La guerra civil española pudo haber acabado meses antes. Esta obra nos revela cómo y por qué.  Aunque la victoria franquista en la guerra civil española se decidió en el frente, la caída final de la Segunda República fue el resultado de una estrategia cuidadosamente dirigida desde el Cuartel General del Generalísimo, donde el Servicio de Información y Policía Militar (SIPM) controló la propaganda, la diplomacia y la descomposición del enemigo desde dentro. Frente el relato tradicional de traiciones y caos, Gutmaro Gómez Bravo reconstruye esta decisiva —y hasta ahora desconocida— operación de inteligencia planificada hasta el último detalle.  Basada en documentación inédita procedente de los principales archivos españoles e internacionales, Cómo terminó la guerra civil española revela por primera vez cómo la «Victoria» se preparó entre la ocupación de Barcelona y la rendición de Madrid. De la mano de un relato detallado y trepidante, este libro replantea por completo los últimos meses del conflicto y ofrece una nueva interpretación del nacimiento de la dictadura franquista.

El libro que Mark Zuckerberg trató de silenciar... Y probablemente con buen criterio. Sarah Wynn Williams, una joven diplomática neozelandesa, decidió en 2009 dar un giro a su carrera y postularse a un trabajo en Facebook, la empresa que por aquel entonces prometía cambiar el mundo… a mejor. Pero, al escalar en la jerarquía, se dio cuenta del tremendo error cometido. Este libro, una comedia disparatada con tintes trágicos, da cuenta de la vida en las más altas esferas y de la mentalidad despiadada que ha gobernado las grandes empresas tecnológicas. Escrita en forma de memorias, narra situaciones absurdas vividas por la protagonista mientras Facebook intenta expandirse alrededor del mundo: desde escenas cómicas con la Gallina Caponata en las bambalinas de un festival, hasta las terribles matanzas en Myanmar provocadas por la obsesión de Meta por crecer sin parar. Este libro es ante todo una mirada privilegiada al mundo de los tecnooligarcas y un retrato despiadado y certero de la hipocresía, insensatez y ligereza con la que se toman las grandes decisiones que condicionan la vida de miles de millones de personas.

Una reivindicación de la feminidad a través de los iconos culturales más castigados. De pequeña, Noemí aprendió que ser hiperfemenina equivalía a ser frívola, mala o, directamente, una amenaza. Desde Pamela Anderson hasta Britney Spears, pasando por Jessica Rabbit o La Veneno, Noemí López Trujillo defiende todo aquello que históricamente se ha tachado de superficial y perverso, y lo entrelaza con su propia historia: una infancia como testigo de Jehová, una adolescencia convulsa y su experiencia como madre. Cautivada por las figuras femeninas pop más problemáticas, también creció leyendo los relatos bíblicos que advertían acerca de mujeres peligrosamente seductoras como Jezabel y Salomé, y sobre la furia y la monstruosidad de criaturas como las harpías y las sirenas. Por eso, este libro es una defensa lúcida y desacomplejada de lo femme en todas sus formas. A medio camino entre el ensayo cultural y el relato autobiográfico, Me dibujaron así desmonta los discursos que reducen la feminidad a una forma de sumisión. En un mundo acostumbrado a teorizar sobre la masculinidad, este libro es una reflexión acerca de cómo la cultura de la violación se asienta precisamente sobre el odio a lo femenino, así como una celebración de todo aquello considerado «de chicas».

La vida cotidiana del misterio a través de los cultos que dan sentido a la vida de millones de personas en el mundo. Las religiones y espiritualidades contemporáneas siguen encendiendo la imaginación humana en todos los rincones del planeta. La Santa Muerte en México, los rituales del vudú haitiano, las iglesias gitanas evangélicas en Europa, los cultos mediúmnicos en Brasil, o las búsquedas de espectros en ciudades modernas son prácticas que muestran cómo lo sagrado nunca desaparece: se transforma y resurge constantemente.  Este libro invita a recorrer esos universos con la mirada de la antropología, que se acerca a las experiencias de lo intangible sin idealizarlas ni condenarlas. A través de casos vividos y de testimonios, se despliega un mosaico fascinante de creencias, rituales y comunidades que conviven con la vida cotidiana en las sociedades contemporáneas.

