Un archivo fotográfico de finales del siglo XIX sorprendentemente olvidado. En él, varias mujeres comen, beben y aman vestidas de corsé, sombrero y falda larga. A veces, llevan traje masculino o viajan en barca con sus enaguas. Posan en el campo mientras van de picnic, fotografían sus paseos o sus ritos, haciendo de su cotidianidad algo valioso. Gracias a esta obra, la autora Theresa Parker Babb (1868-1948) deja de ser un misterio. Querida Theresa es un libro experimental y atrevido, con fotografías en blanco y negro y cinco relatos cortos; es la manifestación de la autoría de una artista que hoy dialoga con otras: Marta Jiménez Serrano, Sara Torres, Rosario Villajos, Pilar Bellver y Valeria Mata. Las escritoras llevan a cabo un brillante ejercicio de imaginación llenando los huecos perdidos de la historia con diferentes relatos inéditos en los que hablan de fotografía, de amores imposibles o amores ocultos. Secretos familiares o, en general, de la cotidianidad en el pueblo de Camden (Maine) a finales del siglo XIX, donde fueron captadas las fotografías de Theresa.

Estéticas coherentes con el desarrollo sostenible, propuestas artísticas ecológicas, reciclaje. Con más de 100 imágenes donde Ardenne presagia una nueva era en el arte. Del desafío ecológico actual depende la supervivencia de la especie humana. Es necesario ya mismo luchar contra el desastre medioambiental, pero ¿qué puede hacer el arte en esta lucha? Contra la ola de calamidades que prosperan con la irresponsabilidad humana, este libro da cuenta de un combate en muchos aspectos desesperado: el de los pintores, escultores, land artists, fotógrafos, videastas, performers, instaladores y creadores de web comprometidos en la lucha ecológica. Es necesario reanudar una relación más sincera con el mundo natural, una relación más respetuosa. Los artistas que presenta este libro nos ayudan a hacerlo. Ellos adoptan como principio la ejemplaridad. Abren un surco de esperanza, una vez más, contra las fuerzas de la muerte.

"Proyectar y dibujar en el espacio con ayuda de nuevos medios, aprovechar este espacio y construir con él como si se tratara de un material recobrado, en esto consiste mi búsqueda."Si la escultura tradicional tenía horror de los huecos y los vacíos, la nueva escultura de Julio González (1876-1942) los utilizará, convirtiéndolos en materiales indispensables.

El monstruo del monóculo es un homenaje al cine negro y sus protagonistas (Fritz Lang, Ida Lupino, Gene Tierney, Lana Turner, Humphrey Bogart, Otto Preminger, Dashiell Hammett, Vera Caspary...), y también a las mujeres que, en esos años, experimentaron un enorme cambio social que resultaría ser, en realidad, un gran engaño. El monstruo del monóculo, inspirado en una serie de objetos que el destino puso en manos de su autora, viaja entre el ensayo, la ficción y el guion cinematográfico.el significado del deseo.olor y pérdida, pero también de amor y felicidad, que le harán replantearse sus propias creencias. Elogiado como uno de los grandes escritores húngaros del siglo XX por Sándor Márai o Imre Kertész, Gyula Krúdy ofrece por primera vez una mirada onírica y lírica de los suburbios de una gran capital centroeuropea con una novela que marca la entrada de la literatura húngara en la modernidad. 

