En medio del clima artístico con tendencias realistas del gótico tardío y el Renacimiento temprano, el pintor holandés Jerónimo Bosch, El Bosco (aprox. 1450-1516), constituyó una extraordinaria anomalía. Sus pinturas están pobladas de escenas grotescas protagonizadas por seres fantásticos que sucumben a toda índole de fantasías, angustias y anhelos humanos. Una de sus grandes genialidades fue tomar las representaciones figurativas y escénicas conocidas como drolleries, que utilizan monstruos y seres grotescos para ilustrar los pecados y el mal, y trasladarlas de los márgenes de los manuscritos miniados a pinturas en retablos de gran formato. Junto con los híbridos tradicionales de hombre y bestia, como los centauros, y criaturas mitológicas como unicornios, diablos, dragones y grifos, encontramos también incontables monstruos surgidos de la imaginación del artista. Muchas escenas secundarias ilustran proverbios y frases hechas de uso común en tiempos de El Bosco. En el tríptico La tentación de san Antonio, por ejemplo, el artista retrata al demonio mensajero calzado con unos patines de hielo, reflejo de una expresión popular: el mundo «patinaba sobre hielo», es decir, se había desviado del camino correcto. El Bosco fue especialmente innovador en la traslación pictórica de proverbios.La obra de El Bosco (cuyo nombre era en realidad Jheronimus van Aken) ha sido objeto de profusas copias e imitaciones: de hecho, el número de obras de discípulos de El Bosco que ha llegado hasta nosotros supera en más de diez veces la producción del propio maestro. En la actualidad, solo 20 pinturas y ocho dibujos se atribuyen con total certeza a la mano de El Bosco, quien continúa siendo considerado un visionario, retratista de sueños y pesadillas, además del pintor por antonomasia del averno y sus demonios.El presente libro, publicado con motivo del próximo 500 aniversario de la muerte del pintor, incluye nuevas fotografías de obras restauradas recientemente y abarca el conjunto de la obra del artista. Descubra el ingenio pictórico de El Bosco en maravillosas reproducciones, ricas en detalles, y en un enorme desplegable de más de 110 cm de anchura de El jardín de las delicias. Stefan Fischer, historiador del arte y reconocido experto en la materia, explora qué elementos de El Bosco y de su obra hicieron de él una figura tan influyente.

El reciente descubrimiento de una carta de Cézanne a Zola, posterior a la considerada "carta de ruptura", ha supuesto un brusco giro en los estudios sobre el tema. Si hasta ayer se pensaba que Cézanne rompió unilateralmente con Zola herido por la publicación de la novela "La obra", hoy es una idea que no se puede ya mantener. La aparición de la carta ha servido no solo para matizar la biografía (que no es poca cosa...), sino que ha supuesto una cuña que ha permito abrir cuestiones políticas sobre el compromiso de ambos creadores y sobre la relación de su obra con un compromiso tal, cuestiones cerradas en falso y que pedían a gritos reabrirse. En esta edición traducimos un buen montón de correspondencia y otros tantos documentos (varios de ellos, como la citada carta de Cézanne, muchas cartas y algún texto de Zola, inéditos en castellano) que dan luz a unos perfiles también inéditos y, desde luego, sorprendentes de ambas figuras centrales. ¿Cómo es posible que Cézanne, icono de la modernidad, fuera una persona de misa diaria, que fuera un patriota (pero evitara el servicio militar en diversas ocasiones...), que Manet le supusiera un enemigo a batir pictóricamente, que abandonara retratos y amistades al enterarse de la filiación de su modelo, o sus amigos o que tuviera entre sus lecturas favoritas las revistas antisemitas más en boga? Y, ¿cómo que Zola, retratista de la clase trabajadora, fuera un furibundo enemigo de la Comuna, llegando a justificar los 40000 asesinatos de la represión llevada a cabo por el gobierno francés, que también se opusiera al socialismo revolucionario con toda contundencia, que estuviera constantemente ampliando su mansión de Medan, que tomara partido por Manet frente a su amigo Cézanne o que en sus cuentos los únicos trabajadores retratados benévolamente sean los resignados (lo que le costó la censura del mismísimo Victor Hugo)? Chocantes materiales precedidos de un prólogo del prestigioso profesor de Cambridge, Robert Lethbridge, uno de esos intelectuales que han sido capaces de extraer todas las consecuencias de este nuevo descubrimiento.

