El almanaque Der Blaue Reiter (El jinete azul) apareció en Múnich en la primavera de 1912. Fue una idea gestada por un grupo de artistas visionarios al frente de los cuales se hallaba Vasili Kandinsky y, un poco más tarde, Franz Marc. El pensamiento y la obra de la pléyade de artistas que pronto se vincularon con la corriente del Blaue Reiter no quiso ser una ruptura manifiesta con la tradición artística occidental, pero sí una superación de aquella tradición demasiado anclada en lo fenoménico. La característica fundamental de esta corriente artística era la voluntad de ir más allá de  la envoltura -conjugando los diversos lenguajes artísticos- para llegar así a lo esencial. Lo que aunaba, pues, a esta constelación de artistas no era la unidad de estilo, sino más la coincidencia de objetivos. Así nació el almanaque Der Blaue Reiter, publicado varias veces en su lengua original y traducido a las principales lenguas europeas. Esta edición ofrece la traducción íntegra del texto original -siguiendo la cuarta edición alemana- con todas las ilustraciones de la edición de 1912, así como un índice minucioso y documentado de las distintas contribuciones, siguiendo las pautas de los estudios artísticos modernos.

La escritura del guión cinematográfico abarca varios niveles de reflexión e investigación que los autores de este libro pretenden reunir por primera vez. En principio, todas las cuestiones, de mayor o menor envergadura, que puedan plantearse los aprendices de guionistas en su período de formación, pero también aquellos problemas más concretos, más teóricos o de una orientación más metodológica que sin duda interesan tanto al crítico y al historiador como al simple aficionado. A partir de ahí el libro se despliega como un manual práctico escrito en forma de ensayo: es decir, como un texto que orienta su utilidad intrínseca por el camino de la especulación sobre el propio medio. Carrière -guionista, entre otros, de Luis Buñuel, Jean-Luc Godard, Milos Forman, Peter Brook, Volker Schlöndorff y Andrzej Wajda y Bonitzer - que ha colaborado con Jacques Rivette, André Téchiné, Chantal Akerman, Barbel Schoroeder y algunos más - sintetizan ideas, huyen de tecnicismos inútiles y abordan directamente los aspectos más acuciantes de la materia, elaborando así una obra básica para la moderna teoría cinematográfica: una obra que utiliza toda esa claridad conceptual para establecer un ámbito de análisis mucho más amplio, una exploración de los límites entre el oficio y la creatividad, una inmersión en los intersticios de la ficción y sus relaciones con el arte cinematográfico.

«Salvador Dalí, supremo déspota que rompe con todo, pisoteando cuantas leyes divinas y humanas existen, capaz de montar un concurso de hípica en un escaparate de la 5ª Avenida de Nueva York, arrestado por la policía, y al que se puede, repito, situar entre el Dalí poseído por un delirio furiosamente dionisíaco y el Dalí ?ávido de dólares? (Avidadollars), sereno, apolíneo, católico, apostólico y romano, jesuíticamente gastronómico, monárquico (y partidario de la monarquía), respetuoso tanto de las estructuras blandas y legítimas como de la genética regia del ácido desoxirribonucleico, o de las arquitecturas no menos regias de la estética legítima...» De la «Introducción»

Esta obra es un texto fundamental que recoge las Kahn Lectures que Frank Lloyd Wright pronunció en 1930. En ellas, el autor expone los cuatro principios de una arquitectura fundamentalmente nueva y orgánica que se aleja de los cánones de los estilos históricos y rechaza las abstracciones geométricas de los modernistas europeos que eran sus contemporáneos. Este es uno de los documentos más importantes en el desarrollo de la arquitectura moderna y de la carrera de su autor. Es un manifiesto contra el eclecticismo arquitectónico estadounidense, en el que Lloyd Wright presenta su concepción de arquitectura orgánica. Basada en la edición original de 1931, esta edición incluye una nueva introducción que, por primera vez, sitúa el texto en su contexto arquitectónico, histórico e intelectual.

