La publicación de esta cuidada edición en español de los Escritos más relevantes de Marcel Duchamp (1887-1968) supone todo un acontecimiento editorial. José Jiménez ha llevado a cabo una exhaustiva tarea de revisión y anotación de los textos, fijando la terminología para su mejor comprensión en nuestra lengua. Se trata de una cuestión decisiva, ya que si hoy se suele considerar a Duchamp como uno de los artistas más importantes de nuestro tiempo, no pocas veces se habla de él sin conocer suficientemente la complejidad de su trabajo, en el que la representación visual y la escritura constituyen un entramado indisociable. Duchamp planteó de modo radical el interrogante acerca de la especificidad del arte en un mundo caracterizado por la sobreabundancia de imágenes, resultado de la aplicación de la técnica a la producción de objetos, la comunicación y el consumo. Nos enseñó a ver, a comprender, que en la era de la configuración tecnológica de la vida, las propuestas artísticas se articulan como juegos de lenguaje, cuyos sentidos no son aprehensibles de forma inmediata o directa en la representación visual. En definitiva, Marcel Duchamp supo anticipar los nuevos horizontes del arte en el mundo actual. En su trabajo: las obras, las imágenes y objetos elegidos, los textos,y su desdoblamiento en un alter ego femenino como Rrose Sélavy, se integran en una misma unidad, en una originalísima síntesis poética de visualización y reflexión. Por eso es imprescindible: nos ha enseñado a «mirar» de otro modo, evitando el mero brillo superficial de lo sensible, impugnando en su raíz el esteticismode la vida cotidiana en las sociedades de masas.

El carácter estructural de la noción sistema del arte, a menudo hace olvidar que su definición, compartimentación, organización y función están sustentadas sobre una comunidad artística formada por hombres y mujeres. El crecimiento exponencial de la incorporación de las mujeres en el sistema del arte en España en las últimas décadas, nos ha llevado a preguntarnos con una visión crítica y política por la situación actual de las mujeres en los diversos sectores profesionales. La pretensión de dibujar el estado de la cuestión de primera mano a cargo de sus protagonistas es el origen de esta compilación, a la que han contribuido una quincena de profesionales: artistas, críticas, comisarias, conservadoras, educadoras, investigadoras, historiadoras y gestoras, respondiendo a un cuestionario inicial que preguntaba por los antecedentes y sus aportaciones, las vías de solución a sus problemas específicos y las consecuencias para el sistema del arte, la recepción de audiencias y públicos, y sus efectos en el imaginario social. De este modo la asociación Mujeres en las Artes Visuales, MAV, presenta un volumen dedicado por completo a analizar la situación de las profesionales del arte en el sector español, para lo que ha contado con textos de Nekane Aramburu, Assumpta Bassas Vila, Elvira Cámara López, María Cañas, Nieves Correa, Celia Díez Huertas, Concha Jerez, Marián López-Fernández Cao, Ana Martínez-Collado, María Concepción Martínez Tejedor, Margarita Moreno Conde, Marina Núñez, Estibaliz Sádaba Murguia, Piedad Solans, Matilde Torres López, Rocío de la Villa y Virginia Villaplana.

Como bien dice Gérard de Cortanze en la introducción del libro: «En realidad, Frida Kahlo es una de las artistas más enigmáticas que existen, una de las más íntimas, como abrasada por sus opciones políticas, su dolor físico, su amor por Diego. Esto es lo que interesa de su pintura. Pero más allá de lo que Carlos Fuentes llama sus «treinta y nueve años de sufrimiento», tenemos a una mujer que crea un universo pictórico vigoroso y colorido, cuyo grito adopta una forma emocional y visible. Es ese viaje hacia un mundo impresionante, muy particular, muy vivo, único en la historia de la pintura, lo que he tratado de describir en este libro, que no es ni un ensayo ni una biografía en el sentido clásico de la palabra, sino más bien un recorrido por los meandros de una obra y una vida, que descubrimos detrás de una falsificación en la que el creador siempre nos abre su diario auténtico. En algunos bocetos y en algunas pinturas de Frida Kahlo aparece un verde a veces profundo, un amarillo desvaído, color éste último al que ella le da una definición particular: Locura y misterio. Esa locura y ese misterio son exactamente lo que me emociona de Frida Kahlo.» Esta obra nos adentra en la vida de aquella joven mexicana que en septiembre de 1925 sufre un accidente que trastornará por completo su porvenir. Bella e independiente, se casa en 1929 con Diego Rivera, el célebre pintor muralista. Esa joven era Frida Kahlo y este libro es su historia, que nos cuenta cómo una de las máximas de su vida fue no cerrar jamás los ojos a la fealdad, sino, por el contrario, abrirlos para presenciar así el nacimiento de una belleza terrible, para la que ella inventa otra realidad. Torturada por el dolor físico, pero arrebatada por sus compromisos políticos y amores tumultuosos, con el paso de los años construyó una obra pictórica poderosa y singular. La última de sus obras, Viva la vida, es un canto a la luz y a la alegría de vivir.

