El relato visual de Liza Ambrossio (Ciudad de México, 1993) arranca en la adolescencia con la huida de su casa familiar y el infantil, perverso y a su vez instintivo deseo de supervivencia al invocar la muerte de sus progenitores antes que permitir el feminicidio o la desaparición de ella misma en un país, una educación y una cultura profundamente conservadora, religiosa, elitista, desestructurada y machista. Su violento exilio dispara una investigación sobre la supervivencia, la locura propia y ajena, la libertad, la responsabilidad y la muerte, invitándonos a un viaje —mental y real—, a través de sus obras. El camino recorrido por la artista genera historias entrelazadas que rompen la cotidianidad banal y frívola para poner el foco en cuestiones inconfesables, en acciones surrealistas, en extremos actos de deseo, de justicia simbólica o en fetichismos macabros. Toda imagen para Ambrossio se convierte así en señuelo y delirio. La presente publicación recoge cerca de 80 textos escritos como resultado de la libre asociación de ideas a partir de las imágenes de Liza Ambrossio, elaborados por los tres comisarios que más estrechamente han trabajado con ella en las diferentes etapas de su carrera: Javier Martín-Jiménez (España), Cuauhtémoc Medina (México) y Arianna Rinaldo (Italia).

Al narrador de esta singular historia lo han contratado para hacer de Javier Cámara en una película y decide viajar a Albelda, el pueblo donde nació el actor, para indagar en su vida. Entre viaje y viaje, revisa sus interpretaciones en el cine y las series a la búsqueda de los gestos y ademanes que lo caracterizan, y se entrevista para ello con todo aquel que le pueda proporcionar información. El hijo del Labrador no es solo el relato de ese proceso, sino también una encantadora aventura en la que el personaje merendará con la familia de Cámara, tomará café con algunos colegas y se meterá literalmente hasta la cocina e incluso hasta la nevera de la casa de Javier. Por las páginas del libro desfilan, como en cameos cinematográficos, la madre y las hermanas del actor, sus maestros y muchos amigos como Carmen Machi, Pilar Castro, Fernando Trueba, James Rhodes, Félix Sabroso, Fernando Colomo, Isabel Coixet, Cesc Gay o Candela Peña, entre otros, aparte de estrellas del cine tan admiradas como Pedro Almodóvar, Paolo Sorrentino o Jude Law. Además, el prólogo de David Trueba y el epílogo de Bernardo Sánchez le ponen a la novela un marco espléndido, detallan aún más la vida y la obra de Javier Cámara, para que el lector disfrute y se divierta con esta peculiar biografía de uno de los actores españoles más extraordinarios y queridos de la historia de nuestro cine. El germen de este libro está en marco del Premio Rafael Azcona del festival riojano Octubre Corto, entregado a Javier en el año 2018.

Un volumen colectivo que profundiza en la figura de Ocaña, uno de los artistas más admirados, libres y transgresores de los años de la Transición.¿Qué tiene la figura de José Pérez Ocaña que, cuarenta años después de su muerte, sigue despertando admiración? Ocaña. El eterno brillo del Sol de Cantillana es un volumen colectivo coordinado por Carlos Barea que trata de responder a esta pregunta a través de una mirada multidisciplinar a la vida y la obra de uno de los artistas más destacados de la contracultura catalana de finales de los años setenta y principios de los ochenta. Con la intención de arrojar algo de luz sobre un personaje del que mucho se ha dicho pero poco se ha escrito, el libro reúne a un gran plantel de autoras y autores que se han encargado de investigar su trabajo y todo aquello que rodeó su figura: desde su sexilio casi forzado a su obsesión por el imaginario religioso en sus pinturas o performances, pasando por un análisis del contexto artístico-cultural en el que se desenvolvió. Además de textos de personas tan cercanas a Ocaña como el director de cine Ventura Pons, su amigo íntimo Nazario o una entrevista a su hermano mellizo, se incluyen dos documentos inéditos: un relato biográfico firmado por el propio artista y una carta de su puño y letra que escribió a Felipe de Paco. Ocaña. El eterno brillo del Sol de Cantillana es, en definitiva, un libro que pretende desentrañar el misterio de un artista absolutamente libre que se marchó vestido de sol y cuyo resplandor ha llegado hasta nuestros días.

