Incursión de Michel Foucault, uno de los grandes pensadores del siglo xx, en la crítica de arte, sin dejar de lado la reflexión filosófica que le es propia. A partir de la obra de Manet, Foucault analiza un cambio radical en las formas de representación. «La superficie rectangular, los grandes ejes verticales y horizontales, la iluminación real del lienzo, la posibilidad de que el espectador pudiera contemplarlo desde una óptica u otra, todo ello está presente en los cuadros de Manet, se recupera, se restituye con los cuadros de Manet. Y Manet reinventa (¿o acaso inventa?) el cuadro-objeto, el cuadro como materialidad, el cuadro como objeto pintado que refleja una luz exterior, y frente al cual o en torno al cual se mueve el espectador. Tal invención del cuadro-objeto, tal reinserción de la materialidad del lienzo en aquello que en él se representa es, en mi opinión, la esencia del importante cambio que Manet aportó a la pintura, y en este sentido puede decirse que Manet alteró -más allá de preparar el terreno para el impresionismo- los valores fundamentales de la pintura occidental desde el quattrocento.» michel foucault

A lo largo de la historia del arte, los períodos de transición se han caracterizado siempre por un notable incremento en la producción teórica de los artistas, cuyos argumentos se convertían así en una de las fuentes más seguras para explicar el porqué de esas crisis, sus orígenes y su proceso de desarrollo. La ruptura con los sistemas de representación tradicionales que en torno a 1900 emprende la vanguardia artística constituye, por la brusquedad y radicalidad con que se llevó a cabo, un magnífico ejemplo: manifiestos, cartas, declaraciones, panfletos, tratados y testimonios de todo tipo pretender dar cuenta de las razones que animaban a sus ejecutores, y esgrimen los argumentos con que las distintas facciones de la vanguardía histórica se opusieron entre sí o establecieron alianzas frente a enemigos comunes. Explicar y combatir son los dos objetivos principales que la vanguardia persigue en sus escritos; escritos que día a día nos van descubriendo aspectos mal conocidos o prácticamente ignorados de la historia del arte moderno, pues esos mismos escritos son también día a día rescatados del olvido en que estaban. No hace apenas diez o quince años, el número de manifiestos y textos programáticos de la primera vanguardia, recogido y difundido por las antologías al uso, era todavía muy restringido; hoy, por el contrario, las reediciones de libros y revistas que habían llegado a ser auténticas rarezas bibliográficas, así como la historiografía artística más reciente, han puesto ya a nuestro alcance un volumen casi desmesurado de documentos, donde resulta fácil perderse.

EXIT Publicaciones presenta su último trabajo editorial: 100 artistas españoles. El libro 100 artistas españoles no puede faltar en la biblioteca del experto ni del aficionado al arte de hoy. 100 artistas españoles reúne una selección de los más destacados artistas españoles en activo, propuestos a partir de la consulta a un comité formado por dieciséis prestigiosos críticos y comisarios nacionales. Cada artista cuenta con cuatro páginas en las que podemos encontrar: un texto (español/inglés) que analiza su obra y trayectoria, escrito por reconocidos especialistas en arte contemporáneo, y una amplia selección de imágenes. En el apéndice final se recogen los datos biográficos más relevantes de cada artista.

El acceso a los tesoros artísticos se encuentra, a un mismo tiempo, abierto a todo el mundo y vedado a la mayoría. ¿Qué separa a quienes frecuentan los museos del resto de la gente? Este libro ya clásico, presentado aquí en una nueva edición, intenta aportar a esta cuestión respuestas sociológicas, es decir, a la vez lógicas y empíricas. Sin temor a incurrir en el mal gusto, pretende someter el buen gusto al rigor del examen científico. Al poner de manifiesto las condiciones sociales del acceso a la práctica culta, permite ver que la cultura no es un privilegio natural, sino que sería necesario y suficiente que todo el mundo estuviera en posesión de los medios de su disfrute para que perteneciera a todos.

En esta obra, Stanislavski aplica su profundo conocimiento de los mecanismos teatrales a responder a la pregunta fundamental que todo actor se plantea: ¿cómo hacer para que mi interpretación resulte creíble?, ¿cómo mantener la atención del espectador sobre lo que ocurre en escena y hacerle creer en la ficción de la obra?

