La poesía de Laura es culpable porque ha llegado henferma a nuestras manos. Está operada, rota de dolor, sangra y habita en los cuerpos dirigidos a los cuartos de paredes blancas, al olor del suero, a la comida de hospital. «Este cuerpo solo este cuerpo/ rompiéndose / soy yo». La poesía de Laura también es culpable porque conoce que el alarido por la llaga no es simplemente propio y que San Lázaro está repleto de henfermos y uérfanos. De retículas desvaídas y órganos que se inflaman. De gentes que se contonean hasta la cancela sujetándose las tripas, amarilleándose a cada paso. La escritura colectiva de la poeta casi hímnica, casi procesionaria rastrilla el camino con sus palabras que también son de otros, que atestiguan el paso lento y acompasado del imperativo del daño suplicando una entidad que lo nombre, una mano que calme, un futuro que repare.

Diario de otoño es un largo poema de estructura diarística dividido en veinticuatro secciones, escrito a finales de 1938. Considerado el libro más emblemático de Louis MacNeice, recoge las impresiones personales del autor ante los acontecimientos que se suceden en Europa a lo largo de ese otoño convulso, mezclando sus vivencias personales —su matrimonio fracasado, sus clases de griego en la universidad, las evocaciones de su infancia, el día a día londinense— con reflexiones filosóficas y la descripción documental del clima político y social europeo del momento, incluyendo la Guerra Civil española. Casi una elegía (auto)biográfica, el diario-poema está escrito en versos de medida desigual que se alejan del patrón yámbico y en los que lo público y lo privado se mezclan para mostrar todas las máscaras del autor —el anarquista, el derrotista, el hedonista, el filósofo, el aspirante a buen ciudadano— en un intento de alcanzar la honestidad en un texto «a mitad de camino entre la lírica y el poema didáctico». Louis MacNeice (1907-1963) fue un poeta y dramaturgo irlandés. Nacido en Belfast, a los diez años ingresa en un internado en Inglaterra, país en el que viviría el resto de su vida. Será en Oxford donde conozca a Auden, a cuyo círculo ya pertenecían Stephen Spender y Cecil Day-Lewis, y entrará a formar parte de su grupo, si bien no comparte del todo sus ideas políticas: MacNeice siempre será un escéptico y un outsider. Ya consagrado como uno de los poetas más importantes de la década de los treinta gracias a su libro Poems de 1935, MacNeice visita España en dos ocasiones, en 1936 y 1937, durante la Guerra Civil. Las impresiones que le causa, junto a la sensación de que Inglaterra se dirige hacia una guerra inevitable con Alemania, se plasmarán en Diario de otoño, escrito a lo largo de la segunda mitad de 1938. Además de escribir numerosos libros de poemas, colaboró con varias piezas para la BBC y escribió un puñado de obras de teatro (con colaboraciones ocasionales de Benjamin Britten). Su adaptación del Agamenón de Esquilo sigue siendo canónica.

Publicado originalmente en mayo de 1927, Canciones (1921-1924) fue compuesto por Federico García Lorca entre la Residencia de Estudiantes de Madrid y su casa familiar en Asquerosa, dos espacios que se asoman a lo largo de la obra: sus versos realizan un recorrido lírico desde la tradición rural andaluza de su infancia hasta la vanguardia con la que convivió en Madrid y que tanto le influenció. Calificado por su autor como un «libro de sorpresa para muchos y de alegría para pocos», debido a que creía que su poesía era reconocida como fruto de un talento espontáneo, obviando así su vasto conocimiento de los cancioneros populares y medievales, Canciones acabó acabó ganando el favor de la crítica e iniciando su carrera editorial. En los ochenta y nueve poemas organizados en once bloques, Lorca aborda los grandes tropos de la poesía universal: el paso del tiempo, la muerte, el mal del amor, la infancia perdida…, con un tono que va desde lo infantil hasta lo irónico en una amalgama armoniosa de la palabra culta y la popular. Para la presente edición, que cuenta con el prólogo del poeta Luis García Montero, se han tenido en cuenta las dos ediciones que se publicaron en vida del poeta.

