A Max Weber le debemos la famosa frase segu?n la cual la poli?tica seri?a «un ene?rgico y lento taladrar de duras tablas con pasio?n y tino». Partiendo de ella, Kluge examina en 133 textos los instrumentos de que disponen quienes actu?an poli?ticamente en la dura lucha por el poder. Sin duda, el taladro de Max Weber resulta una imagen adecuada para la tenacidad inteligente como condicio?n del cambio poli?tico. Pero, ¿que? es un martillo en el quehacer poli?tico? ¿Que? significa «me?todo fino»? En definitiva, ¿que? es lo «poli?tico»? La poli?tica es un estado de agregacio?n especial de sentimientos cotidianos. Esta? en todas partes. Mueve tanto las trayectorias privadas como la esfera pu?blica. Y asi?, en su historia, junto a los grandes personajes se afirman tambie?n los pequen?os, desconocidos, casi ano?nimos protagonistas de la poli?tica. Alexander Kluge borda aqui? un lu?cido ana?lisis en 133 miniaturas sobre la indestructibilidad de lo poli?tico y su presencia en lo cotidiano.

Según Paul Kantner, guitarrista y fundador del grupo de San Francisco Jefferson Airplane, «si alguien recuerda algo de los años sesenta, es que no los vivió?». Afortunadamente, Kantner se equivocaba y, de entre la bruma de la resaca producida por la marihuana, el LSD y los miles de conciertos, son muchos los protagonistas de esa década mítica que han logrado recordar y transmitir retazos fundamentales de sus vivencias para componer una historia parcial de la era beat, a la que este volumen aspira a contribuir de forma decisiva. Tomando como punto de partida la asombrosa colección de discos, carteles y publicaciones de la época reunida por Zdenek Primus, el propo?sito de este libro es doble: por un lado, revisar la aportación de la psicodelia y el hippismo a nuestro universo visual a través, fundamentalmente, del análisis de las portadas de disco y los carteles de los conciertos de los grupos de música beat, cuyos exuberantes disen?os firmaron, en ocasiones, artistas como Wes Wilson, Víctor Moscoso o incluso Andy Warhol. Por otro lado, se ofrece una aproximación visceral y apasionada de los movimientos juveniles que dieron luz a esta contracultura, en dos lugares tan distintos de la California del flower power como la España franquista ?con textos de Mariano Antoli?n Rato, Patricia Godes o Juan Pablo Silvestre? o la Checoslovaquia del otro lado del Telón de Acero, con los apasionantes relatos de dos jóvenes beatniks checos en la época de la primavera de Praga (y de su posterior aplastamiento por parte del ejército soviético).

EDITORIAL: OLIFANTE EDICIONES Perdidos. Un lugar para encontrar es un proyecto del fotógrafo Demian Ortiz, donde reúne retratos fotográficos de noventa reconocidos autores del panorama literario español contemporáneo. Editado por Olifante, en su nueva

En el presente texto, pensado como un manual, Sixto J. Castro detalla sus desarrollos con respecto a cuestiones de estética y el papel que ejercen en su pensamiento el arte, la belleza y los objetos que habitualmente caen en aquel campo de estudio. En l

"Hace cuatro décadas, Peter Bürger publicó su Teoría de la vanguardia, un libro de culto, concentrado en las dos tareas más importantes que demandaba entonces el arte: romper la representación y disolver la frontera que lo separaba de la vida. Fracasar en esta doble empresa habría certificado, según Bürger, la derrota de la vanguardia y quizá algo peor: su imposibilidad. Cuarenta años después, Teoría de la retaguardia es un manifiesto irónico surgido de ese fiasco, aunque no pierde el tiempo ni lamentándolo ni maquillándolo. Sobre todo porque aquí se entiende que nuestra época no está marcada por la distancia entre el arte y la vida, sino por una tensión entre el arte y la supervivencia, que es la continuación de la vida por cualquier medio. En el malestar que brota de esa supervivencia, Teoría de la retaguardia sospecha de un arte que va dejando sus esquirlas en la política, la iconografía o la literatura, ámbitos desde los que regresa cada vez más maltrecho a su Ítaca de siempre: el museo. Desde ese viaje de ida y vuelta, este ensayo mordaz y austero -en el que se tropiezan Duchamp con La Lupe, la revolución con el museo, Paul Virilio con Joan Fontcuberta o Fukuyama con Michael Jackson- se pregunta si el Arte Contemporáneo no se acaba nunca. Porque si fuera mortal, entonces habría que escribirle un final. "

