El Manyooshuu o «Colección de las diez mil hojas» es la primera gran antología de poesía japonesa. Recoge unos 4.500 poemas escritos entre los siglos vii y viii. En ella predominan los poemas de cinco versos conocidos como tankas. Entre los temas que los inspiran, el amor, en sus múltiples variantes y circunstancias, es uno de los principales. Las costumbres eróticas de la época eran muy abiertas, la vida amorosa se desarrollaba al llegar la noche y muchas veces de manera furtiva, de ahí el gran número de poemas que giran en torno a ella. La antología recoge tanto poemas de alto contenido erótico como otros que celebran el amor conyugal. Muchos de ellos fueron escritos por mujeres, que disponían de una formación y de una independencia notables. En resumen, en el Manyooshuu las emociones se desnudan desde muy diversas perspectivas, mostrándonos que el amor es un sentimiento que todos reconocemos por igual y que pese a los 1.300 años que nos separan de ella, ésta sigue siendo una obra intemporal y universal.

Li Tai Po o Li Po, en pronunciación regional y antigua, Li Tai Bai o Li Bai en la lengua china oficial contemporánea, putonghua, es para muchos el más importante de los poetas de la dinastía Tang y de toda la historia literaria de China. Símbolo, incluso, de la poesía misma. Su imagen de hombre libre, simpático, alegre, enérgico, amigable y espontáneo; su amor por la embriaguez, que sin pretensiones ofrece estados trascendentales de la mente; su fidelidad a los amigos de toda clase social; su admiración por la naturaleza y su devoción por la armonía universal, en el más puro estilo taoísta, son características tan personales que no sólo lo definen, sino que nos lo acercan como a un ser muy humano, desbordante de vida. A pesar de la lejanía cultural y temporal, su obra tiene la virtud de despertar en nosotros un renovador gozo estético por su belleza de formas y su temática. Admiramos, en virtud de la palabra bien dicha, una personalidad excepcional. Al leerlo se tiene la vivencia intensa de un poeta que pertenece al mundo. Sus versos nos acercan a un ser humano real, de fuerte temperamento, muy sensible y cordial. La energía que recorre sus líneas, concisas e imaginativas, transmite calor, sinceridad, entusiasmo, vida. Así se explica su difusión en ambientes disímiles por la cultura, el espacio o el tiempo. Teniendo en cuenta tan sólo las dimensiones chinas de su popularidad, se puede afirmar, sin duda alguna, que Li Bai ha sido y sigue siendo el poeta más leído de la historia del mundo.

En el año 2015 se conmemoró el 70 aniversario del final de la Segunda Guerra Mundial. Apenas quedan ya testigos directos que puedan transmitirnos su experiencia, pero sí contamos con muchos testimonios escritos. El haiku, por extraño que pueda parecer, es uno de ellos y en esta antología nos hemos planteado acercar el tema de la guerra a los lectores y reflexionar sobre él a través de los haikus y los haijines (poetas de haiku) protagonistas directos del conflicto. En Japón los haikus que respondían el tema de la guerra empezaron a componerse en mayor cantidad tras el Incidente de Manchuria (1931) pero ya antes los había escrito el gran haijin Masaoka Shiki (en la primera guerra con China en 1894-95), y en las guerras del siglo XX lo hicieron Hasegawa Sosei, Katayama Tooshi, Tomizawa Kakio y Saitoo Sanki. Entre los haikus de guerra pueden encontrarse algunos de carácter militarista, pero predominan los escritos por quienes la sufrieron y manifiestan en ellos su repulsa o su dolor. La poesía, y en este caso el haiku, es una herramienta de los poetas para expresar, a través de la naturaleza o a veces prescindiendo de ella, sus sentimientos de desgarro, desamparo y terror ante la inmediatez de un bombardeo o las desastrosas y escalofriantes consecuencias de la guerra.

Esta colección de frases geniales puede arrojar nuevos brillos sobre la obra de Pessoa. Pero habiendo reunido en tan pocas páginas tanta cantidad de verdades -y con el fin de que ello no disminuya la fuerza de cada una de ellas- me permito hacerles una sugerencia: lean no más de varias páginas por día, o bien, léanlo sin orden alguno, abriendo de vez en cuando el libro al azar y dejando que sus dedos les lleven a una u otra frase.