Después de años de hablar sobre el andar como práctica estética, Francesco Careri aborda aquí los espacios de la hospitalidad como complemento a un estar en el mundo.Este libro —que sigue a un primer manifiesto-investigación, Walkscapes. El andar como práctica estética (2002), y a una colección de artículos, Pasear, detenerse (2016)— es un relato autobiográfico de momentos y situaciones, a veces verdaderas epifanías, en los que se me revelaron algunas relaciones importantes entre el nomadismo, la arquitectura y la hospitalidad. Pero también es una propuesta para la refundación hospitalaria de nuestras ciudades, para construir sobre las ruinas de lo contemporáneo unos lugares concretos destinados a personas reales, lugares de paso y de encuentro paragentes diversas, lugares de recreación y narración de cuentos, de intercambioentre anfitriones y huéspedes, como en las hospederías y los caravasares de otras épocas.

Este ensayo expone una investigación sobre el paisaje urbano en el cine moderno, tomando como referente la obra de Jean-Luc Godard en el periodo que discurre entre 1959 y 1979. De forma inédita, este libro plantea que su trayectoria fílmica puede leerse como una documentación crítica y perseverante de la ciudad así como de las formas de subjetividad que de ella pudieran brotar. El sujeto primordial de su cinematografía será entonces el proletariado urbano representado en la figura de la mujer. Esta es símbolo del ser que ha sido desposeído de todas esas coordenadas que le eran suyas (su tiempo, su cuerpo, sus afectos y finalmente su vida) y que, una vez abstraídas, han sido puestas a producir. Aunque precisamente por encontrarse en unas circunstancias alienantes, Godard considerará, combatiendo el fatalismo, que ellas son también el punto clave para empezar a revertir la situación, adueñarnos de lo propio y «vivir».

Segundo volumen que recoge las conferencias pronunciadas entre 2021 y 2022A lo largo de la historia contemporánea hemos asistido en distintas ocasiones a un giro radical del orden preexistente que es lo que conocemos como revoluciones, y la imagen ha ayudado a dar testimonio de ellas y a construir su relato. En cada una de las revoluciones que se abordan en este libro cumplió la fotografía uno o varios papeles relevantes como testimonio, denuncia, herramienta para la agitación, propaganda explícita o encubierta, instrumento de análisis social, territorio para el compromiso del fotógrafo, prolongación de la experiencia revolucionaria, etc. La intención de esta propuesta es, en último término, confrontarnos una vez más con el papel de la fotografía para explicar el mundo, ahora a través de unas concretas y transcendentales coyunturas históricas del mundo contemporáneo.

Siguiendo el mismo espíritu de las obras anteriores, en esta nueva entrega nos adentramos en el enfoque morfológico de las telas y los pliegues de la ropa. A través de la simplificación de los distintos tipos de posturas y figuras, aprenderemos cómo se crean los pliegues y bajo qué concurso de fuerzas, lo que nos permitirá ser más precisos en el dibujo y conferir movimiento y carácter a nuestros personajes. Michel Lauricella nos adentra en la morfología de las vestimentas a través de un variado compendio de personajes y prendas. Cerca de 400 dibujos detallados de distintos tipos de figuras y posturas dibujables. Un amplio recorrido por la variedad de prendas de vestir y complementos, desde sombreros, gorros, bufandas y fulares hasta sudaderas, saris, faldas y vaqueros. Un enfoque eminentemente morfológico que nos permite acceder a una lógica elemental memorizable y fácilmente aplicable en nuestras creaciones.

