Una celebración de la intuición, la creatividad y el valor de la fotografía en el mundo dominado por la inmediatez. La fotografía lleva años inmersa en una transformación que se ha visto acelerada por la IA. Pero más allá de revoluciones y tendencias, lo que sigue definiéndola es la mirada humana. ¿Es la fotografía analógica un capricho nostálgico? ¿Qué valores puede aportar al presente digital y algorítmico? ¿Podríamos acercarnos al formato digital con la intencionalidad y la paciencia que propiciaban el carrete y el revelado químico?Méndez reflexiona sobre el acto físico de fotografiar, la vocación y el freelancismo en este alegato sobre la intuición y el placer de crear frente a la sobreabundancia.

La idea de “América profunda” hunde sus raíces en los orígenes y la historia de Estados Unidos, configurándose paulatinamente a través de las aportaciones de la literatura y algunos géneros clásicos como el western y el melodrama. Este estereotipo, entendido como la materialización del reverso tenebroso de la cultura estadounidense, emprendería su destape definitivo durante la crisis social, política y cultural de la década de 1970. En este contexto, el género de terror moderno configuraría un catálogo iconográfico y temático expuesto por primera vez en películas como La matanza de Texas o Las colinas tienen ojos, continuado en la década de los ochenta en producciones como El día de la madre o El motel del infierno, y restablecido en producciones como La casa de los 1000 cadáveres o X. Sin una intención política específica, este cine de “terror rural” desmantelaría el concepto de familia tradicional, expondría tabúes como el del canibalismo e incluso subvertiría muchos de los arquetipos básicos de la cultura estadounidense como el del viaje, convirtiendo gasolineras y moteles de carretera en los nuevos lugares comunes del género de terror.

A través de las posesiones de una pareja, la escritora y artista visual canadiense Leanne Shapton construye un libro en el que los objetos hablan por sí solos: entradas de cine, innumerables libros prestados y anotados, mensajes manuscritos sobre cualquier superficie, fotografías y recuerdos de viajes, el menú de una cena, un mechón de pelo e incluso ese salero espantoso con forma de perro salchicha que fue un regalo de la suegra y jamás se utilizó. Tras la ruptura, todo ello se convierte en una serie de lotes numerados, con medidas exactas y breves descripciones que nos hablan entre líneas. Artefactos importantes es el catálogo de una casa de subastas, pero también una historia de amor: conmovedora y fragmentaria, juguetona y nostálgica, contada a partir de los objetos que quedaron atrás y que guardan el recuerdo de lo que un día fueron ilusiones. Un libro que se lee con asombro mientras desciframos las múltiples pistas y referencias a fotógrafos como Duane Michals, Masahisa Fukase o Helmut Newton; a escritoras como Sheila Heti, quien hace de actriz, o los cameos de Leanne Shapton, su autora.

Legendario ensayo, interrumpido, pospuesto durante décadas, retomado entre profundas dudas, siempre al borde de quedar para siempre en un cajón, Otro Luis Buñuel responde a una necesidad íntima, la que sentía uno de nuestros mejores y más influyentes cinéfilos, Miguel Marías, por expresar su opinión sobre el más importante cineasta español de todos los tiempos. Este preciso y certero ejercicio de escritura, este acto de clarificación, aleja por un lado a Buñuel del tópico —cimentado por la excesiva bibliografía y las todopoderosas lecturas exógenas, que se apropiaron de su obra ante nuestra acomplejada permisividad— del artista protestatario, cruel, sarcástico, blasfemo y misantrópico, para acercarlo, por otro, y a partir de una continua revisión de sus películas en el tiempo, al estatuto que en esencia lo definió: un cineasta obligado a profesionalizarse en la industria tras el arranque vanguardista de su obra. Se proyecta luz aquí, entonces, sobre ese «otro Luis Buñuel», sin duda el mejor, el que atravesado por un privilegiado sentido del humor y una lúdica consideración del cine como arte narrativo, se dirigió al público para proponerle maneras de ensanchar su sensibilidad y apreciar las bondades de la indeterminación entre lo vivido y lo soñado, lo real y lo imaginario.

Una niña crece bajo la estela de una profecía: la de estar sola en el mundo. O así le dijo una pitonisa que sería, hace años, a su madre. Es hija única y su madre dirige un Chiquipark. Entre piscinas de bolas, hinchables y fiestas de cumpleaños de niños ajenos, la niña ve pasar su infancia. Durante los veranos emprende un viaje hacia la supervivencia: cada año debe ir a un campamento diferente sin conocer a nadie y así estar preparada para su destino. En ‘an only child’ Carlota Visier revisita su particular archivo familiar repleto de plástico y colorines para abordar temas como la soledad en la infancia, la muerte o la familia a través de la hibridación de la palabra y la fotografía. Además, cuenta con una colaboración postal muy especial de la pequeña Ana Flecha Marco.