Poesía meditativa, lírica, dramática y espiritual, Cuatro cuartetos, ahora traducida, anotada y comentada por Andreu Jaume, es una de las grandes obras de la literatura del siglo XX y constituye el gran legado moral de T.S. Eliot para el siglo XXI. Cuando parecía que su obra poética había concluido, T. S. Eliot sorprendió a sus lectores con la publicación, en 1935, de Burnt Norton, el primero de los cuatro poemas que conformarían Cuatro cuartetos, una obra completada a lo largo de la Segunda Guerra Mundial y que supone la superación de la desolación, a la vez íntima y colectiva, que había descrito en La tierra baldía (1922). East Coker, The Dry Salvages y Little Gidding ahondan en la meditación sobre el tiempo, el amor, la realidad, la muerte y la búsqueda de Dios que Eliot había iniciado en Burnt Norton, convirtiendo la secuencia poética en una averiguación radical que, partiendo de sus raíces, logra desprenderse de lo biográfico para elevarse a un estadio superior. Con el fin de que el lector pueda hacerse una idea del camino que llevó a Eliot al alumbramiento de esta obra, Andreu Jaume ha traducido también los coros de La roca y Asesinato en la catedral, dos piezas para teatro con las que Eliot ensayó su nueva voz poética. Críticas: «Cuatro cuartetos es la mejor secuencia de poemas largos compuesta en nuestro siglo.» David Perkins, A History of Modern Poetry «Quizá su obra más bella y con partes de auténtica redondez musical.» José María Valverde «Un viaje alucinante, por no hablar directamente de peregrinación, a determinados rincones cargados de significación espiritual y simbólica.» El Correo de Andalucía

Las cuatro partes de Carta al padre (dos escritas en prosa poética y dos formadas por poemas) asedian la figura intimidatoria del padre desde distintos ángulos. En la primera parte el padre real se difumina detrás de otros padres soñados, deseados, ajenos, prestados o leídos. En la segunda, la más autobiográfica, el padre verdadero se alza, aplastador, sobre un hijo que hace lo que puede para construirse una vida propia. En la tercera el padre agoniza en la cama de un hospital y el hijo mira los objetos a su alrededor, testigos de lo que siente. La última está formada por dos largos poemas en los que también se habla del padre: un canto de agradecimiento a la vida y una reflexión sobre los efectos de la muerte desde una mentalidad supuestamente primitiva. Muchos padres, todos los padres: Jesús Aguado recorre los tantas veces sombríos laberintos de las relaciones padre-hijo no tanto para proponer un ajuste de cuentas como para recrear un territorio lleno de malas hierbas que alguien tiene que procurar limpiar, regenerar, abonar y sembrar con buenas semillas (con buenas palabras) antes de que sea demasiado tarde.

Solo unos meses después de publicar su último poemario en catalán, Marinejant, Pere Gimferrer vuelve al castellano con No en mis días, otro libro extraordinario que se suma a una trayectoria ineludible en cualquiera de las dos lenguas. Fechados entre 2012 y 2016, los 28 nuevos poemas de Gimferrer muestran al maestro del lenguaje en la plenitud de su arte. Sorprende la riqueza y audacia de imágenes que abundan en referencias pictóricas, literarias, musicales o cinematográficas, como partes de un discurso total donde se acumulan los tiempos y los escenarios, superpuestos o transfigurados. Entre alusiones a la actualidad política, a episodios históricos o a su propio itinerario, el poeta trata de la violencia y de la guerra, del erotismo y de la muerte, desde un presente acotado por las fechas ?que en los versos de Gimferrer adquiere siempre una realidad autónoma, singularísima? en el que se percibe una mezcla de rabia o inconformismo y melancolía con ráfagas de nostalgia.

Las proximidades transmiten algo fundamental: que comprender no es ni asimilar, ni explicar, ni entender, sino emprender en proximidad. Las proximidades van enlazadas con la percepción y con el cuerpo, se trata del yo que percibe como ser separado pero también forma parte de una masa de gente, o percibiendo algo, un objeto, por el tacto que acerca y la mirada que aleja, o la percepción de un pensamiento que se hace verdad en el acto mismo de ser percibido. La imagen de una mujer en el cuadro de la tienda atraviesa el dintel del espacio- tiempo y se aproxima al presente porque el tiempo no es lineal sino que se estira y encoge y por eso los contactos son posibles. En ese contacto, como el contacto entre percepción y palabra, se tiene la experiencia del calambre que es el instante de revelación en el orden de lo cotidiano.

La muerte sin maestro viene a ser el testamento poético de Herberto Helder. Y funciona como un rito. El poeta, a la altura de la edad, en el umbral entre vida y muerte, en ese finis gloriae mundi en que se encuentra, vuelve a pronunciar -con exaltación y melancolía y con un lenguaje irracionalista, versicular y deslumbrante- los principales motivos de su decir poético: amor, eros, fascinación ante la figura de la mujer... y siempre, como telón de fondo, la vibración de un cosmos incesante.

"Esperando a los bárbaros", el poema más conocido y recitado de Constantino Cavafis, alude explícitamente al desmoronamiento del Imperio Romano, pero bajo esa apariencia histórica se esconde un alegato contra males sociales tan en boga como la corrupción moral, la descomposición política, el egoísmo y la abulia del poder... Con una traducción nueva y magnífica del poeta Luis Alberto de Cuenca, Miguel Ángel Martín ilustra con mirada actual esa decadencia de los poderosos, esa caída del imperio que se vive actualmente en las mal llamadas sociedades al bienestar.