Los profundos e interesantes cambios de la sociedad española en el siglo XX vistos a través de las películas que nos han marcado. Una celebración del cine y la cultura popular española.El trasfondo de un país de la complejidad de España ha sido objeto de apasionados debates que arreciaron durante el zarandeado siglo XX, cuando se lo consideró un «enigma histórico», un «laberinto» o algo «invertebrado». Pero bajo tantos quiebros identitarios aún podían reconocerse continuidades tan llamativas como la vitalidad de su cultura popular, incluso tras la llegada del cine, que la rearticuló de abajo arriba, asistido por la industrialización del ocio y el consumo de masas. A la altura de los años sesenta del pasado siglo, las mutaciones eran de tal calibre que lo popular se había convertido en pop, estableciendo un nuevo pacto que la llegada de la democracia tradujo dos décadas después en productos tan inclasificables como las películas de Almodóvar. Un realizador que tras su audaz vanguardismo terminaría mostrando un hondo enraizamiento en tradiciones de tanto recorrido como el sainete, ya actualizado en la filmografía de Berlanga. No son los únicos ejemplos de ese sustrato autóctono atendidos por este libro. En sus páginas se narran muchos otros, trazando una crónica ―dramática o desenfadada, siempre fascinante― de sus aspectos más insólitos o significativos. Se exploran así nuevas perspectivas sobre el cine, la intrahistoria española y su vida cotidiana, revelando sorprendentes atavismos agazapados en nuestro irreductible imaginario colectivo.

EDICIÓN REVISADA CON IMÁGENES Para entender el arte no hace falta ser un experto «Ve más allá de lo que nos han contado.» La Sexta «Una de las divulgadoras de arte más seguidas en castellano.» El País «Muy interesante y fácil de seguir. Un libro que valdría la pena solo por cómo transmite el respeto al arte contemporáneo, lo contextualiza y le da sentido.» La Voz de Galicia Eugenia Tenenbaum revive en este libro períodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo xx, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos. Prólogo de Semíramis González

Un reino maravilloso, es fruto de tres años de trabajo (2022-2024) por la provincia y la ciudad de Cuenca, en un intento de reconstruir un territorio imaginario a partir de la riqueza y variedad de esta provincia. En definitiva, se trata de un viaje fotográfico, sentimental y demorado, a uno de esos reinos maravillosos que siempre están ahí al lado, esperándonos, tal como un día nos enseñó el escritor portugués Miguel Torga, refiriéndose a su Tras-os-Montes natal (con el que Cuenca guarda no pocos paralelismos): «Voy a hablarles de un Reino Maravilloso. Aunque muchas personas digan que no, siempre hubo y habrá reinos maravillosos en este mundo. Lo que es preciso, para verlos, es que los ojos no pierdan la virginidad original ante la realidad y que el corazón no dude.»

Había una vez, hace mucho tiempo, una mujer que vivía en el campo junto a sus tres hijas. En el día del cumpleaños de su abuela, la buena madre partió para verla, dejando a las niñas solas en casa. Pero un viejo lobo había visto salir a la madre, así que al anochecer, y disfrazado de señora mayor, se acercó a la casa y tocó en la puerta: ¡Toc! ¡Toc!… Una versión ancestral china de la Caperucita Roja narrada e ilustrada por el premiadísimo Ed Young. ¡Solo apta para valientes!

El pasado, incluso el reciente, es mudo. Su lenguaje articulado se compone de imágenes inolvidables. También existe el castigo de no poder olvidarlas, de sentirnos petrificados al volver la vista atrás. ¿Qué relación hay entre nuestro contexto y esa búsqueda de sentido? Este libro presenta un nuevo enfoque sobre el fotoperiodismo en la Transición, su ruptura con las rutinas establecidas durante el franquismo y la persistencia de ciertas imágenes en los relatos mediáticos, históricos y divulgativos de la época. Imágenes históricas que trascienden el evento presente con el que se relacionan. Si bien es cierto que ha habido diversas exposiciones y publicaciones conmemorativas (editadas por los propios medios) sobre el fotoperiodismo durante la Transición, no existe una monografía académica que analice la cristalización de tales imágenes como"iconos memorísticos" de la historia de España. Este volumen pretende llenar dicho vacío. Financiado por el Ministerio de Ciencia e Innovaci

Descubra la obra completa de Pieter Bruegel el Viejo, el artista más destacado de la pintura renacentista flamenca. Esta monografía tamaño XL reúne sus 40 pinturas, 65 dibujos y 89 grabados, que ofrecen una visión excepcional de las costumbres religiosas y su estrecha relación con la cultura popular de la época.