Raymond Depardon fue uno de los fotógrafos fundadores de la agencia Gamma antes de dedicarse casi por entero al cine documental. El paso entre la imagen fija y la imagen en movimiento constituye uno de los mestizajes más interesantes entre artes hermanas como son el cine y la fotografía. Sus primeros cortometrajes, realizados al mismo tiempo que sus reportajes fotográficos, muestran la tensión entre imagen fija e imagen en movimiento, la necesidad de "liberarse" de la tiranía estática de la fotografía. Sin embargo, a lo largo de su carrera, su relación con la cámara ha ido cambiando, y una vez superada la etapa de exploración de los movimientos de cámara, su cine ha ido volviendo a los orígenes: la imagen fija.

La fotografía, que puede ser interpretada como elemento de conocimiento y como obra de arte con frecuencia, a la vez que información y arte, es un instrumento de comunicación sujeto a muchos avatares y a toda clase de manipulaciones. La historia de la fotografía no puede ser únicamente la historia de una técnica. Puede afirmarse que La fotografía como documento social (Photographie et Societé, 1974) es, no sólo el trabajo más importante de la autora, sino indudablemente el más ambicioso y profundo, por el tono del análisis de los hechos que nos relata a modo de historia sociológica, política y artística de la Fotografía, desde sus precursores hasta nuestros días.

Se trata en este libro de mirar y de describir filosóficamente a un gran bailaor, Israel Galván; también de reconocer en su arte contemporáneo un arte de "nacimiento de la tragedia"; de escuchar su ritmo y de reconocer en sus palabras -por lo menos en tres de ellas: la jondura, el rematar y el templar- grandes conceptos estéticos que la estética occidental ignora todavía. Didi-Huberman parte de las soledades del barroco y las soleares del flamenco para concluir en que Israel Galván, cuando baila, nos "ofrece sus propias soledades, como otras tantas paradojas", de tal forma que su soledad sonora llegue a cada una de las nuestras. La lectura atenta de San Juan de la Cruz y de José Bergamín, así como de cuanto han dicho sobre el toreo Antonio Ordóñez o Pepe Luis Vázquez; pero también las enseñanzas de la filosofía de Nietzsche, Bataille o Deleuze, como la estética de Eisenstein permiten al autor de estas páginas dirigir la mirada hacia esa forma de expresión "humilde, lacónica y de inocente temeridad" que es el baile de Israel Galván. Y es que, como bien dice Didi-Huberman: "Galván baila como respira, aunque a veces nos preguntemos si no se le para el corazón en el fondo de un remate".

Estos ´pensamientos sueltos´ sobre la pintura tienen un hilo conductor: una lectura de la Obra maestra deconocida de Balzac, relato que funciona como un mito y admite una multiplicidad de acercamientos. Mito sobre el origen, los medios y el carácter extre

Individualista insobornable, narrador de sorprendente talento, polemista de genio, testigo privilegiado de la escena artística inglesa de las primeras décadas del XX, íntimo de James Joyce, T. S. Eliot o Ezra Pound, archienemigo de Noël Coward y de los artistas del grupo de Bloomsbury, muchos coinciden en señalar a Wyndham Lewis como alguien extremadamente brillante y por tanto peligroso. Esta es la autobiografía de Wyndham Lewis durante sus años más creativos: el período que precedió y que siguió inmediatamente a la Primera Guerra Mundial. Pero no estamos simplemente ante unas originalísimas memorias de guerra y posguerra. Este libro constituye, de hecho, un auténtico repaso a las inquietudes artísticas de toda una época.

