Un Trabajo Basado en el Paradigma de la Artesanía, de la Verdad Indemostrable..Según su autor..Un Trabajo Basado.en el Paradigma.de la Artesanía.de la Verdad.Indemostrable.

El número 42 aparece obsesivamente a lo largo de todo el metraje de El resplandor (1980), la terrorífica película de Stanley Kubrick basada en la novela de Stephen King, y 42 son las ocasiones en que Simon Roy asegura haber visto el filme. Simon Roy no puede quitarse El resplandor de la cabeza. ¿Por qué nos fascinan ciertas cosas hasta el punto de consagrar buena parte de nuestra vida al estudio sistemático de un hecho concreto? Esta es la pregunta que se hizo Roy, un humilde profesor de literatura en un instituto de Quebec, durante los días en que duró una huelga estudiantil que le obligó a estar varias jornadas sin trabajar. El desarrollo de la respuesta llegó en forma de libro: él también iba a consagrar sus días a profundizar en su propia obsesión; empezaría a estudiar a fondo el filme de Kubrick. El resplandor sigue siendo para muchos de nosotros un misterio sin resolver. Sus imágenes resultan todavía vívidas, por momentos escalofriantes, y muchos estudiosos han teorizado sobre la singular composición y estructura de la película y su simbología oculta; no sólo en todo lo que atañe al número 42, sino al diseño de laberintos dentro y fuera del hotel, las referencias a genocidios y holocaustos, y la constante presencia de mensajes subliminales que se esconden en muchos momentos clave de la trama. Es, además, una obra que trata sobre cuestiones como la naturaleza del mal, la locura y la familia. A Roy, la investigación también le sirve para conectar su propia vida con esta película. Si ha llegado a atraparle hasta la obsesión no es únicamente por su poder de atracción, sino por cómo la ficción de Kubrick/King ha ido ocupando espacios insospechados en su propia biografía: el descubrimiento por azar de la película con sólo seis años o el suicidio de la madre del autor, que -en un paralelismo terrorífico- tuvo un padre psicópata no demasiado alejado del Jack Torrance que encarnaba Jack Nicholson, o la misteriosa desaparición de su tía, de la que nunca nadie volvió a saber nada. Mi vida en rojo Kubrick es una exploración sistemática de los rincones más perturbadores de El resplandor, la búsqueda de respuestas -desde las ópticas ocultista, freudiana, histórica y cultural- donde sólo parece haber enigmas.

Andréi Tarkovski es uno de los grandes cineastas y teóricos de todos los tiempos, y todavía hoy es uno de los directores más influyentes del cine de autor contemporáneo. Uno de sus ensayos, Esculpir en el tiempo, se convirtió en su día en un libro fundamental para la reflexión fílmica, reeditado desde hace décadas de forma ininterrumpida. Sin embargo, Tarkovski dejó escrito a su muerte otro libro de gran importancia, no publicado hasta la fecha en castellano, y que constituye el complemento imprescindible de aquél y su testamento vital y artístico: Atrapad la vida es un volumen con un enfoque directo, personal y apasionado, en el que el cineasta rememora sus rodajes, recuerda éxitos y fracasos, desvela secretos y obsesiones, defiende con ahínco la visión del cine que construyó a lo largo de toda una vida y critica con fiereza tanto la censura del estado soviético como aquella otra, más sutil, de la sociedad de consumo. En este libro Tarkovski habla con rabia, pero también con esperanza, y se dirige tanto a los amantes del cine en general como a aquellos que quieren saber cómo se hace, desde dentro y sobre el terreno, una película, pero una película entendida como una obra de arte: cómo se perfila la idea fundamental del filme (y cómo se defiende esta idea ante todo tipo de situaciones y presiones), cómo se escribe un guion (y sobre todo cómo no se escribe), cómo se aborda el montaje (y cómo se desmonta lo aprendido sobre esta técnica en las escuelas de cine), cómo se planifica la dirección actoral (y cómo se tratan las vicisitudes cotidianas con los actores), etc. Y todo ello desde una doble premisa: al hacer una película no hay que tener miedo de pisotear ningún esquema, ninguna norma, pero tampoco se puede olvidar que una película es un acto creativo y espiritual de primera magnitud: se trata de atrapar la vida.