El guión no es en verdad parte constitutiva del cine, no está hecho ni de imágenes ni de sonidos, sino de palabras. Incluso su existencia suscita controversias: para algunos es la biblia, la consigna que lo pone todo en marcha y que agrupa a un equipo; para otros es un ejercicio literario que asfixia la creatividad específica del séptimo arte y lo lleva directamente al academicismo. La autora explica que en cualquier caso el guión sigue siendo el punto de partida de las películas al que todos recurren en un momento u otro: productor, financieros, actores, realizadores y técnicos. Apoyándose en películas de referencia pertenecientes tanto al cine clásico como al cine moderno, Huet propone pistas abiertas en proyectos de naturaleza muy diferente. El libro concluye con una carta abierta de la autora al aprendiz de guionista, una verdadera guía sucinta de las cuestiones que hay que plantearse necesariamente antes de empezar a escribir.

El objetivo principal de esta edición es dar a conocer los escritos más importantes de Eisenstein con la amplitud y erudición precisas, aunque de manera accesible al lector que se enfrente a ellos por primera vez. Y la conclusión es que, aunque durante mucho tiempo el nombre de Eisenstein estuviera asociado a una cierta idea del montaje, como queda patente en sus clásicos mudos El acorazado Potemkin (1925) y Octubre (1928), es evidente que en los años treinta cambiaron tanto su estilo como sus ideas al respecto. Entre 1937 y 1940 expuso sus nuevas concepciones sobre el montaje en una serie de ensayos que, en su mayor parte, no se publicaron hasta después de su muerte, y que ahora se reúnen por primera vez. Estos ensayos reflejan en su conjunto la esencia del pensamiento de Eisenstein sobre el cine y sobre la estética en general y revelan en él a uno de los más grandes pensadores del siglo XX. En el presente volumen se incluyen clásicos como «Montaje 1938» y «Montaje vertical», así como sus ensayos sobre el color o la Ana Karenina de Tolstoi. Sergei Eisenstein es hoy en día considerado como una de las figuras clave de la historia del cine. Su contribución a la práctica cinematográfica goza de reconocimiento universal y sus películas, desde La huelga a Iván el Terrible, son enormemente conocidas. La mayor parte de los escritos teóricos de Eisenstein, sin embargo, han permanecido durante mucho tiempo fuera de nuestro alcance y, pese a los denodados esfuerzos de algunos investigadores, aún desconocemos muchas de las ideas que se ocultan tras sus películas.

He aquí una recopilación de trabajos periodísticos de Wim Wenders compuesta por textos y entrevistas aparecidos en su mayoría después de 1988. Además de reflexionar sobre su persona y su oficio, el cineasta aprovecha las conversaciones con periodistas y colegas como Jean-Luc Godard para afirmar su posición respecto al mundo que le rodea y explicar su relación con las personas, las ciudades y los paisajes. Wenders habla de su labor como guionista, de las posibilidades y peligros de las nuevas tecnologías de la imagen (vídeo, televisión de alta definición, etc.) y también de su condición de alemán, europeo y ciudadano del mundo. Con modestia y sencillez, Wenders intenta desentrañar el proceso de la percepción cinematográfica sirviéndose de ejemplos de películas suyas y de otros directores. Pero, de la misma manera que el cineasta alemán reivindica la fuerza de las imágenes, también es consciente de las dudas que planean sobre su propio medio, porque las imágenes no sólo son capaces de decir la verdad, sino también, y quizás en mayor medida, de mentir. Y el cine no se ha inventado para escapar del mundo, sino para remitirnos a él.

De los grandes cineastas franceses, François Truffaut es, sin duda, uno de los que más escribió sobre cine: al principio, en los años cincuenta, como crítico virulento y polemista innato; luego, cuando ya era director, como agudo ensayista, siempre dispuesto a imaginar prólogos para los libros de sus amigos o a hablar de sus cineastas favoritos. A principios de los años ochenta, Truffaut proyectaba publicar una nueva recopilación de artículos que iba a constituir la prolongación de su libro Las películas de mi vida, aparecido en 1975. Ese volumen debía reunir numerosos artículos de todas las etapas de su escritura: desde las críticas aparecidas en Arts y Cahiers du cinéma hasta textos más recientes, fruto de su experiencia como director, ensayos cortos en los que rendía homenaje a directores, escritores y actores con los que mantuvo un estrecho contacto: Jean Renoir, Alfred Hitchcock, Orson Welles, Charles Chaplin, William Irish, Pierre-Henri Roché, Catherine Deneuve, Isabelle Adjani, Fanny Ardant, Jean-Pierre Léaud... François Truffaut (1932-1984), uno de los máximos exponentes de la Nouvelle Vague francesa, dirigió películas hoy en día tan famosas como Los cuatrocientos golpes, Fahrenheit 451, El pequeño salvaje, La noche americana o La mujer de al lado. A partir de las notas que dejó Truffaut, Jean Narboni y Serge Toubiana han reunido sus principales textos en este volumen, que a su vez refleja la intensa actividad literaria de un verdadero moralista del cine cuyo talento y fecundidad son hoy reconocidos unánimemente.

