Con la edición conjunta de los libros autobiográficos y memorialísticos de Emilio García Riera (El cine es mejor que la vida y 70 años de ser yo) se pretende paliar un injustificable vacío entre nosotros, el que rodea a algunos miembros de la «segunda generación» del exilio, formada por aquellos que, de niños, acompañaron a sus padres en el obligado destierro republicano español. Puede que esta experiencia traumática, aleación de soledad, desarraigo y secretos, inclinara a muchos de ellos al cine, todopoderoso en las dos únicas décadas sonoras, los treinta y los cuarenta, en las que no tuvo que enfrentar la competencia de la televisión, y fundamental fuente lúdica y de conocimiento para los García Riera, García Ascot, Elío, De la Colina y tantos otros que se pasean por estas páginas. Esa importancia capital explicaría el trabajo abnegado y obsesivo del García Riera historiador, su pasión por el dato y los hallazgos filmográficos de los miles de páginas que dedicó a la cinematografía mexicana, pero sobre todo la manera en que, en el cinéfilo, esta pasión concreta puede convertirse en una forma de vida, estructuradora del pensamiento y la moral personal. Lo que siempre se alabó de su Historia documental del cine mexicano, la mezcla de rigor y agudeza, la ausencia de solemnidad y pedantería, la economía lingüística y la manera profundamente divertida de contar los argumentos, comparece en estos recuentos vitales como placentera literatura del «yo», desinhibida, desprejuiciada, que narra los vericuetos de una existencia desde un presente sereno, aún ilusionado, el propio de un hombre que, en palabras de José de la Colina, supo «amar la vida sin idealizarla».

Uno de los libros más personales de John Berger, y un mosaico conmovedor sobre el poder transformador del arte para captar lo esencial de nuestra existencia y mantener viva la esperanza frente a la injusticia y el olvido.«He viajado por muchos lugares. He vivido mis años. He aquí un libro de encuentros (si omito alguno, esa es otra historia). Cada ensayo se inicia con una imagen que conjura el momento en que se fijó mi encuentro con ella. Algunos considerarán difícil hallar en un mapa los lugares que aquí se glosan; para otros, por el contrario, resultará sencillo. Lugares, por supuesto, que también han sido visitados por más viajeros. Solo tengo la esperanza de que mis lectores los reconozcan en este libro y puedan decir: Yo estuve allí...»Este es, pues, un libro de encuentros, pero también de despedidas, y de la tensión inevitable que media entre esos dos instantes: entre el crítico y el arte, el artista y su tema, su tema y lo desconocido; entre lo invisible y lo visible, la presencia y la ausencia. Entre imágenes, en definitiva, y personas. Pero, sobre todo, se trata de un encuentro entre el autor y quien lo lee, que se descubre inmerso en la elocuencia y la valentía moral que destila la imaginación de John Berger. Ya esté comentando una pintura, una postal o una fotografía, Berger nos envuelve en la fascinación y la riqueza infinita del mundo visual, enfocando a la vez la imagen de la que habla y la constelación de asociaciones que convoca a su alrededor.Anteriormente publicado como Siempre bienvenidos, este conjunto de ensayos de John Berger se presenta ahora por primera vez en castellano en su edición completa.

En este libro, Miquel Barceló nos habla por primera vez 'de la vida mía' a través de sus carnés, su pintura, sus dibujos y una larga serie de textos sobre su infancia, sus padres, su Mallorca natal, su relación con el mar, con los animales, con la creación: 'Pintar, nadar, leer. Hago eso desde que tengo memoria'. Aquí están sus amigos y sus referentes humanos, literarios y artísticos. La fascinación por África y por el arte prehistórico. Sus distintos talleres y formas de trabajar en Mallorca, en París, en Mali. Su relación con la pintura, la escultura, la cerámica. Su reflexión sobre los trabajos monumentales en la Catedral de Mallorca, en la sede de la ONU en Ginebra, en la Biblioteca Nacional de Francia en París.

El texto de Jorge Juanes nos muestra de entrada el panorama en el que nace el Dadá. Ello pone el terreno para la disrupción y el cuestionamiento de los sistemas normativos impositivos, el rechazo a los nacionalismos en favor de una conciencia cosmopolita que contribuya a “transformar la vida desde el arte, transformar el arte desde la vida”.

Para los artistas dadá, los textos fueron esenciales. Tanto en sus varios manifiestos como en cada escrito, poema, narración, incluso en dibujos que realizaron, definieron de algún modo su forma de actuar, su relación con la creación, siempre basada en la libertad y en la burla de las reglas y códigos aceptados. Aquí reunimos sólo unos pocos textos, que son característicos de esta forma de abordar la escritura, sus ideas y planteamientos. Un puñado de autores medulares para la conformación del dadaísmo: Tristan Tzara, Francis Picabia, Kurt Schwitters y Paul Dermée.

