Escuchaba el sonido del viento entre los pinos, inunda las entrañas su tristeza, suena como el rumor del oleaje, alto en el cielo meciendo las copas de los grandes árboles. Es espantoso y profundo el desamparo del sonido del viento entre los pinos. Desoladora música, es imposible olvidarla. Como si el mundo llegara a su término, vibra el sonido del viento, el constante sonido del viento, del dios sin figura que rasguea como un koto las copas de los pinos. «Sonido del viento entre los pinos», de Shinkichi Takahashi Shinkichi Takahashi (Ehime,1901- Tokio, 1987), introductor, junto a Jun Tsuji, del dadaísmo en la literatura japonesa, Shinkichi Takahashi deja pronto atrás los influjos más estridentes de la vanguardia europea para convertir su poesía, ya en el ámbito de influencia del budismo zen, en un espacio de contemplación de la naturaleza y el mundo urbano del Japón de la postguerra. En su juventud, turbulenta y bohemia, una aguda crisis mental le lleva a pasar tres años recluido bajo el cuidado de su familia. A partir de 1935, atraído cada vez más por la práctica de la meditación, comienza a alternar la vida monacal con trabajos ocasionales en el periodismo. En 1952 tiene lugar su ordenamiento como monje rinzai zen, recibiendo de manos de su maestro Shizan el Inka Shômei, reconocimiento de su iluminación. A partir de entonces vivirá en el barrio tokiota de Nakano, dedicado a la escritura y al zen hasta su muerte. Shinkichi Takahashi publicó más de 15 colecciones de poesía y numerosos ensayos, centrados en gran parte en el mundo espiritual y artístico del budismo zen. Títulos destacables de su obra poética son: Poemas de Shinkichi el dadaísta (Daisuto Shinkichi no shi, 1923), Festival de Gion (Gion Matsuri, 1926), Eclipse de sol (Nisshoku, 1934), Visita al templo (Jinja sanpai, 1941), Monte Kirishima (Kirishima, 1942), Padre y madre (Chichi haha, 1943), Torso (Dôtai, 1956), Dorada (Tai, 1962) y Gorrión (Suzume, 1966). Entre sus ensayos se incluyen Nihilidad (Komu, 1957), Poesía y Zen (Shi to zen, 1969), Zen y literatura (Zen to bungaku, 1970) y Dada y zen (Dada to zen, 1971).

El Cantar de los Nibelungos es el más sombrío y trágico de los poemas épicos de Occidente. Herencia germánica y escandinava de una épica oral de los tiempos de las migraciones bárbaras, constituye una pieza central de la literatura universal, análoga al Poema de Mio Cid o al Cantar de Roldán. Su argumento, cuyas peripecias arrastraban ya más de siete siglos de antigüedad, funciona como una imparable máquina infernal de crimen y venganza hasta la total extinción de una raza, al modo de un sangriento film de gánsteres cuya acción se dilatase a lo largo de veinticinco años. La gran cantidad de manuscritos que nos han llegado demuestra que las gestas de Sigfrido, Crimilda, Brunilda y Atila fueron muy populares en su tiempo. Nos han seguido fascinando después, a juzgar por las numerosas recreaciones que se han hecho del texto en todos los ámbitos artísticos hasta nuestra época. Xavier Roca-Ferrer acompaña su brillante traducción, en prosa y profusamente anotada, de una introducción y unos comentarios críticos que hacen la obra accesible y grata al lector contemporáneo. «Las grandes obras de la literatura medieval son tan emocionantes como desoladoras y acongojantes. (...) Resultaría muy fácil actualizar El Cantar de los Nibelungos y convertirlo en la historia de la aniquilación de un clan mafioso, algo así como un ?Padrino? con espadas.» Michael Dirda «No hay que ser necesariamente feminista para sostener que en El Cantar de los Nibelungos se nos cuenta la venganza imposible de una mujer en una sociedad dominada por los hombres.» D. Buschinger y J. M. Pastré

Este mundo de fuerza y violencia no es, no puede ser un mundo añorado o ensalzado en los versos de Julio Martínez Mesanza, que pasan por belicistas. Si nos detenemos un poco ante ellos, veremos, junto al desprecio de la especulación racionalista (que es, sobre todo, el desprecio por la soberbia humana, sus utopías, su orgullo y sus torres), veremos, digo, la terrible verdad de que esa ley de la fuerza y la materia no es la del vitalista que invoca la acción o la de un quijote caballeresco: esa ley preside estos versos no porque sea la suya, la de ellos, sino porque es la nuestra. Nuestro mundo tiene, de nuevo, la idea de la historia que corresponde a la muerte irremisible del individuo personal y al progreso de la especie: en suma, al triunfo de la materia. Y ese mundo de guerra al alma, en el que el alma se debate por obedecer sin que la maten ?por ello? los desobedientes, ese mundo es el nuestro, el de hoy, nuestro dialogante y relativo mundo, con su cultura y todo. E. A. R.

