Nadie nació tantas veces como Fernando Pessoa: en Lisboa el 13 de junio de 1888, en abril de 1889 de nuevo en Lisboa y en Tavira el 15 de octubre de 1890, entre otras. Fernando Pessoa nació cuantas veces quiso, ventrílocuo de sí mismo, empeñado en dar no solo voz sino vida completa (por más que para él poca vida había fuera de la escritura) a todas las voces que le habitaban. Quiso llevar cada matiz, cada contradicción de su alma, hasta el extremo, y para ello creó su interna multitud, su hermandad de heterónimos. Escribió los poemas de todos ellos, publicó solo cuatro libros en vida y unos cuantos poemas en revistas, y amontonó todo lo demás en un baúl que se haría famoso; un baúl lleno de gente, según expresión feliz de Antonio Tabucchi. Otros poetas modernistas, dice Robert Hass, como Yeats, Pound o Eliot inventaron «máscaras a través de las cuales hablaban ocasionalmente... Pessoa inventó poetas enteros».

Si tuviéramos que designar un heredero de la poesía clara y difícil de Salvador Espriu y de la poesía bondadosa e intensa de Miquel Martí i Pol, Joan Margarit sería, sin duda, el elegido. La dureza y, al mismo tiempo, la ternura del refugio contra la intemperie que es su extensa y reconocida obra poética lo sitúan entre los poetas catalanes más valorados por la crítica y los lectores.

Hubo mujeres. Relegadas a un segundo o tercer plano por un canon crítico que, aun en nuestros días, sigue mitificando a las figuras masculinas del movimiento, las escritoras de la generación beat no se limitaron a ser meras amantes, esposas o amigas: también fueron escritoras prolíficas que, en numerosas ocasiones, no obtuv ieron el suficiente reconocimiento. Poco sabemos de ellas en la realidad literaria española e hispanoamericana. Beat Attitude, antología de mujeres poetas beats seleccionada y traducida por Annalisa Marí Pegrum, viene a cubrir, en buena medida, ese vacío con una disección que incluye los poemas de Elise Cowen, Joanne Kyger, Lenore Kandel, Diane di Prima, Denise Levertov, ruth weiss, Janine Pommy Vega, Hettie Jones, Anne Waldman y Mary Norbert Körte.

«Hay un ejercicio de meditación que consiste en mirar el dolor de frente, a los ojos, sin huir de él ni renunciar a él, hasta que se extinga o hasta que sea él quien nos esquive. Este libro es el hogar que ha sobrevivido sereno a la tempestad, un templo donde las leyes de la naturaleza siguen su curso: aquí la gaviota picotea las cuencas de los ojos del cordero que yace, el padre come carne, la araña atrapa a la cucaracha y le hace un vestido de huesos blancos, el cáncer común destroza al cuerpo porque la enfermedad anida en nuestros espejos. Brahmana es también la persona que narra "Los estómagos" y cuenta su travesía a la otra orilla para ver la luz y atraparla. Por eso "Los estómagos" es claridad y por eso está, después de todo, lleno de vida» (Antonio J. Rodríguez).

El mayor poema del siglo XX «La temible Tierra baldía de T. S. Eliot vuelve a vivir en la versión de Andreu Jaume.» Félix de Azúa, El País Además de ser el gran poema del siglo XX, La tierra baldía es una obra esencial para entender nuestro tiempo. Con una dicción y unas imágenes rompedoras, T.S. Eliot sabe cantar la devastación de la primera guerra mundial, la adecuación del hombre a la ciudad como nuevo y definitivo exilio de la naturaleza, el deseo difícil entre mujeres y hombres, y convocar a la vez las voces del pasado literario de Occidente. Pero más allá del intimidante virtuosismo técnico y de la intensidad estética que el poema desata, en estos versos emociona sobre todo la desnuda humanidad que estalla en silencio. Editado, prologado y traducido por Andreu Jaume, que también nos da su versión de Prufrock, el primer poemario de Eliot y referente indispensable para entender el resto de su poesía, este libro viene a recordarnos, cuando se cumplen cincuenta años de su muerte, la vigencia, la ambición y el ejemplo de un poeta, un crítico y un editor que consiguió crear una nueva visión del mundo contemporáneo.

Este libro propone la relectura de los clásicos, Cervantes, con el fin de continuar una tradición de relectura, comentario y recreación de su obra a la que se suma la autora, con humildad y con atrevimiento. Este Baciyelmo es un libro de citas y de glosas. Las citas representan la obra de Cervantes, y las glosas son los poemas que nacen de las citas. Del juego intertextual surge la estructura del libro y el diálogo con el mundo simbólico y humano de El Quijote. Entre lo coloquial y lo culto, entre el juego humorístico y la aspiración ideal, la autora se complace en las palabras recias y antiguas, y alguna vez también, en las viejas palabras poéticas del tiempo de Cervantes, de la poesía pastoril y amorosa.