Humorismo + metáfora = greguería. Esta es la definición que el propio Ramón Gómez de la Serna ideó para el nuevo género inventado por él, basado en frases breves que definen la realidad cotidiana desde una mirada simbólica y lúdica. Este volumen recoge greguerías inéditas o prácticamente desconocidas que la investigadora y experta en Gómez de la Serna Laurie-Anne Laget encontró entre los cientos de papeles que conforman el legado del escritor, custodiado en la universidad norteamericana de Pittsburgh. Estas nuevas greguerías son deliciosas píldoras de poesía, imágenes que transforman la realidad y que nos la hacen ver desde una perspectiva nueva. Por su parte, las imágenes de Chema Madoz, uno de los fotógrafos más importantes de nuestra época, dialogan en perfecta sintonía con las greguerías. Fotografías donde nada es lo que parece y donde la realidad aparente es sustituida por otra mucho más imaginativa y cercana

Un delicioso volumen en el que las imágenes de Madoz dialogan con la poesía de Brossa Fotopoemario es el resultado de un esfuerzo conjunto entre el poeta Joan Brossa y el fotógrafo Chema Madoz. Ambos, desde la palabra el primero y desde la imagen el segundo, demuestran que, si bien una imagen puede valer más que mil palabras, un poema a su vez puede ofrecernos una gran imagen. Joan Brossa (Barcelona, 1919-1998) no entendió nunca de géneros: prefirió frecuentarlos todos para crear su propio concepto de poesía. Solo en él es posible que convivan surrealismo, sencillez, compromiso y humor

¿Son hoy en día los museos un mero reclamo turístico de las ciudades que los albergan o pueden ofrecer también más a sus visitantes? ¿No son acaso también lugares idóneos para reflexionar acerca del devenir del ser humano? Los museos han sido siempre custodios del pasado y, al mismo tiempo, han dado a conocer las mejores corrientes artísticas contemporáneas. Son, por ello, lugares extraordinarios en los que detenerse a reflexionar acerca de la naturaleza humana y cómo esta se hace se expresa en las obras de arte y en los objetos cotidianos. La balsa de la medusa, las pinturas rupestres del Neolítico, la casa en la que se escondió Anne Frank, el busto de la enigmática Nefertiti, los pintores represaliados por el régimen nazi, los imponentes fósiles de los dinosaurios, las esculturas huecas de Jorge Oteiza... Todos estos tesoros de la humanidad y otros más pueblan las páginas de Palacios Hangares y cuevas. En sus páginas, Roberto Valencia reflexiona, desde una mirada que rehúye el academicismo, sobre cómo miramos las piezas y los objetos antiguos que nos ofrecen los museos, y cómo debemos inte

Este libro nos invita a adentrarnos en el apasionante mundo de la creación artística, desde ese lugar privado y recóndito, donde se ocultan los fantasmas personales que originan con tanta frecuencia las ideas y emociones más intensas, hasta el barullo de un plató, donde, ante decenas de personas, bajo la luz de los focos, con la cámara en acción, esos fantasmas empiezan a obedecer a un orden invisible, a encarnarse en una historia que, gracias al arte, pasará a ser nuestra. Bergman no duda en revelar en estas páginas sus apuntes de trabajo, notas y diarios de sus rodajes y montajes teatrales, así como los recuerdos y las obsesiones que pueblan su cinematografía. Imágenes es, en suma, un fascinante viaje por la memoria de un creador para quien el arte, la obra y la vida fueron siempre una misma y única cosa.

Cineasta y hombre de teatro sueco, Ingmar Bergman fue uno de los mayores realizadores del pasado siglo, con diversas obras maestras en su haber, como El séptimo sello, El huevo de la serpiente o la aclamadísima Fanny y Alexander. Menos conocido es que se casara en siete ocasiones, fuera el padre de ocho hijos, o se codeara con personajes como Greta Garbo, Charles Chaplin o Ingrid Bergman. En estas apasionantes memorias, llenas de conmovedora sinceridad, su autor nos confiesa cómo a muy temprana edad el miedo se instaló en su alma, cómo descubrió deslumbrado el cine, a qué problemas tuvo que enfrentarse como artista y realizador, cómo amó a las mujeres a quienes más quiso y cómo la figura del padre, pastor luterano, marcó gravemente toda su existencia y, en gran medida, también su obra. «[Bergman] encontró la manera de mostrar los paisajes del alma.» Woody Allen, New York Times Book Review «Linterna mágica no es una autobiografía convencional … se trata más bien de un hirviente flujo de conciencia, de la mano de un puritano licencioso.» John Osborne, New York Review of Books «Un libro tan personal y penetrante como cualquiera de sus películas: mordaz, sombrío, austero.» Stanley Kauffmann, New Republic.

