“Los libros sobre jardines no hablan de los animales en libertad, salvo para explicar cómo luchar contra ellos. De los habitantes naturales no se dice nada. Los libros los omiten obstinadamente y no mencionan los topos de Babilonia, las libélulas de Versalles, las culebras de la Alhambra. Y a pesar de ello, deben todavía encontrar morada en esos lugares. Sin embargo, ni unos ni otros participan del artificio propio de los jardines. La tradición excluye del territorio ajardinado a todas las especies animales y vegetales vivas que eluden el dominio del jardinero. Los seres vagabundos no tienen lugar en él.” A partir de estas refl exiones, Clément construye la particular visión del jardín y de la sabiduría del jardinero en su manejo que nos presenta en este libro.

El diseño no tiene por qué ser complicado, por eso esta guía de diseño centrado en el ser humano muestra que la usabilidad es tan importante como la estética. Incluso los más inteligentes pueden sentirse ineptos al no saber qué interruptor de la luz o del horno hay que encender, o si hay que empujar, tirar o deslizar una puerta. La culpa, argumenta este ingenioso -incluso liberador- libro, no la tenemos nosotros, sino el diseño de productos que ignora las necesidades de los usuarios y los principios de la psicología cognitiva. Los problemas van desde los controles ambiguos y ocultos hasta las relaciones arbitrarias entre controles y funciones, pasando por la falta de retroalimentación u otro tipo de ayuda y las exigencias irrazonables de memorización.

Un juego filosófico, una disquisición artística, una exquisitez decimonónica y una investigación creativa por los sinuosos senderos de lo cultural... todas ellas, y ninguna, son calificaciones posibles para esta extraña obra. Un libro que no se manipula como uno habitual, sino que invierte su sentido, que tuerce las costumbres para bucear en todo aquello que acompaña a la idea de «izquierda». ¿Qué reside en la noción de lo izquierdo? Refugio de lo siniestro, espacio predilecto de zurdos y revolucionarios, antítesis de lo diestro, de lo derecho, de lo hábil. ¿Quién dijo que así fuera? Víctor Escandell escarbará en ese territorio a través de docena y media de escenas en sutil equilibrio entre creación literaria y gráfica. Una propuesta a contrapágina que nos impedirá aceptar la rectitud de los universos dados.

Este libro contiene una de las historias más fascinantes jamás contadas: el cómo y el por qué nuestra especie se convirtió en una estirpe de grandes constructores. ¿Qué es lo que nos distingue del resto de animales arquitectos? ¿Somos realmente especiales? Para saberlo deberemos reseguir los episodios más significativos ù¡y trepidantes!ù de nuestra evolución. Pero a medida que nuestros pasos vayan desempolvando el camino descubriremos que, oculto por los nombres propios y los movimientos culturales, existe un continuum evolutivo que guía el desarrollo de la arquitectura. Resulta que no; que la historia de la arquitectura no es una sucesión fragmentaria de personajes y acontecimientos. Existe un avance coherente, aunque imprevisible, marcado por singularidades: cuando una nueva tecnología cognitiva transforma y potencia las prestaciones de nuestros cerebros expande el espacio de diseño y se amplía el horizonte de innovación. Fruto de la irrefrenable creatividad que impulsa nuestro desarrollo, actualmente nos encontramos a las puertas de una nueva singularidad: la inteligencia artificial. Conocer la m

Las obras de Arte Antiguo de los grandes museos del mundo tienen una historia que se cuenta y otra que se oculta. Sharon Waxman ha investigado esta última: la historia de cómo fueron saqueadas de sus países de origen. Una historia turbia de expolio, sobornos, tráfico, subastas y, en numerosas ocasiones, daño o destrucción. La autora realiza un apasionante recorrido tanto por los principales museos occidentales (el Louvre, el British Museum, el Metropolitan de Nueva York...), como por los lugares de procedencia de las antigüedades (Egipto, Turquía, Grecia, Italia...), evocando los episodios del pasado y analizando las demandas actuales de devolución de las piezas por parte de estos países.