Con Diario sin Días se presenta el autor al mundo editorial. Está escrito en forma de diario, pero con la peculiaridad de que fue creado antes de nacer, gestado en la confortabilidad y la candidez del útero materno, donde todo se siente y se percibe desde el amparo, el abrigo y la protección que da vivir en el seno de una madre. Pero no por ello se deja de sentir con fuerza el pálpito incesante, y a veces desmesurado, de los días como un corazón latente, taquicárdico y enloquecido que no para. Desde aquí todo se pude mirar sin ser visto, sentir el pulso de los días, el paso tumultuoso de la realidad, el sonido atronador de los recuerdos, el pulso acelerado del tiempo. Sentir, sentir, sentir... Unas veces el autor mira con los ojos inexpertos de la inocencia, sin salpicarse, sin ensuciarse, sin dolor... con alegría, llevado por las sonoras carcajadas y el alborozo de la felicidad que da vivir, y otras veces su mirar se llena con el poso incrédulo que depositan los años en la mirada. Desarraigado, sin destino. Las palabras vertidas en Diario sin Días son el resultado de excavar, de sondear, de rebuscar en lo más profundo de las entrañas del poeta. Registra en su interior y da a luz, al modo de la mayéutica, lo que allí se encuentra entablando un diálogo consigo mismo. Todo está dentro, lo único que hay que hacer es sacarlo a la luz, al exterior. Dar al luz palabras sin haber sido expulsado a la luz todavía... Manuel Jesús Gómez Vázquez (Sevilla, 1976) es Licenciado en Filosofía por la Universidad de Sevilla. Realizó el Periodo de Docencia del Doctorado en el Departamento de Metafísica de la misma. De vocación por la escritura desde niño. Ejerciendo de escritor por necesidad. Necesidad de contarse a sí mismo lo que le sucedía, y lo que ocurría a su alrededor. La escritura como algo terapéutico, como una medicina, como un analgésico para su existencia; y ejerciendo de escritor en la más absoluta soledad y en secreto, como el más rotundo de los misterios. Sólo existe constancia pública de su labor como escritor en dos ocasiones: en 1992, en un poema que seleccionaron para una antología de poemas realizada por los alumnos del instituto donde estudiaba cuando tenía quince años; y en un blog donde publica algún poema de forma esporádica. Junto con su hermano intenta desarrollar Proyecto Sombra, que conjuga música y poesía. Además, tiene nalizada una novela y un libro de poemas con ilustraciones aún sin publicar.

Antología bilingüe compuesta por 70 haikus inéditos de uno de los principales escritores japoneses del siglo XX, autor de "Vida de un idiota" y "Rashomon". Akutagawa Ryunosuke, uno de los autores nipones más internacionales, llevó el relato japonés a las más altas cotas literarias con obras como «Rashomon» (1915), «Vida de un idiota» (1927) o «Engranajes» (1927). Estudiante brillante y ávido lector, Akutagawa fue también un consumado y prolífico poeta. A través de sus haikus podremos reconstruir el universo personal e íntimo de un escritor único y excepcional. Su vida, breve como un haiku, estuvo marcada por el amor a la escritura y el temor a la locura. Con solo 35 años, Akutagawa puso fin a la «vaga angustia confusa» que lo consumía ingiriendo una dosis letal de Veronal.

El mismo día, en la misma sala de hospital, dos mujeres de la misma aldea dieron a luz a un niño. Seis años más tarde se descubrió que hubo una confusión..., un intercambio. A partir de este hecho, Per Olov Enquist, para quien cada hombre lleva consigo la carga de un «gemelo» desaparecido, escribe una novela que condensa la esencia de la literatura nórdica. Una voz enigmática, cargada de preguntas y recuerdos, fundamentalmente lírica y repetitiva como los sentimientos, intenta, con la ayuda del capitán Nemo como guía benefactor, saber quién es, encontrar el sentido de su vida. La biblioteca del capitán Nemo es una de las mejores novelas de este escritor, propuesto en numerosas ocasiones para el premio Nobel de Literatura, y, con ella, comenzaron su enorme éxito y su reconocimiento internacional.

EL HUNDIMIENTO es el libro de poemas más personal y devastador de Manuel Vilas. Los poemas de El hundimiento reflejan sin ambages una crisis autobiográfica y de carácter existencial. No está ausente en este libro la representación de la España actual, con todos sus problemas políticos y económicos. Como siempre ocurre con la mirada literaria de Manuel Vilas, la exploración del mundo material y de las tensiones entre riqueza y pobreza tienen en esta poesía un protagonismo destacado. La creación de personajes misteriosos y alegóricos es otro de los aciertos más sobresalientes. Manuel Vilas con El hundimiento, que obtuvo el XVII Premio Internacional de Poesía Generación del 27, da un paso hacia adelante dentro de una trayectoria que cuenta con títulos imprescindibles de la poesía española actual como Amor. Poesía reunida 1988-2010 (Visor, 2010) y Gran Vilas (Visor, 2012). Entre las últimas novelas publicadas de Manuel Vilas, destacan Los inmortales (Alfaguara, 2011) y El luminoso regalo (Alfaguara, 2013).

