El agua empapa la tierra. Las raíces de los árboles y los matorrales que forman una maraña en el subsuelo, la sostienen, todo forma parte de un equilibrio primigenio. Pero la montaña se quema, las máquinas cortan de un tajo la roca para trazar la carretera, el musgo y las raíces desaparecen y continúa lloviendo. Lo hace hasta que la tierra se hace blanda, algo se quiebra y una masa inmensa se derrumba monte abajo. Y en ese movimiento gigantesco lo arrastra todo a su paso. Es el argayu, metáfora que acecha nuestras vidas, tamizadas por las renuncias, temores, goces y fracasos. Este Argayu/Derrumbe es una apelación a la memoria viva de un mundo rural que se desvanece. Un derrumbe que sobrecoge desde su verdad más íntima.

Karmelo C. Iribarren (Donosti, 1959) es autor de quince libros de poemas, entre los que destacan Desde el fondo de la barra (1999), Atravesando la noche (2009), Versos que el viento arrastra (2010), Las luces interiores (2013), Mientras me alejo (2017), Un lugar difícil (2019) y El escenario (2021). Su poesía sencilla y emotiva, atenta a los detalles de la vida cotidiana, ha ido ganando cada vez más popularidad, convirtiéndolo en uno de los poetas más leídos de su generación. «La voz socarrona y tierna de Karmelo C. Iribarren constituye un irremplazable testigo del mundo circundante y de nosotros mismos. En una suerte de transustanciación, la mirada del poeta se detiene sobre lo aparentemente pequeño, transformándolo ante nuestros ojos en principio universal que amplía la perspectiva y nos obsequia espacios alternativos de pensamiento. A través de una honda sensibilidad personal hacia el paso del tiempo y sus irremediables cambios vitales, la poesía de Karmelo se vuelve una vez más, con La última del domingo, un himno a la belleza de lo cotidiano y a la conciencia de la finitud». Raquel Lanseros

Los poemas de Marina de Cabo hablan de piscinas internacionales, de lecturas y de películas. Nos transportan a la relajación de los veranos infinitos y nos bañan con palabras delicadas, cuidadas y precisas. Un poemario que acompaña y refresca el panorama poético y que nos recuerda que la superficie del poema oculta profundidades desconocidas.

Mientras preparaba con Manuel de Falla el concurso de Cante Jondo que se celebró en 1922 en Granada, Federico García Lorca escribió el corpus de "Poema del cante jondo". Su pretensión inicial era publicar el libro coincidiendo con este certamen que deseaba combatir el «flamenquismo», fenómeno que para el compositor gaditano suponía la decadencia del género. Al final hubo de esperar hasta 1931, casi una década, para que viera la luz esta obra que busca la esencia del carácter andaluz. «Somos un pueblo triste, un pueblo estático», escribió Lorca, que encuentra las raíces del cante jondo en el mundo gitano, que para él es un puente de unión entre su tierra y el atávico «Oriente impenetrable». Raúl Arias ilustra esta edición fijada por Luis Alberto de Cuenca, donde se dan la mano el dolor y la pena, el amor y la muerte. Versos que son saetas, siguiriyas, soleás, poemas que transmiten la fuerza trágica del dolor, el llanto y la muerte.

Mark Strand (Prince Edward Island, 1934-Nueva York, 2014), Premio Pulitzer en 1999 por su libro Tormenta de uno, y Wallace Stevens en 2004, es uno de los poetas estadounidenses más importantes del siglo XX. Heredero de Stevens y emparentado con la Escuela de Nueva York, Strand es un poeta realista que nunca olvida el cuidado del lenguaje ni la continua reflexión sobre la forma. Su capacidad para indagar en los paisajes del inconsciente con las herramientas más lúcidas del realismo lo distinguen tanto de sus antecesores como de sus compañeros de generación. Strand es único en su tiempo no solo en el contexto estadounidense sino en el de la poesía universal. Su obra transcurre en un territorio poético que él mismo identificó como «el yo, los límites del yo y los límites del mundo: esa tierra sombría entre el yo y la realidad». Ningún sitio adonde ir recoge una amplia selección de la obra poética de Mark Strand, desde el inicial Durmiendo con un ojo abierto (1964) hasta su último libro, el conjunto de poemas en prosa titulado Casi invisible (2012). Su poesía, de aparente claridad, construye un mundo en el que se superponen los estratos de lo visible y lo invisible, donde conviven tanto la vida vivida como todas aquellas soñadas o abandonadas por el camino. El personaje de sus poemas habita la banalidad del mundo sin estar del todo presente en él, porque percibe todos los otros mundos posibles. Uno de los rasgos característicos de la poesía de Strand es que no busca un final que sea un cierre rotundo, sino otro que sea una apertura inagotable de sentidos.

