Todos los poemas de este libro son informalmente sonetos. Un recorrido por un buen puñado de lugares del mundo descritos con un lenguaje poético muy particular.rubia como tormentaen reposo sin escanciar asomastu cabeza de pájaro en la dunadesciendes con mal pulso te escoras en la ruta al corazóny hasta el vacío se pone a vibraresta balada errática sin clavesse empoza en tu regazo bordado por un río vuelto fibraque cesa de tejer la ajena rabiay el desierto se arroja sobre ti lunar y entrecruzado con todas las sílabas humeantesla sedienta tequila huele a lluvia

Poesía reunida de uno de los poetas peruanos más importantes e influyentes de la actualidad.Condensación y proliferación, tensión y atención a las palabras: la poética de Roger Santiváñez conmueve e inquieta a un mismo tiempo por su decir siempre en los bordes de lengua. Y es que ese trabajar en el borde de la lengua –de bordar, bordear las palabras– es para Santiváñez una man(i)era de subvertir los códigos literarios y sociales, de subvertir la autoridad del lenguaje. De ahí su gran libertad, el vuelo alto de su escritura, el riesgo. Es en ese «escribir contra la lengua y no con la lengua», al decir de Montalbetti, que se da, precisamente, la virtú de Comunión de los santos: apuesta estética, ética, política y erótica, que se entreteje en la textura de sus versos.En sus poemas, Roger Santiváñez desafía constantemente la lógica neoliberal que se ha apropiado del deseo, automatizándolo, manipulándolo, transformando lo más íntimo en algo público y estableciendo la famosa triada: mercancía-deseo-consumo. Ya no es el sistema económico-social el que produce el deseo, sino el poeta-poema el que lo pone en el centro de la experiencia del lenguaje, como la posibilidad, quizá utópica, de entroncar con la vida. El deseo en el poema, regresa, después de la lectura, al poema mismo, volviéndose a generar de nuevo en las subsiguientes lecturas: el deseo es energía, impulso vital que se entreteje entre las palabras. Es en este sentido que la tríada, mercancía-deseo-consumo, se desestabiliza, ya que no hay consumo: el poema no se agota, no se gasta, o en palabras de Pier Paolo Pasolini: «la poesía es inconsumible. […] Uno puede leer miles de veces un libro de poemas y no consumirlo. La consumición la sufre el libro, pero no la poesía».Tania Favela Este primer volumen de Comunión de los santos incluye los libros publicados por Roger Santiváñez desde Antes de la muerte (1979) hasta Melagrana (2018). Roger Santiváñez. Nació en Piura, costa norte del Perú. Estudió literatura en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos de Lima y obtuvo un Ph.D. en poesía latinoamericana por Temple University, Filadelfia, Estados Unidos con una tesis sobre la obra de Enrique Lihn. Fundó en grupo literario “La sagrada familia” (1977) y el Movimiento Kloaka (1982) así como militó en el Movimiento Hora Zero (1981). Premio José María Eguren de Nueva York (2005) por su libro Eucaristía [Tse-tse, Buenos Aires 2004],  Escritor homenajeado en la Feria del libro hispano-latina de Nueva York (2018) y Premio Juana Georgen de Chicago (2023). Fue profesor en Princeton University, Bennington College, Drexell University, Haverford College, entre otras instituciones de los Estados Unidos. Existen dos recopilaciones de su obra “Dolores Morales de Santiváñez. Selección de Poesía (1975-2005)” [ Hipocampo, Lima 2006] y “Sagrado. Poesía reunida (2004-2016)” [Peisa, Lima 2016], y en e-book “Santificado sea tu nombre. Poesía 1977-2017” [El Angel Editor, Quito 2020). Recientemente ha publicado “Santa Rosa de Lima. Poema sacro en 31 silvas” [Dharma Books, México 2021], “Aurelia” [Cartonera del escorpión azul, Madrid 2021, “ Elysium” [ Andesground, Santiago de Chile 2021], “Kloaka & los subterráneos. El instinto de vivir” [Pesopluma, Lima 2021], “Crítica afectiva. Ensayos sobre poesía peruana y latinoamericana” [Cinosargo, México 2021] y “El sentido de la soledad. Memorias (1961-2001)” [Random House, Lima 2022]. Vive a las orillas del río Cooper, sur de Nueva Jersey, Estados unidos, íntegramente dedicado a la contemplación, a la escritura y al estudio de los lenguajes de la poesía.