En este quinto volumen de la Poesía Completa de José Emilio Pacheco (México, 1939-2014) se reúnen los libros El silencio de la luna, La arena errante y El siglo pasado. «La poesía de José Emilio Pacheco se inscribe no en el mundo de la naturaleza sino en el de la cultura y, dentro de éste en su mitad en sombra. Cada poema de Pacheco es un homenaje al No; para José Emilio el tiempo es el agente de la destrucción universal y la historia es un paisaje de ruinas. Podría suponerse que este parti pris lo convierte en un Doctor Pangloss al revés, empeñado en demostrar que vivimos en el peor de los mundos posibles. Por fortuna no siempre es así. Puesto que todos somos dobles, una y otra vez irrumpe en sus poemas la voz del Sí.» OCTAVIO PAZ «La poesía ayuda a vivir, es vida en sí misma y Pacheco afirma una y otra vez que la poesía contiene lo mejor del hombre y es una garantía contra la muerte. Ella significa todo lo que abraza, incluso lo más íntimo y pequeño, hasta esos imperceptibles "pasadizos de una hoja de sauce.» M. VARGAS LLOSA

EN 1974 Charles Bukowski (Andernach, 1920 - Los Ángeles, 1994) llevó a cabo una revisión de su obra poética hasta la fecha y decidió reunir en un volumen lo que dio en considerar su «mejor obra escrita a lo largo de los últimos diecinueve años». El resultado es Arder en el agua, ahogarse en el fuego, una colección de poemas desgarrados en la que está la esencia de la producción de este autor en la época que abarca sus años de formación y su ascenso hasta alcanzar esa plenitud poética que lo convertiría en uno de los autores norteamericanos más ampliamente reconocidos y admirados de su generación. «No entenderé nunca a los hombres, pero he sobrevivido.»

Beatriz Ros (Málaga, 1984). Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Málaga. Premio Nacional Fin de Carrera 2010/2011. Artista visual y poeta. Su primer libro de poesía De cómo descubrí que seguía viva (La Bella Varsovia, 2008) fue ganador ex aequo del I Premio de Poesía Joven Pablo García Baena.

Segundo poemario publicado en esta misma colección de Mohámmed Bennís, el escritor marroquí del que su traductor dice: «no es solo uno de los mejores poetas marroquíes actuales, sino también todo un referente crítico para los movimientos intelectuales y culturales de su país a partir de los años setenta del siglo xx».

El hundimiento del Titanic es un magistral poema épico -una hazaña desacostumbrada en estos tiempos- en torno a una historia que, aunque conocida, no ha perdido un ápice de su tensión dramática. En efecto, el enorme transatlántico, gigantesca maravilla del mundo que naufragó una gélida mañana del año 1912, no fue sólo un buque, sino también un mito: la encarnación del progreso tal como se entendió en el siglo XIX, un concepto cuya vigencia ha sufrido un serio revés tras los avatares de la historia reciente. A lo largo de treinta y tres cantos, en este poema -explícitamente inspirado en La divina comedia de Dante, escritor que retorna a menudo entre los fantasmas evocados por Enzensberger- se efectúa una soberbia recreación de la catástrofe. Los alaridos de los náufragos, las rememoraciones nostálgicas de los muertos, los inarticulados mensajes de los supervivientes; pero también fragmentos de telegramas, las últimas informaciones meteorológicas, las desesperadas peticiones de auxilio. Asimismo, las minuciosas descripciones de los menús de a bordo, la arquitectura del buque, la decoración y las pinturas kitsch de sus salones, las inoportunas alegorías de la Paz y del Progreso. Y todo ello embalsamado en el gran vacío del agua. Pero no sólo se trata de este hundimiento registrado en los documentos de la Historia: como fantasma, el Titanic sigue navegando. Su actualidad está probada por la puntualidad con que su destino sigue reflejándose en películas, fantasías y pesadillas. El poema trata también de este Titanic imaginario, de este «naufragio mental». La redacción de este libro se inició en Cuba en 1969, se elaboró durante casi diez años y se abandonó y reemprendió varias veces a lo largo de este tiempo. Elogio de la provisionalidad y de la duda, este poema refleja asimismo la crisis del militante marxista que ha perdido las ilusiones; no se adopta una «posición correcta», la justicia de la poesía no es de este orden: en caso de duda, está de parte de quienes sucumbieron en el naufragio. «Una de las más patéticas y hermosas metáforas del siglo XX. Una obra de magistral coherencia» (Juan Carlos Suñén, El País).