¿Qué tienen en común estas seis mujeres, aparte de haber vivido en un mundo y una época extraordinarios? ¿Qué hay detrás de la imagen sofi sticada de Nancy Cunard, del gesto alocado y provocador de Kiki de Montparnasse o de la mirada penetrante de Joyce Mansour? Se las conoce más como acompañantes de los protagonistas masculinos de su tiempo -Man Ray, Max Ernst, Samuel Beckett, André Breton, T.S. Eliot o Jean Cocteau, entre otros- que por sus propias obras. Sin embargo, fueron mucho más que un nombre en un pie de foto o una cara hermosa que adornaba las fi estas y los salones literarios. Alentaron y promocionaron a escritores aún desconocidos, impulsaron la obra de artistas emergentes, algunas eran escritoras y pintoras por derecho propio y las que tenían fortuna la gastaron en financiar la obra de sus amantes, amigos y protegidos. Todas ellas fueron musas a la manera clásica, inspiradoras de artistas y escritores, pero fueron también las primeras musas de la modernidad debido a su papel activo y relevante en el movimiento surrealista, uno de los puntos de infl exión en la historia del arte del siglo xx. El relato de sus vidas, apasionadas y apasionantes, que aspiraban a ser obras de arte en sí mismas, nos transporta a un mundo insólito cuyo epicentro era la creación artística.

Este es un libro de cine explicado mediante la magia visual del diseño gráfico o un libro de diseño gráfico explicado a través de la magia evocadora del cine, como prefieras. Un libro sobre las emociones, sobre los surcos indelebles que el cine ha de

El tono general de estos ensayos se concentra en cuestiones que tienen que ver con la nulidad, la aniquilación, el fin o la destrucción, en algunos autores o en momentos señeros de la Modernidad, tales como la Austria de fin de siglo, Malevich, Pessoa, John Martin, Cage, la pintura después de Auschwitz o el marqués de Sade. Reunidos bajo el título ?voluntariamente ambiguo? de "Alegrías de nada", por un lado aluden, efectivamente, a las pequeñas ?o pírricas? alegrías que nos da pensar la nada. Existe ?cómo negarlo? una cierta jovialidad en imaginar la destrucción de uno mismo y el todo, una especie de goce en la desesperación y en toda voluntad negativa. Pero, al tiempo, este título quiere también sugerir que las cuestiones que aquí se plantean no están en absoluto para alegrías o bromas. Pues se trata, ciertamente, de asuntos que, de algún modo, nos permiten también trazar una deriva ?otra? del espíritu de la Modernidad misma. Decía Hegel que el espíritu no es ese poder semejante a lo positivo que aparta los ojos de lo negativo, como cuando decimos de algo que no es nada o que es falso, y liquidado eso, nos alejamos de ello y pasamos a cualquier otra cosa. El espíritu ?el que nosotros queremos convocar? es más bien y sólo este poder en tanto que le mira a la cara a lo negativo, y se demora en ello. Este demorarse ?concluía Hegel? es la fuerza mágica que torna lo negativo en el ser.

Este libro ofrece un estudio visual sobre las transformaciones que la obra de arte experimenta con la innovación tecnológica. En el horizonte de la cibercultura, la nueva creación artística se caracteriza por una ruptura con los conceptos estéticos tradicionales tales como la singularidad, la originalidad, o la autoría; para ofrecer una concepción radicalmente diferente del fenómeno creativo: repetición, copia, autonomía. La obra digital se independiza de su creador para nacer desde la colaboración con el público. El arte en la cibercultura acerca al lector, de manera fácil, la visión renovadora de estos artistas que trabajan con las innovaciones tecnológicas de su tiempo (videojuegos, redes sociales, internet...).