El Almanaque Der Blaue Reiter (El jinete azul) apareció en Munich en la primavera de 1912. Fue una idea gestada por un grupo de artistas visionarios al frente de los cuales se hallaba Vasily Kandinsky y, poco más tarde, Franz Marc. El pensamiento y la obra de la pléyade de artistas vinculados al poco tiempo a la corriente del Blaue Reiter no quiso ser una ruptura manifiesta con la tradición artística occidental, pero sí una superación de aquella tradición demasiado anclada en lo fenoménico. La característica fundamental de esta corriente artística era la voluntad de traspasar la envoltura -conjugando, no obstante, los diversos lenguajes artísticos- para llegar así a lo esencial. Lo que une, pues, a esta constelación de artistas no es la unidad de estilo sino la coincidencia de objetivos. Así nace el Almanaque Der Blaue Reiter, publicado varias veces en su lengua original y traducido a las principales lenguas de Europa. Esta publicación ofrece por primera vez en España la traducción del texto original completo - siguiendo la cuarta edición alemana- con todas las ilustraciones de la edición de 1912, así como un índice minucioso y documentado de las distintas contribuciones según las exigencias actuales y los conocimientos de los modernos estudios en el campo del arte.

El hilo conductor que une estos dos textos de Kandinsky parece ser el convencimiento de la existencia de un nuevo arte que permitirá al hombre tocar, bajo la piel de la naturaleza, su esencia y su . En se trata de justificar el principio de la necesidad interior, o principio de la toma de contacto con el alma humana. Por otra parte, en Kandinsky se lamenta de que se haya ciriticado al arte de la actualidad de ser voluntariamente inexpresivo y cerebral, de haber restringido las posibilidades que se ofrecían a la pintura y a la escultura y de haber eliminado todas las posibilidades de evolución y de desarrollo artísticos, pues él está convencido de que el tiempo demostrará que el arte no excluye la unión de la naturaleza, sino que, por el contrario, esta unión es mayor y más íntima de lo que fue en épocas pasadas.

Este volumen está dedicado al trabajo de uno de los críticos más brillantes y polémicos de fotografía de los años ochenta, Jean-François Chevrier. Se trata de una selección de sus ensayos más emblemáticos, fruto de su labor crítica en publicaciones especializadas o como comisario de exposiciones en los años ochenta y noventa. Su trabajo teórico en ambos frentes ha influido de manera casi directa en el discurso sobre la museificación de la fotografía; así como en su articulación discursiva dentro de la cultura artística contemporánea. Con su concepto del tableau fotográfico, es decir, la realización de obras fotográficas tomando como modelo el cuadro pictórico o la rearticulación del sistema artístico para incorporar las nuevas tecnologías de las últimas décadas, el trabajo de Chevrier es fundamental para comprender cómo se articula la fotografía en el sistema y en la historiografía artística contemporánea.

Aparecido en 1911, éste es el primero y el más publicado y traducido de los textos teóricos de Kandinsky, un discurso estético que desembocaría en la práctica de la abstracción no figurativa. En este sentido, el libro se propone esencialmente despertar la capacidad de captar lo espiritual en las cosas materiales y abstractas, capacidad que Kandinsky intuía básica para la pintura del futuro y con posibilidades de hacer realidad innumerables experiencias. Pero no se trata, como podría pensarse, de un libro programático, pues no pretende en absoluto apelar a la razón y al cerebro. Aunque Kandinsky se expresa en un lenguaje de claras resonancias orientales, lleno de analogías, y suele resolver las dificultades de la expresión escrita por medio de asociaciones sensoriales y lingüísticas, el texto ostenta un estilo impecable y ha acabado ejerciendo, gracias a su gran poder comunicativo, una influencia profunda e indiscutible.

Aparecido en 1926, Punto y línea sobre el plano es la continuación orgánica de otro texto de Kandinsky también publicado por Paidós, De lo espiritual en el arte, y debe su origen, en su mayor parte, a la tarea que su autor había asumido en la Bauhaus desde 1922. En efecto, tanto en su pintura como en sus ideas estéticas, Kandinsky mostró siempre una personalidad absolutamente vanguardista y provocadora de acaloradas polémicas. Y, en este sentido, la presente obra es uno de sus trabajos fundamentales, ya que, a la par que una esclarecedora contribución al análisis de los elementos esenciales del quehacer pictórico, constituye una aportación básica a la búsqueda de un método genérico para las investigaciones de las ciencias artísticas. El libro, finalmente, también revela a Kandinsky como un artista apasionado y siempre deseoso de explicar y explicarse las razones primeras y más profundas de esa extraña y singular aventura que es la creación artística.

