Se tiende a vincular la experiencia amorosa con la felicidad, con un tiempo luminoso, con una realidad acogedora, apacible. Pero muchas más veces de lo habitual -incluso en pleno siglo XXI-, el amor se construye, se vive, se goza o se sufre en escenarios especialmente duros, hostiles. Cenizas en los labios es la crónica de una intensa experiencia amorosa vivida en los más duros años de nuestra posguerra por una mujer, "niña de la guerra", hija de la derrota: "Años 40. No hubo / ninguna luz entre la pétrea niebla, / tan sólo la esperanza / de que el amor vendría a protegerme". Angelina Gatell, con este libro, nos muestra la plenitud de su saber poético, de su intuición, de su capacidad para aunar una alta ambición lingüística con la recreación de un mundo gris, cruel, en blanco y negro, en el que la humillación, la falta de horizontes y la demolición de los sueños de un mundo mejor se atemperan con la experiencia amorosa. El amor como refugio, como protección de quien aspiró a la felicidad con el telón de fondo de una ciudad derruida, derrotada, de una sociedad en claroscuro, que, a pesar de todo, busca la luz. Un hermoso libro: intenso, emotivo, maduro. Una obra mayor de una de nuestras grandes poetas de la generación del medio siglo. MANUEL RICO

Isabel Bono es una poeta distinta, especial, un poco poeta de culto y otro poco personaje de su propia obra, alguien capaz de llevar adelante cinco blogs (dos de ellos a diario), de comer frente a un teclado pipas de calabaza a la vez que habla muy seriamente de Samuel Beckett junto a un erizo de juguete. Les resultará fácil enamorarse de Pan Comido, ¿a quién no le habría gustado tener un gato llamado Galileo?, ¿quién de nosotros no ha amado hasta un lugar estúpido? Lo críptico, lo surrealista es tan sólo una adivinanza muy sencilla: Pan comido es sencillamente un libro de amor (complicadamente un libro de amor). Un libro de amor, si se quiere, a la poesía y a su mecánica cuántica. Pero el amor es sólo un paisaje, una excusa para que Isabel nos muestre un universo que sorprende más en el cómo, que en el qué. Gestos heroicos, trabajo de herrero con una sintaxis maleable. JUAN PARDO VIDAL

Autores: Jordi Doce, Rafael Reig, Fernando Aramburu, Francisco Javier Irazoki, Santiago Auserón, Pilar Adón, Javier Azpeitia, Marta Agudo, Julieta Valero y Vicente Molina Foix En 1961 salió a la luz un libro mítico, Cien mil millones de poemas, de la mano de Raymond Queneau. Este libro, insignia del Oulipo (abreviatura de lo que en castellano sería «taller de literatura potencial») propone 10 sonetos cuyos versos son combinables y riman entre sí, dándose así hasta 100.000 millones de combinaciones posibles. En su cincuenta aniversario, 10 autores y poetas de la élite de nuestra literatura homenajean a Raymond Queneau creando cada uno un soneto para dar lugar a este mismo número de combinaciones y a este objeto «imposible» que es ya una joya de la literatura contemporánea. De este modo: Jordi Doce, Rafael Reig, Fernando Aramburu, Francisco Javier Irazoki, Santiago Auserón, Pilar Adón, Javier Azpeitia, Marta Agudo, Julieta Valero y Vicente Molina Foix, los encargados de firmar este libro, recrean el juego oulipiano en nuestra propia lengua. 10 firmas de lujo absolutamente volcadas en este proyecto que homenajea también a una de sus influencias de creación, ya que todos se confiesan grandes admiradores de Raymond Queneau.

POETAS prostitutas, como un fenómeno socio-cultural peculiar de China, aparecieron en la época de Tang y Song, en el apogeo de la poesía del país oriental y existieron hasta el siglo XXI. No son unos cuantos casos aislados, sino un grupo de autoras nada despreciable. En el imperio chino la poesía siempre ha sido un arte muy extendido por todas las clases sociales. Muchos de sus más grandes poetas provenían de los estractos más humildes, e incluso marginados. Durante siglos las matronas de los burdeles contrataban a jóvenes a las que aleccionaban enseñándolas canto, baile, poesía, etc., para captar mejor clientela. Si la vida personal de estas poetas fue maltratada por el destino, la obra literaria de algunas de ellas, tanto poética, como caligráfica o pictórica ha sido motivo de admiración y estudio. Sus principales temas son el amor y el desamor, la injusticia social, pero también la amistad, la nostalgia, la exaltación de la naturaleza y, como no, la discriminación, la desgracia que las cerca y el desprecio que sufren.

