Miren Agur Meabe publica en castellano el libro galardonado con el Premio Nacional de Poesía 2021En "Cómo guardar ceniza en el pecho" laten la memoria de la infancia trenzada con los aprendizajes que aporta el paso del tiempo, la reconstrucción personal, cantos de despedida y esperanza, y la reflexión sobre la escritura. Miren Agur Meabe ha construido una de las obras más reconocibles en lengua vasca en un ejercicio sostenido de unión entre tradición y vanguardia. Desde el daguerrotipo, que ensombrece el mundo perdido, hasta la vídeo-instalación, la diversidad temática y formal acompaña a esta autora en una secuencia que revisa el peso de la vida. JON KORTAZAR

He sumado estos sauces y el resultado es infinito. Se ha abierto entre suma y suma un sí de brazos y una lejanía de gentes y una claridad de deseos. Todo lo escrito lo llevamos dentro. Crecen las manos como girasoles ausentes de horas; fijas como el vuelo de aquel cernícalo sobre su presa. En los jardines juegan los muchachos, se achican ilusorios en su luz, se abren en círculos hasta mi pecho. Yo prosigo mi suma: quiero, sencillo y alegre, perdurar en la alegría. «Regreso para celebrarme» JULIO CÉSAR GALÁN JULIO CÉSAR GALÁN (Cáceres, 1978). Autor de los siguientes poemarios: El ocaso de la auro-ra (Sial, 2004), Tres veces luz (La Garúa, 2007), Márgenes (Premio de poesía Villa de Cox, Editorial Pre-Textos, 2012), Inclinación al envés (ERE/Editorial Pre-Textos, 2014), El primer día (Isla de Sitolá, 2016) y Testigos de la utopía (Diputación de Cáceres/Editorial Pre-Textos, 2017). Además, ha publicado como heterónimo los siguientes libros de poemas: Gajo de sol (Abezetario, 2009), La llanura (Premio de poesía Vicente García de la Huerta, I.E.S. Suárez de Figueroa, 2016) y Para comenzar todo de nuevo (Ay del Seis, 2017) de Luis Yarza; ¿Baile de cerezas o polen germinando? (Ediciones Idea, 2010) y ¿Una extraña orquídea o un superviento estelar? (Bala Perdida, 2021) de Pablo Gaudet; e Introducción a la locura de las mariposas (Tigres de papel, 2015) de Jimena Alba. Como ensayista cabe destacar: Limados. La ruptura textual en la última poesía española (Amargord, 2016) de Óscar de la Torre; Ensayos fronterizos. Entre el poema y la heteronimia (RIL Editores/Universidad de Extrema- dura, 2017) en coautoría con Óscar de la Torre y Jimena Alba; El último manifiesto (Trea, 2019) de Jimena Alba; Cuaderno de Sombrario. Esferas de la poesía especular (Amargord, 2020) y Correos a los editores. Poesía Especular/Poesía non finito (RIL Editores, 2021) como Julio César Galán. Entre sus textos teatrales podemos citar los siguientes: Eureka (Ediciones del Unicornio, 2014), La edad del paraíso (ERE, 2016) y No. Bocetos de un libro futuro (Ñaque, 2021).

La vida: movimiento y comunión, dicen en estos días tus revistas de viajes. Así que es el momento de hurgar en las heridas prohibidas en público. Despierta. El anhelo que duerme en nuestro corazón no germina en la tierra. Su promesa…, qué extraña entre los árboles, los pájaros, sus nidos… «A propósito de la naturaleza» (fragmento), Enrique Andrés Ruiz Enrique Andrés Ruiz es autor de una de las obras poéticas más destacadas que se comenzaron a publicar entre los dos siglos. Sus libros, todos en esta editorial, incluyen títulos como Con los vencejos (2004), El perro de las huertas (2013) o Los verdaderos domingos de la vida (2017). Es autor asimismo de una única y muy particular obra narrativa, Los montes antiguos (2021). Como crítico del arte y la cultura contemporáneos, sus escritos representan criterios muy apartados de los lugares comunes, y han sido reunidos en libros como Vida de la pintura (2001), La tristeza del mundo. Sobre la experiencia política de leer (2010) o La carroña. Ensayo sobre lo que se pierde (2017). En 2008 publicó Santa Lucía y los bueyes y en 2011 Las dos hermanas. Antología de la poesía española e hispanoamericana del siglo xx sobre pintura. Ha comisariado numerosas exposiciones y actualmente colabora en Babelia, el suplemento cultural del diario El País, y en otras publicaciones.