En la quinta entrega de sus célebres lecciones de anatomía artística, Michel Lauricella aplica su conocida fórmula pedagógica a la mecánica de las articulaciones y su materialización en formas óseas y musculares. · Cerca de 400 dibujos de las articulaciones y los movimientos que estas posibilitan -como la flexión, la extensión y la rotación- organizados en cuatro apartados: cabeza y cuello, torso, miembros superiores y miembros inferiores. · Descripción visual en formas sintéticas y mecanicistas a partir de una reducción de las articulaciones a tipos simples, como la esfera y la bisagra. · Recursos para enriquecer el dibujo de observación y facilitar la práctica del dibujo de imaginación inspirando formas imaginarias, híbridas o fantásticas que traten de mantener siempre la relación entre función y forma.

Británico de origen irlandés, Francis Bacon fue uno de los pintores más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Sus cuadros perturbadores y su carácter incisivo le rodearon siempre de polémicas. A sus 82 años y desoyendo la opinión de su médico, viajó una vez más a Madrid para visitar a su amante. Allí falleció de forma imprevista, el 28 de abril de 1992. Este libro es el monólogo hipnotizante de una voz, la de FB, que en esos momentos finales, repasa su pasado y se asombra de su presente. Consciente de su egoísmo y de su genialidad, habla del supremo esfuerzo de pintar contra la muerte, de los bares elegantes y de los antros donde buscó el placer y el dolor. Ficción literaria y no verdad histórica, nos arrastrará un flujo de palabras que se concreta, se repite y se emborrona como su propia pintura

La obra escrita de Remedios Varo, con excepción del paródico tratado De Homo Rodans (1960), permaneció prácticamente oculta durante muchos años o fue publicada de forma fragmentaria y dispersa. Sin embargo, supuso para ella una prolongada oportunidad para dar rienda suelta a sus pensamientos más íntimos. En los cuadernos aparecidos tras su muerte se encontraron cartas, relatos, proyectos y sueños que reflejan nítidamente su compleja personalidad. Angustiosos o humorísticos, espontáneos siempre, los escritos de Remedios Varo completan la imagen de una artista total, que logró expresarse por igual a través de la página y del lienzo. Editar este material, en principio no concebido para su publicación, supone asomarse al taller de una artesana solitaria, que anteponía el proceso creador al éxito y que, a la vez, se relacionó intensamente con destacadas figuras de su época como Benjamin Péret, Leonora Carrington, Kati Horna, Wolfgang Paalen, Esteban Francés, Gerardo Lizarraga o César Moro. Viajar a través de la obra, escrita y pictórica, de Remedios Varo nos permite revivir la agridulce aventura del exilio y reconstruir un panorama colectivo de creación, amistad, libertad y resistencia. «Remedios combina máquinas, poesía, misterio, imágenes oníricas de un laboratorio, aparatos científicos, instrumentos musicales, creación, alquimia y magia». Irene Vallejo «El surrealismo reivindica su obra por entero». André Breton Primera recopilación completa de la obra escrita de Remedios Varo. Reúne cartas, sueños, relatos, recetas humorísticas, ejemplos de escritura automática y proyectos inacabados. Incluye textos inéditos. Remedios Varo (Anglés, Gerona, 1908-México, 1963) es una de las más interesantes figuras del exilio republicano español. Inició sus estudios en 1924 en la Academia de San Fernando de Madrid y posteriormente se trasladó a Barcelona, donde se impregnó del espíritu vanguardista de la época. Al estallar la Guerra Civil, viajó a París y se integró en el grupo surrealista. En 1942, se trasladó a México, país en el que residió hasta su muerte. Su obra pictórica, profundamente personal y a la vez resultado de diferentes influencias que van desde el surrealismo hasta la pintura flamenca o la alquimia, es actualmente reconocida y reclamada en los más importantes museos del mundo. Además de su extensa producción pictórica, Remedios Varo se dedicó a otras actividades como la creación de objetos, esculturas y figurines para el teatro, y, muy especialmente, a la escritura. A través de la palabra, Remedios Varo recrea el mismo ambiente onírico que se despliega en su pintura y nos conduce a un mundo de prodigios habitado por criaturas singulares, en un tiempo y un espacio diluidos por el humor y la poesía. Isabel Castells Molina (1965) es profesora titular de Literatura Española en la Universidad de La Laguna. Estudiosa del surrealismo y del exilio republicano español, ha editado la obra literaria de Eugenio F. Granell. Ha editado también a autores de la vanguardia canaria como Antonio Dorta, Julio Antonio de la Rosa y Emeterio Gutiérrez Albelo. Es responsable de la primera recopilación de la obra escrita de Remedios Varo (México, Era, 1997). La edición que presentamos ahora reúne de nuevo todo ese material, actualiza la bibliografía que ha generado el creciente interés hacia su obra e incluye documentos inéditos.

