Luz, naturaleza y silencio. Hilos para tejer la obra de un poeta singular que murió apenas cumplidos veintiocho años. Porque solo una mirada enfebrecida sueña con llegar al interior de la piedra y navegar por ríos de savia y sangre que dan acceso a los seres. Porque solo un ciego deslumbrado por la existencia es capaz de dotar a su lenguaje de la mística cotidiana. Porque solo una palabra despojada se atreve a respirar en el misterio del silencio

Un viejo y curtido Marinero es el que detiene a uno de los tres. 'Por el largo brillo de tu barba gris y el de tus ojos, di por qué de los tres me detienes a mí. De par en par las puertas del novio están abiertas y yo soy un pariente cercano; los invitados ya llegaron y el banquete comienza, ¿no oyes el alegre alboroto de la fiesta?' […] Mas con el brillo de sus ojos lo retiene y el Invitado permanece inmóvil: escucha como un niño al Marinero que, a su merced y voluntad, lo tiene. Sobre una piedra se sentó el Invitado, pues nada hacer podía sino oír al anciano. Y así habló el viejo Marinero cuya mirada brilla tanto como el acero […]

Referente ineludible de la contracultura de los ochenta, y del feminismo moderno y el activismo LGTBQ, Myles ha sabido perfilar una poética renovadora que combina trazas de oralidad, una fuerte impronta narrativa, y una urgencia y ferocidad heredaras del punk. La presente antología ofrece un recorrido vibrante por la obra de una poeta apenas conocida hasta ahora por los lectores hispanohablantes.

Me moriré en París con aguacero, un día del cual tengo ya el recuerdo. Me moriré en París -y no me corro- talvez un jueves, como es hoy, de otoño. Jueves será, porque hoy, jueves, que proso estos versos, los húmeros me he puesto a la mala y, jamás como hoy, me he vuelto, con todo mi camino, a verme solo. César Vallejo ha muerto, le pegaban todos sin que él les haga nada; le daban duro con un palo y duro también con una soga; son testigos los días jueves y los huesos húmeros, la soledad, la lluvia, los caminos… 'Piedra negra sobre una piedra blanca'

'Todas mis palabras son azores salvajes', primer poemario de la escritora y traductora Gloria Fortún, representa el afán que, cuando se ama, se tiene de construir un lenguaje propio aprovechando que se ha fundado una patria. Un lenguaje que cante —y a veces grite— al amor y al deseo entre mujeres. La voz de la poeta tiene un cuerpo con una presencia rotunda y disidente, un cuerpo que no cumple las normas del canon estético, ni tampoco del recato, la modestia o la moderación. Es un cuerpo que se siente bello, vivo y sensual. La protagonista se celebra a sí misma y a su carne, pero también a las mujeres que han hecho que palpite su corazón —y su entrepierna—, sobre todo a una mujer mítica, que toma la forma de bucanera, de diosa o de vaquera y que está presente a lo largo de todo el poemario. Ella es la representante del amor y del anhelo cuando una pandemia confina el mundo. Ella es, al fin, quien deberá extender su brazo para que se posen en él los azores que la poeta-cetrera ha lanzado a los cielos.

Juan Bonilla (Xerez, 1966) es autor de los libros de poemas Partes de guerra (1994), El belvedere (2002), Buzón vacío (2006), Cháchara (Renacimiento, 2010) y Poemas pequeñoburgueses (Renacimiento, 2016). Su poesía ha sido antologada en los volúmenes Defensa personal (Renacimiento, 2008) y Hecho en falta (2014). Vive en el Aljarafe, desde donde dirige la revista Calle del Aire.

