Vivian Maier ha cautivado la imaginación del mundo con sus magistrales imágenes y su misteriosa vida. Su pasado estaba tan profundamente encubierto que ni siquiera las familias con las que vivía sabían mucho de ella, y su obra solo se descubrió póstumamente y por casualidad. Esto, sin embargo, no ha impedido que sea uno de los mayores descubrimientos fotográficos del siglo.  Ahora, gracias a una meticulosa investigación, Revelar a Vivian Maier nos descubre la historia de una mujer que, para compensar un pasado difícil que le impidió ser capaz de mostrar sus sentimientos y entablar relaciones, consiguió expresarse a través de la fotografía y crear una cartera secreta de imágenes repletas de emoción, autenticidad y humanidad. Ann Marks desvela a la mujer profundamente inteligente, empática y talentosa que se escondía detrás de su fachada de frialdad.

Homo Velamine nació de la fascinación por lo irracional del comportamiento humano. Con su método, el ultrarracionalismo, el grupo traspasó las fronteras sentimentalistas de los dogmas, creando acontecimientos absurdamente lúcidos que agujereaban las convicciones sociales parasitadas por la prensa. Su éxito fue tal que significó su muerte: una condena de cárcel en una sentencia inédita contra la libertad de expresión. Esta antología recoge las mejores piezas del grupo. Sus páginas son un recorrido hacia el desencanto y el cinismo que resulta hilarante, sorprendente e inspirador. Pero claro, qué otra cosa va a decir la propia descripción de ventas del libro. Prólogo de Miguel Noguera.

El libro definitivo sobre el director más aclamado da la Historia. Una enciclopedia sobre su vida y obra, con un impresionante despliegue fotográfico.Alfred Hitchcock, el mago del suspense, creó todo un universo de sueños y pesadillas. Un sorprendente mundo de sofisticación e inteligencia que ha venido fascinando a varias generaciones de espectadores desde hace más de medio siglo. Sus películas, sus crímenes, sus rubias, sus McGuffins… todo eso y mucho más explora en profundidad este libro. A través de la visión de 17 prestigiosos críticos, “El universo de Alfred Hitchcock” indaga en las claves del cine del que bien puede considerarse como el director cinematográfico más famoso de todos los tiempos.

Con apenas 30 años, Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) ya había dado forma a dos de las esculturas más famosas de la historia del arte: el David y la Piedad. Sus logros como escultor, pintor, dibujante y arquitecto resultan inigualables: ningún artista ha sido capaz de generar una obra tan extensa y polifacética. Esta edición sigue el ascenso de Miguel Ángel hasta la élite cultural del Renacimiento. Diez capítulos ricamente ilustrados muestran las pinturas, esculturas y construcciones del artista, así como un exhaustivo análisis de la magnífica proeza que supusieron los frescos de la Capilla Sixtina. Reproducciones a toda página y detalles ampliados permiten a los lectores apreciar los más mínimos detalles del repertorio del artista, acompañadas por un ensayo biográfico que explora los rasgos y circunstancias más personales de Miguel Ángel, como su carácter solitario, su afán por conseguir dinero y encargos, su inmensa riqueza y su talento como inversor inmobiliario.

PEDRO COSTA es uno de los directores de cine actuales mejor considerados por los cinéfilos y por la crítica académica. Este libro ensaya una lectura orgánica de su obra desplegando las repercusiones de la escena inicial de su primer largometraje, La sangre (1990), de filme en filme hasta llegar al último, Vitalina Varela (2019). También se reflexiona, como consecuencia de lo anterior, sobre las implicaciones de la voz y el canto en su trabajo reciente, poniendo énfasis en la exposición Canción de Pedro Costa, programada en Barcelona por La Virreina Centre de la Imatge. JAVIER CODESAL es artista visual, cineasta y poeta. Sus últimos largometrajes han sido Evangelio mayor (2021), Testimonio de Frederman (2019), Evangelio en Granada [Meta] (2019) y Calavera resumida (2020). Sus libros más recientes son Retrato y otro (2021), Textos de obra (2020) y El ogro (2019). Ha sido comisario de la exposición Canción de Pedro Costa

Fabulas, recuerdos de lecturas, imágenes y anécdotas –algunas reales, otras desplazadas o inventadas–, los textos y las historias reunidos en 'El espejo mágico' tienen en común el tema del retrato y las curiosas correspondencias que se han dado a lo largo de la historia entre retratistas y retratados. Élisabeth Vigée-Lebrun y los embajadores de la India, Bernini y su imagen del Rey Sol, Lucian Freud y la reina de Inglaterra, las múltiples encarnaciones de Quasimodo, Picasso evocando la figura de Paul Cézanne, la luz en Lubin Baugin y en Zurbarán, Durero pintando el retrato de un rinoceronte que no vio jamás, Gauguin inmortalizando a Van Gogh en plena exaltación de los girasoles, David Hockney y Marcel Proust en Cabourg, la generosidad de Alejandro Magno hacia Apeles, los espejos de Louise Bourgeois, la sinceridad de los autorretratos de Rembrandt, Cristo en persona, Cy Twombly convertido en retratista, Martín Lutero visto en todos sus estados y el emperador de la China, enemigo de las sombras. Plotino ya advierte sobre la mala costumbre de dejar tras de sí una imagen de nuestra apariencia, no obstante, seguimos aferrándonos a la posibilidad de postergar la muerte mediante la reproducción de esa apariencia. No basta, no, con llevar la imagen de la que nos ha revestido la naturaleza, deseamos, además, perpetuarnos a través del arte. Son suficientes unas páginas para persuadirnos de que no hay nada más revolucionario que la figuración, entendida como un proceso infinito de figurar y desfigurar. Como apunta Frémon: «siempre es la pintura la que acaba ganando». Jean Frémon (París, 1946) dirige la Galerie Lelong, establecida en París y Nueva York. Es autor de numerosos ensayos sobre artistas contemporáneos, varias novelas, poemarios y colecciones de relatos, algunos de los cuales han sido publicados en esta misma editorial: Louise Bourgeois mujer casa (2010), Calle de la Mirada (2016), David Hockney «Love Life» (2017) y Vamos, Louison (2019).

