Walkscapes trata del deambular como arquitectura del paisaje. Caminar como forma de arte autónoma, acto primario de transformación simbólica del territorio, instrumento estético de conocimiento y modificación física del espacio 'atravesado' que se convierte en intervención urbana. Del nomadismo primitivo al dadaísmo y el surrealismo, de la internacional letrista a la internacional situacionista y del minimalismo al land art, este libro narra la percepción del paisaje a través de una historia de la ciudad recorrida.

En la primera década del siglo XXI, una premiada imagen del fotoperiodista Javier Bauluz y otra de Clemente Bernad protagonizaron dos sonadas polémicas. Sin entrar en el fondo del debate, Joan Fontcuberta interpreta las razones esgrimidas, camufladas bajo un manto de indiferencias cruzadas. ¿Es la cámara indiferente al suceso fotografiado? ¿Se puede fotografiar la indiferencia? ¿Pueden fotógrafo y modelo mantenerse indiferentes? ¿Es la fotografía indiferente al soporte que la vehiculiza? Tras esas cuestiones cabe desentrañar diferentes formulaciones de lo fotográfico. Discutir valores éticos e ideológicos implica entonces confrontarnos con modelos teóricos e historiográficos previos. Pero todo ello no es más que la coartada que permite a Fontcuberta entregarse a su obsesión de siempre: la frágil, dolorosa relación de la imagen con la verdad. Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) es fotógrafo, crítico y profesor. Además de su prolífica obra fotográfica, ha realizado una importante labor como ensayista, editor y comisario, con iniciativas como la fundación en 1980 de la revista Photovision, la co-fundación en 1982 de la Primavera Fotográfica de Barcelona o la dirección artística en 1996 del Festival Internacional de Fotografía de Arles. También ha sido profesor en diferentes centros y universidades europeos y norteamericanos y en actualidad ejerce la docencia en los estudios de Comunicación Audiovisual de la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona.

Este libro está pensado para ser asequible y útil a todos aquellos que estén interesados en adquirir conocimientos básicos audiovisuales, sin tener en cuenta su edad, su profesión o su motivación para sumergirse en sus páginas. Está escrito para quienes tienen algo que decir y quieren aprender a decirlo lo más certeramente posible con imágenes y sonidos, pero también para quienes quieren aprender a ver imágenes o enseñar a ver imágenes a otros de manera crítica. Isabel Alba nos da aquí las claves para escribir un buen guion, nos alerta ante los errores más comunes, y simultáneamente nos ofrece una visión de todo el andamiaje necesario para pasar de la palabra escrita -el guion- a la imagen. Escritora, guionista, profesora y fotógrafa, Isabel Alba se licenció en Filosofía y Ciencias de la Educación por la Universidad Complutense de Madrid. Guionista de radio, cine y televisión, ha colaborado en programas tan conocidos como Barrio Sésamo o La bola de cristal. Durante los últimos quince años ha impartido numerosos cursos de guion y Lenguaje audiovisual, muchos de ellos dedicados a la formación del profesorado tanto escolar como universitario. En 1998 creó el programa de introducción a la imagen, para niños y adolescentes, Detrás de la cámara, de reconocido prestigio y pionero en su campo, que continúa dirigiendo en la actualidad. Como escritora ha publicado una novela, Baby Spot (Montesinos 2003) y ha recibido el XIV premio literario María de Maeztu. Detrás de la cámara. Cómo narrar en imágenes. Del guion a la película es su segundo libro sobre narrativa cinematográfica.

Este libro es el impactante y admirable resultado de un proyecto sentimental y filosófico tan excepcional, comprometido y emocionante como demuestra la gran exposición a que ha dado lugar, cuyo potencial comunicativo y trascendencia social serán sin duda mucho más relevantes de lo que ya intuimos.

