Cuerpos en escena se adentra en distintas formas de expresión que se materializan a través del lenguaje del cuerpo. La intención de todo artista es trascender, más allá de la forma plástica o de una técnica u otra, trasmitiendo aquello que mueve, conmueve y estimula el imaginario del espectador. Desde ahí se configura una temática común, que se refiere al estudio del lenguaje escénico cuyo soporte es el cuerpo. Para poder dar forma visible a sus vivencias, el actor se vale de ciertas herramientas que le permiten afrontar el lenguaje corporal a partir de su propia identidad. Cuerpos en escena no trata el cuerpo como instrumento, sino que analiza las herramientas con las que el actor corporal puede dar forma y contenido a sus movimientos. La Interpretación en el Teatro del Gesto; la Expresión Corporal; el Mimo y la Pantomima; la Comedia del Arte; la Danza; la Esgrima; la Acrobacia y el Clown son algunos de los ámbitos abordados en este trabajo. El camino es delicado para no caer en lo excesivamente técnico, ni en lo excesivamente espontáneo y superficial. Encontrar el justo equilibrio entre la práctica y la teoría, conocer distintos aspectos creativos desde donde surge el lenguaje corporal y a los que puede conducir marcan los objetivos de este volumen. SOL GARRE ha trabajado como actriz y directora de teatro. Actualmente es profesora titular de Interpretación Gestual en la RESAD de Madrid. Especializada en el teatro físico contemporáneo, el entrenamiento psicofísico del actor y las técnicas de imaginación de Michael Chéjov, imparte cursos y talleres sobre esta metodología en España y el Reino Unido. ITZIAR PASCUAL es dramaturga, pedagoga y periodista. Ha publicado los estudios ¿Un escenario de mujeres invisibles? El caso de las Marías Guerreras, Premio Victoria Kent de la Universidad de Málaga y Suzanne Lebeau. Las huellas de la esperanza. Ha realizado la edición de Teatro español para la infancia y la juventud (1800-1936).

Le fueron concedidos treinta años de vida activa, los treinta años del cine moderno que trazan el arco desde Roma, ciudad abierta hasta el asesinato de Pasolini. Se sumergió en la imagen y miró, con todas sus fuerzas miró su forma. Porque la forma es deseo, el fondo no es más que la tela cuando ya no estamos allí

En este segundo y último volumen de sus Ensayos sobre la aparición, el autor traza las líneas hacia una teoría críticad e la imagen, desde las pinturas rupestres a las instalaciones contemporáneas

Esta conversación sigue cronológicamente el trayecto profesional de Manuel Borja-Villel, el responsable museográfico español que goza actualmente de mayor prestigio internacional. Los tres capítulos que la componen corresponden a sus periodos sucesivos al frente de la Fundació Antoni Tàpies, el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA) y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la institución que actualmente dirige. Se trata de la primera biografía intelectual y profesional de Borja-Villel, a través de la cual se comentan también las sucesivas coyunturas de la relación entre el arte, las políticas públicas de cultura y la situación de la democracia en nuestro país desde 1990. El libro plantea en su conjunto una serie de reflexiones que nos han parecido útiles a la hora de pensar cómo la ciudadanía puede inducir cambios institucionales, y viceversa, cómo se pueden gobernar las instituciones poniéndolas al servicio de la gente. Está claro que la cultura y sus instituciones no pueden quedar al margen de los grandes retos políticos de nuestra época. Justamente ahora se dan las condiciones para que cobren forma nuevos tipos de instituciones. - Manuel Borja-Villel