De la mano de algunos de los mejores poetas de los siglos xx y xxi revisitamos en verso cuentos de hadas tan conocidos como La cenicienta, Caperucita Roja o Rapunzel. Algunos de los ilustradores que han trabajado en la editorial en estos 15 años de andadura dialogan gráficamente con los poetas en un volumen maravilloso que es también un muestrario del concepto de libro ilustrado que tenemos en Nórdica.

Antología Poética de las hermanas Brontë. Selección, prólogo y traducción de Raquel LanserosLas hermanas Brontë figuran, por derecho propio, entre los más altos puestos de la nómina de escritores legendarios que ha dado al mundo la literatura en habla inglesa. Sus novelas revolucionaron la narrativa en la Inglaterra del siglo XIX y transformaron, con su rebeldía e independencia, los límites de expresión permitidos para las autoras de la época. A pesar de su gran fama literaria, sus poemas siguen actualmente sin ser bien conocidos en el mundo hispanoparlante. La presente selección poética está realizada con la esperanza de brindar un fascinante viaje al corazón de las hermanas Brontë, recorriendo de camino los páramos escarpados de Yorkshire. Un viaje a buen seguro hipnótico e inolvidable, pues Charlotte, con sus trazos poéticos descriptivos y narrativos, Anne, con su insólita intensidad emocional y Emily, con su genialidad desprejuiciada y tierna, junto a la fuerza visionaria de las tres, conforman una de las experiencias literarias más intensas que hayan tenido lugar en la Historia.

Luz (1962) y Hierba (1963) son los dos primeros libros de poesía de Inger Christensen. Fueron escritos por una poeta que aún no había cumplido los treinta años, y sin embargo, no son obras de juventud. En ellos aparecen ya los temas y las formas exigentes y experimentales que recorrerán el resto de su producción, y que la convertirán en una de las mayores poetas europeas del siglo xx: la identificación casi panteísta con los paisajes y la naturaleza salvaje de Dinamarca; la obsesión por encontrar, debajo de la gramática ordinaria, una lengua total capaz de comunicarse con todos los seres, animados e inanimados, visibles e invisibles, que habitan el mundo; y la necesidad de unir la música, la poesía, las artes visuales y las matemáticas en un todo. Porque en estos libros la presencia de las formas, de los colores y de los trazos de Chagall, Picasso, Pollock o Jorn, los pintores que amaba y que forjaron parte de su imaginario, es constante. Pero también lo es la música, desde la litúrgica hasta los sonidos de la vida cotidiana. Es tanta la importancia de lo musical que, en sus primeros recitales, Christensen cantaba algunos de estos poemas acompañados por música vanguardista. Detrás de la aparente complejidad de Luz y Hierba, subyace el impulso elemental que guía a todo poeta, a todo ser humano: la transformación del mundo; la abolición de las fronteras, físicas y mentales, que nos separan de los otros; la invención de una lengua nueva que alivie nuestro dolor y nos reconcilie con la devastación del tiempo.

Si existe algo que nos hace parecidos a las aves es la constante necesidad de búsqueda. Justo ahí reside nuestro deseo de perpetuarnos, de prolongarnos, de resistir. La reina de los pájaros es un poema y una búsqueda o, más bien, una prospección en lo más hondo del lenguaje. Estos versos, que han conocido el vacío y el desarraigo, se van enraizando para construir un nido en el que el lector logre refugiarse. La maternidad, la orfandad y el sentimiento de pérdida nos conduce a un lugar donde todas las cosas encuentran su origen. La autora lanza una mirada que ahonda en pequeñas escenas cotidianas mediante una escritura hábil y acertada. En efecto, el mundo poético de Bea Aragón revela una voz singular de una sensibilidad especial, no exenta de una musicalidad que lo hace único. Desde la asunción de un registro sencillo, la ternura de sus versos se convierte en dolorosa. Pero, más allá de la tormenta, La reina de los pájaros es un canto a la naturaleza, que nos invita a entrar en el mundo de puntillas para escuchar que seguimos vivos.

El continuo ser y no ser ese cuerpo, ver cómo se convierte poco a poco en otra persona, la alegría, la sorpresa y también la sensación de vacío de ese nuevo nacimiento, Giovanna Cristina Vivinetto nos las cuenta con el ritmo vertiginoso y encantador de su doliente lengua poética. La madre hija que nace de un padre sublimado y borrado, que recorre las etapas de esta transformación dolorosa y heroica, no tiene arrepentimientos ni miedos, pero tiene la urgencia de contar lo que ha ocurrido. No para encontrar justificaciones, sino para entregarnos a esta hija inesperada en toda su legitimidad. (Dacia Maraini)

