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Estos guiones cinematográficos reflejan al Pasolini más desconocido. La fértil imaginación de Pasolini se tradujo, al lado de sus películas, en muchos proyectos cinematográficos no filmados. Esta edición reúne los tres que dejó prácticamente dispuestos para su realización antes de ser asesinado. Estructurados como viajes por áreas geográficas y socioculturales muy diversas, su ritmo ágil permite «ver» las películas que el director tenía en la cabeza, al tiempo que brinda una lectura placentera. Como en toda la obra de Pasolini, estos guiones confieren al lector un papel activo a la hora de dar cuerpo a las escenas y lo interpelan para realizar su propia interpretación de los problemas de fondo. Sin presuponer un orden de lectura determinado, es el viaje lo importante, lo que permite comprender.«Pasolini mira a los ojos, sin pestañear, la miseria y la crueldad..., pero también ensalza lo bueno que hay en cada persona». Martin Scorsese

Después de la visita de John Berger a España, su obra ha suscitado un gran interés. Su reedición era absolutamente necesaria.

Historia de mi vida es una obra muy rica y completa, que nos proporciona una información biográfica enorme, exhaustiva y fiable de la vida y el arte constructivo de Joaquín Torres-García donde ofrece un fresco detallado de los movimientos artísticos e intelectuales de Madrid, Barcelona, París y Nueva York del primer tercio del siglo XX.

Durante siete noches, el curador y una voz incorpórea sostienen una conversación que tiene como fondo unos cuadros rescatados del olvido y el sonido intruso y machacón de la radio de un vecino. Oscuridades, arrebatos, referencias, complicidades y desacuerdos, Tiziano, el Greco, Bataille o Zweig, agresiones y reparaciones se suceden atravesadas por el juego de autoridad que se establece entre ellos, así como por las dudas del protagonista acerca de la naturaleza de su interlocutor y de su propia cordura. En su segunda novela (tras Malformalismo, Caniche, 2019), Txomin Badiola propone un inquietante psicodrama, sexual y entrópico, llevado hasta el extremo del pudor. Con una descarnada puesta en escena —Strindberg, Beckett y Pinter en la sombra—, el autor se enfrenta, en un ejercicio de sinceridad literaria, a las complejidades del creador en la encrucijada del arte del siglo XXI.

¿Alguna vez te has parado a pensar en cómo se representa a las mujeres en el cine? Si los cuentos y los mitos nos enseñan cómo entender el mundo… ¿qué nos dicen las películas y las series sobre nosotras mismas? Villanas, madres, vírgenes o damiselas en apuros. ¿Las mujeres no podemos ser nada más? El cine y la televisión, históricamente dominados por hombres, se han basado en la mirada masculina que ha invisibilizado a las mujeres y ha impedido la diversidad: mujeres con distintos cuerpos, racializadas, lesbianas, trans. En su lugar han quedado limitadas a arquetipos o percibidas como un accesorio en la ficción perpetuando una visión muy restrictiva e irreal de cómo somos. ¿Quiénes han contado las historias en pantalla? ¿Qué violencias hemos normalizado en el cine? ¿Cuál es la presencia e importancia de las mujeres detrás de cámaras? ¿Cómo está cambiando la ficción en la actualidad? Sandra Miret, divulgadora y analista fílmica feminista, revisa el imaginario con el que crecimos y cómo este ha dado forma a nuestra visión del mundo. Con un enfoque fresco y una mirada incisiva, nos invita a preguntarnos: ¿Es la pantalla nuestro reflejo, o somos nosotros reflejo de lo que vemos en ella? ¿Qué encontrarás en este libro? -Cuatro partes que analizan y desmontan la representación de las mujeres en películas y series, delante y detrás de la cámara. -Con un enfoque fresco, una crítica feminista sobre la importancia que tiene el modo en que nos vemos representadas y cómo influye en nuestra percepción de nosotras mismas. -Un texto divulgativo, profundo y plagado de contenido sobre las películas y series más relevantes de las últimas décadas: ideal para aprender y reflexionar sobre lo que vemos en la pantalla de forma amena y sencilla.

Investigar con arte y poesía ofrece una evaluación académica aguda y rigurosa de la reciente transición interdisciplinaria que ha impactado a las metodologías cualitativas. Este cambio, identificado como un «giro transdisciplinario», se caracteriza por la integración de técnicas provenientes de las artes, marcando un paso significativo más allá de la mera teorización. El texto proporciona un análisis crítico de esta tendencia, examinando en detalle el papel y la eficacia de los enfoques artísticos y poéticos en la investigación cualitativa. Se pone especial énfasis en la convergencia entre las artes, la poesía contemporánea y las ciencias sociales y de la salud, enriqueciendo así la perspectiva y el alcance de la investigación cualitativa. Además, presenta una visión pragmática de la implementación de estas técnicas, mostrando ejemplos de su aplicación en comunidades latinoamericanas y peninsulares. Como resultado, este libro no solo teoriza acerca de estas innovadoras estrategias, sino que también proporciona directrices prácticas para su incorporación en futuros proyectos de investigación cualitativa.