Una larga travesía por 25 años de obstinado trabajo en numerosos escenarios bélicos y posbélicos de América Latina, Europa, Asia y África; lugares que desvelan la crudeza de nuestro tiempo y en los que languidecen, injustamente olvidadas, las víctimas de la barbarie. Un contundente legado histórico para que en el futuro no se pueda dudar del pasado. Forjada con infatigable coraje, el fotógrafo se sumerge en realidades desoladoras que muchos preferirían ignorar. Una innegable aportación a la fotografía de reportaje y una constatación de cómo a través de ella puede dignificarse a las víctimas retratadas con una mirada que enaltece los mejores valores del fotoperiodismo. Corpus fotográfico resultado de una infatigable dedicación al seguimiento de la actualidad internacional y a la elaboración de proyectos documentales más reflexivos y minuciosos, desarrollados a largo plazo.

Explicaciones claras que se ilustran con múltiples diagramas y fotografías especialmente escogidas. Una guía de consulta cómoda que abarca todos los aspectos que contribuyen a obtener fotografías bien iluminadas. Información adicional de interés como direcciones de las páginas de Internet recomendables o glosario de términos técnicos que aparecen a lo largo del libro. Laura Gilpin, una fotógrafa de paisaje estadounidense, afirma, en una de las citas incluidas en el libro: 'La luz es nuestro pincel, una herramienta muy útil en manos de quien la estudia con suficiente cuidado'. En este libro se analizan todos los aspectos que es necesario conocer para controlar la iluminación en el momento de hacer la fotografía. Se divide en seis apartados que avanzan desde los aspectos teóricos más básicos, como la teoría del color, hasta los más avanzados, como el uso de la luz para realzar un retrato, de manera que pueda ser útil para fotógrafos de todos los niveles. Las explicaciones de los conceptos técnicos son sencillas y fácilmente accesibles, y se acompañan de numerosos ejemplos, ya sea con fotografías o ilustraciones, que muestran gráficamente lo que el texto expone.

Información exhaustiva sobre un aspecto esencial de la fotografía: la organización formal de los elementos. Conocimientos que avanzan desde los temas más básicos, como las reglas tradicionales de la composición, hasta los más avanzados, que permitirán que el lector adquiera un estilo propio. Con fotografías especialmente escogidas de Marc Riboud, Dorothea Lange y Henry Cartier-Bresson, entre otros, para ilustrar las explicaciones. ¿Cómo puede organizarse el espacio y distribuirse los elementos en la imagen de manera que se capte la atención y el interés del espectador? Este libro proporciona algunas de las claves básicas desde una perspectiva que tiene en cuenta todos los aspectos que pueden influir en la composición. La estructura de esta obra, que reúne un gran número de imágenes y diagramas, hace que resulte un libro de consulta sumamente manejable y que puedan localizarse los temas que más interesan con agilidad, ya se trate de aspectos relacionados con la técnica, como la profundidad de campo, o de carácter artístico, como el color. De gran ayuda son, igualmente, los pies de fotografía, en los que se especifican los medios técnicos que han hecho posible la imagen.

El impacto que le produjo la visión de España quedó reflejado en esta singular y deslumbrante composición futurista.

De todos los misterios del universo, ninguno más profundo que el de la creación. Cada vez que surge algo que antes no había existido nos vence la sensación de que ha acontecido algo sobrenatural, de que ha estado obrando una fuerza sobrehumana, divina. Y

El último libro de Gauguin y el más importante. En él nos deja su personal contribución a la literatura del yo con unos escritos auspiciados por la estética del fragmento, que participa tanto de la autobiografía, la confesión, el diario íntimo o el manifiesto artístico. Gauguin rememora todos sus exilios y revisa por última vez sus propios combates interiores.

El cine de Álex de la Iglesia es furiosamente personal, partidario de una estética desmesurada y barroca, pero al mismo tiempo absolutamente coherente. Un cine a menudo formalmente deudor de la estética del cómic, que no oculta su enorme bagaje cultural. Un cine en el que horror y humor son dos caras de una misma moneda; en el que la crudeza evidente apenas esconde una ternura, que él mismo desprende personalmente; en el que lo fantástico no elude lo reflexivo; en el que el horror vacui se convierte en seña de identidad; que retrata perdedores y se rebela continuamente contra los tópicos y contra todo tipo de instituciones; que se mueve como pez en el agua en espacios cerrados y exteriores urbanos; en el que destaca como un espléndido director de actores. Un cineasta que se ha convertido en uno de los mejores y más internacionales directores del actual cine español.

Nadie mejor que Michael Caine para enseñar los trucos de la interpretación en el cine. Un libro didáctico, divertido e ingenioso... Imprescindible para el actor profesional, para el estudiante de interpretación y para el aficionado que desea conocer los secretos del oficio.