Athena Farrokhzad y Svetlana Cârstean se conocieron en 2012 durante un taller de traducción de poesía en Estocolmo. La afinidad personal y literaria que descubrieron entonces las llevó a traducirse mutuamente. Aunque con una peculiaridad: ni Cârstean sabe sueco ni Farrokhzad sabe rumano. Así, el proceso de traducción tuvo que convertirse en un nuevo proceso de creación conjunta.

Exitus da nombre a la ramificación de poemas escritos bajo la luz desabrigada de un sistema público de salud mental que, por ninguneado, se ofrece mediocre, deficiente, con lamentables consecuencias para las personas que necesitan de su atención y que, con excesiva frecuencia, acaban obteniendo interminables esperas y hastío en respuesta. Son los versos de la mujer que sobrevive a la violencia de género y que vive para contarlo. Se trata del poemario de la muerte, casi obscena en su claridad, pero también de la esperanza inmediata como mano tendida que jamás traiciona. Se trata, sobre todo, de una obra esencial. No he abandonado la nada y convertido en mujer para soportar el cieno en la mirada de mis semejantes. Como mujer se me ha dado una espalda desnuda, no un paredón ni me place ser salpicada de sangre. Tampoco vine a esta vida para parecerme a la perla ni al oro viejo de los dedos de las señoras. Quise hacerme carne por un motivo que ya no recuerdo. El silencio es una hogaza de pan de la que mi memoria se alimenta alimento la tierra con la pobredumbre de las rosas secas caídas del cabello de la mujer que amo. La muerte es azul como las aguas de un mar maldito. Es algo que sólo yo percibo y me siento sola. egoña M. Rueda (Jaén, 1992) es autora de diez poemarios, todos y cada uno de ellos galardonados, entre los que destacan Error 404 (XLVI Premio de Poesía Ciudad de Burgos, Visor 2020), Servicio de lavandería (XXXVI Premio Hiperión de Poesía, Hiperión 2021) o La mujer okupada (XXIX Premio Ciudad de Córdoba Ricardo Molina, Cántico 2022).

Ramón Andrés (pamplona, 1955) ha publicado, entre otros libros de ensayo, Tiempo y caída. Temas de la poesía barroca (1995); Johann Sebastian Bach. Los días, las ideas y los libros (Premio Ciudad de Barcelona, 2005); El mundo en el oído. El nacimiento de la música en la cultura (2008); No sufrir compañía. Escritos sobre el silencio (Siglos XVI y XVII) (2010); Diccionario de música, mitología, magia y religión (20212); El luthier de Delft. Música, pintura y ciencia en tiempos de Vermeer y Spinoza (2013); Semper Dolens. Historia del suicidio en Occidente (Premio Estado Crítico, 2015); Pensar y no caer (2016); Claudio Monteverdi. Lamento della Ninfa (2017); Filosofía y consuelo de la música (2020); La bóveda y las voces, Por el camino de Josquin (2022); todos ellos en la editorial Acantilado. Obtuvo el Premio Nacional de Ensayo en 2021. Como poeta, ha publicado Imagen de mudanza (Pamiela, 1987); La línea de las cosas (Premio Ciudad de Córdoba; Hiperión, 1994); La amplitud del límite (DVD, 2000); Poesía reunida y aforismos (Lumen, 2016), que contiene su nuevo poemario titulado Siempre génesis; Los árboles que n