Dos mujeres -una filósofa y una directora de cine- son convocadas a comienzos de 2020 a participar de un evento cultural con resultado incierto. Durante diez días tienen que intercambiar mails sobre el tema de la memoria y luego transformar esas misivas en una suerte de performance. Hay que decir que ellas, Esther Díaz y Albertina Carri, no se conocían de antemano ni se frecuentaban. Estaban al tanto del trabajo de la otra, pero nunca habían dialogado. Lo que a priori parecía sencillo se fue complejizando, porque la pandemia irrumpió y con ella se enrarecieron todas las interacciones. El horizonte de una performance de a poco se fue apagando, pero el diálogo siguió fluyendo como un manantial secreto en medio de una helada. Lo que empezó como un encargo se convirtió muy pronto en descubrimiento y aventura. ¿Puede una desconocida ser depositaria de confianza y apego cuando el mundo se nos vuelve ajeno? ¿Hasta dónde pueden llegar las confesiones transgeneracionales entre dos mujeres fuertes pero también vulnerables? De este primer intercambio a distancia comenzó a brotar la forma de un libro. La parte inicial

En consideración a los sesgos en la historia del arte, "El arte como revolución" recupera la historia del Instituto de Arte Latinoamericano, sus actividades, debates artísticos y culturales, y las redes de influencia que tuvo en el concierto latinoamericano. Este instituto, que surgió de las reformas de la Universidad de Chile a fines de la década de los sesenta y que se fortaleció con la llegada a la presidencia de la república de Salvador Allende, se presenta como un espacio dinámico de relaciones sociales donde es inextricable el arte y la vida social bajo el marco de un proyecto revolucionario: no obras-mercancías, premios nacionales ni obras autorales, sino investigaciones y formas de trabajo compartidas cuyas huellas remiten a un vínculo intelectual, colaborativo y de amistad. Desde esta ética de trabajo, la invitación de este libro es a pensar cómo fue concebida la justicia social por medio del arte y en qué medida toca nuestra contemporaneidad.

La escucha no parece estar siendo escuchada con demasiada atención. Por este motivo, "La escucha actual" defiende el acto de escucha como práctica creativa y crítica, poética y política. Este libro nace de un empeño aproximativo, a veces pausado, a veces desesperado, por reivindicar la dimensión activa y participativa de la escucha en la comunicación audiovisual y, por supuesto, en la experiencia musical. La noción de "oído social" contribuiría a distinguir los principales esquemas de escucha en la cultura contemporánea, muy especialmente la escucha masiva, la escucha clásica y las condiciones de saturación que marcan el rumbo sin rumbo de la (no) escucha ambiental. Es razonable destacar que lo que está aquí en juego resulta crucial para la vida en común.

Con ayuda del cine se pueden tratar las cuestiones más complejas del presente a un nivel que durante siglos ha sido propio de la literatura, la música o la pintura. Pero una y otra vez hay que buscar de nuevo el camino por el que tiene que ir el cine como arte. Estoy convencido de que el trabajo práctico en el cine será para cada uno de nosotros algo infructuoso y desesperanzado, si no comprendemos con toda exactitud y claridad la especificidad de este arte, si no encontramos nosotros mismos la llave que tenemos para abrirla.La crítica ha dicho: «El texto del cineasta ruso -escrito en colaboración con Olga Surkova-, es una obra capital de la estética que, además de diversos criterios filosóficos puramente expuestos, incluye una retrospectiva de los a veces dramáticos avatares durante la filmación de sus películas, todo orientado a tratar de definir sus ideas sobre el arte en general y el cine en especial.» Horacio Ramirez, Cine y Lietratura. «Tarkovski expone su visión del arte y del cine en términos tanto personales como teóricos, haciendo un recorrido por todas sus películas y deteniéndose también en el uso de los elementos del lenguaje cinematográfico (por ejemplo, el sonido o el uso de la cámara). Es un abordaje bastante concreto, ya que el análisis es sobre la experiencia, partiendo de la base de que las soluciones no son dogmáticas, sino específicas para los problemas reales.» Lucida Podesta, Proyecto IDIS. «Es el ensayo más importante, y en muchos aspectos, el más hermoso y emocionante, que he leído sobre el cine entendido como arte supremo.» Adrián Massanet, Espinof.

Lucas Condró propone en este ensayo una serie de procedimientos para el cuerpo sobre lo uno, el sí mismo y la relación con los otros. Nos llama a pensar y producir expresión, a producir efectos, dado que, según sus propias palabras: «Toda puesta en relación crea un juego continuo de cercanía y distancia donde emerge la posibilidad de lo singular, o sea, de algo que se desprende de mi propia naturaleza pero que a la vez me permite alejarme de ella.» Lo singular se presenta así como la continuación práctica de las Notas sobre pedagogía y movimiento que inauguraron Asymmetrical-Motion, un proyecto de investigación sobre el movimiento dentro del campo de la danza contemporánea. Sobre el autor Lucas Condró (Buenos Aires, 1977), bailarín, coreógrafo y docente. Desde hace 10 años desarrolla su investigación sobre el movimiento dentro del campo de la danza contemporánea.