El alcance de las reflexiones de John Berger es tan diverso como sustancial e influyente. En 1972, Berger revolucionó la teoría del arte con el programa televisivo Ways of Seeing, que posteriormente se publicaría en el célebre libro homónimo Modos de ver. Poco después aparecieron Mirar y Otra manera de contar y, en paralelo, la obra artística y literaria de Berger. La presente antología viene a llenar un vacío en la publicación de su obra teórica y reúne, por primera vez en un solo volumen, los textos sobre fotografía más importantes del artista e intelectual británico. Los cerca de veinticinco ensayos que componen este volumen, cuidadosamente seleccionados por el novelista y ensayista Geoff Dyer, aparecen ordenados cronológicamente en un recorrido donde se suceden desde textos emblemáticos ya publicados en algunas de las obras más conocidas de Berger, hasta artículos inéditos aparecidos en catálogos de exposiciones. También comparte sus visiones con colegas como Sebastião Salgado o Martine Franck y nos regala brillantes reflexiones sobre la obra fotográfica de Henri Cartier-Bresson, Paul Strand o Eugene Smith. Un conjunto reflexivo de peso que pasa a formar parte por derecho propio de las grandes obras sobre el medio fotográfico.

ste libro reúne los dos textos que Ivo Andric, premio Nobel de Literatura en 1961, dedicó al gran pintor español Francisco de Goya. En el primero, el escritor resume la vida del pintor y analiza algunos de los aspectos biográ cos más decisivos para entender el estilo y los temas en su obra. En el segundo, Andric recrea una conversación con Goya, quien se le aparece en un viaje a Burdeos, ciudad donde el pintor pasó sus últimos años. Y pese a que Goya le confiese su falta de elocuencia, y hasta la reivindique como el resultado de su apego a la sencillez, su voz suena clara y su discurso es luminoso. Andric realizó así el homenaje más generoso que un escritor puede rendir a un pintor: prestarle las palabras para expresar de otro modo lo que las imágenes pueden seguir revelándonos dos siglos después de haber sido creadas. Para comprobarlo, al lector le bastará contemplar las treinta reproducciones de obras de Goya alojadas en el Museo del Prado que se incluyen en las últimas páginas del libro.

