Tal vez la palabra que más trasluzca un poemario que se vuelve imprescindible es la palabra verdad. Hay en La hija de María García Zambrano una indagación inquisitiva sobre la verdad aséptica y despiadada que respiran los hospitales. A partir de dos epígrafes iniciales de Nichiren Daishonin y de Hélène Cixous, el libro se abre con un poema sin título, a modo de poética, cuyo primer verso nos sitúa en la atmósfera opresiva y angustiada en que va a irse desenvolviendo: «Soy la dulce letanía de los niños muertos en este hospital». Sin embargo, el libro no es el relato de una enfermedad sino una declaración total de amor: ese amor sin condiciones que explica la plenitud (y la precariedad) de lo humano, el vínculo que construye comunidades solidísimas que se sostienen en el hilo invisible que ata a los neonatos con el pecho doliente del lenguaje y por el que manan gotas de palabras también, a su modo, nutricias.

En este poemario, Fernando Díaz San Miguel construye un territorio donde la escritura se piensa a sí misma: un espacio hecho de vacíos, silencios y huellas, como lo hiciera Stéphane Mallarmé o el proyecto imposible de Eduardo Chillida en Tindaya. El libro se construye a través de cinco secciones: «Lugar»,«Nudo», «Hueco», «Meiosis» y «Fuego», que asimismo constituyen estados de la memoria y del lenguaje. Dentro de ellos conviven el duelo íntimo, la experiencia amorosa y la reescritura constante como única forma de permanencia. La voz poética se desplaza entre lo vivido y lo recordado, entre lo propio y lo ajeno, incorporando fragmentos, ecos, como sucede en la memoria. Libro de la sed indaga en la forma y la estructura del poema, en la búsqueda de su sentido, y lo hace a través de diferentes mecanismos: los de las estructuras musicales, la del Tractatus de Wittgenstein, la del almanaque y la del collage, para ordenar, con todos ellos, la forma de una música. Cada poema es una estructura que nunca se cierra del todo, cada página es una variación de la propia voz de su autor. En este libo, escribir es sostener una búsqueda de aquello que se escapa, de aquello que permanece como sed que no siempre se sacia.

Como subraya el subtítulo del poemario -Diario en versos- se trata de un conjunto de hojas desprendidas de un almanaque lírico, que refleja el proceso íntimo o desarrollo de un continuo irse enamorando de la persona que, en un momento dado, mi sensibilidad eligió con insistente perseverancia como objeto amoroso o diana para mis encendidas flechas. Como todo proceso amoroso, el poemario resalta momentos distintos y a veces contrapuestos: éxtasis, decepción, esperanza, enajenamiento, gozo carnal, desgarramiento… Y también, en determinados momentos, el extrañamiento cultural de un medio tan alejado del que dejé atrás, en pos de las huellas de quien, quizás de manera involuntaria, me encendió el alma. Aquí seguimos, cuarenta y cinco años después, librando juntos esta batalla del vivir.

La presente edición de las Elegías, fruto de una lectura interiorizada y repetida a lo largo ya de mucho tiempo por parte de su traductor, Juan Barja, quiere constituir un nuevo intento de acercarse todo lo posible a los poemas rilkeanos y a su ritmo interior, según respiran. El texto, una de las cumbres de la poesía occidental, se ofrece aquí en edición bilingüe y se acompaña de un variado trabajo de interpretación: en el ensayo que precede al libro (es decir, al poema y los poemas) y en los comentarios analíticos y las notas que, al final, lo cierran.

Premio Nacional de literatura en 1925, "Marinero en tierra" es uno de los hitos fundamentales de la obra de Rafael Alberti (1902-1999). Esta primera poesía del maestro gaditano es leve, grácil, llena de luz y musicalidad, de imágenes y criaturas imaginadas, expresión de la creciente melancolía del muchacho de mar anclado en tierra, y en ella resuenan desde los ecos del Romancero, de Gil Vicente y de Garcilaso, hasta los de Rimbaud, Verlaine y el vanguardismo.

Este volumen abarca una gran época de la poesía española renacentista y barroca y en él se ofrece una amplia muestra, seleccionada por Elías Rivers, de la obra de sus principales representantes desde Garcilaso de la Vega y Herrera, pasando por Fray Luis de León y San Juan de la Cruz hasta los más importantes barrocos como Lope de Vega, Góngora, Quevedo y muchos otros. La presente antología puede servir como un primer acercamiento a obras y autores cuyas ediciones críticas y comentadas han aparecido o aparecerán en esta misma colección Letras Hispánicas.

La estancia de Antonio Machado en Soria y el contacto diario con la tierra, paisaje y alma castellanos, contagiaron al poeta de su hondura esencial hasta lograr una identificación y un eco en su interioridad lírica. "Campos de Castilla", su libro capital, representa la expresión de esta andadura. A la exposición de lo temporal, de lo objetivo y de lo efímero -la poesía es palabra en el tiempo-, Antonio Machado comunica su preocupación filosófica y su meditación en torno al destino de España. Con esta nueva edición, Geoffrey Ribbans pretende establecer un texto definitivo de la quizá más célebre obra del poeta. Con este propósito, la edición toma como norma la cuarta edición de "Poesías completas (1936)", última publicada en vida de Machado, con todas las variantes encontradas en revistas y periódicos de la época, en "Campos de Castilla 1912" y en las sucesivas ediciones de "Poesías completas".