Huyendo, como es habitual en el autor, de propuestas que se acaben en la mera especulación de ideas, Rico ha elaborado un manual práctico sobre museografía, con tres peculiaridades: cada tema se acompaña de una serie de problemas prácticos a resolver; la integración de la museografía dentro de las técnicas expositivas; y los programas docentes de todo este nuevo entramado de conceptos, materias y profesionales. El libro se presenta en cuatro partes dedicadas las tres primeras a las seis "técnicas expositivas" de manera monográfica y una cuarta final pensada para la interrelación de todas ellas y a su enseñanza. La primera parte: "Cultura y razón los primeros siglos", trata fundamentalmente de la exposición cultural, la científica y la técnica, lo que hemos llamado tradicionalmente como museología y museografía. La segunda parte: "De la industria al consumo, el fin del monopolio cultural", se centra en el interesante tema de la exposición industrial y la comercial, trabajando las características expositivas desde los primeros mercados a las actuales grandes superficies. La tercera parte: "Límites y lenguajes, los nuevos caminos" desarrolla los proyectos de exposición en el paisaje (ciudad y naturaleza) y en el lenguaje virtual, algo que no hemos valorado todavía con la importancia que tiene. La cuarta parte: "Las técnicas expositivas", resume en conceptos y diagramas, la relación entre las seis "técnicas expositivas", lo que deberíamos conocer de las otras, lo que podríamos aprovechar en la nuestra, como hemos de trabajar, etc. Todo ello acompañado de una revisión final de los nuevos programas docentes especializados en el tema, en el que se incluye este nuevo concepto global.

Susan Sontag escribió que, para Bresson, «el arte consiste en descubrir lo necesario, en eso y nada más». Por ello este libro no debe considerarse tanto un documento como un objeto trabajado, pensado por su autor. A lo largo de sus páginas Bresson alude a un libro que está escribiendo y que resultará no ser otro que las 'No tas sobre el cinematógrafo', de 1975. Gran parte de las notas fueron modeladas a partir de estas entrevistas; de hecho, muchas de ellas consisten en citas literales de respuestas que Bresson dio por primera vez a periodistas. Este libro franquea la entrada al taller donde un gran artista elabora su pensamiento y su obra a lo lago de los años.

Fue uno de los grandes cineastas de Hollywood y para muchos el mejor guionista que jamás pisó la Meca del Cine. Billy Wilder supo crear un universo mágico a través de sus películas. Un universo en el que cabía la risa, pero también la amargura; el cinismo pero también la ternura. Ese particular mundo de apartamentos prestad os e indemnizaciones dobles, de travestidos y prostitutas dulces, de Coca-cola, diosas en declive y Berlín en ruinas, es también el mundo en el que la hija del chófer se convierte en Cenicienta y una comunista descubre París. Magia en definitiva. Veintidós prestigiosos críticos analizan en "El universo de Billy Wilder" sus films como director, sus films como guionista, sus comienzos en el cine alemán, sus colaboradores, sus actores, sus obsesiones, sus filias, sus fobias

«Arte en España (1939-2015), ideas, prácticas, políticas» ofrece una síntesis actualizada de la historia del arte en España desde el final de la Guerra Civil, sumándose al impulso de renovación historiográfica que desde el campo de la investigación viene desarrollándose en la última década. El libro presenta, así, algunas novedades con respecto a los manuales disponibles. En primer lugar, aborda la esfera del arte en sentido amplio: junto a las prácticas de los creadores, en sus páginas se discuten las principales teorías y debates historiográficos, así como la historia de las instituciones y las políticas artísticas. En segundo lugar, «Arte en España (1939-2015)» intenta contrarrestar algunos de los olvidos del canon tradicional, prestando especial atención a la obra de las mujeres artistas y los discursos feministas, a las expresiones contraculturales y populares, a las prácticas no objetuales y experimentales, a los dispositivos artísticos concebidos como vehículos de activismo social y político y, en general, a las manifestaciones habitualmente consideradas periféricas o contrahegemónicas. Por último, el libro revisa también las continuidades y fisuras entre pasado y presente, cuestionando algunos de los relatos de consenso construidos desde la transición. No se trata, sin embargo, de sustituir un canon por otro, sino de plantear nuevas preguntas e instrumentos que contribuyan a fomentar una interpretación más plural y dinámica de la historia del arte en España.

Una lectura compuesta por materiales distintos de una sola naturaleza poética: poemas, textos teatrales, fragmentos de su diario y autorretratos fotográficos.

Antes de convertirse en el dictador más famoso del mundo, Kim Jong-Il dirigía el Ministerio de Propaganda y los estudios de cine de Corea del Norte. Era el cerebro tras cada película, el productor y el guionista. Pero él solo no era suficiente, por lo que ordenó el secuestro de la actriz más famosa de Corea del Sur, y su exmarido, director de cine. · Ella vivió en una jaula dorada, de la que solo se le permitía salir para los saraos oficiales. Él tuvo que pasar por la "reeducación" en campos de concentración hasta que cedió. Los dos acabaron participando en siete películas, a las órdenes del Querido Líder. · Un thriller de no ficción lleno de tensión, pasiones y política, que nos permite adentrarnos en los secretos de este país herméticamente sellado, que nos fascina.