Una síntesis de la evolución de la industria del libro al compás de las mutaciones del capitalismo

Según las palabras del genial Hermann Hesse, la Crítica de la inteligencia alemana representa «el intento más grande, honrado y profundo que ha realizado Alemania para llegar a ser consciente de los siniestros poderes que condujeron a la degeneración del espíritu y las costumbres de la Nueva Alemania, abocándola a un estado de culpa interior con respecto a la miseria del mundo y a la Guerra Mundial». Se trata de un panfleto repleto de contenidos políticamente incorrectos; obviamente ni se puede, ni se debe estar de acuerdo con todo lo que dice Ball; pero de cualquier forma la lectura de este libro es un estimulo constante. Los villanos supremos son Lutero, Hegel y Bismarck; pero Kant, Nietzsche y Marx tampoco salen muy bien parados. Teniendo en cuenta el impacto universal de las ideas y los hechos de estas figuras del pensamiento, la Crítica tiene gran interés más allá de las fronteras del país mencionado; incluso habiendo transcurrido más de cien años desde su publicación.

LOS SOPRANO • THE WIRE • A DOS METROS BAJO TIERRA • MAD MEN • PERDIDOS • DEXTER • BREAKING BAD • GALÁCTICA: ESTRELLA DE COMBATE • CARNIVÀLE • TREME • RUBICON • THE GOOD WIFE • CALIFORNICATION • DAÑOS Y PERJUICIOS • FLASHFORWARD • HÉROES • FRINGE • ETC... Con la primera década del siglo XXI ha llegado hasta nuestras pantallas un nuevo fenómeno de culto que suma cada día miles de espectadores en todo el mundo: las series de televisión. Sí, es cierto, las teleseries existieron prácticamente desde que se inventó la «caja tonta», pero gracias a todas estas nuevas series hemos visto cómo nuestro televisor se convertía en la «caja inteligente». Piensen en Los Soprano, The Wire, Mad Men, Dexter, A dos metros bajo tierra, Galáctica: Estrella de combate, Deadwood, Roma y tantas otras producciones cuyos niveles de calidad y difusión son simplemente extraordinarios. Desde esta premisa, Teleshakespeare se propone un doble objetivo: por un lado, conformar una suerte de guía de las más destacadas series de televisión de los últimos años, algunas muy conocidas y otras sin duda por descubrir, proporcionando un conjunto de ensayos breves, ágiles y lúcidos sobre cerca de una veintena de estas producciones. Por otro lado, este libro articula la primera reflexión general publicada en nuestro país sobre este nuevo fenómeno visual y narrativo que ya ha transformado nuestra definición del relato audiovisual, construyendo, además, nuevos modelos de visionado e interpretación que gracias a internet adquieren una dimensión global inmediata. Si nadie como Shakespeare supo retratar al hombre y a la mujer de su tiempo, nada como estas nuevas series de televisión retrata la evolución de nuestras sociedades, nuestros deseos, nuestras inquietudes. Shakespeare queda lejos, desenfocado. Hacemos zoom, nos acercamos, pero inmediatamente la imagen se pixela. Teleshakespeare.

¿Quiénes somos cuando nos narramos? ¿Quién es ;cómo es; el sujeto espectador de la contemporaneidad cuando se refleja en un sujeto artista? Éstas son algunas de las preguntas que surgen frente a los trabajos autobiográficos de un gran número de artistas de las últimas décadas, quizás porque la autobiografía acaba por estar en cada rincón del relato cultural. Se trata de una cuestión en la cual siempre queda una pregunta: ¿de verdad son así, de verdad soy así? La verdad, la autenticidad y todos los malentendidos que genera su puesta en escena podrían ser una de las claves de esta fascinación. Haciendo un recorrido por obras de artistas como Boltanski, Kabakov, Calle, Anderson o Shonibare, entre otros, este libro plantea algunos de los problemas que se generan en torno al texto autobiográfico, las relaciones que la fotografía tiene con la performance y la imposibilidad de mantenerse a salvo del nuevo espectador, quien en el acto mismo de contemplar desde el punto de vista del objetivo fotográfico se redefine en su subjetividad.

Dos son los temores centrales que organizan los miedos que moldean la vida en la ciudad. El primero se refiere a la desigualdad económica; el segundo al desconocimiento de los otros y el temor a la pérdida de identidad personal. La incertidumbre y la confusión se han incrementado por la rapidez de los cambios de las últimas décadas, lo que ha provocado que las ciudades se perciban como lugares con peligros. Por ello, la ciudad como espacio libre está siendo dividida, estructurada y controlada por las fuerzas del orden, con el objetivo que de garantizar la seguridad en cualquier momento. Si hace unos años la expulsión del miedo de nuestro entorno se llevaba a cabo mediante ostentosas medidas arquitectónicas, ahora éstas están siendo sustituidas por medidas más sofisticadas e imperceptibles. Son las prótesis tecnológicas instaladas en lugares estratégicos que consiguen mantener nuestro miedo bajo control. A ese perverso juego sin fin se refiere este libro.