El caso de Francisco Morano (1876-1933) es paradigmático y a la vez atípico en la historia de nuestro teatro. Paradigmático porque no se trata de un actor sin formación, que aprende el oficio practicándolo y consigue sobresalir e independizarse hasta ganarse un sitio relevante en la escena de su época. Atípico porque, tras recibir la influencia de algunas compañías europeas que visitan España, decide cambiar su manera de entender el arte interpretativo y defender, a contracorriente, valores completamente ajenos a la cultura teatral que le rodea. Morano busca realizar un arte más propio de su tiempo y, atento a las nuevas dramaturgias europeas, intenta desarrollar lo que entiende como ?naturalismo?; un concepto que en España fue variando su significado en la escena según se transformaban la percepción y el gusto de los espectadores. Y todo esto en un momento en el que la taquilla mandaba, feroz, sobre la escena española. Tenía unas cualidades innatas para la escena: corpulento, con una potente voz, gran energía física y una memoria prodigiosa que le permitía recordar los papeles con pocas sesiones de estudio, evitando depender del apuntador. Morano era el prototipo de actor intuitivo y versátil; no era un hombre de una gran belleza física, lo cual le ayudó a trascender el tipo habitual de galán e interpretar un gran abanico de personajes diferentes. Su fuerte carácter y su marcada personalidad determinaron en muchas ocasiones su trayectoria, así como una manera propia y muy característica de vivir y hacer teatro, reflejada después en un gran número de anécdotas que corrieron por los mentideros del oficio durante décadas. En definitiva, un actor fascinante, de gran personalidad, empeñado en luchar por lo que pensaba que debía ser el arte escénico desde la independencia y el riesgo. Por eso merece la pena conocer su historia, porque conserva esa esencia de los cómicos de antaño que, todavía hoy, nos mantiene inmersos en este oficio que amamos sin remedio.

Este libro comienza asegurando que la primera grabación de voz que se conoce es la de Walt Whitman recitando, en el año 1890, su poema America. Antes de esa fecha, y sin registros sonoros disponibles, no tenemos ni idea de cómo sonaba el habla. Si oyéramos hoy a un romano del siglo I decir rosae quizá oiríamos algo parecido al rugido de un tigre o el sonido de una máquina. Y es que todas la cosas tienen su 'línea año cero', el lugar más allá del cual lo inventamos todo: ahí comienza la ficción. Y este libro termina desplegando toda una teoría alternativa acerca de qué es un producto artístico y qué es una máquina y un organismo, produciendo así nuevas acepciones a los conceptos 'natural' y 'artificial'. Entre medias, y por un camino tejido con una personalísima red de metáforas que aúnan lo poético y lo científico, veremos pasar cosas como una aeronáutica interpretación del Ángel de la Historia benjaminiano, o el porqué de la identidad de Occidente -forjada en la idea del viaje y en la construcción de 'el otro'-, o páginas que arrojarán nueva luz a las artes contemporáneas -especialmente al apropiacionismo-, o sabremos qué significa hoy la fragmentación y el ruido en la comunicación. De un disco de New Order al caballo que Nietzsche abrazó en Turín, del cine de Chris Marker a Lady Gaga, de las teorías de sistemas complejos a los Durmientes de Efeso, de la mitología del romanticismo a la no menos imposible mitología pop, o del porqué del reciente colapso económico mundial al 'Blues del Bosón de Higgs' que cantó Nick Cave, todo viene en este libro a resignificar nuestra cotidianidad. Teoría general de la basura fundamenta su principio en que no elaboramos artes y ciencias a través de la excelencia sino utilizando la basura pasada, los residuos que sin querer nos dejaron otros. Un libro que plantea una muy original ontología y epistemología de nuestra contemporaneidad: en los residuos de nuestro presente se hallan los genes culturales del futuro próximo

¿Tienen los cadáveres rostro o es una cualidad exclusiva de los vivos? ¿Por qué hay culturas o momentos históricos en los que la efigie post mortem adquiere un valor que en otros contextos es desestimado? Veremos cómo la relación de las personas con la faz cadavérica varía de forma drástica a lo largo del tiempo: hay momentos en los que se subraya, otros en los que se oculta y tiempos en los que se maquilla, intentando conferirle una efímera vida cosmética. Este libro se propone reconstruir una historia del rostro ante la muerte, conscientes de que una historia de esta naturaleza es, inevitablemente, una historia de fantasmas, de sombras, de objetos que no encuentran un lugar ni un tiempo específico.