SSe reúnen en este volumen tres libros centrales de la poeta rumana Ana Blandiana (1942), una de las voces más altas de la literatura europea contemporánea: Estrella predadora (Stea de prad?, 1985), escrito durante los intervalos en que su obra no fue prohibida por la dictadura de Ceau?escu; La arquitectura de las olas (Arhitectura valurilor, 1990), el primero publicado en libertad; y el más reciente El reloj sin horas (Orologiul f?r? ore, 2016), que expresa su respuesta al viejo sufrimiento desde un aquí y ahora tocado por la alienación y la extrañeza. Se incluyen como pórtico los cuatro poemas publicados en la revista Amfiteatru (1984) que motivaron la segunda de las tres prohibiciones que el régimen impuso a su autora. Este volumen testimonia un periodo negro y desprovisto de esperanza en la historia de Rumanía, cuando la existencia misma de la poesía ofrecía algo parecido a la esperanza. Pero también, en su tramo final, refleja un oasis de calma y la necesidad de mantener un equilibrio, por precario que sea, entre la pureza y la caída, entre la soledad y el compromiso con la historia. Vivimos en una época en la que ser libre es más difícil que no serlo, en la que, paradójicamente, la libertad de la palabra reduce la importancia de la palabra.

Los poetas líricos griegos poseen una importancia singular: son los primeros autores de Occidente que deciden escribir sobre las cosas que todavía hoy nos conmueven y apasionan. La naturaleza, la amistad, la guerra y el deseo son algunos de los temas que llenan estas páginas, en las que voces individuales de toda la Grecia arcaica se alzan para componer una hermosa pieza coral que incita a a vivir en plenitud. "Las rosas de Pieria" es un nombre metafórico otorgado a las Musas, diosas de la creación. Bajo su tutela compusieron los líricos griegos arcaicos, cada uno de los cuales tuvo, por supuesto, su propia personalidad y sus particularidades pero compartiendo todos ellos un tono común, además del tiempo (entre los siglos VII-VI a. de C., aproximadamente) y el espacio (la Grecia continental y la insular) donde les tocó vivir. No deja de asombrar al lector actual lo bien que conserva su mensaje poético, a menudo fragmentado, pero que mantiene intacto el encanto con que cautivó a sus contemporáneos la poesía de Arquíloco de Paros, Mimnermo de Colofón, Estesícoro de Hímera, Solón de Atenas, Alceo de Mitilene,

LOUISE GLÜCK (Nueva York, 1943), Premio Nobel de Literatura 2020, inaugura con Ararat (1990), el quinto libro de su trayectoria, su particular estilo poético que luego mantendrá a lo largo de toda su carrera: ya no se trata de recopilaciones de poemas más o menos cohesionados, sino de libros construidos casi como un único poema en partes, en torno a un solo tema, donde los símbolos funcionan por acumulación y cada texto aporta un contexto a los demás, multiplicando las interpretaciones y los puntos de vista sobre la experiencia del sujeto lírico. Ararat toma su título del cementerio judío homónimo de Nueva York. Los poemas abordan el luto posterior a la muerte de un padre mitificado, enterrado allí, donde además descansa una de sus hermanas, fallecida prematuramente y que será también una presencia constante en el libro. La poeta explora el mundo de las mujeres sobrevivientes de la familia —la madre, la hija, la hermana— en un tono lacónico y reticente que abandona definitivamente la pirotecnia verbal de sus primeros poemarios y conecta con el silencio y el distanciamiento emocional que ella misma relaciona con su padre fallecido, un tono contenido que un crítico equiparó con «la clase de lenguaje que uno usa antes de ponerse a gritar».

El nimbo esclarecido de la luna de agosto se transforma en un nido. Luna llena, rasante sobre el pinar oscuro. Si es cierto lo que dicen, que la muerte se lleva primero a los mejores, por qué, día tras día, regresa el petirrojo. Piscina iluminada, tu superficie tensa es mi eje de abscisas. Se entrelazan los planos como naranjas verdes, como las rosas blancas. La luna se dilata en mi pupila. Pienso en uvas pintadas. «Contra la oscuridad», de Juan Antonio Bernier JUAN ANTONIO BERNIER (Córdoba, España, 1976) es autor de los libros de poemas Así procede el pájaro (Pre-Textos, 2004), Árboles con tronco pintado de blanco (Pre-Textos, 2011), Letra y nube (Pre-Textos, 2017) y del manual Breves erizos verdes, 50 consideraciones antes de escribir un poema (Cántico, 2020). Recibió en 2005 el Premio Ojo Crítico de poesía de Radio Nacional de España y, durante su codirección del festival Cosmopoética, el Premio Nacional de Fomento de la Lectura en 2009.