En junio de 1924, el que fuera «primer dadaísta», Hugo Ball, publicó una pionera reseña sobre las obras del entonces jurista, Carl Schmitt. Allí convertía a Schmitt en el gran «ideólogo» alemán del momento y exponía sus formas de pensar de manera hasta hoy no superada. Meses después pretendió asentarse en el seno del publicismo católico alemán con una nueva edición de su polémico libro de 1919, Para una crítica de la inteligencia alemana, ahora titulada Las consecuencias de la Reforma; donde volvía a escrutar las dinámicas intelectuales e ideológicas que se dieron en Alemania, desde Lutero hasta Bismarck, para llegar al desastre de la Gran Guerra. Coincidiendo con Schmitt, aunque de forma más intensa, Ball achacaba todos los males de la «situación actual» al corte histórico nefasto -por secularizador- que supuso el protestantismo para la cultura occidental. Ambos documentos, reseña y libro, íntimamente unidos, son una exposición «hasta las últimas consecuencias» de la sostenida y robusta crítica a la modernidad de Ball, ya entonces «asceta católico», y de su agridulce diálogo con Schmitt, el gran crítico reaccionario de la época. Junto a las obras de Hugo Ball, su libro Las consecuencias de la Reforma y el largo artículo «Teología política de Carl Schmitt», publicamos aquí la correspondencia entre Ball y Schmitt. Las cartas entre ellos demuestran la ligazón de ambos escritos y justifican nuestra propuesta de lectura conjunta. También arrojan nueva leña a la siempre inquietante «leyenda de Carl Schmitt». Y, por encima de todo, el conjunto del volumen ofrece nueva luz sobre la fascinante y compleja peregrinación intelectual de Hugo Ball, desde la vanguardia artística del dadaísmo a una especie de religiosidad tan ascética como anarquista; un peregrinaje tan bizantino, nunca mejor dicho, como «increíblemente coherente» en objetivos y actitudes a lo largo de su vida. «Los escritos de Ball estarán un día entre los mejores libros alemanes de nuestra época.» Hermann Hesse «Hugo Ball sobresale como uno de los espíritus ejemplares de nuestro tiempo.» Paul Auster

Esta primera novela de Jean Cocteau de 1919, todavía inédita en español, es un verdadero experimento transgresor y significó su nacimiento como escritor. Cocteau nos ofrece un montaje de textos, acompañados por un centenar de dibujos de trazos sorprendentes y de inspiración cubista. En esta particular novela gráfica Cocteau nos presenta una obra poblada de seres fabulosos, enigmáticos e irreales, algunos de los cuales de una crueldad aterradora: los sanguinarios y voraces Eugènes que devoran a una ingenua y aburguesada pareja de recién casados, los Mortimer; el cocodrilo que "se come a mordiscos a Odilia", en un poema declamado por la Faringe, otra criatura extraña; el Minotauro que invita a Teseo a visitarle y a hacerle compañía; y, por supuesto, El Potomak, ese enigmático monstruo que vive en un acuario situado en los sótanos de la iglesia de La Madeleine.

Esta publicación bilingüe (inglés-español) de 170 páginas, presenta un valioso intercambio entre Gyula Kosice, uno de las referencias claves para la historia del arte abstracto latinoamericano, y Gabriel Pérez-Barreiro, el curador en jefe y director de la CPPC. Este libro registra las conversaciones llevadas a cabo durante más de veinte años, las cuales comenzaron poco después del primer encuentro que tuvo Pérez-Barreiro con la obra de Kosice en una retrospectiva del artista en 1991. Gyula Kosice in conversation with /en conversación con Gabriel Pérez-Barreiro es, además, el primer título de la serie concebido simultáneamente en formato impreso y electrónico. La versión digital de todos los títulos publicados en la serie hasta la fecha estará disponible en febrero del 2013.