Diego Vaya es, por encima de todo, poeta. Es poeta cuando escribe relatos o ensayo. Es poeta cuando analiza o recomienda una lectura. Es poeta cuando habla de arte y también en una conversación sobre las trivialidades del día a día. Diego Vaya es poeta y por eso esta antología. Por eso este intento de condensar en un volumen qué cuenta su poesía, cómo, el hombre y la obra, transforman su lenguaje, cómo crecen, se expanden, se abren a nuevos horizontes. Con sus cinco poemarios publicados hasta la fecha hemos visto la evolución de un autor exigente en la palabra, afilado en las imágenes, que navega las aguas del endecasílabo y bucea el universo de la prosa poética. Que atraviesa la historia de los clásicos para lanzarnos a una distopía de verso libre con su música. Cinco poemarios, diez años. Y esto no acaba aquí. "Late en esta poesía ese tiempo vibrante, detenido, entre la bala y el terrible, mas esperanzado, estremecimiento convertido ya en verso. O en vida." Juan Cobos Wilkins "La poesía de Diego Vaya se adentra en la tensión verbal de emoción sobria. Hay asimilación y control del dolor en la imagen, un te

El cuerpo del veneno es un poemario de variedad formal -desde el endecasílabo y el heptasílabo con rima asonante al soneto, el romance o el poema en prosa- que, tanto desde la contemplación de la realidad como desde la introspección, se asoma a los contrastes del mundo y de la vida: el dolor y la alegría, la maldad o el amor, así como a la necesidad del acto mismo de escribir.

Deshabitarse en una casa, en un país, en una lengua: ¿Cuánto hay de alienación en el acto de cambiar la ubicación de «casa» en Google Maps? Deshabitarse en busca de verticalidad y aprender a caer sin hacerse daño, como en las artes marciales; aprender a sobrevivir a la violencia de la semántica, a convivir en una casa llena de ceniceros en la que nadie fuma; a pronunciar estrellarse sin morderse la lengua. Este es un libro lleno de aire: fue escrito en mitad de un salto. En ese espacio lo único que hay es aire, cuerpo y viaje -literales y metafóricos, que dicen que la poesía va mucho de eso-. Un salto siempre implica conquista. De una casa, por ejemplo, o de una lengua nueva a la que hay que hacer hueco en el cielo de la boca.

Adiferencia de ciertas poéticas contemporáneas (caracterizadas por lo que se podría llamar la altivez de la iluminación), la potencia ética y espiritual de la obra de Jorge Gimeno no impone una distancia a sus lectores. Si aún es posible afirmar de una obra que tiene “propósito”, el de la suya sería recuperar para la poesía de hoy ciertos valores olvidados o incluso ridiculizados: la emoción, la humanidad, la trascendencia. Quien le lee no sólo se reconoce y se pone en duda, sino que siente, en mayor o menor medida, su misma necesidad de transformación». FRUELA FERNÁNDEZ (Clarín) «Deberían anotar en su lista de must read el nombre de Jorge Gimeno. Con tres libros publicados en quince años, Gimeno ha pasado de ser un autor secreto a convertirse en un secreto a voces». LUIS BAGUÉ QUÍLEZ (El País) «Siempre hemos querido decir esto de una obra, y por fin podemos: inclasificable». AINHOA SÁENZ DE ZAITEGUI (El Cultural) JORGE GIMENO (Madrid, 1964) es autor de los libros de poesía Me despierto, me despierto, me despierto (Pre-Textos, 2018), La tierra nos agobia (Pre-Textos, 2011) y Espíritu a saltos (Pre-Textos, 2003). Asimismo, es autor de las antologías Fragmentos de Saadi (Pre-Textos, en prensa), Noventa y nueve iluminaciones de Nasrudín (Pre-Textos, 2015) y El amor negro. Poesía del Barroco francés (Pre-Textos, 2009), que se integran en su serie Otras subversiones, sobre los límites de la traducción y la discusión del canon. Ha traducido también a Rainer Maria Rilke, Wallace Stevens, Eça de Queirós y Fernando Pessoa, entre otros autores. Ha enseñado en instituciones de Bagdad, Fez y Lisboa y ha residido en Nueva York y Alicante. Desde 2004 vive en la España vaciada.

