Los símbolos ejercen un fuerte control en el siglo XXI y lo han hecho durante miles de años. Desde emblemas nacionales a logotipos corporativos y emojis, nuestra vida cotidiana está repleta de iconos que hunden sus raíces en un pasado remoto. El experto historiador del arte Matthew Wilson traza las trayectorias, a menudo sorprendentes, que han seguido los símbolos a lo largo de la historia, desde sus propósitos originales hasta sus significados modernos, identificando los temas e ideas comunes que relacionan culturas aparentemente dispares. Así, nos encontramos con el halcón como símbolo de autoridad desde los antiguos faraones egipcios hasta la aristocracia medieval; el perro como compañero incondicional desde la época clásica hasta el Renacimiento; y la mítica ave fénix como símbolo de poder femenino que conecta a una reina inglesa con una diosa china. Desde las pinturas rupestres paleolíticas hasta obras artísticas contemporáneas, Wilson nos guía hábilmente por este mundo de símbolos, mostrando su perdurable capacidad para expresar poder, esperanza, miedo y fe, y para crear y comunicar identidades, uniendo —o dividiendo— a los pueblos que los crearon.

En 1968, Pier Paolo Pasolini recibió en su casa de Roma al crítico de cine Jon Halliday y juntos, durante varias semanas, alumbraron esta serie de entrevistas con las que el intelectual italiano dio forma a su más completo autorretrato personal y artístico. En ellas se desgrana su concepción del cine, la intrahistoria de sus películas, sus impresiones sobre los aspectos técnicos del séptimo arte, su posición frente a la censura, etcétera. Pero la riqueza de la personalidad del entrevistado, la curiosidad del entrevistador y la lucidez de ambos hacen que la conversación discurra por caminos insospechados y vayan apareciendo todos los temas que despertaron el interés y la pasión de Pasolini: la lengua, la religión, la relación entre literatura e ideología, entre cultura y política, entre la Iglesia y la sociedad. Estas páginas reavivan, así, el ardor intelectual de uno de los mayores genios del siglo XX.

¿Es el arrepentimiento una forma de memoria?, ¿una manera de narrarnos a nosotros mismos?, ¿un acto de imaginación? Alejandro Cesarco ha desarrollado una práctica artística heterodoxa a partir de recursos como la repetición, la narratividad, la lectura o la traducción. Con este libro, en el que cuestiona un devenir del arte regido por el principio de producción y orientado hacia el éxito, transita el arrepentimiento como modo estético y como herramienta metodológica. Lo contempla como una fuerza creadora que se sitúa entre quienes somos y quienes aspiramos a ser, o entre lo que hacemos y nuestras deficiencias. De la mano de pensadores y artistas como Louise Lawler, Sturtevant, Lauren Berlant, Jorge Luis Borges o Macedonio Fernández, Cesarco rastrea la doble función de este sentimiento: no solo una manera de mirar atrás sino también de proyectarnos hacia delante, de (re)evaluar lo que nos impulsa. Bajo el signo del arrepentimiento refleja una particular tonalidad a través de

Inspirado por unas palabras pronunciadas por Josephine Baker en la Marcha sobre Washington de 1963, Hanif Abdurraqib ha escrito una profunda y duradera reflexión sobre cómo la presencia escénica negra está inextricablemente entrelazada en el tejido de la cultura estadounidense. Con una colección de 21 ensayos divididos, a su vez, en cinco movimientos que evocan, tanto las secciones autónomas de una pieza musical como los movimientos físicos de un cuerpo que baila, Abdurraqib utiliza la danza y la música para explorar las emociones negras mediante la autobiografía confesional, el análisis de la cultura pop y varias figuras históricas; auscultando el significado de la actuación negra sobre los escenarios, la búsqueda de la individualidad y la voluntad de sobrevivir.

Una exquisita propuesta sobre la relación directa y personal que tenemos con el arte y las exposiciones. Profesora de arte y cronista de exposiciones durante años, los puntos de vista de Mercè Ibarz sobre cuestiones artísticas son siempre personales, fundamentados y de gran lucidez. En este libro invita al lector a enfocar la mirada y establecer una relación directa con las obras. Entre la memoria íntima, la observación culta y el análisis social, este ensayo exquisito y estimulante es una muestra más de la inteligencia, la sensibilidad y la claridad expositiva que definen a la autora.

