El Comité Iberoamericano para la Defensa de la República Española decidió, con este número especial de abril de 1938, contrarrestar la propaganda antigubernamental que, desde París, estaban llevando a cabo numerosos medios de comunicación, especialmente el semanario católico L?Illustration. Nuestra España. La Protección del Tesoro Artístico de España durante la Guerra no esconde sus intenciones. El número se desarrolla como un alegato con el que rebatir, punto por punto, el suplemento que en enero de 1938 había sacado L?Illustration con el título Le martyre des Oeuvres D?art. Guerra civile en Espagne, el cual utilizaba numerosas y espectaculares imágenes cedidas por los aparatos de propaganda del ejercito golpista, sobre destrucciones de imágenes religiosas e iglesias, especialmente en Andalucía y Toledo, lo que delata el origen del material en las oficinas de publicidad organizadas por el general Queipo de Llano en Sevilla. El Comité Iberoamericano ?las discrepancias en dicho comité entre Pablo Neruda y César Vallejo aparecen como marejada de fondo en este número? acudió a las oficinas de Información del Gobierno de la República Española y obtuvo algunos materiales e informaciones referentes a la Junta Delegada de Incautación, Protección y Conservación del Tesoro Artístico Nacional, bajo la Dirección General de Bellas Artes de Josep Renau. Los argumentos sobre el anacronismo de muchas de estas destrucciones, sucedidas antes de la contienda, o sobre el hecho de que muchas de éstas fuesen daños colaterales de la propia artillería fascista, proceden de ahí. No obstante, el número no resulta singularmente lujoso, al menos si lo comparamos con el mencionado de la contra información católica en L?Illustration, aunque contaba, como aliciente principal, con la colaboración especial de Pablo Picasso, tal y como aparece en la portada, director del Museo del Prado, es decir, vinculado directamente a la legalidad republicana. Los dos dibujos, de corte clásico, que el artista aporta al número (una maternidad y un hombre barbudo, trasunto secular de la Sagrada Familia) tienen un componente irónico importante y articulando bien ese distanciamiento respecto al panfleto que parecía una norma del pintor y, también, del Comité Iberoamericano, quien pretendía trasmitir una cierta idea de orden y legalidad frente a la anomía facciosa, signo inequívoco del vanguardismo de los militares golpistas del bando nacional. Hay que decir que con estos dibujos y la colaboración de Picasso se ayudó también a la financiación del número. El distanciamiento político de Picasso con respecto al tema tiene que ver, desde luego, con una posición más general que no entiende que la política dependa de los argumentos literarios o de ilustraciones, más o menos didácticas, sobre los asuntos partidarios. La polémica sobre el carácter explícitamente político del Guernica, que se había presentado el año anterior en París en el Pabellón de la República Española, estaba en auge entre círculos artísticos izquierdistas y favorables a la causa republicana. Seguramente, la fuerza icónica del cuadro tenga que ver con esa capacidad para responder a varios niveles de lectura simbólica, desde la famosa, accidentada y erótica capea taurobólica hasta el concreto acontecimiento del bombardeo de la villa de Guernica. Así, mediante esos anacronismos, había actuado Rubens en su mitológica Los desastres de la guerra, una de las fuentes del cuadro, y ése era el proceder habitual de las grandes pinturas históricas entre las que el Guernica pretendía insertarse. Los comités sectoriales de C.N.T. / F.A.I. hacían distribuir durante la guerra un panfleto, para prevención del vandalismo, con el siguiente argumento: «¡Compañeros! Cuando veáis las imágenes de María, José y el Niño, ¡Acordaos de la compañera miliciana que se despide de su hijo para ir al frente! ¡Acordaos del compañero carpintero que ha cambiado el cepillo por la espada! Proteged esas imágenes. ¡Son de los nuestros!». No otro debe ser el sentido de los dibujos que ofreció Picasso para esta causa. Cuando el Archivo F.X. trabajaba en el proyecto De economía cero, el Museu Picasso de Barcelona le invitó a mostrar parte de sus operaciones con la propuesta expositiva que, finalmente, se llama Economía: Picasso. Localizando material en la colección de Abelardo Linares apareció este ejemplar de Nuestra España vinculado a los dos ejes del trabajo desarrollado: por un lado, Picasso, director del Museo del Prado; por el otro, los conflictos en torno a la iconoclastia durante la guerra civil española. En este número se da cuenta exacta de este cruce de intereses, precisamente organizando las diferentes actuaciones como una verdadera economía política: la articulación igualitaria del Museo del Prado como Museo del Pueblo; la patrimonialización de las destrucciones y los efectos revolucionarios que pudiera tener para el propio conocimiento de las artes; y, finalmente, la instalación del campo cultural y sus operaciones como un lugar privilegiado para los conflictos políticos. PEDRO G. ROMERO