Con el cuervo de Poe nació la Modernidad. Se trata del impulso de destrucción que estremeció los nervios de Kleist, Victor Hugo, Kafka o Baudelaire. Que fue, como el propio Mallarmé reconoció, su Beatriz. Aire mefítico, analítico; dado que todo análisis implica una descomposición. La Modernidad constituiría la culminación de un proceso de indagación de los signos sobre sí mismos. Así, la esencia de la poesía estaría en la búsqueda que la palabra poética lleva a cabo de su propio fundamento. Esto es algo evidente al menos desde Rilke y Mallarmé. He ahí, también, lo que Balzac propone en La obra maestra desconocida. Es una pregunta permanente desde el Romanticismo, respondida siempre de forma similar: ha de valorarse en el arte no tanto su estatuto de transitividad cuanto su carácter de producción. En eso, el pintor Frenhofer podría actuar como su primer ejemplo, junto con Hugo. En ese proceso encontramos luego a Moholy-Nagy o Giacometti: su apuesta por una visualidad radical y desabrida, sin concepto ni esquema visivo previo. Porque nunca acabamos de ver las cosas, sino solo su representación mental, en la que la presencia misma se pierde. Tal fatalidad viene de Poe, o de Kleist, está en Baudelaire: el mundo interpretado en el cual los hombres quisieran encontrarse seguros se revela como una estructura falaz que se quiebra bajo la embestida de ese elemento perturbador que se cierne sobre la existencia. El dominio de lo inquietante que se abre ante Rilke, Jean Epstein o Pessoa no solo abarca el mundo externo que rodea al hombre, sino también el universo de la intimidad. Pues, en definitiva, la extraña imagen moderna –refractaria al sentido como la muralla de pintura de Frenhofer– no deja de remitir al opaco origen de todo signo. El punto ciego que, como fenómeno latente, oscuro, hace sin embargo posible lo visible. Ese nudo de ausencia que se persigue como en una novela policíaca tiene también su lugar del crimen. Por eso, la actividad de los pintores de la vida moderna se halla tan cercana a la investigación de Sherlock Holmes. Su práctica se desenvuelve en medio de un juego de hechizos y engaños que, al cabo, habrá que disolver, racionalmente, a la manera mostrada por Poe.

El artista plástico Patricio Hidalgo (Ibiza, 1979) ofrece en este libro una amplia y significativa muestra de su deslumbrante obra como pintaor. Creador polifacético y multidisciplinar, extraordinario actualizador y renovador de la estética flamenca, nos comparte una compilación de su arte jondo, a la par vanguardista y popular, en el que refleja y revela la enigmática verdad del cante, del toque, del baile, y lo hace a través de inolvidables retratos de artistas vivos y muertos, tanto legendarios como anónimos, y escenas que detienen el tiempo y encarnan su enigma en el gesto y la gracia, en el grito y el silencio. Belleza, emoción, expresión límite, lucidez. Figuras flamencas contiene además un exhaustivo prólogo de Miguel Ángel Rivero Gómez, letras flamencas escritas conjuntamente por David Eloy Rodríguez y José María Gómez Valero y, un poema de Karen Elizabeth Bishop, enlaces a videocreaciones flamencas realizadas por el propio artista, una representación de sus colaboraciones con Murdo Ortiz, así como una completa entrevista.