Una sagaz reflexión sobre el arte y su función en tiempos de pandemia, confinamiento, crisis climática y manipulación de la verdad.   ¿Puede el arte dar a ver lo que no vemos? Este libro confía en la potencia inagotable del arte para volver visible la invisibilidad resistente de dos amenazas que se ciernen sobre el hombre y el planeta en el siglo XXI: el descalabro ambiental y la inmersión cada vez más inquietante en un mundo digitalmente administrado. Graciela Speranza buscaba respuestas en la literatura y el arte contemporáneos cuando la pandemia de la covid-19 no solo aceleró la comunicación virtual, el control y la vigilancia, sino que en las ciudades desiertas nos enfrentó con «un atisbo de un futuro posible, un mundo sin nosotros».Pero ¿qué puede decir el arte en medio de la catástrofe? De la montaña de abetos que Agnes Denes plantó en Finlandia y los conciertos aracnocósmicos de Tomás Saraceno a las novelas fragmentarias de Olga Tokarczuk y Jenny Offill y los ensayos breves de Karl Ove Knåusgard, de la telefotografía de Trevor Paglen y los vídeos de Hito Steyerl a las reconstrucciones agudas de Forensic Architecture o Agustín Fernandez Mallo, el arte y la literatura desvelan, recomponen, reconstruyen y, en el intento, renuevan sus medios.El resultado del recorrido es una sagaz reflexión sobre el mundo contemporáneo y el sentido del arte de hoy, «una lente privilegiada para cambiar la escala y recalibrar nuestro lugar en el planeta», para «volver a mirar las cosas, correr el velo que las opaca».

Aquest projecte fotogràfic aporta una mirada coral sobre Barcelona i les diferents intervencions que s'hi han realitzat durant els últims anys: des de grans transformacions en l'espai públic, nous equipaments o habitatge social fins a petites actuacions en carrers i places. Deu fotògrafs i fotògrafes han treballat en paral·lel per generar el testimoni dels canvis que ha sofert la ciutat en els últims anys. Aquest gran conjunt d'imatges, de tipus i estils diferents, es pot ordenar de dues maneres, que corresponen als dos volums del llibre: un primer volum on apareix una selecció de fotografies de cada fotògraf i un segon volum on s'expliquen un a un els projectes de ciutat. Dos volums que es complementen entre ells i que ofereixen una visió completa i coherent sobre el conjunt de les intervencions i les noves aportacions arquitectòniques i urbanístiques que s'han fet en els darrers anys a la ciutat de Barcelona.