PREMIO NADAL 2026.  Por el autor de La península de las casas vacías. 2.ª EDICIÓN  «Me ha gustado una barbaridad. Un desfile de personajes para mí muy entrañables y ya desaparecidos.» Eduardo Mendoza «He ido reconociendo todos los rincones de la novela. Esto es una guía. Realismo uclesiano.» Àngels Barceló, Cadena SER «Imaginativa. Original. Divertida. Inesperada. Felizmente imperfecta.» Pere Gimferrer «Un mosaico que, si no nos ruborizara la expresión, se acercaría a la gran novela sobre Barcelona.» Xavi Ayén, La Vanguardia «No solo es un homenaje a Barcelona, sino a la libertad de la imaginación. Un encuentro caótico y genial. Me hizo gozar de principio a fin.» Gioconda Belli «Uclés juega con el multiverso. Leí el libro con mucha nostalgia por ver lo que fue Barcelona.» Pepa Ferenández, RNE «Ha sido toda una experiencia la lectura, me he metido a fondo en una Barcelona surrealista. He disfrutado el viaje compartiendo la aventura con mi madre, Carmen Laforet.» Cristina Cerezales Laforet Todo empieza en la Barcelona de posguerra, cuando una joven provoca accidentalmente un fenómeno que sume a la ciudad en una oscuridad total. La luz se va en Barcelona todo un día, la solar y la artificial. Solo sobreviven una sutil claridad que nadie sabe de dónde procede y el resplandor del fuego. Las Barcelonas que han existido convergen y se superponen en el mismo lugar: reaparecen edificios desaparecidos y surgen otros del futuro. En ese territorio donde conviven tiempos y miradas que jamás debían coincidir, la ciudad queda desbordada por todas sus épocas. El suceso provocará que un puñado de escritores y artistas vuelvan a la vida y se crucen en encuentros improbables. Así, Picasso hará llorar a Simone Weil, y Cortázar retratará a Laforet; Gaudí barnizará a los transeúntes; Bolaño se adelantará a su muerte; García Márquez huirá en una barca y George Orwell protegerá a Montserrat Caballé, Núria Espert y Jordi Savall de los proyectiles de la guerra. En medio de esta ruptura del tiempo, un fotógrafo capaz de revelar con su cámara lo que aún no ha ocurrido y muchos otros personajes unirán sus artes para intentar comprender qué ha pasado y cómo recuperar la luz perdida. En su nueva novela, David Uclés construye un relato en el que la palabra, la pintura, la música y la escena actúan como la conciencia profunda de la sociedad; son ellas las que pueden iluminarla cuando todo parece perderse. Una historia deslumbrante, de un autor tan innovador como único, que recuerda que la luz regresa cuando alguien se atreve a imaginarla.

Lola se muere en el asiento trasero de un Ford Fiesta varado en un descampado. Hace años olía a manzana y canela; ahora sus manos huelen a ceniza y todo el mundo la llama Singapur, como la canción de Tom Waits pintada en la puerta del coche. A su lado, un narrador que ha hecho ya su viaje de ida y vuelta a la cárcel intenta aplazar lo inevitable con lo único que tiene: los recuerdos. Singapur es la crónica de una periferia que ya no existe y de unas vidas que nunca tuvieron futuro pero sí una lealtad feroz a la amistad, al deseo y a la música: e Clash, El Fary, Tom Waits, Patti Smith, Los Chunguitos… Una novela sobre la derrota de los sueños y la obstinación de la memoria, escrita con la voz inconfundible de Alfons Cervera: una voz que sabe que poner por escrito la historia política de un país.

A los cuarenta, muchas mujeres sobreviven haciendo equilibrios entre la maternidad y la carrera profesional, intentando llegar a todo sin morirse en el intento. Aude Picault retrata con sensibilidad y humor la vida de estas mujeres: la carga mental, la relación con la pareja, los hijos y las expectativas de una sociedad patriarcal... sin olvidar la ansiedad creciente por cuestiones ecológicas y políticas. Con un trazo delicado y acuarelas que dan vida a cada escena, la autora logra transmitir emociones y situaciones cotidianas con ironía y ternura. Este cómic es un manual autoparódico que invita a reírse del día a día y a atravesar la crisis de los cuarenta con ligereza y complicidad.