En este libro, Miquel Barceló nos habla por primera vez 'de la vida mía' a través de sus carnés, su pintura, sus dibujos y una larga serie de textos sobre su infancia, sus padres, su Mallorca natal, su relación con el mar, con los animales, con la creación: 'Pintar, nadar, leer. Hago eso desde que tengo memoria'. Aquí están sus amigos y sus referentes humanos, literarios y artísticos. La fascinación por África y por el arte prehistórico. Sus distintos talleres y formas de trabajar en Mallorca, en París, en Mali. Su relación con la pintura, la escultura, la cerámica. Su reflexión sobre los trabajos monumentales en la Catedral de Mallorca, en la sede de la ONU en Ginebra, en la Biblioteca Nacional de Francia en París.

El texto de Jorge Juanes nos muestra de entrada el panorama en el que nace el Dadá. Ello pone el terreno para la disrupción y el cuestionamiento de los sistemas normativos impositivos, el rechazo a los nacionalismos en favor de una conciencia cosmopolita que contribuya a “transformar la vida desde el arte, transformar el arte desde la vida”.

Para los artistas dadá, los textos fueron esenciales. Tanto en sus varios manifiestos como en cada escrito, poema, narración, incluso en dibujos que realizaron, definieron de algún modo su forma de actuar, su relación con la creación, siempre basada en la libertad y en la burla de las reglas y códigos aceptados. Aquí reunimos sólo unos pocos textos, que son característicos de esta forma de abordar la escritura, sus ideas y planteamientos. Un puñado de autores medulares para la conformación del dadaísmo: Tristan Tzara, Francis Picabia, Kurt Schwitters y Paul Dermée.

Haiek Danak Sorginak (Todas ellas brujas) es un proyecto fotográfico que Bego Antón lleva desarrollando durante más de diez años en el que reconstruye la caza de brujas en el País Vasco a partir de las confesiones que las mujeres acusadas fueron obligadas a realizar ante la Inquisición. Ante la ausencia de documentos en los que ellas relaten su propia experiencia, el proyecto parte de esos testimonios distorsionados para convertirlos en imágenes y cuestionar un relato histórico contado casi exclusivamente desde una mirada masculina. Editado como un proyecto coral, en el que Amaia Nausia y Alice Markham-Cantor dialogan, refutan y reconstruyen el imaginario junto a Bego Antón, Haiek Danak Sorginak (Todas ellas brujas) da lugar a una obra híbrida que propone una relectura crítica y poética, desmitifica la figura de la bruja y reivindica la memoria de las mujeres silenciadas.

Centrales industriales, facultades universitarias, templos religiosos, torres de viviendas, moles hechas a medida de la Administración, obras nacidas de la fantasía de un genio. Eterno objeto de controversia y fascinación, la arquitectura brutalista ha marcado indefectiblemente nuestro paisaje en las últimas décadas. De norte a sur, de este a oeste, región a región, este volumen presenta un itinerario visual e informativo fundamental por los edificios que encarnan el estilo más influyente del siglo XX en el territorio español y que, celebrados unos, condenados otros, forman parte de nuestra memoria cultural.

René Vau)er (1928-2015) cuenta en su haber el ser el director más censurado de la cinematografía francesa. Con 16 años participó en la Resistencia contra la ocupación nazi en las costas bretonas. Con 22, realizó el primer documental anticolonial en franc

Una invitación poderosa y emocionante a participar en uno de los grandes debates culturales de nuestro tiempo. Quizá la belleza no pertenezca a nadie. Pero ¿qué pasa con los objetos que los museos han elevado al rango de grandes obras de arte y que son su orgullo? ¿Pertenecen al lugar donde nacieron, a la cultura cuyo genio encarnan, a quienes se los apropiaron, o a la humanidad entera, que solo accede a ellos a través de instituciones dedicadas a su conservación? Y si es lo último, ¿cómo justificar que solo algunos puedan disfrutar de este patrimonio universal?Bénédicte Savoy nos propone empezar por el principio: seguir el rastro concreto de esos objetos, preguntándose cómo llegaron hasta nosotros y qué revelan sus trayectos sobre nuestra historia. Del busto de Nefertiti al retrato de Adele Bloch-Bauer de Klimt, pasando por el altar de Pérgamo, la Madonna Sixtina o los tesoros reales de Benín. ¿Quién se conmovió ante estas confiscaciones, cuándo y por qué? En las peripecias de estas obras emblemáticas se entrelazan historias sobre violencia, asimetrías, archivos, cine, memoria familiar, curiosidad científica, diplomacia y política internacional.Una lectura emocionante y placentera, este poderoso ensayo nos invita a participar en una de las grandes discusiones políticas y culturales de nuestro tiempo. Si estas piezas provocaron, allí donde llegaron, fecundaciones estéticas inesperadas, también abrieron, allí donde faltan, heridas aún vivas.