Escritos de juventud muestra la huella de una primera «visión interior» que el director soviético habría experimentado de su propio cine. Sirviéndose de la escritura, intentó fijar esa primera llamada, esa primera impresión... antes, incluso, de haberla podido fijar en imágenes cinematográficas.

Frida Kahlo (Coyoacán, 1907) fue además de artista, activista política, icono femenino y una leyenda de su tiempo. Adoraba pintar autorretratos, amaba al muralista Diego Rivera y se divertía junto a amigos de la talla de León Trotski, Pablo Picasso, o la fotógrafa Tina Modoti. Fue el alma de La Casa Azul, dejó constancia de su dolor y sufrimiento en un bello y original diario y culminó su obra con un cuadro titulado Viva la vida.

Grete Stern publicó 140 fotomontajes en la sección El psicoanalista le ayudará de la revista Idilio. Todos ellos, incluidos en este catálogo con motivo de la exposición que sobre los mismos hace el Círculo de Bellas Artes, son conocidos como Sueños, el trabajo más reconocido de la fotógrafa argentina de origen alemán.

El arte y la literatura sostienen relaciones complejas diversas, jamás lineales, de circulación e influencias recíprocas con la tecnología: los poemas, cuentos, pinturas y esculturas nos transmiten los deseos, las ansiedades y las fantasías más recónditas de cada época histórica. En Máquinas de vanguardia, Rubén Gallo explora con maestría la relación entre la revolución tecnológica y las producciones culturales del siglo XX mexicano. En cinco capítulos, el autor disecciona el impacto artístico que tuvo la invención de artefactos tan diversos como la cámara fotográfica, la máquina de escribir, la radio, el cemento o el estadio en las vanguardias artísticas de la época. Más allá de inspirar textos tecnofílicos, estos nuevos medios produjeron una transformación radical de nuestras ideas sobre el arte, la cultura y la sociedad. Por las páginas de este libro desfilan nombres como los de Diego Rivera, Tina Modotti, Edward Weston, Mariano Azuela, Martín Luis Guzmán, Manuel Maples Arce, Kyn Taniya y José Vasconcelos. Gallo analiza con minucia las diferentes posturas y reacciones de estos personajes ante la irrupción de los nuevos medios. Con un gran rigor ensayístico, una prosa exacta y fluida, y un espíritu lúdico que lo conduce a descubrir extravagancias como el papel decisivo que jugó el noruego Amundsen, explorador del Polo Norte, en la historia de la radio mexicana, Rubén Gallo ha capturado a la perfección el ambiente de una época de cambio y transición, que resultaría decisiva para el pleno advenimiento de la modernidad en México, pero que tuvo un trasfondo premoderno, que sigue presente hasta hoy y sin el cual resultaría estéril todo intento de comprensión de la cultura de las máquinas.

Una guía a través de un extraordinario recorrido por las imágenes más icónicas del mundo, las que nos encontramos al visitar una galería u observamos en la portada de una novela. Ordenado cronológicamente, traza la evolución del desarrollo artístico período a período. Todos los géneros artísticos, desde la pintura y la escultura hasta el arte conceptual y el arte de performance. No existe ninguna sociedad que no haya producido arte. La representación y la decoración, igual que la oralidad artística o la música, son tan inherentes al ser humano como la construcción de nidos los es a los pájaros. Las formas que ha adoptado el arte han diferido radical, temporal y geográficamente bajo la influencia de diferentes circunstancias sociales y culturales. ¿Cuál era el propósito original de esas obras de arte y cómo podemos entenderlas hoy? ¿Por qué el arte floreció en determinados períodos de la historia y no en otros? ¿Por qué algunas obras de arte son tan importantes?   En el libro se analizan con detalle las obras maestras que mejor representan características definitorias de cada período o movimiento, lo que permitirá al lector interpretar como nunca antes el significado de las obras maestras más famosas del mundo. Si le gusta el arte y quisiera aprender a interpretarlo mejor, no tiene más que sumergirse en las trepidantes páginas de esta obra.