-Destellos de belleza- ofrece una suerte de revisión caleidoscópica de la biografía de Jonas Mekas en la que el cineasta y poeta lituano elige contarse a sí mismo mediante fragmentos de vidas ajenas. En estas páginas, las anécdotas y registros cotidianos del autor conviven de manera natural con los recuerdos de sus amigas y amigos diseminados por el planeta sin temor al desorden cronológico o la desconexión estilística, consciente de que la imposibilidad de organizar una existencia sea tal vez la mayor de sus virtudes. Así, los recuerdos de su primera cámara de fotos, de sus noches en una prisión de Nueva York, o los de una jornada en la que estuvo en cuatro patas como un perro se entremezclan con las anécdotas de la madrugada en que George Maciunas, fundador de Fluxus, plantó ilegalmente dos árboles en las veredas céntricas del Soho, o de la llegada secreta de John Lennon y Yoko Ono a los Estados Unidos. El afán archivístico desbordante que caracteriza la poética de Mekas, ese impulso por capturar momentos de su vida sobre la marcha y atesorarlos en los soportes al alcance de la mano (ya sea película cine

Revisada y actualizada esta 3ª edición incluye nuevas películas y clasificaciones temáticas así como una revisión de las filmografías recomendadas. ¿Cambió Chinatown las reglas del género negro? ¿Qué significó para el cine la estructura episódica de Pulp Fiction? ¿Cómo afecta en Rashomon sus múltiples puntos de vista a la realidad? Este libro responde a un sinfín de preguntas en torno al cine, pasando revista a las mejores películas que ha dado el séptimo arte a lo largo de los últimos cien años. Con un lenguaje claro, carteles de época, fotogramas de filmes emblemáticos y originales infografíasla nueva edición actualizada de El libro del cine explora los personajes, las tramas y los temas de más de cien películas que han dejado huella más allá de la gran pantalla.

He aprendido que tienes que rezar por lo que no conoces –título generado por la Inteligencia Artificial de la obra Appropriate Response del artista Mario Klingemann– es una invitación a contemplar el mundo contemporáneo desde la particular óptica de una selección de cuarenta y nueve obras de arte que la Colección SOLO atesora. En este libro se reúnen los ensayos escritos por Julio Hontana, Pablo Caldera, Manuel Padín, Margot Rot, Claudio Hontana e Yvette Sánchez motivados por la exposición realizada en la Sala Amós Salvador de Logroño. Son ellos, cada uno desde su ámbito investigador, los encargados de desentrañar los aspectos ocultos de dicha selección, ofreciéndonos su personal visión del intrincado mundo de referencias estéticas y trasuntos conceptuales que las obras muestran. De este modo, el Antropoceno y sus consecuencias, lo monstruoso, el humor y la ironía, lo siniestro, el transhumanismo, el colapso y el propio acto de coleccionar se exploran a través del ukiyo-e y su eco en artistas orientales y occidentales próximos al superflat, el anime o la cultura del videojuego, pasando por la cultura pop y el lowbrow, hasta llegar al fértil y acelerado territorio de la creación artística new media.

La virtualización del mundo se impone en la sociedad de control neoliberal. En contraste con la iconofobia posmoderna, este libro iconófilo confía en la fuerza de la imagen cinematográfica para combatir la pérdida de realidad en un mundo dominado por el simulacro y por pseudoimágenes como las publicitarias. Antonio Rivera postula una nueva estética cinematográfica de la crueldad, que se funda en el reconocimiento de la precariedad de la imagen. Esto implica admitir la distancia insuperable entre la imagen y la vida, pero al mismo tiempo supone proclamar la potencia del montaje cinematográfico y de la mirada del espectador para «relacionar» la imagen con la realidad invisible y con la verdad. La estética de Rivera se basa también en la sustitución de la estructura teológica-estética que adopta el modelo hollywoodiense del cine por una estética democrática que suprime toda jerarquía entre narrar y mostrar, entre documental y ficción, entre géneros o entre los diversos elementos del filme. El pensamiento estético de este libro favorece la aparición de un nuevo espectador, capaz de realizar la tarea crítica –y política– de discriminar entre las imágenes con referencia en el mundo y las imágenes «idólatras» o abyectas sin sustrato real.