El ultraísmo en España, publicado en 1925, es el primer libro crítico acerca del movimiento ultraísta. El autor, Manuel de la Peña, había participado directamente y de modo destacado en la vida del movimiento, sobre todo durante sus años finales, como editor de las revistas Vértices (1923-24) y Tobogán (1924-25) y como poeta, con la colección Bordón (1925). En El ultraísmo en España, pues, Manuel de la Peña escribe desde una perspectiva privilegiada pero algo partidista, utilizando su familiaridad directa con las actividades ultraístas pero igualmente demostrando sus propias preferencias y afinidades dentro del movimiento. En el momento de su aparición El ultraísmo en España se presentó como la primera entrega de una serie de cuatro volúmenes, que desgraciadamente no llegaron a publicarse. Este detalle explica la selección de poetas cuya obra se estudia aquí César González-Ruano, Gerardo Diego, Rafael Lasso de la Vega, Guillermo de Torre, Eduardo de Ontañón, donde evidentemente faltaban varias de las figuras ultraístas más destacadas. De todas maneras, el libro nos ofrece una visión valiosa y única de lo que fue el primer movimiento de vanguardia en España. Manuel de la Peña (h. 1900- ¿?) empezó su carrera literaria colaborando, durante 1917-18, en la revista Los Quijotes. Fue miembro de la tertulia del Café de Platerías y amigo de César González-Ruano y José Ojeda. Tras un hiato de unos años, reanudó su actividad, sirviendo como secretario y luego director de la revista ultraísta Vértices (1923-24) y como director de Tobogán (1924-25) y su filial Ediciones Tobogán (1925). Allí publicó también su único libro de poesía Bordón. Poemas 1922 (1925). Ese mismo año colaboró en Plural y en otra revista de distinta índole, Castilla Gráfica. Culminando su trabajo literario para 1925, publicó El ultraísmo en España, y a partir de 1926 volvió a desaparecer, con mínimas excepciones, de la escena cultural madrileña. Andrew A. Anderson es profesor de literatura española en la Universidad de Virginia. Es especialista en la obra de García Lorca, la vanguardia histórica española (Futurismo, Ramón Gómez de la Serna, Ultraísmo, Sebastià Gasch, Salvador Dalí, Giménez Caballero, Surrealismo), el teatro de entreguerras y la historiografía literaria de la misma época. Sobre Lorca ha publicado Lorca's Late Poetry: A Critical Study (1990), Federico García Lorca en Nueva York y La Habana. Cartas y recuerdos (2013, con Christopher Maurer), y diversas ediciones críticas, entre ellas Diván del Tamarit. Llanto por Ignacio Sánchez Mejías. Seis poemas galegos (1988), Epistolario completo (1997, con Christopher Maurer), y Poeta en Nueva York (2013). Sobre la vanguardia cuenta con cuatro monografías: El veintisiete en tela de juicio. Examen de la historiografía generacional y replanteamiento de la vanguardia histórica española (2005), Ernesto Giménez Caballero: The Vanguard Years (1921-1931) (2011), El momento ultraísta. Orígenes, fundación y lanzamiento de un movimiento de vanguardia (2017) y La recepción de las vanguardias extranjeras en España: cubismo, futurismo, dadá (2018).

Durante mucho tiempo, Javier Lahoz ha deseado escribir sobre el cine y sobre quienes lo construyen. Para ello solo le faltaba un empujón. Se lo ha dado el excelente ilustrador Nacho Rúa, que además de buen amigo que manejaba la idea de un proyecto en común. Ambos retratan con palabras y con el lápiz un centenar de intérpretes seleccionados caprichosamente al azar de entre el imaginario de los que les regalan, o les han regalado, momentos necesarios. Faltan muchos actores y actrices, porque había que poner un número y la centena es un buen corte para redondear. Todos los textos y los dibujos son el resultado de un cariño inmenso por un mundo que ha supuesto una fuente de luz inagotable que solo las pantallas y los escenarios saben irradiar. Este libro supone un homenaje a una profesión que comparte con el público la ficción como una forma de vida.

La historia de un medio que comenzó como una novedad fotográfica para convertirse en un negocio de la era digital. Abarca desde los filmes de entretenimiento dirigidos al gran público hasta los talentos de cineastas independientes y minoritarios, y desde los artífices de gran éxito hasta las obras de bajo presupuesto. Una historia del cine narrada con pasión desde la perspectiva de los propios cineastas. La creatividad es el motor que ha hecho avanzar el mundo del cine. Éste es el principio del que parte este libro, sin el cual resulta imposible entender lo que ha convertido el séptimo arte en el poderoso medio que es en la actualidad.   Comentarios sobre personalidades, datos referentes a avances tecnológicos y cambios en la producción junto con comprometidas descripciones de las escenas más innovadoras de las propias películas, captan los aspectos más relevantes de la historia del cine sin tener que recurrir a la jerga cinematográfica ni a un exceso de teoría. Explica cómo los cineastas influyen unos en otros y al mismo tiempo reciben la influencia del mundo en el que les ha tocado vivir.