tesis, ensayo, artículo, informe, propuesta, documento de investigación, o comoquiera que se denomine en tu propio contexto. Puedes leerlo de principio a fin o acudir directamente al apartado que más te interese. En el fondo, este libro no pretende ser más que una invitación: a pensar, a experimentar, a plantear preguntas y a compartir tus propios proyectos y ejemplos. Su propósito es acompañarte y ofrecerte herramientas para que puedas desarrollar, paso a paso, tu propia investigación.

Del prólogo de Víctor Erice: Probablemente muy pocos libros de cine habrán respondido a una necesidad más íntima que este titulado Tiempo de vivir, tiempo de revivir. Conversaciones con Douglas Sirk, de Antonio Drove. Un libro cuyas páginas yo he sentido —aunque sea tantas veces a la distancia que establece el hilo del teléfono— crecer día a día en el ánimo del autor, siempre con una misma sostenida pasión, a través de unas conversaciones donde su palabra era capaz en tan sólo unos segundos de transitar, a caballo de vertiginosas asociaciones, por los dominios del cine, la pintura, la literatura e incluso la sinología, sin que en ocasiones faltara tampoco la evocación de algunos de los momentos más intensos de su propia vida. El resultado de este impulso a la vista está: un texto de no fácil clasificación, una mezcla de diálogo, reflexión sobre el cine y memoria personal, en el cual se deja oír, sin duda, la voz de Douglas Sirk, pero donde brota también la del cineasta español que lo firma. No podía ser de otro modo, dado el carácter y la significación del acontecimiento que está en el origen de la obra: el encuentro entre los dos directores en Lugano (Suiza). ¿Este encuentro decisivo entre ambos directores fue una consecuencia tan sólo del azar? ¿Por qué Douglas Sirk y no otro? Es el libro quien trata de responder. Entregado a esta tarea, sin dejar de reflexionar sobre las características de su oficio, Antonio Drove nos ofrece el relato de un itinerario de iniciación y conocimiento, evocación de unos años de aprendizaje, siguiendo el hilo de unas relaciones tejidas al calor del amor y la amistad (desfilan así por la obra una serie de personas de importancia fundamental, alguna tristemente desaparecida, como José Ignacio Fernández Bourgón), unidas para siempre, en su memoria, al creador de Imitación a la vida.

Antología de Francisca Aguirre, Premio Nacional de las Letras 2018. Prólogo de su hija, la poeta Guadalupe Grandes. Vuelta de Tuerca es una colección de antologías poéticas de autores que consideramos imprescindibles para comprender el panorama literario

Una aventura a través del tiempo, El Tren de la Medianoche es una historia de amor y segundas oportunidades ambientada en el Universo de la Medianoche.Cuando la vida pase por delante de tus ojos, ¿qué será lo realmente importante?Para Wilbur fue el tiempo con Maggie, el amor de su vida. Su luna de miel en Venecia. Antes de que él lo echara todo a perder. Años más tarde, cuando está al borde de la muerte, llega un tren que puede hacerle retroceder en el tiempo para revivir los momentos más relevantes de su vida. Pronto se da cuenta de la cantidad de cosas que habría cambiado...

Los tres libros que Kis reunió en este 'Circo familiar' fueron publicados por separado en distintas etapas de su trayectoria. Comparten, sin embargo, impulso y tema. 'Penas precoces' puede describirse, parafraseando al propio Kis, como el cuaderno de notas a color de un niño extraordinariamente sensible, colección de instantáneas sin orden cronológico en las que la infancia se convierte en un mundo. Esto último serviría también para describir 'Jardín, ceniza', añadiendo, quizás, que ese mundo infantil, en el que los planos real e imaginario se solapan con perfecta naturalidad, se inscribe en unas circunstancias históricas que, sin hacerse explícitas, determinan en profundidad el tono de la evocación: la Segunda Guerra Mundial y la masacre de judíos y serbios de la Voivodina a manos del fascismo húngaro. Por último, 'El reloj de arena' es un collage polifónico de enorme intensidad dramática. Aquí, el protagonista es el padre del escritor, un hombre de personalidad extraordinaria, retratado en la última fase de su crisis vital. Conmovedora y bellísima, la «novela de formación» que resulta del encuentro de estos libros en una trilogía, se nos aparece como una de las más relevantes obras literarias del siglo xx.

Man Booker Prize 2017.Una emotiva historia de fantasmas sobre la pérdida, el dolor y la familia.Febrero de 1862. En medio de la sangrienta guerra civil que divide al país en dos, el hijo de doce años del presidente Lincoln está gravemente enfermo. En cuestión de pocos días, el pequeño Willie muere y su cuerpo es trasladado hasta un cementerio en Georgetown. Los periódicos de la época recogen a un Lincoln deshecho por la pena que visita la tumba en varias ocasiones para guardar el cuerpo de su hijo. A partir de este hecho histórico, Saunders despliega una historia inolvidable sobre el amor y la pérdida que se adentra en el territorio de lo sobrenatural, allí donde tiene cabida desde lo terrorífico hasta lo hilarante. Willie Lincoln se halla en un estado intermedio entre la vida y la muerte, el llamado Bardo según la tradición tibetana. En este limbo, donde los fantasmas se reúnen para compadecerse y reírse de lo que dejaron atrás, una lucha de dimensiones titánicas surge de lo más profundo del alma del pequeño Willie.