Chagall es uno de los artistas más singulares del siglo xx. Adorado por algunos, despachado por otros como fantástico y sentimental, su pintura encierra una cantidad de símbolos y significados ligados tanto a la historia reciente como a las más antiguas tradiciones rusa y judía. El texto de Pieyre de Mandiargues es delicado, original y extraño. Considera a Chagall un «pintor-poeta», le otorga la categoría de «un héroe de nuestro tiempo [cuya obra] es una defensa, una iluminación y una predicación perpetuas del amor»; y tiene razón cuando dice que no hay nada en el mundo en el que vivimos que sea tan moderno como el amor. La suya es una lectura atípica de la obra de Chagall, atrevida en sus referencias a su tendencia a la mística, inteligente al cambiar ese término por el de «mágico». André Pieyre de Mandiargues (París, 1909-1991) fue un novelista, poeta, dramaturgo y ensayista francés, cercano al grupo surrealista. Tradujo, entre otros autores, a Octavio Paz, W.B. Yeats, Alberto Savinio, Salvador Elizondo y Yukio Mishima, y su profunda relación con la pintura –estaba casado con Bona Tibertelli de Pisis, sobrina del pintor italiano Filippo de Pisis– le llevó a escribir sobre varios de sus contemporáneos artistas. En 1967 obtuvo el prestigioso Premio Goncourt por su novela Al margen y en 1979, el Gran Premio de Poesía de la Academia Francesa.

Remedios Varo: Los años de México es la más reciente monografía, dirigida a una audiencia mundial, sobre una de las pintoras surrealistas más interesantes y misteriosas. Magníficamente ilustrado, el volumen presenta las obras más importantes de la pintora, y el texto de Masayo Nonaka ofrece una mirada única hacia la vida y obra de Remedios Varo.Nacida y criada en España, Remedios Varo (1908-1963) se formó rigurosamente en la prestigiosa Academia de San Fernando en Madrid, antes de escapar de la Guerra Civil Española en 1937 para unirse al círculo de surrealistas en París. El brote de la Segunda Guerra Mundial la forzó a refugiarse en México, donde permaneció hasta su muerte en 1963.Conocida como una de las tres brujas, Varo compartió con Leonora Carrington un interés por el esoterismo o la tradición espiritual antigua, y con Kati Horna toda una variedad de intereses por las máquinas, la ciencia, y la ciencia ficción, así como por la filosofía, la psicología, y la literatura del romanticismo alemán.Durante los últimos 10 años de su vida, Remedios Varo se dedicó a crear un sueño poético extraordinario en los límites entre el misticismo y la mente moderna, razón por la que ha sido aclamada como una de las mujeres surrealistas más talentosas en el arte del siglo veinte.

El libro definitivo sobre uno de los grandes directores de la Historia. Una enciclopedia sobre su vida y obra, con un impresionante despliegue fotográfico.Es sin lugar a dudas uno de los grandes cineastas de la Historia y fue capaz de crear un universo propio y original a través de sus películas. Una veintena de autores de reconocido prestigio analizan en El universo de Federico Fellini todos sus films como director, y guionista, sus colaboradores, sus actores, sus obsesiones, sus filias, sus fobias

Anárquicos, irreverentes, iconoclastas, absurdos, geniales… Los Hermanos Marx siguen sumando adeptos generación tras generación como si su lenguaje no conociese de épocas ni de costumbres… básicamente porque nunca respetaron ni a las unas ni a las otras. Noches en la ópera, tardes en el circo, hoteles liosos, harpas y pianos, bigotes postizos, bocinas… y la pobre Margaret Dumont como diana de los dardos de Groucho. Veintiún prestigiosos críticos analizan en “El universo de los Hermanos Marx” todas sus películas (incluso las que rodaron en solitario), sus colaboradores, directores, actores y actrices, libros, sus obras teatrales, programas televisivos y radiofónicos, cartoons… todo ello presentado alfabéticamente a modo de enciclopedia.

La naturalesa simbiòtica del liquen el converteix en una de les formes de vida més poderoses de la natura. Un organisme que neix en simbiosi, que creix i s'expandeix en íntima dualitat. A partir de les paraules de la filòsofa Donna Haraway, la cantant Maria Arnal i les escriptores María Sánchez i Irene Solà uneixen les seves veus per construir un relat simbiòtic de peixos i natura, de sequera i de pantans, de personatges i llegendes, de ciència i poesia. Tres veus que es trenen en diàleg en aquest text. Un text que vol ser i és, un liquen.