En este último volumen de Historias de Vigàta, Andrea Camilleri vuelve a transportarnos a su universo siciliano desbordante de ironía, disparate y humanidad. Heredero de la tradición de Boccaccio y del espíritu fustigador decameronesco, el autor dibuja la vida en este lugar donde la inocencia es a menudo una forma de locura; la honestidad, una obra maestra de la hipocresía, y el crimen no es más que una travesura del intelecto. Amores, marrullerías, malentendidos y supersticiones se entrecruzan en un zarzal de situaciones disparatadas. Desde la tragicomedia de un cortejo fúnebre convertido en carnaval de pasiones hasta reliquias patrióticas que obran milagros literarios, el libro presenta un mosaico de personajes entrañables, ridículos, tiernos, patéticos. Un Camilleri en estado puro, que hace reír, pensar y -como siempre- nos maravilla.

Tanto en su país de origen, como fuera de él, a Johnny Cash se le ha profesado desde siempre una gran devoción: es respetado por blancos y negros, también por los nativos norteamericanos (a los que dedicó un fabuloso álbum: Bitter Tears en 1964; por sus venas corría sangre cherokee, o al menos eso es lo que a él siempre le gustó afirmar); su actitud siempre ha sido la de un hombre comprometido, pese a quien pese; hombres y mujeres, viejos y jóvenes (esto último gracias, sobre todo, a la labor de Rick Rubin en los años noventa del siglo pasado), demócratas y republicanos (todos quisieron posar a su lado: Nixon, Ford, Carter, Reagan, Bush versión 1.0, Clinton, Bush versión 2.0); estadounidenses y no tanto (maravilloso, en este sentido, el trabajo realizado por la discográfica alemana Bear Family), admiradores del country pero también de otros estilos musicales (no solo es miembro del Country Hall of Fame, el primer artista vivo que ingresó en esa prestigiosa institución, sino también del Rock&Roll Hall of Fame, único artista hasta la fecha en recibir ambos honores); creyentes y no creyentes.

Exiliado a principios de los años treinta en la isla de Ibiza, mientras admiraba los cielos diáfanos que las transformaciones capitalistas de las metrópolis habían borrado de la mirada humana, Walter Benjamin redactó varios escritos metafísicos sobre la íntima relación entre la contemplación astral de las primeras culturas (el orden celeste de las constelaciones) y los orígenes del lenguaje. Oprimido por miedos demoníacos pero alentado por la fuerza del pensamiento revolucionario, esbozó un ambicioso proyecto que no pudo concluir: formular una verdadera astrología racional, distanciada de la tradición irracional que los vendedores de almanaques habían propagado durante siglos. Se adelantaba así a las reflexiones que décadas más tarde desarrollaría su discípulo Adorno, vinculando las ciencias ocultas con la formación de la personalidad autoritaria y el auge del fascismo. En tiempos que vuelven a ser oscuros, este ensayo, ilustrado con cincuenta y dos láminas, retoma el proyecto del filósofo berlinés en dos movimientos complementarios: explorándolo, en las conexiones con su teoría de las ideas, mediante el estudio riguroso de las fuentes y del contexto multidisciplinar de la Europa de entreguerras; y llevándolo a la práctica inventivamente desde la atenta consulta de un inspirado fragmento póstumo, fechado en 1917, sobre la vida mitológica de los centauros, cuyas líneas entrelazan herencias griegas y hebreas, donde laten historias secretas de amor que se inscriben finalmente en un ciclo de sonetos elegíacos. «Leer lo nunca escrito» es, una vez más, entre ambigüedades y paradojas, el imperativo.