El rodaje de 'Apocalypse Now' es recordado como uno de los más duros de la historia del cine, por los innumerables problemas a los que tuvo que hacer frente para ver la luz. Planificado para unos pocos meses, acabó convirtiéndose en una odisea de varios años que a punto estuvo de arruinar a su director, Francis Ford Coppola, minando su salud tanto física como mental. Un tifón arrasó por completo parte de los decorados; los helicópteros negros prestados por el ejército filipino para filmar una de las escenas más memorables eran periódicamente reclamados para combatir a la guerrilla en otros puntos del país; el protagonista de la cinta, Martin Sheen, sufrió un ataque al corazón en medio de la filmación; Marlon Brando —el Coronel Kurtz—, se presentó en el rodaje con sobrepeso y sin haberse leído el guion… La cineasta y escritora Eleanor Coppola, inmersa en el proceso junto a su marido y sus hijos, escribió este diario de rodaje en el que se recogen desde dentro y al detalle todas estas adversidades. Aunque no solo eso, ya que 'Notas a Apocalypse Now' es también un testimonio íntimo y revelador de la relación entre dos grandes creadores atrapados en el mismo corazón de las tinieblas. Un viaje que, tal y como sucediese en la famosa novela de Conrad en la que se inspiró el film, o en la propia película en sí, supuso un camino de aprendizaje que, en ocasiones, incluso, a punto estuvo de costarles el matrimonio.

¿Qué nos dicen las imágenes televisivas? ¿Qué discursos hay detrás de los diversos formatos audiovisuales? Un formato audiovisual es un conjunto de reglas capaces de generar una repetición narrativa. ¿Pero qué discursos hay detrás de estos formatos? ¿Cómo dialogan con otros lenguajes visuales? La imagen incesante plantea un recorrido a través de géneros tan diferentes como los concursos, los programas de vocación divulgativa, la telerrealidad, las películas y las series documentales, los talk shows o el contenido de las redes sociales para tratar de entender los debates y las fricciones que caracterizan las sociedades contemporáneas.A partir de esta anatomía de los formatos audiovisuales se exploran cuestiones trascendentales como la comprensión del yo y del otro, las tensiones comunitarias en situaciones extremas, las desigualdades de género, las nuevas formas de trabajo en la cultura de la fama, el mito de la libertad de elección o las paradojas de la difusión cultural. En esta indagación se comprueba que los formatos viajan de un país a otro, de un medio a otro, estableciendo puentes por donde circulan los imaginarios de la cultura popular. En contra de la idea de que los formatos audiovisuales son volátiles y no merece la pena volver a verlos, este libro propone el ejercicio contrario: pensar en la imagen incesante para saber qué nos dice de nosotros mismos.A caballo entre la mirada analítica y la vocación divulgativa, Jordi Balló y Mercè Oliva presentan un escenario que mezcla una alta consciencia filosófica con un sinfín de referencias que provienen de la cultura pop más espontánea y desenfadada, y afrontan todas estas preguntas con rigor ético y una firme precisión sociológica.

La historia oficial de la Transición de un régimen Franquista a una hipotética Democracia ha sido narrada de forma sesgada por esxs que pudieron explicarla en su ejercicio de poder institucional, suponiendo un objeto de ingeniería social que construyó la ficción de una nación “libre” al servicio de la ciudadanía. Es ahí donde Vídeo-Nou y Servei de Vídeo Comunitari toma posición política como trabajadorxs no especialistas del medio audiovisual, documentando relatos no existentes en medios hegemónicos de la Transición porque televisión y periódicos seguían dominados por una “Democracia” que instrumentalizó sistemas de comunicación al servilismo de la economía y la nación. Pensando en el colectivo de ideología anarcosindicalista Video-Nou y Servei de Vídeo Comunitari como caso de estudio, este trabajo tiene el objetivo de re-escribir la historia no oficial de la llamada Transición española entre 1975 y 1983, planteando nuestras herencias contemporáneas, así como las mecánicas oficiales de una cultura que propone una estética política sin ética.

Catálogo de la obra del escultor David Bestué en sus últimas dos exposiciones en Barcelona y Valladolid, donde se hace un repaso de la última obra del artista. Con textos de Marta Sesé, Carles Guerra, el propio David Bestué y una conversación entre María Salgado y el artista.

Javier Parra vuelve a la carga con una segunda entrega de 'Scream Queer', su exitoso repaso a la historia del cine de terror y fantástico desde una perspectiva LGTBIQ+.Siguiendo las reglas enumeradas por uno de los protagonistas de Scream 2 (recordad: el numero de cadáveres siempre será mayor y las secuencias de muertes tendrán más sangre), Javier Parra nos presenta Scream Queer 2. La venganza, secuela del libro publicado por Dos Bigotes en 2021 y con la que pretende acabar con el dicho de que segundas partes nunca fueron buenas. En su nuevo ensayo, el especialista en cine de terror y cultura pop nos ofrece diez nuevos capítulos en los que aborda, entre otros temas, aquellos títulos de terror (y derivados) que, sin tener representación LGTBIQ+, han sido apropiadas por el colectivo (¿Qué fue de Baby Jane?, Queridísima mamá, La muerte os sienta tan bien); el cine de Curtis Harrington de los años 40 y algunos clásicos a rescatar; los monstruos, demonios y criaturas pansexuales (Species, La criatura de la laguna negra); la producción cinematográfica de Frank Henenlotter; los novísimos de la Nueva Carne (Society, las últimas películas de David y Brandon Cronenberg); Me siento extraña y otras cintas de contenido lésbico; el homoerotismo camp de David DeCoteau y la Full Moon y la utilización de los cuerpos masculinos como objeto del deseo; el consentimiento y el tabú de la violación en las relaciones entre hombres en el cine de género (Deliverance, Calvaire); el pornoterror, o el futuro del cine de terror visto desde los márgenes y la disidencia.