La obra poética de Jaime Gil de Biedma (Barcelona, 1929-1990) se considera fundamental en el canon literario de la segunda mitad del siglo XX. Es, sin duda, una de las más importantes de la llamada generación de los cincuenta o del medio siglo y una de las más difundidas e imitadas. El autor de "Las personas del verbo" no obtuvo nunca ningún premio literario, ni fue invitado a formar parte de ninguna academia, ni laureado con otras distinciones, lo cual no impidió que tras su muerte fuera objeto de numerosos congresos, simposios, cursos, ensayos, artículos y tesis doctorales. A pesar del fervor que despierta el poeta, hasta ahora no existía una edición crítica del conjunto de su obra, vacío que viene a suplir este volumen elaborado a partir del minucioso cotejo de cuantos originales y documentos (algunos de ellos muy poco estudiados hasta hoy) existen a disposición de la investigación.

Los poemas de Sonetos para una tonalidad perdida están inspirados es acordes musicales. Percival Everett es músico, además de autor o domador de caballos. Cada acorde lo coloca en un estado anímico que le lleva a un pensamiento donde son importantes los sentidos y las emociones. En cada pequeña estrofa hay una gran idea para replantearnos siempre desde la consciencia de ser minúsculos, de no entender la totalidad, ni siquiera nuestra relación tan necesaria con otros humanos. Cada soneto se corresponde con un acorde y se desarrolla en cuatro estrofas. En Mi mayor escribe: La fuente de la aldea es como una boca. Se abre para contar chismes que nadie cree. ¿Por qué íbamos a creerlos? La fuente es una mentirosa. ¿Cuál es la intimidad desde la que escribe Percival Everett, el autor de las novelas más satíricas, hilarantes y conmovedoras a la vez? En esta obra poética accedemos al mundo interior de un autor irrespetuoso con el sistema y extremadamente respetuoso con lo humano y la naturaleza.

Trashumo de la planta al metal de las mariposas famélico en el destino sin trayecto que urde la favila en vida y muerte para regresar a la llama.

Cuando en 1977 se publicó por primera vez el Cántico Espiritual de San Juan de la Cruz musicado por Amancio Prada los oídos más atentos fueron conscientes de hallarse ante una obra singular. Hoy, convertido ya en un clásico de la cultura musical española, este Cántico que hoy ofrecemos de nuevo revisado viene acompañado por las visitas que Amancio Prada ha prodigado a Juan de Yepes en forma de nuevas canciones. Esta segunda edición, la más completa hasta la fecha de la obra de Amancio Prada dedicada al místico abulense, viene acompañada por un código QR que da acceso a todas las canciones de Prada sobre poemas de San Juan. En el libro, el lector podrá encontrar la poesía completa de San Juan, testimonios de María Zambrano y Gerald Brenan sobre la importancia de la grabación del Cántico Espiritual y un iluminador prólogo de la poeta Gemma Gorga, así como una serie de pinturas de Víctor Ramírez

«Los poemas de Claude Roy están llenos de encuentros casuales y, a menudo, soñados. Entra en el sueño por la ventana de un cuadro de Vermeer de Delft y sale del cuadro por otra ventana que es de otro cuadro, de Rembrandt, y está perdido en un canal desconocido de Ámsterdam. En la otra orilla reconoce la sombra de Balthus, al que hace una pregunta misteriosa que recibe una respuesta más misteriosa aún, es decir, que es una nueva pregunta. Los poemas de Claude Roy están llenos de encuentros, de despedidas, de felicidades y nostalgias, como los viejos poemas chinos. En realidad, yo creo que Claude Roy es el último poeta de la Dinastía Táng. Puede parecer una exageración decir que Claude Roy era un poeta chino, pero el asunto de las reencarnaciones es complejo». Martín López-Vega

En una arquitectura minuciosamente estudiada, este poemario entrelaza voces y temas diversos. En un primer plano, se encuentra una persona cualquiera de las ciudades del mundo occidental, un individuo que experimenta el vacío, la soledad y la extrañeza hacia sí mismo y los demás. Luego están los otros: los individuos con los que el yo se encuentra o a los que observa desde lejos, y que en algunos casos toman la palabra para hacer visible la complejidad de los destinos personales. Por último, a su alrededor, está el plano de los destinos generales, los grandes acontecimientos colectivos que condicionan nuestras vidas y que se manifiestan en forma de experiencias directas o, más a menudo, de espectáculos: los conflictos de los años setenta evocados en el transcurso de una conversación, el G8 de Génova, el 11 de septiembre visto en la televisión, los vídeos del ISIS... Un poemario que parte de las superficies (las ventanillas de trenes y aviones, las pantallas de los medios de comunicación, los rostros de los demás) para buscar la profundidad, alternando verso y prosa para ofrecer una imagen plausible de lo que significa estar vivo en el siglo XXI.