* Un estudio en profundidad de los archivos fotográficos de Magnum, con excelentes imágenes de un destacado grupo de fotógrafos. * La piedra angular de lo que ahora se conoce como fotografía de calle, el impulso de captar imágenes espontáneas e improvisadas en la esfera pública, ha formado parte del ADN de Magnum desde su fundación en 1947. * La fotografía de calle es una actividad poética muy solitaria que requiere enormes reservas de paciencia y resiliencia. Aunque algunos trabajos en esta colección son el resultado de encargos, en su gran mayoría son obras personales, el resultado de exploraciones propias y trayectos arriesgados hacia lo desconocido. La belleza de la fotografía de calle se fundamenta en lo incongruente, lo implausible, lo inconsistente y lo inefable. Celebra la ambigüedad, insinuando realidades paralelas que solo podemos sintonizar ocasionalmente y solo durante una fracción de segundo. Es más una tradición que un género, un conjunto de herramientas improvisadas para utilizarse cuando el momento lo exige, como un músico de jazz en busca de un riff. En la mejor fotografía de calle experimentamos una variedad de emociones, a veces de un ingenio extravagante como Elliot Erwitt, pero también compasión, intriga y en ocasiones asombro. Se incluyen imágenes que en algunos casos se publicaron en periódicos y revistas, que trascendieron la inmediatez del reportaje.

Un ensayo interdisciplinario y ecléctico que conjuga textos de ámbitos diversos como la crítica literaria, la estética, la filosofía, la poesía, la economía política, la antropología y la historia del arte. Valeria Mata, antropóloga social que se ha especializado en estudiar prácticas de edición independiente y los cruces entre antropología y arte, nos introduce a un tema poco explorado: ¿qué es la originalidad? ¿Cómo ha cambiado el concepto de propiedad? ¿De qué forma el Internet ha reconfigurado el campo artístico? ¿Es la literatura el resultado de un proceso infinito de copia y reinterpretación? ¿A quién le pertenece la obra? El ensayo está acompañado de ejemplos clave: desde análisis comparativos entre prácticas artísticas de culturas diversas hasta la evidencia de múltiples proyectos que buscan desmitificar la idea de propiedad privada, la creación aislada y la autoría. Este libro de Valeria Mata, autora de Todo lo que se mueve, Comisura, 2022), interesará a lectores y lectoras de todo tipo, tanto aquellos que buscan un ensayo más académico como los que optan por un ensayo de tipo creativo, pero también convocará íntimamente a creadores en general, en la medida en que el libro reflexiona sobre algunas de las claves del proceso creativo.

La pintura, del mismo modo que la literatura y el cine, fue otra de las artes que no escapó del implacable genio –creativo y crítico– de Pier Paolo Pasolini. Su inquietud pictórica, acaso una de sus facetas más desconocidas, afloró de forma intermitente a lo largo de su vida, pero siempre permaneció latente e influyó de forma determinante en su multifacética trayectoria. En los textos recogidos en el presente volumen, con su habitual mirada incisiva, lúcida y apasionada, el intelectual italiano se manifiesta sobre la pintura y los artistas de su tiempo –desde Andy Warhol hasta Renato Guttuso–, también sobre clásicos como Caravaggio… e incluso sobre sí mismo.