Los textos e imágenes reunidos en este libro son fruto del desplazamiento. Una mezcla de escrituras portátiles, vagabundas y fragmentarias cuyo centro es el movimiento.Los textos e imágenes reunidos en este libro son fruto del desplazamiento. Una mezcla de escrituras portátiles, vagabundas y fragmentarias que se cruzan para tejer una red en la que el movimiento es el centro. La escritura es movimiento: abandonarse a una deriva incierta. A lo largo de este conjunto de ensayos breves, apuntes, recuerdos, reflexiones, entradas de diarios, poemas y citas, Valeria Mata se pregunta ¿cuál es la potencia crítica del viaje?, ¿qué entendemos cuando pensamos en la idea de hogar?, ¿es necesario tener raíces?, ¿qué puede significar lo nómada?, ¿qué formas puede tomar la itinerancia o el turismo?

Una recopilación de pensamientos e investigaciones sobre las prácticas perfomativas y el mundo de la cultura contemporánea.Uno de los procesos más relevantes en el mundo de la cultura contemporánea ha consistido en el increíble auge de las prácticas perfomativas. Surgidas a mediados del siglo XX, pero con antecedentes en las vanguardias –incluso antes–, las performances se desarrollaron en todo tipo de espacios: calles, galerías, teatros, cines, universidades. No obstante, es muy reciente su introducción en los museos como espacios de consagración cultural. ¿Qué tipo de transformaciones supone este traslado al museo de la performance?, ¿qué efectos produce en las obras y, más importante aún, hacia dónde apunta el museo de lo vivo? Nunca lo vivo ha estado tan presente en la museología contemporánea, un proceso que contrasta con la casi total desaparición de las iniciativas independientes que, hace no tanto, le sirvieron de plataforma. ¿Qué modelos temporales e historiográficos permite y produce este auge del performance en el museo? ¿Es quizás el deseo de contener lo que se desvanece en el aire lo que genera nuevos modelos de mercancía fácilmente consumible, de inmediato museificable? Los seis ensayos que componen este libro abordan estas cuestiones desde diferentes puntos de vista incidiendo en la necesidad de abrir un debate que en la actualidad está modificando la concepción de las prácticas artísticas y las instituciones que las contienen.

ELLAS. Diccionario de mujeres artistas hasta 1900. (Vol. nº 1) Un total de 717 artistas, entre los años 1060 y 1900, procedentes de más de 50 países, conforman una historia del arte paralela a la oficial. Un conjunto de artistas, movimientos, tendencias, estilos, géneros artísticos y lenguajes plásticos que confirma la presencia y la importancia de las mujeres artistas a través de la historia, con especial atención en los siglos XVII, XVIII y XIX. Mujeres artistas esenciales en su momento histórico como Angelika Kauffmann o Rosa Bonheur, por supuesto Artemisia Gentileschi, y Claude Cahun; pero también Alice Austen y Tina Modotti, Georgia O'Keefe, y Marie Laurencin, y Madame Yevonde, o Consuelo Kanaga; Gabriele Münter y Nahui Olin, las hermanas Sorolla y Luisa Roldan, o Paula Modersohn-Becker… Fotógrafas, diseñadoras, pintoras, ilustradoras, dibujantes, escultoras, grabadoras, cineastas… Desde Samoa hasta Francia, Estados Unidos o Alemania, desde Ucrania hasta Filipinas. Con una importante presencia de las pioneras latinoamericanas y de las artistas españolas. Un mapa mundial de nombres desconocidos pero imprescindibles para completar la verdadera y total historia del arte universal. Este primer volumen de ELLAS es la primera parte del proyecto que se completará con un segundo volumen dedicado exclusivamente a las artistas nacidas entre 1900 y 1950, un panorama mucho más abierto y actual, con más visibilidad del trabajo de las mujeres artistas, pero que mantiene muchos de los problemas y actitudes que vemos en siglos anteriores. De cada artista se da la información biográfica y profesional, incluyéndola en su momento histórico y cultural, analizando su obra e informando de donde se puede encontrar hoy alguno de sus trabajos. Unas 681 imágenes de obra y retratos de época acompañan los textos, y se cierra el libro con los índices alfabéticos, cronológicos, por países y por materia artística, como apoyo a cualquier estudio, consulta o investigación.