En una época de transformación acelerada de hábitos culturales y desarrollo tecnológico, la imagen fotográfica sigue ocupando un espacio privilegiado en nuestras vidas: hoy todos hablamos fotografía. Pero bajo la alfombra de esa flamante omnipresencia yacen muchos cadáveres. De 'cosa' congénita a la sociedad industrial, la fotografía se ha convertido en 'no-cosa' de la sociedad digital. El misterio de su alquimia fundacional está cediendo a otra magia, la de los algoritmos. Todos los valores de la imagen se están alterando: el horizonte de la inteligencia artificial presagia una revolución visual mucho más profunda que la que en 1839 promovió la aparición del daguerrotipo. La fotografía se hacía con luz, ahora se hace con datos. Y en esta transición de asombro e incertidumbre vale la pena pasar revista a los ámbitos en los que la cámara sigue lidiando, en la medida en que ese esfuerzo contribuye a entender mejor el espíritu de nuestro tiempo. La postverdad fotográfica, la memoria desmaterializada, la iconofagia, la construcción de identidades y la perspectiva de género en redes sociales, los drones y la automatización de la mirada, la fotografía como un lenguaje entre máquinas, las urgencias medioambientales, la postfotografía como síntoma de la economía postliberal, las imágenes de la guerra y la guerra de las imágenes… En este libro, Fontcuberta ofrece una docena de ensayos que, concebidos como casos de estudio, nos invitan a repensar si el símil del espejo con memoria sigue siendo el elemento definitorio de la condición fotográfica o si, por el contrario, ha llegado el momento de desbordar el espejo.

Quince ensayos breves de Colm Tóibín, escogidos entre los más de cuarenta que ha escrito sobre artistas y sus obras, constituyen este libro inédito sobre arte, y en especial sobre una determinada forma de mirar y dejarse cautivar; una forma de leer y también de narrar. Toda obra de creación, ya sea plástica o literaria, tiene un punto de partida, a veces simplemente una marca en una tela o una palabra en una página en blanco, un dispositivo que dispara la imaginación. Miró, Calder, Tàpies, Barceló, Bacon, Arbus, Freud, Sargent, Lotto, Tintoretto, Goya… ponen en evidencia que la imaginación, cuando trabaja, siempre está sola, y que ese momento de concentración furiosa y única del acto creativo solo la inteligencia puede decantarlo o moderarlo. En el prefacio que abre el libro, Tóibín sugiere que seguramente debe a la pintura el hecho de haberse dedicado a escribir.

De la alianza entre los artistas afroamericanos Fazal Sheikh y Teju Cole surge esta reflexión sobre las cuestiones trascendentales que en estos tiempos convulsos convocan a la humanidad: los crímenes de las políticas migratorias, la xenofobia y el individualismo, pero también la hospitalidad, el espejo amoroso que es el rostro del otro y la emoción ante la posibilidad de formar parte de una comunidad de semejantes. Fue en 2018 cuando los autores crearon este libro con el fin de encontrar una nueva forma de hablar de la reaparición de problemas muy antiguos. Mediante la mezcla de los textos de Teju Cole y las fotografías tomadas por Fazal Sheikh durante más de treinta años, ambos autores establecen un diálogo entre sí y entre la historia, con una variedad de fuentes que van desde Homero y Shakespeare hasta Martin Luther King Jr., Toni Morrison y la teoría postcolonial. La actualidad de las guerras y los conflictos de hoy hace que este Archipiélago humano sea más urgente que nunca. «Nuestro anhelo de un hogar, nuestra fragilidad y rabioso orgullo son parte de la extrañeza sin causa que llamamos humanidad. Fazal Sheikh y Teju Cole la reflejan en un espejo desgarrador y hermoso hecho de palabras e imágenes que nos recuerda que todos somos parte de una misma tragedia y una misma esperanza, y que el rostro del extraño es igual al nuestro» Patricio Pron

Las teorizaciones que recorren Estética relacional surgen precisamente a partir del conocimiento profundo de la obra de los más conspicuos artistas internacionales de los años noventa, hoy en plena actividad, y de exponer los principios que estructuran sus pensamientos.  El libro viene a responder, entre otras, a la pregunta "¿de dónde viene esta obsesión por lo interactivo que atraviesa nuestra época?ö.