«No van a pillarnos», arenga Dan Aykroyd, enfundado en el papel de Elwood Blues, a su hermano Jake, inmortalizado por John Belushi. «Esta es una misión del Altísimo, Dios lo quiere». Así arranca la comedia musical de acción The Blues Brothers [Granujas a todo ritmo] que llegaría a la gran pantalla el 20 de junio de 1980, si bien del nacimiento de ambos personajes (1974) se cumple ahora el cincuentenario. Su misión divina en el guion tenía inicialmente por objeto salvar de la ruina el orfanato de Chicago en el que crecieron los hermanos Elwood; pero Aykroyd, acaso el más iluminado de tan ferviente pareja de conversos al rhythm & blues, y que escribió gran parte de la película, concibe una misión para mayor gloria, si cabe: rendir tributo al, por aquel entonces, olvidado acervo del rhythm & blues, algunos de cuyos más grandes artistas —Aretha Franklin, James Brown, John Lee Hooker, Cab Calloway, Ray Charles— convirtieron el largometraje, con sus actuaciones, en un extático delirio tanto o más inolvidable que las salvajes persecuciones en coche que jalonan la comedia. Con más retraso del debido, puliéndose un pastizal, y al filo del descalabro —en más de una ocasión, por las incesantes excentricidades de sus volubles estrellas— el estreno cosechó la censura de una caterva de indignados críticos que se escandalizaron con tan incendiario engendro. Sea como fuere, en los 44 años transcurridos desde entonces, ha sido elevado al pedestal de los grandes clásicos de la comedia musical de acción, y aclamada como una de las películas más célebres y celebradas del siglo XX en su género (probablemente inexistente hasta su estreno). La investigación de todo lo que conduce a la creación de un clásico siempre entraña no pocos hallazgos y sorpresas. La saga de esta desopilante comedia es épica, abarcando las respectivas infancias de Belushi y Aykroyd; la revolución de la comedia desencadenada por The Harvard Lampoon y por Second City en Chicago; el nacimiento y los primeros años de Saturday Night Live, programa humorístico en el que los Blues Brothers fueron ruidosamente alumbrados; y, por supuesto, la indeleble narración de cómo se fue gestando la película. Con docenas de entrevistas que sondean los recuerdos de los protagonistas, desde el director John Landis y el productor Bob Weiss hasta el propio Aykroyd, este sentido homenaje devuelve a la vida los avatares de una obra maestra del cine estadounidense al tiempo que recompone las semblanzas de algunos de los preclaros genios a quienes debemos el alumbramiento de la comedia moderna. La ambiciosa aproximación de Tick desgrana la carrera de la artista con nuevos hallazgos que ponen de manifiesto la obsolescencia de la visión tradicional que segregaba al jazz vocal de la corriente principal del género: la instrumental. Mientras surcaba las procelosas aguas de la industria discográfica que la llevaban del jazz al pop, la cantante pudo echar mano de un amplísimo abanico de recursos que la convertirían en una de las pioneras del jazz vocal modernista con un repertorio asombrosamente diverso. Gracias a la recuperación de canciones perdidas, reseñas procedentes de medios afroamericanos y prensa local silenciada por los popes de la crítica —racista hasta en la selección de sus fuentes—, material de archivo en colecciones privadas y grabaciones que no han visto aún la luz del día, esta intrépida e infatigable historiadora revela cómo Lady Ella dejó su indeleble impronta en actuaciones tanto o más significativas que sus propios registros fonográficos en estudio. Una exhaustiva celebración de la vida y obra de la prodigiosa artista que estableció un estándar de excelencia sin parangón en la canción popular norteamericana.

Una rápida compañera presenta, por primera vez en castellano, los escritos de Víctor Muñoz Sanz en torno a los nuevos espacios creados alrededor de ù y posibilitados porù las tecnologías de la automatización. Es un viaje que nos traslada a fábricas de calzado de finales del siglo XIX, a innovadores puertos logísticos e invernaderos en los que no encontramos rastro de trabajadores humanos y a terrenos fangosos donde vacas frisonas fruto de la selección genética conviven con robots de la más alta tecnología.Lejos de ser complaciente, este ensayo, entre la observación más aguda y la especulación más sugestiva, no se deja cegar por el brillo de las tecnologías más recientes ni fascinar por productos espaciales nunca vistos. Su trabajo nos ayuda a entender los avances espaciales que día tras día transforman toda clase de entornos de trabajo tras los muros opacos del oscurantismo empresarial y, a la vez, la forma en que la tecnología, la ciencia y la arquitectura moldean, días tras día, cuerpos humanos y no humanos.Prólogo de Landa Hernández Martínez.

Andrea Giunta parte de un hecho consumado: la crisis del Covid supuso un gran cambio social que afectó de manera vertical y horizontal a todas las sociedades del planeta. Observar esa capacidad de cambio que ha mostrado la humanidad, la lleva a pensar acerca de los cambios en el mundo de la creación artística que han permitido abrir los museos de arte contemporáneo a aquellas obras que nunca pudieron formar parte del canon y la discusión. ¿Cuánta parte de este cambio debemos a los propios artistas? Es así como Andrea crea una discusión en torno a seis artistas que con sus obras y discursos se posicionaron, de maneras muy variadas, contra lo establecido. Cada una de sus historias en la de la ruptura de un techo de cristal, ya sea impuesto por el género, la identidad sexual o la procedencia.