Las extremidades —las manos y los pies— presentan unas particularidades anatómicas que determinan muchos aspectos de su representación visual. En esta sexta entrega de sus lecciones de dibujo anatómico, Michel Lauricella utiliza su infalible fórmula pedagógica aplicándola a estas partes del cuerpo, con especial atención al sistema venoso, para facilitar la práctica del dibujo de memoria e incentivar el dibujo del natural. Cerca de 600 dibujos con multitud de detalles matizados, diversidad de posturas y puntos de vista, y representación de osamenta, musculatura y sistema venoso. Recorrido multidimensional por la anatomía, atendiendo especialmente a los movimientos de rotación y asimiento, las proporciones y las articulaciones para entender la composición general. Presentación del sistema venoso a través de una cartografía esquemática de las extremidades del cuerpo. Las venas, signo de un cuerpo vivaz y dinámico, ayudan a reflejar de forma extremadamente gráfica y expresiva las morfologías musculosas

El título Siempre rojo no implica que nunca fuera a cambiar. Quería decir con ello que nunca comprometería mi oposición a la cultura y la sociedad burguesas. Publicados por primera vez en 1960, los ensayos reunidos en este libro fueron escritos entre 1954 y 1959 en forma de artículo para la revista marxista New Statesman, con la que John Berger colaboró durante más de una década. En evidente oposición al gusto burgués —de ahí el título—, el crítico de arte nos acerca de forma íntima y cálida a varios artistas, algunos de ellos minoritarios o desconocidos en ese momento, para hablarnos de sus dificultades y sus luchas, sus éxitos y sus fracasos. Una nueva mirada muy lejana a la de la historiografía convencional de quien comprende el arte y el artista en el contexto cambiante de la historia.

Según la Biblia hebrea, Lilith fue la primera mujer que Dios quiso darle como compañera a Adán, y la hizo, a semejanza de él, del polvo de la tierra. Y Lilith, viéndose su igual, se rebeló un día ante sus constantes exigencias y lo abandonó. Huyó a los espacios y tuvo amores con diversos demonios: fue la primera mujer liberada de la historia de la humanidad. Fue la primera "femme fatale". El propósito de este libro es averiguar las causas por las que en el último tercio del siglo XIX surgieron del pincel de tantos artistas no solo desagradables, sino infames, imágenes femeninas. ¿Cuáles fueron las razones del surgimiento de aquel relato visual que complacía a los hombres y desagradaba a las mujeres? Evidentemente había un origen en toda esta iconografía. El principal fue el nuevo despertar de la conciencia en la mujer de su papel secundario en el mundo y, como consecuencia, su protesta formalizada en los primeros y categóricos movimientos de las sufragistas. La sociedad patriarcal observaba alarmada que le surgía una inesperada competidora, insospechada, debido al sometimiento al que, ancestralmente, la había marginado. Para confirmar la perfidia de la mujer, los artistas de la época ofrecieron ominosas epresentaciones de ella, sin darse cuenta de que al mismo tiempo ponían de relieve su miedo y deseo. Para ratificar su denuncia incluso acudieron a imágenes religiosas que corroboraran la maldad innata del ser femenino. Es así como recobraron, entre otras, la figura de Lilith.

Texto imprescindible para todo el que quiera dedicarse al teatro; un soberbio manual para actores. Marcos Ordóñez, El País Una lectura apasionante, tan perspicaz sobre la psicología del mentir como lo es sobre el arte de actuar. Lyn Gardner, The Guardian Explica el muy pragmático sistema de Donnellan y nos descubre de manera incomparable a uno de los mejores directores de actores de nuestra época. Jean Louis Perrier, Le Monde El actor y la diana se publicó originalmente en Rusia, en el año 2000, y algo más tarde, en 2002, conoció su primera edición inglesa. Desde entonces este libro, fruto de la experiencia de Declan Donnellan como director y profesor de actores, ha sido traducido a más de quince idiomas y se ha convertido en un texto imprescindible para profesionales y estudiantes de interpretación. La propuesta de Donnellan es simple pero contundente: es la generalización, la falta de una diana precisa, lo que conduce al actor al bloqueo. A través de una serie de reflexiones, ejemplos y ejercicios de gran amenidad y concisión, el autor nos enseña a vencer dicho bloqueo para conseguir una actuación fluida y libre. Estos nuevos consejos a los actores' diseccionan toda trivialidad sobre la actuación, dibujando a cambio soluciones específicas radiantes y novedosas. Desde el placer y el humor de su escritura, Declan Donnellan conduce sutilmente a los jóvenes actores hacia una conciencia del proceso vivo que se oculta tras su trabajo. Como evidencia nos presenta ese valioso territorio del pensamiento y de la intuición que ha hecho suyo a través de la experiencia directa. Peter Brook Declan Donnellan, irlandés de origen, inglés por educación, europeo de cultura, universal en su pensamiento, es uno de los directores más originales que existen. Le Figaro

Picasso sigue aportando muchas claves al mundo contemporáneo. La fecundidad, la fuerza creadora y el carácter camaleónico le permitieron adoptar múltiples caras según cada momento. Creador de nuevos lenguajes, caníbal de los grandes maestros, embaucador inteligente, amante apasionado, poeta, activista político o gran parodiador. En la época actual de estímulos visuales inagotables, dominada por la tecnología y el progreso, pero sobre todo en un periodo histórico de vértigo permanente y de violencia creciente, Picasso, el artista-demiurgo, irradia una fuerza fuera de lo común y sigue hablándonos como si se tratara de uno de nuestros contemporáneos. ¿Quién piensa que ya se haya dicho la última palabra sobre Picasso?