En la poesía de la Isabel Bono siempre convivieron bien trenzados el humor y el dolor, el disfrute de la vida con la conciencia del vacío, los empujones del deseo o el amor con una trastienda general bastante desengañada, explícitamente triste; sucede que en esa ambivalencia no había contradicción, sino lo contrario: una nueva y acertada expresión no premeditada de la vida real, de esa mezcla de regocijo privado y pesimismo panorámico o social que, lo sepamos o no, nos mueve a muchos y, curiosamente, nos atornilla al mundo. JUAN MARQUÉS

Figura que poco a poco pero con fuerza incontenible ha ido haciéndose en el último siglo con un lugar descollante en la lírica universal, Emily Dickinson (1830-1886) se revela como poeta inclasificable, aunque imprescindible, pues pocas figuras han transitado como ella por el sutilísimo filo que separa el ser del no ser, el exterior del interior, la plenitud del vacío, la palabra del silencio. La presente antología bilingüe reúne ciento un poemas que, pese a tomar como criterio preferente su imagen más "gótica", la más decadente y fuerte, la que justifica su lugar entre los grandes, la que más se acerca a nuestra modernidad, incluye asimismo, como necesario contrapunto, algunas de sus composiciones más tempranas y amables. Selección y traducción de Amalia Rodríguez Monroy

Durante nueve meses, Federico García Lorca vivió en Nueva York, alejado por primera vez de su país, de sus padres y amigos más íntimos. A lo largo de ese período, su poesía cambió radicalmente, oscureciéndose y dejando a un lado el folclorismo andaluz que tanto despreciaron Buñuel y Dalí. El resultado de esa etapa quedó recogido en Poeta en Nueva York, libro publicado cuatro años después de su muerte. Esta edición, ilustrada con acierto deslumbrante por Fernando Vicente, ofrece el texto completo de la obra cumbre de Lorca junto a una selección de su correspondencia, lo que permite conocer la vida que hacía el poeta mientras escribía sus versos. Sus cartas, alegres y dicharacheras, reflejan la preocupación por asuntos mundanos como el dinero, la moda, las fiestas Su poemario, sin embargo, adquiere una dimensión social mucho más profunda. La Gran Manzana le lleva a bucear por las sombras de la condición humana y los rincones más tenebrosos y secretos del ánimo, convirtiéndolo en otro Federico.

Goethe desempeña en la literatura alemana el mismo papel que Shakespeare en la inglesa o Cervantes en la española: es un precursor, un centro y una fuente ininterrumpida de inspiración para las nuevas generaciones. Pero, como también sucede con Shakespeare y Cervantes, Goethe es algo más que un escritor para alemanes, la excelencia de su estilo viaja bien al castellano, y sus obras le ofrecen al lector de cualquier país del mundo una indagación original y profunda sobre la naturaleza humana y su desarrollo vital. Presentamos una panorámica de lo mejor de una trayectoria que abarca décadas: del apasionamiento romántico de sus primeros poemas al intento de escribir una poesía «universal» que fusionase Oriente con Occidente, pasando por su periodo italiano, colmado de una sabiduría de sabor clásico.

Un mundo presidido por la ausencia de Dios. No hay distancia contemplativa. Hay vacío, conmoción. Esto es Oratorio. Un lugar de enunciación desde el cual percibir una orfandad mayúscula. Un extrañamiento radical. Una pieza musical desnuda que se aferra –como dice el epígrafe inicial de Malebranche– a la atención como «plegaria natural del alma». Las preguntas de Oratorio, formuladas desde la primera persona del plural, ajenas a la rabia o a la tentadora primicia de la liberación, bien podrían leerse como un canto a la perplejidad, a «la intuición que piensa», a esa conciencia que sabe, sin saberlo, que en el carozo de «la oscuridad que somos» algo debe celebrarse pues «lo que sigue es una fiesta/de perspectivas más que humanas».

Edición de lujo de Coplas por la muerte de su padre con un maravilloso trabajo gráfico de Antonio Santos y con diseño del estudio de Pep Carrió. «Las Coplas hablan al corazón y lo hacen sobre la muerte, desde luego, que es precisamente el momento más pleno y decisivo, el compendio y clímax de toda vida: la mía, la tuya, la suya, la de todos y cada uno de nosotros, de vosotros y de ellos y ellas. Y las Coplas contienen un recorrido moral pero también histórico, plástico y hasta costumbrista por el humano devenir. »Cuando un pintor e ilustrador del nivel, originalidad y creatividad de Antonio Santos acomete el reto de ilustrar las Coplas po la muerte de su padre, comprendo que el manantial de Manrique sigue siendo feraz e inagotable. Por eso, como un soplo de aire fresco, se acoge este nuevo enfoque y tratamiento que Antonio Santos ha sabido dar al tema: color, hierática frescura en el deliberado límite de lo naif, hondura sin afectación, emoción no sobreactuada. Del prólogo de José Manuel Ortega