Pocos poetas tan comprometidos como Jorge Riechmann en remover conciencias, en plantear una reflexión crítica e irónica sobre los desmanes del «capitalismo avanzado», pero pocos también tan dotados para usar la poesía como palabra reveladora, como vía de autoconocimiento y búsqueda de sentido.Somos un instante en la belleza del mundo, dicen sus versos, y sin embargo qué poco sabemos del mundo, qué poco lo merecemos. Y cuanto más denuncia el poeta los daños de nuestra sociedad de la hybris, también llamada sociedad industrial, más asombro le causa el milagro de la vida mínima. Cuanto más le conmueven los dones de la naturaleza o la humildad del prójimo, más le indigna el capital financiero que todo lo nubla. En la sobreabundancia y el vacío, en los signos de la muerte y de la destrucción, que todo se lo llevará por delante, la poesía le descubre la esperanza de aprender y amar, la verdad última de la compasión y la disolución del yo, la comunión más sabia con aquello que nos recuerda el paraíso del que fuimos expulsados.

A principios de los años ochenta, Leonard Cohen se trasladó al sur de Francia y en una caravana aparcada en medio de la Provence empezó a estudiar el Talmud, la obra del poeta místico hindú Kabir y los Salmos del Rey David, escribiendo una serie de textos que yuxtaponían zen y judaísmo en un cuaderno destinado a convertirse en El Libro de la Misericordia, probablemente la obra más confesional y salmódica escrita en nuestra cultura occidental contemporánea. «Tenía mi guitarra y estaba estudiando diversos textos religiosos. Pero no realicé el estudio de manera escolástica. En realidad, sólo estaba buscando consuelo. Y lo pedía de corazón, mediante oraciones. A veces uno se encuentra con la espalda contra la pared, sin nada que decir, y el único idioma que puedes utilizar es el lenguaje de la oración. De modo que escribí este libro de salmos con ese espíritu».

Un cielo avaro de esplendor representa, en la larga y compleja trayectoria poética de Jenaro Talens, una privilegiada metáfora del conflicto esencial que de modo constante ha atravesado su escritura: el ser-en-el-mundo. La voz poemática que habla en sus páginas busca aprehender, sin coartadas y sin subterfugios, el latido y la respiración de la existencia con un lenguaje cada vez más nítido y despojado de toda sentimentalidad superflua. Es una voz consciente de su desvalimiento y su fragilidad. No obstante, al enfrentarse con la experiencia traumática de la temporalidad y la muerte, rechaza la tentación elegíaca para cantar el valor irrenunciable de la vida y la voluntad de vivirla como lo que es, una parte tan sólo del ciclo natural de la materia. JENARO TALENS (Tarifa, 1946) es poeta, ensayista y traductor. Catedrático de Comunicación audiovisual en la Universidad de Valencia y catedrático emérito de Literaturas Hispánicas, Literatura comparada y Estudios europeos de la Universidad de Ginebra, ha publicado extensamente sobre semiótica, teoría e historia literaria y teoría e historia del cine; y traducido, entre otros, a Petrarca, Shakespeare, Hölderlin, Goethe, Novalis, Trakl, Rilke, Pound, Heaney, Júdice, Beckett o Natan Zach. Autor de una veintena de libros de poesía, su obra poética anterior está recogida en tres volúmenes : Cenizas de sentido. 1962-1975 (1989), El largo aprendizaje. 1975-1991 (1991) y Puntos cardinales 1991-2006 (2006). Su poesía ha sido traducida, entre otras lenguas, al alemán, inglés, francés, italiano, hebreo y portugués.

No existía un libro como éste: una antología de la mejor poesía europea centrada en los autores y las obras cualitativamente indiscutibles, de modo que todos estén representados con una amplia selección y a partir de una edición bilingüe: las mejores traducciones se acompañan siempre del texto original. La selección abarca mil años de poesía europea, que es como decir mil años de cultura europea; desde las canciones de mujer de la alta edad media hasta los grandes líricos del siglo XX: un elenco de más de ochenta poetas, en una docena de idiomas, que ofrecen un panorama histórico cabal trazado a partir de las muestras más hermosas de los últimos mil años de poesía en Europa. «La poesía toda es un viaje a lo desconocido.» Vladimir Maiakovski

Tomas Tranströmer es el poeta vivo más importante de Suecia y su nombre aparece todos los años en los medios como candidato al premio Nobel. Este libro es una antología de su trayectoria, desde su primera obra, 17 poemas, hasta su interés por los haikus, e incluye, además, su magnífica autobiografía. Tranströmer ha compaginado durante toda su vida su trabajo de psicólogo en centros penitenciarios y hospitales con la escritura de poemas, intentando transmitir cierto orden al mundo. Con un estilo propio, de «gestos pequeños», se interesó por los paisajes, la naturaleza, la psicología y los sueños. Como señala Carlos Pardo en el prólogo: «Hay poetas que nos hacen más inteligentes, más despiertos, que nos vuelven sutiles o sentimentales o contradictorios. Tranströmer nos coloca en el mundo, en eso que llamamos realidad y que se diferencia del realismo en que la realidad carece de sentido. Pero nos hace sentir fascinación por existir en él».