Este libro “indisciplinado” se puede convertir en una guía básica en el acercamiento al arte sonoro, una aproximación clara y más ordenada y limpia que otros muchos textos sobre el tema. José Iges escribe desde dentro de la propia materia: artista, teórico, divulgador, experto en el tema. Sin duda uno de los protagonistas, tal vez díscolo, del arte sonoro de las últimas décadas. “El lector de este libro no solamente se beneficiará de la amplísima experiencia cosechada por su autor después de varias décadas de trabajo como artista sonoro y compositor, sino, también —y acaso en aún mayor medida— de la sabiduría acumulada tras igual número de años en el desempeño de una labor sin par que nos ha permitido disfrutar de ese oasis radiofónico denominado Ars Sonora que Iges imaginó junto a Francisco Felipe en 1985, y que desde entonces hasta 2008 dirigió y presentó cada semana, en lo que sin duda constituye el más duradero y ambicioso esfuerzo de divulgación consagrado al arte sonoro y las músicas experimentales no ya en nuestro país, sino también en nuestra lengua.” (Miguel Álvarez-Fernández).

La vestimenta. Una historia entre modas y disidencias. Sonia Capilla toma la vestimenta como objeto de estudio para trazar una historia del arte contemporáneo que visita los asuntos fundamentales que ocupan a la creación artística que se circunscribe entre finales del siglo xix y la actualidad. Este libro transita por la relación con el paso del tiempo comprendiendo la durabilidad de lo producido, por la diferenciación entre la poética del lujo juicioso y la ostentación excluyente, por la exploración de la definición prejuiciosamente establecida contra las corporalidades diversas y por una definición universalista del concepto de comunidad, trasladando este formato expresivo, la vestimenta, desde el ámbito doméstico al centro mismo del debate. Es una historia que transcurre entre la moda y la disidencia, en la que el anonimato de las manos creadoras son tan protagonistas como los apellidos de quienes capitanean las tendencias, con la intención de remitir la vestimenta a quienes la reciben como una herramienta transformadora.

En esta importante obra, la renombrada historiadora del arte Griselda Pollock interviene de modo apasionante en un debate que se sitúa en el centro mismo de la historia feminista del arte: ¿hay que rechazar, substituir o reformar el canon tradicional de los “Maestros antiguos”? ¿Qué “diferencia” pueden establecer las “intervenciones feministas en las historias del arte”? ¿Debemos limitarnos a rechazar la sucesión exclusivamente masculina de “grandes artistas” en favor de una letanía exclusivamente femenina de heroínas artísticas? ¿O debemos desplazar las presentes demarcaciones de género y permitir que las ambigüedades y complejidades del deseo configuren nuestras interpretaciones del arte? Diferenciando el canon. El deseo feminista y la escritura de las historias del arte se mueve entre relecturas feministas de los maestros modernos canónicos —Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec y Édouard Manet— y las artistas “canónicas” de la historia feminista del arte, Artemisia Gentileschi y Mary Cassatt. Griselda Pollock evita tanto una crítica sin matices de los cánones masculinos como una celebración incondicional de las mujeres artistas. Recurre al psicoanálisis y a la deconstrucción para examinar las “inscripciones en lo femenino”, y se pregunta cuáles pueden ser los signos de la diferencia en una obra de arte realizada por un artista que es “una mujer”. Pollock sostiene que para entender la diferencia como algo más que el binarismo patriarcal de Hombre/Mujer debemos reconocer las diferencias entre mujeres que quedan configuradas por las jerarquías racistas y coloniales de la modernidad. Pollock recupera el precepto de Gayatri Spivak, según la cual siempre debemos preguntarnos “¿Quién es la otra mujer?”, y explora cuestiones relativas a la sexualidad y la diferencia cultural en representaciones del arte moderno de mujeres negras como Laure en Olympia de Manet y en la obra de la artista contemporánea Lubaina Himid.