En 1985, Manuel Vázquez Montalbán lamentaba en su columna de El País la pérdida de conciencia crítica de la sociedad española durante la Transición. En su opinión, solo la protesta obrera contra la reconversión industrial había demostrado cierta capacidad de rearticulación frente a los designios del poder. Esta resistencia comenzó en Sagunto con el cierre de Altos Hornos del Mediterráneo que afectó a miles de trabajadores y sus familias. Fueron catorce meses de huelgas, manifestaciones y encierros hasta que el 5 de octubre de 1984 el horno alto número 2 se apagó. Los trabajadores, conscientes de que solo podían aspirar a una rendición digna, habían aceptado el cierre a cambio de unas condiciones de despido menos traumáticas. El siglo XXI, con la pérdida de un modo de vida, de su cultura del trabajo y su identidad de clase, había echado a volar en aquella batalla de Sagunto. Estas páginas rememoran unos hechos que invitan a volver la mirada sobre la lucha obrera, no como un ejercicio de nostalgia, sino como una reflexión sobre los retos sociales y democráticos que tenemos por delante.

21 hitos que, con humor y claridad, nos ayudan a entender lo que ha ocurrido en el convulso mercado del arte en el primer cuarto del siglo XXI. «Un ensayo vibrante y lleno de sentido que captura el pulso de un arte que ya no quiere ni puede parecerse al del pasado». Joan Fontcuberta La periodista y crítica de arte Laura Revuelta indaga en las claves para entender por qué un plátano pegado a la pared con cinta aislante expuesto en un museo, cuya foto da la vuelta al mundo, puede llegar a subastarse por cifras millonarias pese a que casi todos se ríen de él. Esta obra de Maurizio Cattelan es heredera directa del urinario con el que Marcel Duchamp nos sorprendió el siglo anterior. Ya es hora de dar réplica a la manida frase de «esto lo haría mi hijo», a la que un avispado creador una vez contestó con: «El arte contemporáneo son los padres». Arte parece, plátano es se propone bajar el arte contemporáneo de su pedestal de esnobismo y acercarlo al público para que se ría con él y no de él. O, al menos, para que sepa de qué nos reímos exactamente, y nadie se quede con cara de tonto. En sus páginas no sé da nada por sentado y se repasan y explican algunos de los principales acontecimientos de estos veinticinco años: desde la primera cancelación de Picasso por sus comportamientos machistas hasta la aparición de los NFTS y la Inteligencia artificial. Revuelta no se olvida de creadores fundamentales que siguen muy vivos, como Duchamp y Warhol, de otros que dan que hablar aunque no pasen por su mejor momento, como Damien Hirst y de quienes han producido las imágenes más icónicas de lo que llevamos de siglo (Yayoi Kusama, Alicia Framis, Banksy…). En ese deseo de no dejar ningún charco sin pisar, también se zambulle en temas tan controvertidos como la decolonización de los museos o al activismo climático que pone en el foco mediático las grandes obras.Críticas: «Laura Revuelta nos guía con maestría y precisión por las múltiples capas que conforman el sistema del arte actual, de las guerras culturales a la omnipresencia de las redes sociales, del feminismo al movimiento decolonial». Manuel Borja-Villel «Laura Revuelta ha comprendido enseguida que la gran transformación del siglo XXI es la incorporación de la IA en el arte. Este libro es, sobre todo, una herramienta valiosa para los nuevos creadores y las posibilidades del siglo XXII». Alicia Framis«Un ensayo vibrante y lleno de sentido que captura el pulso de un arte que ya no quiere ni puede parecerse al del pasado». Joan Fontcuberta «Laura ha contribuido a entrenar la mirada, facilitar la comprensión del hecho artístico contemporáneo alejándose de la jerga para hacernos partícipes de la escena e invitarnos a formar parte del entorno y disfrutar plenamente de las manifestaciones artísticas desde sus reflexiones críticas, siempre documentadas, sin apriorismos». Rosina Gómez-Baeza «Laura Revuelta se ha acercado a los procesos culturales desde una perspectiva interdisciplinar en la que ha mezclado la alta y baja cultura concualquier manifestación artística para defender que la cultura es esencial en la formación de ciudadanos críticos». Gloria Moure