Elmyr de Hory (nacido Hoffmann Elemér, Budapest, 1906 Ibiza, 1976) es uno de los grandes falsificadores de obras de arte de la historia. Se dice de él que llegó a pintar más de mil cuadros, que colgó en museos y colecciones de todo el mundo, atribuidos a Picasso, Modigliani, Matisse, Derain y otros pintores consagrados. Protagonista del libro Fake!, de Clifford Irving, y del célebre documental F for Fake (1973), de Orson Welles, historia de engaños que reflexiona sobre los conceptos de autoría, realidad y falsedad en el mundo de la creación artística, de Hory fue un personaje novelesco cuyo historial de engaños sigue suscitando fascinación y controversia. Proyecto Fake! Elmyr de Hory reúne una selección de sus trabajos a la manera de (Picasso, Matisse, Dufy, Vlaminck, van Dongen) junto con obra que firmó como propia y que sólo al final de su vida, cuando ya su actividad como falsificador le había hecho célebre, pudo exponer en galerías, algunas de ellas españolas. La producción artística de Elmyr de Hory plantea, en última instancia, cuestiones fundamentales sobre la esencia de la obra de arte y el concepto de autoría y nos permite debatir sobre las verdades y las mentiras del arte -creación, apropiación, autenticidad- dentro de un mundo no ajeno al negocio y el interés crematístico. Completa el catálogo el documental Historias como cuerpos, cristales como cielos, reflexión cinematográfica que reúne materiales de muy diversa procedencia, «desprovistos momentáneamente de su firma», para, desde su fragmentación y su anonimato, iluminar el concepto de autoría en el arte y en la vida.

Presentamos un libro sobre el aprendizaje teatral, escrito por uno de los pedagogos más importantes del siglo. Se trata de Michael Chejov, sobrino de Anton Chejov, cuyas enseñanzas han ejercido una gran influencia en los actores de muchos países. Su sistema de interpretación rechaza el abuso de psicologismo y se apoya sobre todo, en la creación en la mente del actor de imágenes interiores, frecuentemente abstractas, y en la actividad física para generar emociones. Michael Chejov ingresó en el teatro del Arte de Moscú en 1912 y rápidamente se convirtió en una de las figuras más importantes del Primer Estudio, como se llamaba a su sección experimental. En 1928 abandonó la Unión Soviética y recorrió Letonia, Lituania, Alemania , Italia, Francia e Inglaterra antes de establecerse definitivamente en Estados Unidos. También allí impartió clases de interpretación, contando entre sus alumnos con Gregory Peck, Marilyn Monroe y Yul Brynner.

n este breve ensayo sobre la pintura y la mirada, el joven cr?tico de arte Germ?n Huici (Madrid, 1981) nos invita a analizar nuestras propias formas de ver. En una ?poca en la que todo est? predeterminado, pixelado y sobre todo acotado en el tiempo no ha

- Esta monografía celebra la alianza de la artista con zanqueros tradicionales de las Antillas y México -Moko Jumbies y zancudos- para quienes crea, en colaboración con miembros de la comunidad y artesanos tradicionales, disfraces a modo de esculturas.

El camino hacia el cubismo es un libro mítico. Escrito por quien fue su principal marchante, no sólo nos cuenta los inicios de la pintura cubista, sino que, además, es un ensayo de gran perspicacia y profundidad. El lector tiene en sus manos uno de los textos fundamentales sobre el que quizá sea el momento más fibrado del siglo xx; un testimonio de época extraordinario, con el sabor de la novedad y el óleo todavía tierno en los lienzos.

No pocas veces puede ocurrir que, paseando por la naturaleza, nos fijemos, con mayor o menor atención, en cuanto nos rodea: los árboles y los cursos de agua, las colinas y las construcciones, la luz y las nubes en sus infinitas transformaciones. Detenerse en un detalle o advertir varios a la vez no basta, sin embargo, para tener conciencia de estar ante un "paisaje".