En Dolor exquisito (ed. Comisura, marzo 2026) Sophie Calle combina texto, foto y archivo personal para construir un libro que disecciona el duelo amoroso con una precisión casi clínica. En el relato la repetición es fundamental: durante noventa y nueve días, la artista reescribe su historia, la somete a cambios y la confronta con los relatos del dolor de otras personas. 288 páginas a color divididas en dos partes: Antes del dolor y Después del dolor. En la primera, Calle relata su viaje por Japón mediante una crónica sui generis que avanza como una cuenta atrás hacia el momento de la separación. En la segunda parte, tras recibir un telegrama y una breve llamada que ponen fin de manera abrupta a la relación, el relato continúa hacia adelante a través de la repetición obsesiva con pequeñas variaciones de ese momento traumático. Esta, a su vez, se ve confrontada con los testimonios de dolor de otras personas —suicidios, muertes de padres, traiciones, enfermedades—, reunidas como si fueran un archivo colectivo del sufrimiento. Comisura publica por primera vez en España el libro más arrebatador de Sophie Calle, una figura clave del arte contemporáneo que apenas había llegado a nuestro país, a pesar de que cuenta con muchas personas que la admiran y se le han dedicado exposiciones en los grandes museos.

Una invitación a entrar en el corazón del proceso creativo. «El mundo entra en forma de imágenes, de fotografías en la pared, de periódicos, emails, recuerdos de conversaciones, libros, postales. Ahí está, fragmentado. Los fragmentos se reorganizan y se devuelven al mundo en forma de dibujo, de película. Aun conscientes de la artificialidad de la construcción, nos dejamos seducir por ella. Esto es lo que el estudio puede mostrarnos, un proceso que resulta evidente entre sus paredes, pero que puede esclarecer procesos no vistos fuera de él; un mundo que es construcción más que descubrimiento.»¿Qué forma parte de nosotros y qué no? ¿Dónde empieza el yo y dónde el mundo? ¿Qué sucede en esa frontera porosa, en ese punto de contacto en el que el mundo se nos acerca y nosotros salimos a su encuentro? En Una historia natural del estudio, el artista William Kentridge invita al lector a adentrarse en el núcleo mismo de su proceso de trabajo: las preguntas que lo mueven, las herramientas que utiliza, sus buenas ideas (y las menos buenas).Kentridge lleva más de tres décadas dando forma a una obra amplia y coherente que interroga la historia y la política –por ejemplo, las complejas herencias de su país, Suráfrica– a través del dibujo en carboncillo, lápiz y tinta negra, y de instalaciones que expanden los límites de los medios tradicionales. Todo ello cobra vida en este libro que mezcla texto e imagen, reflexión filosófica, relato autobiográfico y observación minuciosa. Una meditación serena y lúcida sobre el acto de crear escrita con sensibilidad, inteligencia y un saludable sentido del humor.

Entre rebeldías y visillos, este libro propone una nueva mirada al cine español: la que se detiene en sus trajes para descubrir en ellos una historia cultural, política y sentimental. Lejos de ser mero adorno, el vestuario aparece aquí como escritura: cada polisón, cada mantilla y cada uniforme revelan ideologías, tensiones de clase, pulsiones de deseo y anhelos de modernidad.El itinerario atraviesa títulos como Arrebato, La vida en un hilo, Deprisa, deprisa, Remando al viento, La ley del deseo o Belle époque, pero sitúa en primer plano a quienes los hicieron posibles: figurinistas y diseñadores cuyo trabajo ha modelado nuestra memoria visual.Desde la elegancia histórica de Yvonne Blake, hasta la sensibilidad contemporánea de Sonia Grande y Paco Delgado, pasando por la versatilidad de Pedro Moreno o Miguel Narros, el libro reivindica su autoría, a menudo invisibilizada.Este ensayo demuestra que vestirse en el cine nunca es inocente: es narrar el tiempo, encarnar una identidad y, a veces, ensayar una forma de resistencia. «El erudito o el hombre de mundo elegante que quisiera investigar la indumentaria de un pueblo en cada época conseguirá hacer la historia más pintoresca y más nacionalmente verdadera. Ya sea en el pie, en el busto, en la cabeza, siempre encontraremos, formulándose bajo alguna parte de la indumentaria, un progreso social, un sistema retrógrado o algún tipo de lucha encarnizada». Honoré de Balzac

-Momentum- explora cómo las artes visuales metabolizan algunos de los desafíos más acuciantes de nuestro tiempo: la devastación ambiental y la necesidad de imaginar otras formas de habitar el planeta. Con foco en América Latina y en un arco temporal que v