Marcel Duchamp está considerado como uno de los artistas más influyentes de este siglo. Sus revolucionarias ideas y su inteligencia iconoclasta se han convertido en una referencia indispensable. Se ha dicho ya que la vida de Duchamp es su mejor obra de arte, pero ha habido que esperar a la publicación de la monumental biografía de Calvin Tomkins para comprender plenamente la interacción entre su vida y su obra. Nacido en el seno de una familia burguesa, Duchamp decidió seguir el ejemplo de sus dos hermanos mayores y se instaló en París pocos años antes de que el cubismo revolucionara la pintura. A pesar de coincidir con ese hito histórico, a lo largo de su longeva existencia se trazaría siempre su propio e irrepetible camino: una osadísima aventura en la que el arte se concebía, ante todo, como una cosa men-tale, en el espíritu de Leonardo da Vinci. Fue Duchamp quien, de una manera más radical que nadie, planteó que el arte debía tener una realidad propia y abandonar la mera imitación. Duchamp quiso siempre colocar el arte al servicio de la mente y fue precisamente ese deseo -espoleado por su particular uso del lenguaje, el azar, la óptica, las películas y demás técnicas metavisuales y, por encima de todo, por sus célebres ready mades- lo que socavó sigilosamente quinientos años de arte occidental hasta transformarlo por completo. Son muchos los libros que se han escrito acerca de Duchamp, pero la biografía de Tomkins resistirá el paso de los años como la definitiva. Un texto soberbiamente escrito que nos revela el humor del artista, su originalidad, su poder de seducción, sus aventuras amorosas y su influencia sobre personalidades lege: darias que le admiraban con devoción. Con sus más de cien reproducciones y fotografías poco conocidas, cautivará a todos los interesados en el arte y la cultura de nuestro tiempo.

Las distintas facciones del surrealismo sintieron siempre una gran fascinación por los diccionarios y explotaron en muchas ocasiones sus posibilidades poéticas. El más fascinante de todos ellos es el presente volumen, publicado por primera vez en 1938 como un acompañamiento de la Exposición Internacional del Surrealismo: los poetas André Breton y Paul Eluard proponen una suerte de diccionario-collage en el que los términos caros al movimiento son definidos con gran humor y agudeza por escritores o artistas plásticos muy diversos. Por sus páginas desfilan las extraordinarias «definiciones» de los propios Breton y Eluard, pero también las de Louis Aragon, Salvador Dalí, Man Ray, Max Ernst, Benjamin Péret, René Crevel, o de mentores más o menos remotos del movimiento como Lautréamont, Rimbaud, Lenin, Marcel Duchamp o Pablo Picasso, entre otros. Se incluyen las 220 ilustraciones de la edición original.

¿Quién era en realidad Andy Warhol? ¿Fue el más célebre representante de la cultura pop, alguien fascinado por la publicidad y el éxito ;quintaesencias de lo «americano»;, un comprador y consumidor compulsivo, un artista polifacético y admirado? ¿O fue acaso el último gran pintor de la tradición europea del retrato y el bodegón; un ser, por el contrario, consumido por lo que poseía, melancólico, nostálgico, que vivió la vida como una carrera hacia la muerte? Tristísimo Warhol pretende contestar a estas preguntas, y lo hace en forma de relato, partiendo de una historia del arte narrada que comienza un día de agosto de 1956, cuando el último pintor romántico, Jackson Pollock, se estrella con su coche en Long Island. Artistas como David Hockney, Jasper Johns o Tom Wesselmann aparecen y desaparecen en esta historia, configurándose, también alrededor de ellos, toda una serie de conceptos de la modernidad, actuales síndromes de nuestro tiempo: la nostalgia, la melancolía, la muerte. Tristísimo Warhol finaliza con la muerte del artista. Pero, más que un libro sobre él o el arte pop, ésta es una historia osada y reveladora que habla de todos nosotros, al fin y al cabo atrapados en esos síndromes modernos.

SURREALISMO: sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón ajeno a toda preocupación estética o moral. En 1924 Breton firmaba el primer manifiesto del surrealismo, donde se precisaba el intento de los surrealistas para salir de los rígidos esquemas de la razón y de la observación realista de los hechos para buscar significados ulteriores y vínculos más auténticos con las profundidades del yo. Apoyándose en los descubrimientos freudianos, se tendió a examinar el mundo de los sueños y del inconsciente, con interés por estados como el automatismo psíquico, la locura, la hipnosis, para registrar sus datos e intentar la unificación de los contrarios en el proyecto de una reconstrucción integral de la personaliad.

Erik Satie (1866-1925), francés de madre anglo-escocesa, fue sin duda uno de los compositores más representativos de la evolución artística del siglo xx. El celebrado autor de ?Gymnopédies? y de ?Trois morceaux en forme de poire?, de ?Parade? y de ?Socrate?, o de la ?Musique d?ameublement? (que debe ser interpretada «para que nadie la escuche») es también un escritor singular, que supo aliar la fantasía más desatada con la ironía más sutil. Los textos aquí reunidos nos desvelan los matices según los cuales entendió las complejas y a menudo contradictorias relaciones entre la música y la poesía.