Chūya Nakahara es uno de los grandes poetas japoneses del siglo xx. A pesar de no gozar de reconocimiento durante su corta vida, Chūya Nakahara renovó por completo la poesía japonesa, liberándola de los cánones estéticos de la tradición y abriendo las puertas a la modernidad. Sus poemas están impregnados de melancolía y captan de un modo genuino el sentir de un autor que ha sido elevado a categoría de icono cultural en Japón.Casi un siglo después de su muerte sus versos continúan conmoviendo el corazón y despertando devoción entre sus lectores.Influido por la obra de Rimbaud, a quien tradujo con pasión, Chūya Nakahara es el principal artífice de la renovación de la poesía japonesa en las primeras décadas del siglo pasado aportando a la lírica japonesa los aires innovadores del Modernismo, el dadaísmo y de la poesía experimental.

He bajado del coche y el olor de azahar, que tenía olvidado, me invade suave, denso. He regresado a Elca y corro, no sé en qué año estoy y han salido mis padres de la casa con los brazos abiertos, me besan, les sonrío, me miran –y están muertos–, y de nuevo les beso. «Reencuentro», FRANCISCO BRINES FRANCISCO BRINES (Oliva, 1932) es uno de los mayores poetas españoles de la segunda mitad del siglo XX. Su primera obra, Las brasas, mereció el Premio Adonais de Poesía en el año 1959. Posteriormente destacan obras como Palabras a la oscuridad (1966), Insistencias en Luzbel (1977), El otoño de las rosas (1986) o La última costa (1995). Ha sido reconocido con el Premio Nacional de las Letras Españolas (1999), el Premio Internacional de Poesía Federico García Lorca (2007) y el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana (2010). En el año 2001 fue nombrado miembro de la Real Academia de la Lengua Española, ocupando el sillón X. En noviembre de 2020 fue reconocido con el Premio Cervantes. Desde Elca, la primera antología publicada después de recibir el máximo galardón de las letras españolas, contiene una selección de toda su obra poética y siete poe-mas inéditos; un recorrido que empieza y termina en Elca, el lugar donde se han cruzado todas las edades del poeta.

Este volumen recoge por primera vez en español toda la obra poética de Saint-John Perse (1887-1975), premio Nobel de Literatura en 1960 y uno de los hitos de la lírica del siglo xx. Desde su temprano Elogios hasta Pájaros, escrito en diálogo con el pintor Georges Braque, pasando por Anábasis y los poemas del exilio –Lluvias, Nieves, Poema a la extranjera, Vientos, Mares–, la obra de Perse es una vasta crónica de nuestro tiempo, asolado por los vientos del cambio y la discordia. La mirada espaciosa de Perse se busca simultáneamente en el reflejo poliédrico de las cosas, las huellas del tiempo y las profecías de la imaginación. Poeta esencialmente lírico, su dicción trasmuta en poesía todo lo abarcable por la aventura humana del saber, desde el origen del fuego a los grandes y terribles hallazgos de la técnica moderna. Y su alianza de lo sencillo y lo noble otorga una insólita coherencia a su discurso: ni verso ni prosa, poesía respirable, en la que alienta una visión totalizadora de la existencia, un conocimiento erudito del mundo guiado por la intuición poética.

A Kevin Prufer le duele EE.UU. Su lamento se debe al estado de denuncia y expectativas de reparación de los males que percibe de una nación en la que se mira todo Occidente. Para ello recurre a un escenario postapocalíptico y a las circunstancias que han conducido a dicha realidad, un escenario que encaja con el entramado del mundo de hoy, apremiado por profundas transformaciones en un breve espacio de tiempo. Prufer integra esa pléyade de nuevos poetas norteamericanos que apuestan por el compromiso con el riesgo literario, ya sea debido a su gusto por caminar en el alambre exponiéndose en los motivos, como por su apego a las formas más complejas de la creación poética. Este "Himno nacional" consigue resonar para todos y suscitar preguntas acerca de nuestro destino personal y comunitario.