-Escenas de proyección- toma los instrumentos proyectivos de la revolución científica ?desde el telescopio de proyección y la cámara oscura, hasta la luz solar y el microscopio? para demostrar que la escena es un complejo dispositivo de poder que produce su propio sujeto. En la medida que saca al yo de su vulnerabilidad e instala la fantasía de una visión de un sujeto racional e inmanente respecto de todas las figuras minoritarias, raciales, queer, feminizadas, perpetúa una estructura de dominación. A lo largo de este libro, Jill H. Casid nos lleva desde los orígenes míticos de la representación hasta instancias ejemplares del arte contemporáneo, con el objetivo de explorar el potencial de transformación de las tecnologías de proyección e invertir su dirección en virtud de posiciones no normativas. Es decir, traza conexiones reprimidas entre elementos de la escena y elementos que cruzan de una escena a otra, para así abrirla y reinventar el sujeto, inaugurar devenires, liberar el potencial del por qué-no, del no no-aquí y del no no-todavía.

La colección EX(it)LIBRIS publica su octavo título, una traducción de Lo curatorial, un título fundamental, a la par que reciente, de la historiadora del arte, comisaria y escritora Beatrice von Bismarck. En esta primera traducción al español de su trabajo, von Bismark incide en sus investigaciones alrededor de la práctica curatorial, el énfasis en el proceso, las relaciones entre los participantes humanos y no humanos y los formatos de presentación de la exposición. Lo curatorial trata sobre un campo de acción relacionado con los procesos mediante los cuales el arte y la cultura devienen públicos. A pesar de la creciente importancia que la actividad curatorial ha experimentado en las últimas décadas, sigue pendiente la elaboración de una definición que designe sus características estructurales y justifique su significativa relevancia social. Partiendo de cuatro términos —“curatorialidad”, “constelación”, “transposición” y “hospitalidad”—, Beatrice von Bismarck describe lo curatorial como un contexto en el que la práctica y la producción de sentido tienen lugar siguiendo unas condiciones, reglas y procedimientos propios. Dejando atrás algunas nociones controvertidas, como las de comisario o comisaria, comisariado y exposición, este libro se centra en las relaciones que establece lo curatorial, relaciones que, a su vez, lo constituyen.

A través de un análisis de la cultura fotográfica desde sus inicios hasta la década de 1970, Gisèle Freund revisa en este ensayo la relación que existe entre la estética y la obra fotográfica mecánicamente reproducible, poniendo de relieve la interdependencia entre las formas artísticas y la sociedad en una época en que la obra de arte única ya estaba perdiendo el papel que había tenido en generaciones anteriores. Desde el retrato individual o colectivo hasta el fotoperiodismo, la fotografía publicitaria o la fotografía de aficionado, la autora reconstruye las principales etapas donde la fotografía ha tenido un papel fundamental a la hora de construir nuestra visión del mundo, y nos regala en estas páginas una obra que se ha convertido en una de las grandes referencias de la historia y la teoría de la fotografía.

«En el verano de 2023, un tsunami de enormes proporciones sacudió la industria cinematográfica mundial. El estreno de "Barbie", de la cineasta estadounidense Greta Gerwig, que llegó precedido de una gigantesca campaña de marketing, batió récords de todo tipo: fue, con diferencia, la película más rentable del año, y también el primer taquillazo de tales dimensiones dirigido por una mujer. Más allá de las cifras, se convirtió en un fenómeno de masas que provocó, y esta vez la frase hecha es más pertinente que nunca, auténticos ríos de tinta. Nadie quiso quedarse al margen. Es evidente que algo pasó con "Barbie". Nos guste o no, "Barbie" ya forma parte de todo un sentido definitorio de nuestro tiempo, tanto en lo que se refiere al debate intelectual, como a su repercusión a nivel social, y a cuestiones como la resignificación cultural de la célebre muñeca o del propio concepto de blockbuster, el papel del feminismo en las narrativas pop y la industria del cine, o la facilidad con que el capitalismo es capaz de reinventarse a través de su inagotable capacidad para sacar beneficio de cualquier concepto. No haber visto Barbie —y, no menos importante, carecer de una opinión sobre ella— significaba estar fuera de juego. En una sociedad que articula su funcionamiento mediante la polarización, era lógico que "Barbie" también provocara posicionamientos encontrados, hasta el punto de tener repercusión incluso en la geopolítica cultural, mientras la juguetera Mattel y Warner Bros., principales productoras de la película, se frotaban las manos y ponían las calculadoras en marcha: el film costó 145 millones de dólares y en apenas cuatro meses ya había recaudado más de 1 300». Este volumen, compuesto de seis artículos críticos en torno a la película y a sus diversas lecturas culturales, busca ser una herramienta que nos ayude a aterrizar un fenómeno que trasciende con mucho a la propia muñeca en la que se inspira.