Es el resultado de una investigación innovadora, de gran alcance, que pretende entender las relaciones que se establecen entre las prácticas artísticas comunitarias y la participación cívica y política. El libro busca la confluencia de distintas contribuciones del arte, la educación y la participación cívica y política, a partir de experiencias en Europa y Latinoamérica, y profundiza en el diálogo entre la teoría y la práctica. Se desarrollan cuestiones como la identificación de los elementos definidores de las prácticas artísticas comunitarias, las potencialidades y debilidades que encierran los procesos creativos y, asimismo, se indaga en las dimensiones que las conectan a la participación cívica y política de los implicados. Finalmente, se identifican elementos que permiten actualizar la definición de las prácticas artísticas comunitarias, así como proponer un concepto de calidad de la participación cultural y artística. *** «Las prácticas artísticas participativas y comunitarias suscitan un interés creciente en la actualidad. En un momento de especial fragilidad para las democracias y par

Este libro es tan irreverente que cuando Kurt Tucholsky lo publicó en 1929, en colaboración con el fotógrafo John Heartfield, tuvo que exiliarse. Combinando las artes de la literatura y de la fotografía se compone, a través del humor y de la sátira, una de las obras más representativas del dadaísmo alemán. Tucholsky vislumbra la semilla de lo que acabará siendo el régimen nazi en unas instituciones que han perdido la confianza del pueblo y en una sociedad en la que imperan el militarismo y el nacionalismo. Deutschland, Deutschland über alles es una de las críticas más duras contra la realidad política de su época, pero es, ante todo, una carta de amor a Alemania.

* Cien de las fotografías más destacadas realizadas por la fotógrafa, modelo y musa surrealista Lee Miller, publicadas como anticipo de la película Lee protagonizada por Kate Winslet en el papel de la fotógrafa. * Fotoperiodista, corresponsal de guerra, modelo y musa surrealista, Lee Miller fue una de las mujeres fotógrafas más importantes del siglo xx, que trabajó en los campos del fotoperiodismo, la moda, el retrato y la publicidad. * Este evocador libro recopila los trabajos documentales, de moda y bélicos más famosos de Lee Miller, así como imágenes cuidadosamente recopiladas por su hijo, el fotógrafo Antony Penrose, con un prólogo de la actriz Kate Winslet. Lee Miller se inició en la fotografía a una edad temprana, perfeccionó su oficio en París, donde se relacionó con los surrealistas y artistas de vanguardia como Jean Cocteau y Picasso. Junto con Man Ray, descubrió accidentalmente la técnica distintiva de la solarización para crear fascinantes efectos de halo. Después de establecer su propio estudio fotográfico en Nueva York, donde se convirtió en una destacada fotógrafa comercial, se mudó a Oriente Próximo y Europa antes de convertirse en la fotógrafa de guerra oficial de Vogue, un período durante el cual tomó muchas de sus fotografías más icónicas.

Cómo contagiar que todas las vidas importan es una de las preguntas que abren este libro. Su autora, Tamara Díaz Bringas, la situó en el centro del tejido de la Décima Bienal Centroamericana en 2016, pero también podría ser un retrato de su propia vida y trayectoria intelectual. Un estar en el mundo a través de la escucha y la complicidad con los otros. Imaginación de los futuros que queremos habitar donde el no estar sola es gesto político y cotidiano. Así, Tamara cuidó y sostuvo a lo largo de su vida muchas tramas de amor y trabajo en los lugares que habitó, en una continuidad generosa entre el tiempo humano y el no humano, entre las plantas, las lecturas, los amigos, las exposiciones, la familia, los textos. Todas las vidas reúne textos dispersos escritos a lo largo de casi tres décadas, situados los contextos y urgencias específicas de Cuba, Centroamérica y España, donde la autora contribuyó a sus respectivos campos de debate desde lo que llamó crítica próxima, una cercanía feminista. Ser parte y hacer lugar fueron modos de su hacer delicado, que a veces comparaba con el de la costurera o la jardinera. En este recorrido no lineal por todas las vidas, la propia escritura o la curaduría son en sí formas de interlocución atenta. Hay cartas, juegos con ficciones o imágenes de la literatura, conversaciones abiertas y cierta musicalidad si los escuchamos o los leemos en voz alta. Resuenan placeres como bailar o nadar, muy de su autora, en un tejido que también incluye su historia familiar por momentos y siempre una voz cercana y cálida. Este libro es también de todas vidas para las que tía Tamara es presencia y fuerza que atraviesa y a la cual queremos agradecer.