Premio Nobel de Literatura 2023 Jon Fosse es dramaturgo, narrador, pero, ante todo, poeta. Es un poeta cuya obsesión es la luz: la luz diáfana del norte de Europa, casi imposible, la luz de la soledad, la que ilumina el mundo en su sencillez, la que es un puente entre lo mortal y lo infinito, entre lo visible y lo invisible. La luz mística emana de cada uno de sus poemas. Fosse pertenece a una de las tradiciones poéticas más complejas y fascinantes: la tradición órfica. Es decir, la de aquellos poetas que, en medio de la destrucción, del nihilismo, del fin de todas las verdades y de la belleza, se han dado a la ardua tarea de reconstruir el sentido sagrado del mundo. No se trata, sin embargo, de una escritura difícil. El sentido sagrado del mundo –como nos lo han enseñado Hölderlin, Trakl o Rilke, con quienes entabla un diálogo a lo largo de estos libros– está latente, oculto, en lo más sencillo: en un niño, en una barca, en la nieve, en un animal, en un sendero a través del bosque o en la memoria. Y quizá sea ese el punto clave de la poética de Fosse: la memoria y la presencia de la infancia. La infancia individual y la infancia del mundo. Cuando lo imposible es lo cotidiano; cuando la magia y la maravilla lo recubren todo; cuando cada elemento de la existencia, por minúsculo que sea, es motivo de estupor y de alegría. Pero también cuando el dolor y la melancolía son más graves. Jon Fosse es un poeta sencillo y poderoso, alegre y taciturno, ilimitado y desprovisto de todo. Como los niños.

En esta antología de poesía de las voces imprescindibles de la poesía joven actual tomamos la mano de 18 de las poetas para dar un paseo por el Museo Nacional del Prado, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Nos detendremos donde ellas y ellos se detengan, frente a pinturas barrocas, composiciones cubistas o inquietantes acuarelas vanguardistas. Nos recitarán sus poemas frente a las obras enmarcadas y seremos parte de un juego de voces en el que desde el pasado preguntan y en el presente contestan, y al contrario también.

Nacido en Santiago de Chile en 1893, Vicente Huidobro fue uno de los grandes revulsivos y renovadores de la lírica en lengua española hasta su muerte en Cartagena (Chile), en 1948. En 1916 viajó a París donde hizo amistad con Apollinaire, Reverdy y Picasso, conociendo de primera mano los movimientos de vanguardia que se estaban fraguando desde principios de siglo, promoviendo otro aún más audaz que bautizó como «creacionismo», que en Madrid encontraría la denominación de «ultraísmo». Sus manifiestos y poemas, de extraordinaria capacidad inventiva y verbal, buscan producir o inventar nuevas sensaciones sobre la base de juegos metafóricos. Situando la libertad de creación en el cerebro, en la inteligencia, amplió el campo de la poesía hacia la totalidad de la naturaleza. En el poema, anunciaba, cada parte y todo el conjunto, muestran un hecho nuevo, independiente del mundo exterior y desligado de cualquier otra realidad que no sea la propia, pues toma su puesto en el mundo como un fenómeno singular, aparte y distinto de los demás fenómenos. «No he de ser tu esclavo, madre Natura; seré tu amo. Te servirás de mí; está bien. No quiero ni puedo evitarlo; pero yo también me serviré de ti». Con la llegada de los imperiosos Manifiestos de Huidobro las teorías poéticas vanguardistas sintieron un notable movimiento regenerativo y renovador que Octavio Paz lo consideró como «el oxígeno invisible de la poesía latinoamericana». Vicente Huidobro, como parte de un campo literario moderno y de vanguardia, elaboró una serie de manifiestos que exponían su teoría acerca del arte del lenguaje y, de igual modo, su perspectiva política frente a diversos aspectos de la vida nacional e internacional. Su primer manifiesto fue «Non serviam», escrito a los veinte años de edad, donde ya planteaba la idea de la autonomía de la obra literaria, adelantando su poética creacionista. En 1925, Huidobro publicó Manifestes, trabajo escrito en francés que reúne sus escritos programáticos y define su posición teórica, antagónica a la expuesta en Premier manifeste du surrealisme (1924), publicado por André Bretón.