De una carta del autor: Tal y como te lo platiqué, el libro, sin ser muy extenso, se ha llevado mucho tiempo en quedar redondeado. Atendía el llamado del desierto y he hecho el trabajo sin prisas, atenta y concienzudamente. Me puse, como siempre lo he hecho, al servicio de la poesía; nunca al revés. Y hoy en día, luego de mucho trabajo de lectura, edición, recortes y refinamientos, escritura y reescritura, síntesis y ajustes de todo orden, y mucha observación, reflexión y meditación, siento que Canto desierto está listo para ser publicado. Te lo envío para tu lectura y consideración. El trabajo está listo. Canto desierto ha llegado con todo a su límite. Sólo me resta compartirlo con otros lectores. Me parece que los 36 poemas que parecen en el índice, en la última página del documento, pueden dar una muy buena idea del espacio y el tiempo en que se mueve este libro, que bien se puede entender y leer como un solo poema.

El nuevo poemario de Florencia del Campo.El hombre del padre es un libro de poemas que podrían ser uno solo, un gran largo poema. El hombre es por lo menos dos: es el hombre que es padre, y es el padre que es hombre. Pero, sobre todo, la paranomasia del título nos interroga sobre su identidad: ¿quién es ese hombre? ¿Cómo se llama? ¿Son dos o acaso es el mismo? ¿Es él mismo? La voz poética, femenina, se pregunta por la identidad de él, pero también por la identidad de ella. ¿No es madre? ¿No es ser madre todo lo que hace también una mujer sin hijos? ¿Es hija la mujer del hombre que es padre y no es su padre? ¿O sí es su padre? ¿O él es ella? "El hombre del padre" nos recuerda a una oración, a un rezo. Por eso el poemario termina con "amen", sin tilde. Esta es la religión del libro: el espíritu del deseo.

Seiko Ota (Nara, 1955) es Doctora en Filología por la Universidad de Arte y Diseño de Kioto y Profesora de la Universidad de Estudios Extranjeros de la misma ciudad y de la Universidad de Estudios Extranjeros de la misma ciudad. Es autora del libro José Juan Tablada: su haikú y su japonismo, publicado por el Fondo de Cultura Económica en México en 2014. Es igualmente haijin, es decir escritora de haikus, habiendo recibido el Premio del grupo de haiku Sendan en 2019. En colaboración con Elena Gallego ha traducido y publicado en Hiperión los libros Kigo. La palabra de estación en el haiku japonés (2013), Haikus en el corredor de la muerte (2014), Haikus de amor (2015), Haikus de guerra (2016) y Haikus contracorriente (2018). Su interés por la acogida que el haiku ha recibido entre los poetas en lengua española y por su aclimatación y difusión entre nosotros, le impulsaron a redactar Seis claves para leer y escribir haiku, publicado en 2020 en esta misma colección, y a ampliar su trabajo con este El secreto del haiku. Dejar hablar a las cosas, dos libros sobre el haiku con los que se propone ampliar y enriquec

El nombre de Senryuu, que significa sauce de río, proviene del poeta japonés Karai Hachiemon (1718-1790), funcionario del gobierno en el distrito de Asakusa en Edo, que adoptó el seudónimo de Karai Senryuu cuando empezó a ser juez de poesía, y popularizó esta forma humorística de haiku, convirtiéndose así en el padre del Senryuu. En el segundo año de la era Meiwa (1765), un discípulo de Karai Senryuu llamado Goryooken Arubesi (?-1788), cuyo nombre poético era Momen: algodón, publicó junto con su maestro, y evaluados por él, una compilación de senryuu llamada Haifuu Yanagidaru, (más conocida como Yanagidaru, en japonés). Estas antologías se fueron publicando sucesivamente hasta alcanzar los 167 tomos en el año noveno de la era Tenpoo (1838) y Karai Senryuu vivió lo suficiente como para ver publicados los primeros veintidós tomos. Se dice que Karai Senryuu evaluó más de 2.300.000 poemas a lo largo de su vida. En el barrio de Asakusa, en la antigua ciudad de Edo (Tokio) hay un monumento en su homenaje en el lugar donde evaluaba los versos.