Tras un primer capítulo en el que plantea los problemas fundamentales del arte contemporáneo teniendo en cuenta las reflexiones de Benjamin, Adorno y Greenberg, así como los cambios habidos en la industria de la cultura y la comunicación, en la tecnología y el mercado, Di Giacomo traza las líneas fundamentales del arte contemporáneo a partir del desarrollo de la vanguardia, el cubismo, las obras de Braque y Picasso, la ruptura radical que supone el trabajo de Duchamp, el surrealismo y el dadaísmo, y la posterior evolución del arte abstracto, Malevich y Kandinsky. Los cambios políticos, culturales y sociales, morales también, habidos tras la Segunda Guerra Mundial determinaron trayectorias significativamente diferentes a las mantenidas hasta entonces. Di Giacomo estudia a Giacometti y a Bacon, pero también las creaciones del Minimalismo y del Arte Conceptual, no menos que las de una «nueva figuración» que tiene su mejor expresión en el «realismo» de Koons: paradójicamente, la realidad se aplica a imitar al arte. El arte no está, sin embargo, exento de rebeldía y testimonio: Beuys, Boltanski y Kiefer son los mejores ejemplos a este respecto. En los últimos años los dos modelos primarios usados para articular diferentes aspectos del arte de la postguerra han acabado perdiendo eficacia: tanto el modelo del modernismo, basado en la especificidad del medium, como el modelo de la neovanguardia, que reelabora las críticas a la vieja intuición burguesa del arte, como hacía la primera vanguardia histórica. La verdad es que hoy compiten entre sí diferentes modelos locales, pero ninguno de ellos puede esperar llegar a convertirse en paradigmático. Y si, para muchos, este estado de cosas es positivo, porque posibilita libertad artística y diversidad crítica, también es cierto que ese paradigma del no paradigma ha favorecido una chata indiferencia y una cultura turística y consumista del arte.

Un extraordinario manual editado en Ñaque editora, de la mano de Manu Medina en colaboración con AISGE Fundación, Paladio Arte, y Teatro Brut. Este manual, a modo de compilación de varios ensayos académicos conformando un ensayo global en donde desarroll

Análisis del uso del muro público como espacio de propaganda partidista y el modo en que los muros se convierten en una oportunidad económica para los habitantes de las zonas marginadas de México. El colectivo Tercerunquinto narra la historia de los partidos políticos postrevolucionarios a partir de su archivo fotográfico. Desde su fundación en Monterrey en 1998, el colectivo cuestiona los límites entre lo público y lo privado, desmontando el orden lógico de la constitución y organización de los sistemas arquitectónicos. El libro también contiene una curaduría de archivos históricos nacionales procedentes de la Sala de Arte Público Siqueiros, la Fundación Televisa, el Instituto Nacional de Estudios Históricos de las Revoluciones de México, los museos Diego Rivera-Anahuacalli y Frida Kahlo y el colectivo Tercerunquinto.

Los cronistas de guerra suelen ser reporteros de muerte. Sánchez es un reportero de vida, del triunfo de la vida sobre la violencia destructora. Esta visión enfoca todo su trabajo, y es el gran eje temático de esta muestra y esta publicación. Las imágenes de Gervasio se concentran en enseñar cómo la vida se sobrepone, cómo se manifiesta en medio de las ruinas de la guerra y la muerte, superándolas. Documentan la vida que se niega a ser aniquilada. Más allá de las minas, los desaparecidos, los bombardeos y Sierra Leona, esta es la historia mayor, el gran suceso de permanente y ahistórica actualidad que nos reporta Gervasio Sánchez.

Este ensayo pretende ser un acercamiento a la pintura de Luis Gordillo a través de dos ejes fundamentales: su insularidad y su inconformismo, que se traducen en una experimentación continua y en la revisión de su propia obra mediante diferentes temas, es

en cierta ocasión dario argento comentó: ver una película de género, incluso la peor, nunca es perder el tiempo, porque siempre se obtiene algún estímulo . para denominar a esta obra se ha optado por huir del término exploitation, genuinamente norteam

Componer el plural es el sexto título de la colección Cuerpo de Letra, centrada en los estudios sobre la danza y el pensamiento contemporáneos. Este libro recoge ensayos, experimentos artísticos y sociales que nos invitan a entrenarnos en lo plural y a pensarnos como cuerpos políticos: desde el encuentro íntimo a propuestas multitudinarias, de la protesta a la fiesta, de prácticas asamblearias a una política del habitar, y que exploran cuestiones como las dinámicas, los ritmos, las afirmaciones, las manifestaciones, las articulaciones y las formas de constituirse del nosotros. Pero el libro mismo es también una especie de laboratorio para lo diverso, en el que cada uno de los ensayos de teoría política, de teoría de las artes escénicas y de reflexiones de artistas encuentra un espacio propio, conformando una pluralidad de perspectivas sobre un problema crucial: cómo pensar las transformaciones políticas actuales desde la idea de cuerpo colectivo. Victoria Pérez Royo es profesora de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad de Zaragoza y co-directora del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (UCLM, Museo Reina Sofía). Diego Agulló (Madrid, 1980) ha estudiado filosofía. En 2005 se trasladó a Berlin, donde inició su incursión en las artes escénicas. A partir de numerosas colaboraciones ha ido desarrollando ?en los márgenes del diletantismo y el profesionalismo? una práctica que se centra en los conceptos de cuerpo y evento.