Un cordel en un patio de luz es un cordel en un patio de luz. Pero, bien mirado —y ejercido con primor el magisterio de la colada—, es la Creación microcósmica de una diosa, la creación efímera de una artista y la recreación semiótica de la vida en un barrio de clase trabajadora en una ciudad de Andalucía. Esta es la obra, cotidiana y nunca valorada, de la mujer de enfrente, quienquiera que sea. Carmen Camacho contempla la ropa tendida, y se deja decir: cuenta lo que el tendedero, cada vez, le cuenta. Las prendas tendidas al sol y al aire, con gracia natural y una belleza extraña, se convierten para la autora en un guiño, señal o mensaje cifrado. Cada colada es un estado de ánimo, un espejo, una luz encendida, un fragmento de barrio, un instante de mundo. Estas visiones conducen a Camacho, a veces, a la revisión mítica de la Magna Dea; a veces, a pensar (con esa manera otra de pensar que es la poesía) en tantas mujeres que son la mujer de enfrente, vecinas-cariátides encargadas en exclusiva de la crianza de hijos y nietas, la compra, la limpieza, los cuidados…; y otras veces a explorar las propias heridas, abiertas de pronto ante una camisa o un peluche que se secan al sol. Los poemas que fueron brotando al contemplar los tendederos anónimos del vecindario alcanzan una narrativa plena en la interpretación pictórica de los mismos llevada a cabo por Pepe Benavent. El artista plástico no mira directamente la escena; lo hace a través de los textos de la poeta. Juntos pulsan un tránsito de doble trayectoria: el de la diosa que cae y es relegada al interior de un quinto piso sin ascensor (pero sigue siendo divina), y el de la humana, también caída, que encuentra en la obra de la mujer de enfrente un amparo amoroso y redentor. Spoiler: la mujer de enfrente existe. Habita en todas

Poemas acerca de quiénes somos, cómo nos vinculamos con la memoria que nos conforma y con el lenguaje que nos permite nombrar y huir.Las conversaciones entre Mamá y Au. Abuela, que también está como «un cuerpo vacío sobre este escenario», y Abuelo, que «hoy tampoco era su marido». Las manos alienígenas. Plantas que son quesitos. Casas para vivir o para trabajar o para sobrevivir. María y Julia y Dolores y Delfina y Carmen y Candelaria y el Rubén. Los deditos del pie de la virgen y el pan en el caldo y las moscas en la pared. Poemas, balbuceos, perras y berros, un reggaetón para Marianne Moore y una cita de Marianne Moore: «You are not male / or female, but a / plan».¿Qué cabe en un libro de poemas? Por lo pronto, todo cuanto sucede y todo cuanto podría suceder --sí o no- en Soo, pueblo de Teguise, centro del mundo, espacio con raíces y con sig nificados propios. Desde Soo Juli Mesa plantea estos poemas acerca de quiénes somos, de qué manera nos transformamos en quienes somos, quiénes nos precedieron y quiénes nos acompañan, cómo nos vinculamos con la memoria que nos conforma y con el lenguaje que nos permite nombrar o huir. Un libro de poemas que discute qué entendemos por error, qué entendemos por identidad, qué entendemos por poesía: Soo es una obra destinada a perdurar. Soo, de Juli Mesa, obtuvo por unanimidad el I Premio Ana Santos Payán para Proyectos de Libros de Poesía. Un jurado compuesto por Luna Miguel, Raúl Quinto y Elena Medel celebró esta «propuesta torrencial expandida entre géneros, en un potentísimo dialogo con la poesía latinoamericana, y que trabaja desde el lenguaje - desde un idioma propio, que toma cuerpoen la oralidad-sobre la memoria y nuestro lugar en el origen»