Los ensayos contenidos en Los tres usos del cuchillo actúan como un elocuente recordatorio de que las vidas privadas se componen de pequeñas escenas de tragedia y comedia que sólo tienen sentido como parte de una obra dramática que es la propia biografía en su conjunto. Lleno de toques autobiográficos, David Mamet proporciona en este libro las claves para detectar el teatro tramposo y autocomplaciente que defiende la sociedad mediática occidental. En su conjunto, Los tres usos del cuchillo es una llamada al arte y a las armas, un manifiesto que nos recuerda el poder singular de la obra dramática para mantenernos sanos, cuerdos y humanos.

El libro "Ready-Image" de Daniel Montero aborda una nueva relación crítica entre las imágenes y el arte contemporáneo. A lo largo de cuatro ensayos, el autor analiza cómo las dinámicas de producción, distribución y consumo de imágenes han cambiado radicalmente en los últimos 20 años, debido al auge de las redes sociales y el internet. Esto ha transformado no solo la forma en que las imágenes circulan, sino también cómo moldean la subjetividad y alteran la noción de espacio público. El primer ensayo, "El arte por su imagen", examina cómo la percepción del arte se ha modificado, en gran medida, por su presencia en plataformas digitales, sugiriendo que el arte contemporáneo depende ahora de su imagen en internet. El segundo ensayo, "Una imagen como aparecer", se centra en el caso de la XVII Bienal de Fotografía en la Ciudad de México, discutiendo los nuevos procesos de institucionalización del arte y la imagen. En el tercer texto, "Ready-Image", Montero reflexiona sobre cómo la crítica y la historia del arte se han transformado en respuesta a estas nuevas condiciones de circulación de imágenes. Finalmente, el ensayo "Boomerang y trompo" aborda la alteración de la crítica de arte contemporánea a través de las imágenes y su relación con las subjetividades actuales. Montero utiliza ejemplos del contexto artístico mexicano para demostrar cómo estos casos específicos son ilustrativos de fenómenos globales en el arte contemporáneo. El libro invita a repensar la relación entre arte, imagen y política, y cómo las nuevas formas de mediatización de la imagen están alterando tanto el campo del arte como el de la crítica cultural.

Enzo Mari, uno de los diseñadores italianos más importantes del siglo XX y de mayor proyección internacional, tiene tanto de diseñador y artista como de pensador y agitador cultural. La vinculación entre ética y diseño ha sido uno de los ejes que han marcado su trayectoria como creador y este es precisamente el binomio que subyace en Proyecto y pasión, un libro que reflexiona sobre la tarea de proyectar como ejercicio creativo consciente y de consecuencias éticas. Con una prosa vibrante y la voz propia de un maestro, en estas páginas Mari nos habla de artesanos, utopías, empresarios, aprendizajes, bienes de consumo, poéticas del diseño… y nos regala, en realidad, una punzante reflexión que enlaza magistralmente técnica y cultura e ilumina muchos de los sentidos de cualquier actividad proyectual.

1964 es tal vez un año que podría pasar desapercibido, pero al observarlo con detenimiento parece revelarse como la bisagra de un cambio de época. Ese año Marcel Duchamp decide comercializar sus ready-mades, el pop sin complejos de Robert Rauchenberg gana la Bienal de Venecia, Dino Gavina realiza una edición de lujo de los muebles de la Bauhaus, Pete Townshend comienza a destrozar sus guitarras tras las actuaciones de los Who, los Rolling Stones publican su primer disco, se forma la Velvet Underground, Warhol expone la caja de detergente Brillo en Nueva York y abre su Factory en Manhattan donde se reúnen jóvenes alternativos... Una cultura underground se fraguaba en Europa y en EE.UU., donde activistas feministas, antirracistas y antibelicistas empezaban a organizarse en manifestaciones de estudiantes en Berkeley. También en 1964 Umberto Eco publicaba Apocalípticos e integrados, donde afirmaba que el anhelo utópico, revolucionario y disidente de las vanguardias había quedado integrado en la sociedad del espectáculo.1964. Cuando la cultura se convirtió en espectáculo ofrece una visión calidoscópica que recorre aquel año y muestra por qué es un momento clave para entender la formación de la identidad contemporánea y sus contradicciones: la rebelión y el inconformismo ligados a la cultura pop; la consolidación de la juventud en la escena social, cultural y política; la lucha por los derechos civiles y las distintas implicaciones de las comunidades surgidas en la Costa Oeste de Estados Unidos, Holanda, Francia, España...; la apoteosis del arte pop conceptual y la sublimación del mercado de arte; la aparición de movimientos contraculturales que condujeron a Mayo del 68 y al nacimiento del punk...