En este libro está la autora por completo, completamente desnuda. El libro presenta una poesía descarada, desvergonzada, virginal, ... la poeta tira sus versos a la cara. Poesía para niñas bien (Tits in my bowl) no es poesía para pusilánimes.

Éste es un libro que no maltrata palabras, que no rompe muros, que no acaba con las guerras, porque este libro sólo es una maleta de versos.

Edición de Nicanor Vélez. Prólogo de James Valender. La producción poética de Jaime Gil de Biedma es intensa y exigente. Agrupada en Las personas del verbo, se compone de versos directos y aparentemente sencillos en los que subyace la complejidad técnica,

DALES AMOR Y PUÑETAZOS, TV Tú ya sabes que eres el lugar donde trascurre su vivir, su sumisión y sus pocas ganas de protesta, así que dales un tiro allí, bárrelos con la escoba si se caen de un andamio aquí, y al resto déjalos sueltos por la jaula para que canten y discutan de fútbol, y triplica los espacios y tiempos de la publicidad porque nadie como ella extiende la verdadera utopía del capitalismo, y multiplica por ocho el tiempo de la sección de deportes, y duplica los concursos donde haya que cantar la ovejita lucera, bailar con un zombi extraído de la programación de 1980 o recordar el primer apellido de soltera de la mujer del príncipe. Mejor más películas de acción para que parezca que está pasando algo. Mejor dales drogas, terrorismo y religión y nadie se reirá cuando hables de la ley y el orden.

Pocos secretos han sido tan celosamente guardados por su autor como el que el lector descubrirá en En la llama. El presente volumen reúne por primera vez la obra poética de Juan Eduardo Cirlot entre 1943 y 1959. Los libros que lo componen habían sido publicados fuera de los circuitos comerciales en tiradas muy cortas. A pesar de ello, Cirlot no fue un poeta ausente y, aunque sus poemas aparecieron en revistas y antologías, el grueso de su trabajo poético permanecía desconocido. Lejos de los postulados garcilasistas o de la poesía social, Cirlot sigue el camino iniciado por la vanguardia europea cercenado en España por la guerra civil. Su estética, y esto hace que su obra sea única, mezcla tanto postulados simbolistas o surrealistas como otros que provienen de la música, del arte o de la erudición. En la llama es el lugar único de la verdadera poesía consumida por el fuego en el mismo instante de su nacimiento. En la poesía de Cirlot ese fuego es tan violento que inmola incluso al propio poeta.

Por primera vez se han reunido en un solo volumen todos los libros de poemas que constituyeron el ciclo Bronwyn, la obra cumbre de la poesía de Juan Eduardo Cirlot (Barcelona 1916-1973), así como poemas sueltos ;muchos de ellos inéditos;, collages, artículos explicativos, dibujos, esquemas y cartas. La visión de la película El señor de la guerra de Franklin Schaffner, en la que reconoció el mito de su vida, y en especial las imágenes de la doncella celta Bronwyn saliendo de las aguas del pantano, fueron el impulso para la creación de una obra que se sitúa en la cima de la poesía de Cirlot, iniciada en los años cuarenta bajo el signo surrealista. Al principio se trató de un libro de poemas, pero fue aumentando hasta convertirse en un ciclo. Al ciclo Bronwyn se añadieron poemas sueltos y artículos que indagan acerca del significado de su extraña experiencia poética. La potencia de las imágenes, plenamente visionarias, y una intensa sonoridad resultado de nuevas unidades semánticas son las cualidades fundamentales de este singular y extraordinario libro.

Por un lado, vista por el hombre, pero también como expresión de la propia feminidad del poeta. Laâbi es un escritor de su tiempo, es decir, del nuestro. No está parado a la espera de lo que suceda: «No espero nada del tiempo, voy a su encuentro». Encontrarlo, a él y a su obra, nos puede servir para entender(nos) mejor.

Del no mundo abarca la poesía de Juan Eduardo Cirlot desde 1961 hasta 1973, excepto el ciclo Bronwyn. Durante esta última etapa, Cirlot se enfrenta a las grandes preguntas sobre la existencia partiendo del prisma del límite y la vocación de totalidad. Así, crea con su palabra un terreno propicio a la transformación ;de carácter alquímico;, generando un humus negro del que surgen los destellos del oro, la meta final. Como consecuencia, el lector se verá sumido en un potente magma oscuro y cegador, asaltado además por el ritmo y el sonido, e incluso por la letra y su ubicación en la página. La maestría de Cirlot le hace enfrentarse tanto al soneto como a la poesía experimental, permutatoria y fonovisual. Este amplio espectro en el campo de la forma está vertebrado por la fuerza del que «inscribe su alma» en cada verso y que probablemente es la voz poética española más innovadora y arriesgada del siglo XX.