Nueva edición revisada de uno de los escritos fundamentales del pensamiento contemporáneo, en el que se conjugan de forma inigualable perspicacia política, sabiduría histórica y coraje espiritual. Edición que incorpora los prólogos de Albert Camus y T. S. Eliot. Publicado póstumamente por Albert Camus en 1949, Echar raíces es el escrito más importante de Simone Weil en su última etapa de Londres. Esta especie de memoria, destinada a la comisión de estudio de los problemas de posguerra creada en el seno de la Francia Combatiente, pretendía servir de inspiración para la reconstrucción moral y política del país. Basada en las nociones de obligación y arraigo, la reflexión de Simone Weil busca refundar la colectividad humana desde el lugar central que en ella deben ocupar las necesidades del alma. De Echar raíces escribió T. S. Eliot: «Este libro pertenece a la categoría de los prolegómenos a la política que los políticos casi nunca leen y que, de hacerlo, la mayoría de ellos probablemente no entenderían o no sabrían cómo aplicar». «Echar raíces quizá sea la necesidad más importante e ignorada del alma humana. Es una de las más difíciles de definir. Un ser humano tiene una raíz en virtud de su participación real, activa y natural en la existencia de una colectividad que conserva vivos ciertos tesoros del pasado y ciertos presentimientos de futuro. El ser humano tiene necesidad de echar múltiples raíces, de recibir la totalidad de su vida moral, intelectual y espiritual de los medios de que forma parte naturalmente.» (Simone Weil) «Salgo de viaje y llevo conmigo Echar raíces. Vuelvo a casa con ese libro incomparable leído de principio a fin una vez más y lo primero que hago es empezar de nuevo La gravedad y la gracia, donde encuentro los subrayados y las anotaciones de anteriores lecturas». (Antonio Muñoz Molina) «L'Enracinement es, con las Leyes y la Política platónicas, y alguno de los mejores frutos de la literatura utópica, una de las obras políticas más difíciles de soportar para el sentido común». (Manuel Sacristán Luzón) «Este libro pertenece a esa categoría de los prolegómenos de la política que los políticos raramente leen, y que muchos de ellos difícilmente podrían comprender ni sabrían cómo aplicar». (T. S. Eliot) «No estamos realmente ante un idealismo ético, sino ante un minimum realista para una sociedad en la que el hombre cuente». (José Jiménez Lozano)

Los gitanos españoles guardan en su memoria viejos cuentos olvidados desde hace tiempo. Destacan, sobre todo, los relatos épicos que nos hablan de héroes medievales como Bernardo del Carpio, Carlomagno, Roldán, Oliveros y Los Doce Pares de Francia, y es que el regusto por la épica ;en la que se confunden personajes históricos y legendarios con las valentías de míticos gitanos de otros tiempos; es una de las particularidades de esta cultura. También destacan una larga relación de cuentos maravillosos donde se impone el reino de la fantasía y muchas leyendas ;tenidas como ciertas por los gitanos; de almas en pena, aparecidos y encantamientos. Cuentos que se han ido desgranando en las noches de invierno, en la soledad más absoluta de las acampadas a la intemperie, al amor de una lumbre que calentaba sus cuerpos pero que resultaba insuficiente para templar los miedos y temores de la larga noche gitana.

De la autora de «Boda irlandesa» En el Londres asediado por los constantes bombardeos alemanes del Blitz, la anciana Claire Temple se halla perdida en el oscuro laberinto de su propia casa. Su mundo, aquel en el que era la escritora de moda, una elegante femme fatale que iba de fiesta en fiesta rodeada de amantes, pretendientes y los novelistas más celebrados, parece desvanecerse junto a su memoria. Las calles han cambiado, cada vez son menos las visitas de sus viejos amigos, las sirvientas la tratan como a una niña pequeña e incluso la vieja mansión que fue testigo de aquellos tiempos gloriosos se ha convertido en tierra de nadie, varada entre los ecos del pasado y las difusas sombras de un presente incierto. Publicada en 1944, «No había ventanas» es una cruda, conmovedora e inquietante novela que explora tanto la soledad, la nostalgia y la desolación de la vejez, como el aislamiento, la desorientación y la lucha desesperada contra el olvido de la demencia. Tal y como nos recuerda Marta López en su posfacio, la obra maestra de Norah Hoult es «una disección de la identidad, una reflexión sobre aquello que hace que seamos nosotros mismos o dejemos de serlo». «Un retrato desolador pero bellamente escrito del desmoronamiento de una escritora en el ocaso de su vida». SINÉAD GLEESON