La poesía ocupa un lugar central en la obra de Bertolt Brecht (Augsburgo, 1898-Berlín Este, 1956) y sin ella no cabe entender el alcance ni la grandeza de su proyecto creativo. Brecht escribió poemas desde su juventud hasta sus últimos días y ellos fueron la herramienta con la que interpeló al mundo y reaccionó a las circunstancias de su tiempo. Figura clave en la literatura alemana del siglo xx, fue reconocido como un poeta esencial incluso por quienes se sintieron muy lejos de sus actitudes vitales y políticas, como Elias Canetti o Hannah Arendt. Su escritura, que bebe tanto de fuentes cultas como populares, anuncia no pocas direcciones de la lírica contemporánea: desde luego, la poesía social, pero también el realismo sucio, la lírica de tono coloquial o la llamada 'antipoesía'. Editada y traducida con maestría por el poeta José Luis Gómez Toré, esta antología bilingüe propone un recorrido no solo por los textos recogidos en libro por el autor, sino también por el riquísimo corpus de poemas sueltos, que incluye algunas de sus piezas más célebres. Tampoco faltan las letras de canciones para obras teatrales, musicadas por Kurt Weill o Hanns Eisler.

Luis Buñuel nunca publicó El perro andaluz, un poemario cuyos componentes líricos vertebraron el que fue su primer trabajo como director de cine, el cortometraje prácticamente omónimo Un perro andaluz. Buñuel encontró en las imágenes en movimiento nuevas posibilidades para expresar aquello que quería transmitir. Asimismo, aunque la poesía sea el género literario al que menos atención parece haber prestado el séptimo arte, el papel principal de la imagen en el cine se relaciona directamente con ella. No es de extrañar que años más tarde Buñuel defendiese el cine como instrumento de poesía, ya que ambos lenguajes, perfectamente equiparables, pueden utilizarse como medio de expresión del mismo mensaje. Esta posibilidad de comparación puede apreciarse en los dos perros andaluces de nuestro autor: poemario y film.

En un artículo de 2013, el poeta y crítico Martín López-Vega decía, a propósito de la repercusión del poemario Las afueras (DVD Ediciones, 1997), debut del cordobés Pablo García Casado, que aquel «era un profundo ejercicio de retratar y entender nuestro propio paisaje». Un cuarto de siglo después, Los reales sitios, libro de estreno de Juan de Salas, llega al lector como una obra capaz de capturar de nuevo ese paisaje «de la mente», reflejado y refractado en el espacio que habitamos. Con una alegría parecida a la de Rem Koolhaas en sus observaciones delirantes sobre Nueva York, el autor nos muestra las líneas maestras de nuestra mitología patrimonial, remontándose a los caprichos y deseos del primero de los Austrias, y nos indica con el dedo un linaje tan bello y tradicional como capaz de erradicar la convivencia humana. Y es que nuestro paisaje sentimental ha sido diseñado por planes de urbanismo, en despachos de Fomento. Porque el destino de quienes se aman depende también del trazado de las autovías.

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A lo largo de tres décadas, los poemas de Antonio Moreno han jalonado un camino que apunta, más que a la búsqueda, a un paulatino y creciente encuentro, producido gracias a una serie de hallazgos. Al Dios sin nombre culmina ese largo proceso donde la pregunta y la respuesta constituyen un mismo hecho. El libro, con el que su autor concluye la publicación de poemas, es un revelador ejemplo de "coincidentia oppositorum" o conjunción de lo limitado con lo infinito.

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No se vecon pureza la línea que separa a los seres. Todo es singular y misterioso.

Desde el segundo piso del magisterio, lejos el tucurú sin hormiga, la divisaba a ella, enfilando, de espaldas, reías, sí, junto a ese mequetrefe, ¿quien era?

Filosofía y música, razón y delirio, precisión y amplitud, de todo eso está hecho este libro, en el que lo máximo se armoniza genialmente con lo mínimo, lo real con lo surreal, el relato con las ideas. La revelación, en suma, con las veladuras que revisten la existencia.

Poesía esencial, detenida en el límite de lo inefable, palabra que provoca, en su continencia, la detonación de más alto silencio, umbral del pensar, palabra piedra a piedra, gota a gota, dotada de finura y pudor emotivo, flor sobre cielo, sin más sostén que el de su aroma, palabra para el que busca precisión, evocación y cumbre. Poesía de un poeta verdadero, mariposa entre los escombros del palabreo actual.

Una poesía que se acerca a la tradición para convertirse en otra soca, una forma de atestiguar que el género literario no es más que una forma de estudio.

Los efectos de sorpresa e ingenio, de carácter epigramático, referencias a la tradición grecolatina, sugerentes y en ocasiones irónico-humorísticas, asimismo relatos de reiterativa cotidianeidad, de tareas cumplidas, de deseos frustados, todo ello sin solemnidad.

Yorgos Blanas hace un recorrido de emperadores romanos desde Cómodo Antonino Augusto a Marco Aurelio. Cada poesía es la visión de cada emperador, de su llegada al poder, de lo que se espera de ellos, de su visión de Roma, del campo de batalla...