'Posiciones críticas: ensayos sobre las políticas de arte y la identidad' ofrece un amplio recorrido por el trabajo de Douglas Crimp, uno de los protagonistas de la redefinición de la función de la crítica en la cultura norteamericana y en la defensa de la dimensión pública del arte. Esta antología organiza los escritos de Douglas Crimp en cuatro secciones temáticas que dan cuenta también de la evolución cronológica de su pensamiento crítico. Se toma como punto de partida el temprano análisis que hace Crimp de las políticas de la representación, sobre todo en el ámbito de la fotografía, definiéndolas como campo de acción prioritario del trabajo del artista en la posmodernidad. En esa misma dirección se incluyen a continuación sus famosos ensayos sobre la insularidad de la institución artística y sobre los conflictos que surgen cuando se transgreden los límites del cubo blanco de la galería. Las dos últimas secciones del libro dan cuenta del giro que da el trabajo crítico de Douglas Crimp a partir de 1987, coincidiendo con los momentos más crudos de la crisis del sida en Estados Unidos. Rompiendo con el establishment crítico del que hasta entonces había formado parte, Douglas Crimp iba a poner su pensamiento al servicio del análisis y denuncia de las campañas representacionales orquestadas por el poder contra la comunidad gay, así como de la reflexión sobre los modos en que ésta asumía o rechazaba tales imágenes hegemónicas. Los textos que cierran el libro forman parte de un proyecto aún inconcluso de genealogía de la subjetividad queer contemporánea a partir del análisis del cine de Andy Warhol desde la perspectiva de los estudios culturales.

Y nuestros rostros, mi vida, breves como fotos supone una culminación y, al mismo tiempo, un fascinante inicio en la carrera de este original y elogiado escritor. Combinando la soberbia profundidad de sus ensayos y críticas artísticas con la riqueza emocional de su ficción y su poesía, en esta obra John Berger vuelve por primera vez la lente de su arte sobre sí mismo. Así, se concentra en sus emociones personales y su vida y se cuestiona sobre ciertos aspectos tan trascendentales como ¿qué es lo que nos lleva a amar?, ¿cuáles son los límites de la separación?, ¿cuánto tiempo significa «para siempre»? El tipo de preguntas para las que ya sólo la música pop o la poesía siguen atreviéndose a mantener un espacio abierto en nuestra cultura. Las respuestas de Berger, misteriosas por su perspectiva y lucidez, son esperanzadas y necesarias. En un amplio análisis, que incluye tanto un brilante estudio sobre Van Gogh como una emotiva exploración del desarraigo en nuestro siglo, Berger pasa revista a una serie de experiencias que nos son tan básicas, tan familiares (el amor y el tiempo, la ausencia y la distancia, el arraigo y el alejamiento) que casi hemos llegado a olvidar la manera de sentirlas en nuestras vidas. Con un estilo inmediato e histórico a un mismo tiempo, Berger vuelve a mostrarnos otra manera de ver, ofreciéndonos, además, una magnífica declaración acerca del enfrentamiento entre la devastación y el amor en nuestro mundo

El esmalte al fuego sobre metal es un arte milenario que, actualmente renovado, se manifiesta como una disciplina en extremo versátil y de primer orden para la expresión artística. Este libro explica de manera didáctica y rigurosa las técnicas fundamentales del trabajo del esmalte, mostrando con todo detalle los diferentes procesos e incidiendo especialmente en los aspectos prácticos del trabajo. Tras una breve visión de la historia del esmalte, se enseña la naturaleza, las características y el comportamiento del esmalte, un tipo de vidrio formulado específicamente para ser aplicado sobre el metal. Seguidamente, se explican los materiales y las herramientas que se emplean, los procesos preparatorios y las diversas técnicas. En el último capítulo, a manera de ejemplo, se muestra paso a paso la creación de varias obras originales de diversos colaboradores.