Es indudable que la escucha es medular en la vida cívica, por cuanto lo que se pone en juego en la acústica son las formas de poder. En atención a las maneras de escuchar, Brandon LaBelle examina las dinámicas de participación de la vida en común para centrarse en cómo lo que compone la sonoridad es un medio dinámico que fomenta el potencial crítico y creativo de los individuos a la hora de reconfigurar la praxis social: capacidad de respuesta, resistencia, comprensión, disputa y reorientación, son claves en las luchas por el derecho a hablar y ser escuchado. Ahondar en el reconocimiento como forma neurálgica de participación implica ampliar las normas de lo acústico, que tocan directamente las cuestiones de lugar y desplazamiento, fronteras y comunidad, y que terminan por definir las capacidades del escuchar en tanto «ecologías poéticas de resonancia». Así, Justicia acústica indaga entre las prácticas sociales, el arte sonoro, la performatividad y las poéticas de la voz en el marco de la comunidad, con el objetivo de apuntar estrategias de rechazo y reparación, por medio de su agencia sónica.

Desde los primeros años del nuevo siglo hemos visto generalizarse una serie de dinámicas multitudinarias de participación e interrelación en torno a una infinidad de redes sociales, blogs y grandes repositorios colectivos de archivos compartidos por millones de personas diariamente. Un buen número de artistas no tardó mucho en comenzar a explorar críticamente estas nuevas dinámicas sociales y las tecnologías que las posibilitaban, haciendo de ellas los nuevos contextos de referencia y actuación de sus investigaciones creativas. Centrado en el análisis y caracterización de esta «segunda época» de la relación entre prácticas artísticas e Internet, este libro presenta un pormenorizado estudio tanto de la actualidad del net art (blog-art, intervenciones en redes sociales y en metaversos, instalaciones conectadas a la red, etc.), como de aquellas manifestaciones artísticas que, sin ser obras en línea, trabajan «acerca de» Internet en cualquiera de sus dimensiones, estéticas, técnicas, lingüísticas, políticas o económicas y a través de un sinfín de medios (vídeo, imagen fija, performance, etcétera). La amplitud y profundidad de este análisis hacen de este libro un material imprescindible para conocer cómo está evolucionando una faceta fundamental del arte de nuestro tiempo. La presente edición, que recoge las más importantes aportaciones de los últimos tres años, incluye nuevos textos sobre el «arte post-Internet» y sobre diversas prácticas como performance en redes sociales o fotografía.

El espectacular éxito de Easy Rider en 1969, una película de moteros de escaso presupuesto, marcó el inicio de una nueva era en Hollywood. Una generación de jóvenes directores, Martin Scorsese, Francis F. Coppola y Steven Spielberg entre otros, comenzaron a filmar con actores aún poco conocidos, como Robert De Niro, Al Pacino y Jack Nicholson, y en pocos años se convirtieron en los nuevos y poderosos señores de Hollywood, artífices de clásicos modernos como El padrino, Chinatown, Taxi Driver y Tiburón.Basado en cientos de entrevistas con los propios directores, pero también con productores, estrellas, agentes, guionistas, ejecutivos de los estudios, esposas y ex esposas, el libro de Peter Biskind narra día a día la epopeya de los jóvenes lobos de Hollywood, la génesis de sus películas y sus luchas contra el establishment.Moteros tranquilos, toros salvajes es la espléndida crónica de ese viaje alucinante que fue Hollywood en los años setenta, la historia apasionante y verídica de la última gran edad de oro del cine americano, una exaltada celebración de la creatividad y la experimentación, pero también del sexo, las drogas y el rock and roll.

Una bella, emotiva y comprometida reivindicación de la oscuridad como un espacio de libertad, resistencia, conocimiento y transgresión. En nuestra cultura, tendemos a relacionar la oscuridad con el mal, el miedo, la ignorancia y la barbarie, pero en ocasiones puede ser un refugio acogedor. Sucede con las salas de cine, santuarios en los que se forjan mitos, deseos e ideales, templos del placer en cuya noche artificial podemos liberar nuestras emociones reprimidas y buscar respuestas que rara vez encontramos en la luz del día. En nuestro presente de pantallas múltiples, este libro reivindica – sin nostalgia ni resignación– los cines en los que los espectadores comparten esperanzas y angustias, sueños y pesadillas. La oscuridad de estas salas es iluminadora.