Este libro recoge la totalidad de textos que el poeta, crítico de arte y simbólogo Juan Eduardo Cirlot le dedicó a Antoni Gaudí entre 1949 y 1966. Se publican cronológicamente para que el lector pueda apreciar los cambios de matiz con los que Cirlot va explicando al arquitecto y cómo dejan traslucir a lo largo de los años las transformaciones de sus propios intereses intelectuales. Podremos apreciar así el paso del surrealismo al informalismo –de la imagen a la materia– y la irrupción de las explicaciones simbólicas que culminarían en su Diccionario de símbolos tradicionales. El Gaudí que nos presenta Cirlot es la personificación del creador por excelencia. Alguien capaz de detener la inercia repetitiva de la tradición, el historicismo del siglo xix y plantear una «arquitectura desencadenada», es decir, una arquitectura que avanzando desde el «origen» no se detiene hasta su conclusión. Además, la obra de Gaudí no es entendida por Cirlot como el final de una época, sino como la semilla de gran parte de la plástica del siglo xx.

Haiek Danak Sorginak (Todas ellas brujas) es un proyecto fotográfico que Bego Antón lleva desarrollando durante más de diez años en el que reconstruye la caza de brujas en el País Vasco a partir de las confesiones que las mujeres acusadas fueron obligadas a realizar ante la Inquisición. Ante la ausencia de documentos en los que ellas relaten su propia experiencia, el proyecto parte de esos testimonios distorsionados para convertirlos en imágenes y cuestionar un relato histórico contado casi exclusivamente desde una mirada masculina. Editado como un proyecto coral, en el que Amaia Nausia y Alice Markham-Cantor dialogan, refutan y reconstruyen el imaginario junto a Bego Antón, Haiek Danak Sorginak (Todas ellas brujas) da lugar a una obra híbrida que propone una relectura crítica y poética, desmitifica la figura de la bruja y reivindica la memoria de las mujeres silenciadas.

Centrales industriales, facultades universitarias, templos religiosos, torres de viviendas, moles hechas a medida de la Administración, obras nacidas de la fantasía de un genio. Eterno objeto de controversia y fascinación, la arquitectura brutalista ha marcado indefectiblemente nuestro paisaje en las últimas décadas. De norte a sur, de este a oeste, región a región, este volumen presenta un itinerario visual e informativo fundamental por los edificios que encarnan el estilo más influyente del siglo XX en el territorio español y que, celebrados unos, condenados otros, forman parte de nuestra memoria cultural.

René Vau)er (1928-2015) cuenta en su haber el ser el director más censurado de la cinematografía francesa. Con 16 años participó en la Resistencia contra la ocupación nazi en las costas bretonas. Con 22, realizó el primer documental anticolonial en franc

Una invitación poderosa y emocionante a participar en uno de los grandes debates culturales de nuestro tiempo. Quizá la belleza no pertenezca a nadie. Pero ¿qué pasa con los objetos que los museos han elevado al rango de grandes obras de arte y que son su orgullo? ¿Pertenecen al lugar donde nacieron, a la cultura cuyo genio encarnan, a quienes se los apropiaron, o a la humanidad entera, que solo accede a ellos a través de instituciones dedicadas a su conservación? Y si es lo último, ¿cómo justificar que solo algunos puedan disfrutar de este patrimonio universal?Bénédicte Savoy nos propone empezar por el principio: seguir el rastro concreto de esos objetos, preguntándose cómo llegaron hasta nosotros y qué revelan sus trayectos sobre nuestra historia. Del busto de Nefertiti al retrato de Adele Bloch-Bauer de Klimt, pasando por el altar de Pérgamo, la Madonna Sixtina o los tesoros reales de Benín. ¿Quién se conmovió ante estas confiscaciones, cuándo y por qué? En las peripecias de estas obras emblemáticas se entrelazan historias sobre violencia, asimetrías, archivos, cine, memoria familiar, curiosidad científica, diplomacia y política internacional.Una lectura emocionante y placentera, este poderoso ensayo nos invita a participar en una de las grandes discusiones políticas y culturales de nuestro tiempo. Si estas piezas provocaron, allí donde llegaron, fecundaciones estéticas inesperadas, también abrieron, allí donde faltan, heridas aún vivas.

En Dolor exquisito (ed. Comisura, marzo 2026) Sophie Calle combina texto, foto y archivo personal para construir un libro que disecciona el duelo amoroso con una precisión casi clínica. En el relato la repetición es fundamental: durante noventa y nueve días, la artista reescribe su historia, la somete a cambios y la confronta con los relatos del dolor de otras personas. 288 páginas a color divididas en dos partes: Antes del dolor y Después del dolor. En la primera, Calle relata su viaje por Japón mediante una crónica sui generis que avanza como una cuenta atrás hacia el momento de la separación. En la segunda parte, tras recibir un telegrama y una breve llamada que ponen fin de manera abrupta a la relación, el relato continúa hacia adelante a través de la repetición obsesiva con pequeñas variaciones de ese momento traumático. Esta, a su vez, se ve confrontada con los testimonios de dolor de otras personas —suicidios, muertes de padres, traiciones, enfermedades—, reunidas como si fueran un archivo colectivo del sufrimiento. Comisura publica por primera vez en España el libro más arrebatador de Sophie Calle, una figura clave del arte contemporáneo que apenas había llegado a nuestro país, a pesar de que cuenta con muchas personas que la admiran y se le han dedicado exposiciones en los grandes museos.