Se cumple el centenario de Georges Brassens, el cantautor francés que retrató el siglo xx como nadie, y en Nórdica lo celebramos con una cuidada selección de sus poemas y canciones en edición bilingüe. Se han escrito tesis doctorales sobre su obra. Su trabajo ha sido traducido a una veintena de idiomas, incluyendo el esperanto. Músicos y artistas de todo el mundo lo homenajean constantemente. Ciento cincuenta escuelas públicas de Francia llevan su nombre, además de centenares de calles, plazas, parques y salas de conciertos. Brassens sigue siendo el poeta de lo cotidiano, el escritor del francés perfecto y el defensor más acérrimo de la decencia humana. Siempre habrá quien mire al mundo actual y eche en falta el comentario mordaz de un escritor que tenía más de filósofo que de artista, y más de artista que de filósofo.

El libro póstumo de Carmen Jodra Davó. Una reflexión sobre el tiempo y la edad, y un canto rebelde —lleno de música, generoso en imágenes— a la hermosura.El paso del tiempo y la belleza —que nos consuela, y a la vez nos daña cuando se nos presenta ajena— definen los poemas de El libro doce, la obra póstuma de Carmen Jodra Davó, en cuya versión definitiva trabajaba al fallecer. El libro doce toma como referencia el libro XII de la Antología palatina: los poemas de amor efébico con los que la poesía griega cantó a la juventud y la hermosura. Temas y fascinaciones que ya formaban parte de sus libros anteriores, Las moras agraces y Rincones sucios, pero que la autora abordó desde la experiencia y las lecturas ganadas con los años: otras atmósferas y otras músicas —más sabias, luminosas— para una de las poetas más importantes de su generación.

Miquel de Palol publica nuevo libro de poesía en edición bilingüe catalán-castellanoMiquel de Palol, uno de los poetas mayores de la lengua catalana, realiza en este libro un ejercicio de lenguaje que nos fascina y envuelve incluso en sus momentos de mayor irracionalidad. En catalán o en castellano (certera y afilada la labor de Isabel Pérez Montalbán y Curro Fortuny, los traductores), cada poema es un acto de deslumbramiento. Un alarde de lenguaje que interroga al mundo. Una muestra del poder revelador de la palabra.

Después de CO CO CO U, presentamos uno de los libros de poesía más esperados por la crítica y lectores: ALÉN ALÉN de Luz Pichel. Autobiografía de un tiempo histórico, de varias épocas -esta, aquellas-, de un espacio, de un país, de lo político. Autobiografía de una casa familiar, de sus objetos, de los miembros de una familia -los vivos, los muertos, los que emigraron-, de los «centauros», de un vecindario, de un paisaje que se va transformando, de una edad, de una lengua propia, de una lengua ajena, impuesta, de otra inventada. ¿Se puede escribir una autobiografía de lo otro? ¿De lo que nos circunda? Sí. Alén Alén de Luz Pichel.

No me ligué. Por entero me liberé y me fui. Hacia goces que estaban parte en la realidad, parte en mi ser, en la noche iluminada fui. Yo bebí un vino fuerte, como sólo el audaz bebe el placer.«Fui»

LOS POEMAS de Mary Shelley (Londres, Reino Unido, 1797-1851) quedaron en gran parte inéditos en vida de la autora y han permanecido hasta hoy prácticamente desconocidos para el público. No es raro en la historia literaria que el gran éxito de un autor en un género determinado ensombrezca el resto de su obra incluso a sus propios ojos. Pero la enorme calidad de la poesía de Mary Shelley hace necesario conocerla y sacarla a la luz como en muy pocos de esos casos. Dotada de esa extraordinaria intuición solo al alcance de los grandes talentos que antes de cumplir los veinte años la llevó a crear una obra maestra como Frankenstein, Mary Shelley vuelca su dolor, sus recuerdos y su profunda melancolía en unos poemas íntimos, palpitantes y obsesivos, nacidos al calor de una sensibilidad en carne viva, pero también de una mente enérgica e inconformista que desesperadamente busca asideros en el abismo de una existencia trágica. Pero, incluso cuando nos hallamos ante puras destilaciones del dolor más íntimo, los versos de Mary Shelley cuentan con el poso de una madurez creadora que sabe dar serena y sólida arquitectura a la expresión poética, tanto en sus manifestaciones más breves y musicales como en los poemas más extensos y discursivos.

En Ligero, Ismael Ramos hace fuerte lo sutil. Aquí el paisaje, la amistad, el deseo, el entorno que nos configura, el pasado —e incluso el ignoto futuro— se dicen con una voz limpia, de marcada personalidad. Este libro aborda —como ya hiciera Fuegos— una reflexión sobre la intimidad propia y la intimidad compartida, posando la mirada sobre los demás (la madre, el padre, los amantes, las mujeres de la limpieza...) para intentar comprender la imagen de ese espejo plural, que nos devuelve los pequeños gestos, el brillo apagado de las rutinas, cuando buscamos en él las grandes respuestas.