Pilar Fraile excava en la herencia biológica e histórica hasta dar con esquirlas sepultadas de nuestra identidad colectivaPilar Fraile ahonda en 'Especie', su último libro de poesía, en la relación entre individuo y comunidad, uno de los temas que aborda de manera recurrente en su obra. El lenguaje se abre en canal, se desmiembra y recompone hasta llegar a su núcleo embrionario. Piezas líricas, fragmentos ensayísticos, retazos de memoria o registros históricos conforman una suerte de palimpsesto donde lo que fuimos, lo que somos, y, sobre todo, lo que creemos ser, se superpone y choca entre sí. 'Especie' extrae astillas que no solo sirven para reescribir nuestro relato común, sino que podrían resultar eficaces herramientas para combatir el individualismo feroz que corroe a la sociedad en la que nos ha tocado vivir.

Hasta que supe mi sexo: antes ha sucedido algo, más sucederá después. Poemas que nos cuentan el viaje de una vida, una historia de ternura pero también de crudeza.La madriguera, el alimento: hacia su búsqueda -hacia su cobijo- nos guían madres e hijas, y madres y huérfanas, y germinantes; también la niña que se fue y la niña que no se fue, y los ángeles de placenta sonora y los ángeles que aman. Mientras tanto, mientras las flores se cazan porque a la belleza no le queda otro remedio, mientras el cuerpo desemboca y los nombres se dicen en la herida, advierte Aurora H. Camero: «hasta que supe mi sexo // y era violeta/ violeta/ violeta/ violeta/ violeta/ violeta/ violeta violeta/ violeta/ violeta...»Hasta que supe mi sexo: antes ha sucedido algo, más sucederá después. Estos poemas nos cuentan el viaje de una vida, nos incluyen en esta historia en la que caben la ternura y la emoción de aquello que se desea, y al mismo tiempo su crudezay su violencia. Violeta es el libro de muchas preguntas, «qué pauta seguirá mi cuerpo/ tallo o polvo/ contra su imagen», y de las afirmaciones. Una de ellas: que este debut nos revela la voz de Aurora H. Camero como una de las más fascinantes dela nueva poesía hispanoamericana, capaz de elevar un atractivísimo mundo de sensaciones y sentidos. Violeta, de Aurora H. Camero, obtuvo un accésit en el I Premio Ana Santos Payán para Proyectos de Libros de Poesía. Un jurado compuesto por Luna Miguel, Raúl Quinto y Elena Medel consideró que se trata de «una escritura profundamente politica, engarzada en una constante reflexión sobre la identidad: y una escritura de honda inteligencia, fragmentaria, que desde estos quiebres se forja mientras se forja el poema mismo, con nuestra complicidad lectora»

Escritos entre 1873 y 1875 -en especial durante las dos estancias de Arthur Rimbaud en Londres, primero con Paul Verlaine y un año después con el joven poeta German Nouveau-, los poemas en prosa de Iluminaciones son el corolario de una obra que sigue deslumbrando e interpelando a los lectores por su onirismo, su radicalidad profética y su gusto precoz por el desmarque la ironía disolvente. Rimbaud entregó el manuscrito de estas 'illuminations' (la palabra inglesa para 'grabados coloreados') a Verlaine en febrero de 1875, durante uno de sus últimos encuentros, pero el libro no vio la luz hasta octubre de 1886 en las publicaciones de la revista La Vogue. El poeta, establecido a comienzos de esa década en Harar (Etiopía) como comerciante de café y armas de segunda mano y alejado completamente de su pasado literario por voluntad propia, no llegó a enterarse de esta publicación ni del impacto que tuvo en la poesía francesa de su tiempo. Este volumen recupera la traducción ejemplar del poeta Miguel Casado, nuevamente revisada para la ocasión, y nos ofrece el admirable trabajo de interpretación del artista visual Frederic Amat, para quien la poesía ha sido siempre eje artístico y vocación de vida, como demuestran sus lecturas de Federico García Lorca, Luis Cernuda, J. V. Foix, Octavio Paz o Mark Strand, entre otros. Atento al impulso evocativo del poema -su capacidad para generar un impacto visual-, sus imágenes luchan por captar lo que subyace al texto o, como el propio Amat afirma, su silencio originario. El resultado es una obra fuertemente unitaria que aúna expresión e investigación y que pone en continuidad, en un diálogo fecundo y lleno de sugerencias, pintura y poesía.