Ediciones La Palma, asociada a la Cinemateca de Cuba y a la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo AECID, llevará a las librerías de toda España el último trabajo de la Cinemateca sobre el cartel cubano, magistralmente editado por Gilberto Padilla y su equipo de Colección G. «Estos carteles de cine cubano perdurarán como expresión de una manera de hacer específica en el contexto de la Isla, y la serigrafía será su sello distintivo en la carte- lística mundial. El destino pudiera ser otro, desconocido hoy, aún por escribirse. Ojalá y siempre sea a favor de los carteles».

Con más de cuarenta y cinco películas dirigidas y una larga carrera como actor, cómico, escritor y músico de jazz, Woody Allen es uno de los artistas más polifacéticos de nuestro tiempo. Desde sus inicios con El dormilón, hasta su último estreno Café Society, todas las películas de Woody Allen tienen una inconfundible sensibilidad que es solo suya. En esta biografía nueva y completa, David Evanier analiza sus principales obras en paralelo con la agitada vida personal de Allen. Para ello ha entrevistado largamente a sus colaboradores, familia y amigos, entre ellos a la primera esposa de Woody, Harlene Rosen, que nunca había hablado de él desde su divorcio en la década de 1960. El sexo, el amor, la suerte, la moral, el judaísmo, la eterna lucha entre la cabeza y el corazón son los temas que han obsesionado a Woody Allen y que permean toda su obra y muchos episodios de su vida. David Evanier habla de todo ello, y no elude el relato completo y objetivo del largo litigio que le enfrenta desde hace décadas con su expareja Mia Farrow tras emprender una relación con la hija adoptiva de esta y ser acusado de abusos a la pequeña que adoptaron en común. Esta es la biografía definitiva, la más actualizada y personal: con todos ustedes, la vida y la obra de Woody Allen.

Carlos Pazos empezó a exponer en 1969 en la sala de exposiciones del Ateneo Barcelonés y, desde aquel momento, lo ha hecho en las mejores galerías y museos del mundo como el MACBA (Barcelona), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Centro Georges Pompidou (París), Gallerie Camille Von Scholz (Bruselas) o Joan Prats Gallery (Nueva York), entre otros. Ha ganado el Premio Nacional de Artes Plásticas de España y el el Premio Nacional de Artes Visuales de la Generalidad de Cataluña. Este libro es el guión a posteriori de la película Art¡ss!mo, realizada por Carlos Pazos entre 2012 y 2015, en doble versión: en los múltiples idiomas originales y en su traducción al castellano. Como es habitual en su trabajo, Carlos Pazos utiliza la técnica del collage para construir un discurso, pues entiende la cultura como acumulación y la cita como instrumento de propagación. En Art¡ss!mo, aplica dicha técnica al cine, reflejando la visión de los mundos del arte y la literatura que las películas transmiten, sin distinción de género, presupuesto o fecha de nacimiento.

Contada por ella misma, la tragedia que fue la vida de Isadora Duncan (vio morir a sus tres hijos pequeños, se casó con un escritor ruso que acabó suicidándose, y murió ella misma en un absurdo accidente, estrangulada por una bufanda que se enredó en la

Esperas en un semáforo mientras comes unas patatas fritas cuando alguien mete la mano en tu bolsa. Lo miras y piensas: «es él, es igual que él, qué emoción si es él, pero no puede ser él». Entonces, Bill Murray se traga la patata, te guiña el ojo y te susurra: -Nadie te va a creer. El mundo es un escenario y Bill Murray no entiende la vida sin improvisación ni sorpresa: irrumpe en fiestas anónimas y monta congas, se fuma pitillos de desconocidos o se pasea por ciudades en carrito de golf. Todo apunta a que Bill Murray tiene una misión: quiere que seamos mejores personas, más divertidas, menos robóticas, más profundas, menos pedantes. Más libres.