El nuevo y más emocionante poemario de Maribel Andrés Llamero.80.000 son los soldados necesarios para atravesar todas las capas de la noche. 80.000 son también los versos que levanta una hija para acompañar al padre en su último camino. Después del éxito entre la crítica y los lectores de títulos como Los inútiles (Isla Elefante, 2022) y Autobús de Fermoselle (Premio Hiperión 2019), Maribel Andrés Llamero regresa a las librerías con su poemario más personal y emocionante: un canto vitalista y estremecedor a todo lo que nos arrebata la muerte. 

Limosna para casar doncellas huérfanas desafía las convenciones del género poético contemporáneo al integrar la estructura clásica de la poesía con elementos mitológicos, creando así un estilo único y original. El libro propone una poesía de corte fantástico, ambientada en la tierra de Punt. Los misteriosos babuinos de oro, la compleja religión local, la vida cotidiana de sus habitantes y la exótica fauna y flora que lo habita sirven de telón de fondo para la trama principal, que gira en torno a la relación amorosa entre dos personajes. La narradora principal es Margarita, cuya voz guía al lector a través de la mayoría de los versos, a menudo mediante el monólogo interior. En el trasfondo de esta historia de amor, se halla el nacimiento de una hija en común y el anuncio de una fatalidad inevitable

En este libro Benjamín Santiago presenta su experiencia como hombre trans en forma de versos lúcidos y conmovedores. El "nombre muerto" del título narra el renacer del joven autor, capaz de desafiar tabúes culturales con una fuerza poética luminosa y delicada. "El libro de poemas de Benjamín ha tenido que esperar a que le salga a él la barba y le cambie la voz para salir al mundo. [...] Este libro empieza con una trenza dentro de una caja y termina dando un volantazo. Este libro es una pancarta gigante activista. Este libro es un manifiesto. Una terapia de grupo. Un manual. Un libro de instrucciones. Un diario. Pero también es un baño público, un agente de tráfico haciéndote una señal que no sabes si significa que quiere avances o te detengas. Este libro es un probador. Un bildungsroman, un poemario de aprendizaje". [Del prólogo de Violeta Niebla]

Corren los tiempos mágicos del pasado y del presente y del futuro: los tiempos mágicos de Carmen Conde en los caminos y de los paisajes que pintaba Jan Josephszoon van Goyen, de las sonatas de Sophie Lebrun y de quienes se sirven del diccionario de las confiterías. Corren tiempos distintos entre si —unos años, otros siglos—, y sin embargo vivimos en la misma época, acaso la del lenguaje que se encuentra con el mundo, y choca contra él. Con este big bang estalla la poesía de Mario Obrero, y funda una era nueva. Estos poemas trascienden fechas y eslóganes. Algo —mucho— empieza con ellos. Tiempos mágicos celebra la fiesta del idioma, de la realidad, del compromiso; del compromiso con lo que sucedió, y tiene que contarse para no olvidarlo, y del compromiso con las formas de decir, con las palabras que escogemos. Del compromiso también con la poesía —y la idea, y la imagen, y la música o el ruido: eso depende— y sus posibilidades para saber de dónde venimos. Venimos de la defensa de la belleza, de la defensa de la justicia, de las intuiciones y la reacción de la razón. Ahora, ¿hacia dónde? Estos poemas quieren descubrir nuestro rumbo.

Pablo Fidalgo nos entrega ahora "Vivir sin nada". Reconocemos enseguida su voz, llena de preguntas; esa especie de monólogo infinito sobre la existencia y sus inconsistencias, sobre el apetito de vida nunca saciado, sobre la necesidad de entender, sobre todo, el sinsentido. Martín López-Vega

En esta propuesta poética que nos presenta Ana, dividida en cuatro partes bien diferenciadas, nos encontramos algunos temas recurrentes de la literatura universal como la nostalgia, la muerte, la maternidad, pero envueltos en un maravilloso halo nostálgico y, a la vez, mágico. Sus textos están más cercanos al libreto de los discos de músicos como Santiago Motorizado o Charly García, que tanto nos unen a ella y a mí, que a una poesía al uso. Los recuerdos del hogar que quedó atrás, los miedos infantiles, la pérdida de la inocencia en el patio del colegio, el dolor de la adolescencia, la muerte de un ser querido, la religión que aterra… están recogidos en los versos que habitan estas páginas. «Todo por dos pesos».