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Un libro donde lo vivido, lo soñado y lo pensado se entremezclan, sin que ninguno domine, porque los tres son parte del mismo tejido. Sencillez y hondura conviven en el texto, en sus distintas maneras de escribir y de avanzar: se dice poco para sugerir má

LIBRO CON DIBUJOS. 12 ILUSTRACIONES A TODO COLOR Yo te amo Pan ¿estaré loca? nosotras, tú y yo, nos miramos con necesidad las dos mamíferas, por tanto capaces de angustia, con tendencia a besar incompletas. Una mirada que persigue a todos los perritos que se cruza por la calle, acompañada de cierto nerviosismo… el reloj biológico que anuncia, fuera de la norma reproductiva, un deseo diferente, un deseo de perro. Sara Torres explora una voz poética distinta, la de la intimidad y la ternura con la que hablamos a los animales que nos acompañan. En conversación con Marta Velasco Velasco, que retrata la convivencia animal desde el dibujo, el libro atraviesa distintos momentos de la vida junto a un perro; desde el anhelo por una convivencia no humana hasta el acompañamiento en las situaciones más difíciles, de aislamiento y soledad. Un lenguaje que acude a las fronteras donde se separa lo humano y lo animal para que mano y pata se entreguen a un vínculo tierno e invulnerable.

En Criaturas del momento se concentra una visión de mundo donde gozo y melancolía son uno y lo mismo. Los poemas responden a un proceso de artesanía lingüística que, no obstante, trasciende el oficio creando emocionantes escenas sobre la infancia, el amor, el cosmos o la fugacidad de todo cuanto existe. Se trata probablemente del libro más armonioso de Rafael Espejo. Rafael Espejo nació en 1975 en Palma del Río (Córdoba). Es autor de los poemarios Círculo vicioso (Premio Federico García Lorca, 1995), El vino de los amantes (Premio Hiperión, 2001), Nos han dejado solos (Premio Emilio Prados, 2008), Hierba en los tejados (Premio Ojo Crítico de RNE, 2015), Criaturas del momento (Premio Francisco Brines de Poesía, 2023). En Madriguera (2018) se recoge una selección personal de su obra. Ocasionalmente ejerce de crítico literario, articulista de opinión, gestor cultural y profesor de escritura creativa. Vive en Algodonales.

Conocemos al Ernesto Castro filósofo y lo admiramos. En este libro asistimos al raro espectáculo del Ernesto Castro poeta y no podemos sino amarlo. Una búsqueda sin fin por los barrocos, los románticos, las vanguardias, la oralidad, rumbo a nuevas maneras de decir y sentir. ¿«Todo hombre es / un sol envenenado»? Sí, pero el viento tiene un lametón, soñar es una gran idea y abril está «recién fregao». Belleza. Berta García Faet Los poemas con un bloque blanco encima, ahogados, apretados por la página en blanco, que se vuelve toda una fiesta hacia el final del libro. Una fiesta a la que vine y me quedé. Una fiesta en la que la palabra de Ernesto vence y se escabulle en el silencio. Paula Ilabaca Quien nos reúne aquí tiene experiencia en alegrías y fangos, por no decir una visión plena, obra y un sentido de la exposición apto para muy pocos. Lo importante: los poetas, amigxs, a veces escriben libros de poemas. ¡A veces! del prólogo de Álvaro Guijarro