La obra de Berta García Faet se ha convertido en una de las referencias inexcusables de la nueva poesía española: por su trabajo con el lenguaje, que tiende un puente entre las dos orillas del idioma, y también por su escritura -en cierto modo reescritura- de aspectos como el amor y el deseo, el cuerpo, la propia identidad o la metaliteratura. Corazón tradicionalista reúne los cuatro primeros libros de la autora: Manojo de abominaciones (XVI Premio de Poesía "Ana de Valle"; 2008), Night club para alumnas aplicadas (VII Premio Nacional de Poesía "Ciega de Manzanares"; 2009), Introducción a todo (IV Premio de Poesía Joven "Pablo García Baena"; 2011) y Fresa y herida (Premio Nacional de Poesía "Antonio González de Lama" 2010; 2011). Un solo volumen en el que se demuestra con cuánta intensidad latían ya, en sus poemarios iniciales, esas preocupaciones que ahora nos deslumbran.

LA poesía de Daisy Zamora estremece al lector por la empatía con que muestra la verdad desnuda desde lo hondo del ser, y por su compasión ante la condición humana. No podría ser ella toda la gente que habla a través de su poesía, pero en la belleza delicada y a veces efímera de su imaginería y su música hay también un realismo descarnado y un humor que marcan su arte de tal manera que convence al lector que eso sólo pudo emanar de la fuente, sólo puede decirlo el corazón de alguien que pasó por eso, que estuvo allí, que sobrevivió. Parafraseando a W.B. Yeats, su voz es tan genuina que no podemos separar al danzante de la danza, y en toda su obra se difuminan una y otra vez los límites entre la realidad y la aguda observación, sea en la poesía de guerra o en la de amor, en los monólogos en primera persona o en las viñetas impresionistas, en las confesiones o en las revelaciones, en todo el amplio registro de su apasionada y compasiva obra poética. Daisy Zamora (Managua, 1950) formó parte de la resistencia clandestina, fue combatiente, y finalmente se convirtió en la voz de la Radio Sandino durante el exilio político. Tras el derrocamiento de la dictadura somocista regresó a disfrutar del triunfo que su generación logró para Nicaragua. Fue designada viceministra de Cultura del nuevo gobierno, desde donde impulsó el renacimiento de la vida cultural, que floreció después de tanta muerte y destrucción. GEORGE EVANS

JUAN ANTONIO GONZÁLEZ IGLESIAS (Salamanca, 1964) es un poeta español de signo clásico. Su poesía reunida hasta 2010 se encuentra publicada por Visor en el volumen Del lado del amor. Sus poemas deportivos se recogieron nuevamente en Decatletas (2012). En Confiado el lenguaje, que aspira a ser logos, trata del amor, del cuerpo, del deporte, de las nuevas tecnologías y remotamente de la política, todo ello desde una perspectiva serena orientada a la belleza del mundo y a la cercanía de Dios. Confiado contiene una apología de la lentitud y de lo sencillo. Es un libro que, sobreponiéndose a las negaciones, presiente el futuro como algo bueno. Es también un autorretrato..

Con casi tres décadas ya de trayectoria, la poeta en lengua gallega Chus Pato (Ourense, 1955) es hoy por hoy una voz respetada en el panorama poético internacional. Sin embargo, su presencia sigue siendo parcial en la edición en español. Este primer volumen de su poesía reunida sale al paso de esta urgencia y presenta los primeros tres libros de la autora: Urania (1991), Heloísa (1994) y Fascinio (1995). Chus Pato es, probablemente, una de las primeras poetas en España que aborda y asume en su escritura el amplio espectro de la Posmodernidad, de la revolución en torno a la identidad de género a la conciencia territorial del lenguaje como vía transformadora de lo político. Pero su apuesta no se agota al señalar tales problemas y levantar viaductos para circularlos, trasladando al texto una crisis epocal en un ejercicio que, en ocasiones, conduce a la afasia expresiva o la filigrana puramente conceptual, eso que Terry Eagleton ha denominado «metafísica negativa». La poesía de Pato se erige alegremente como monumento de placer expresivo; donde la raíz teórica, al hundirse con fuerza, no menoscaba el ánimo celebratorio, la humana sentimentalidad, la pura floración lingüística. «Quisiera con mis versos comunicar Lengua: escritura (hubo un tiempo en que el habla era creación), creación de las abuelas, de las treinta generaciones de abuelas que me precedieron y hablaron en gallego, de las treinta o más generaciones de abuelas que me precedieron y hablaron una lengua extinta de la que yo conservo ecos en el gallego actual, y de aquellas otras, sin nombre, que crearon la lengua al pie de los sepulcros, levantando la construcción con sus dedos, y cerrando el túmulo con grandes lastras de la memoria. Abuelas Mías-Nuestras contrarquitectas de las grandes Casas de la Vida: de la Muerte. Del idioma.»

Estamos vivos porque nos duele el corazón. Esta idea sobrevuela el poemario póstumo de Nacho Montoto, uno de los poetas jóvenes más importantes de España, ganador en su día del Premio de Poesía Andalucía Joven. Escrito como si fuera a ser interpretado por una orquesta, está dedicado al amor, la luz, la bondad, la belleza, la pérdida y el porvenir. Con un estilo depurado y elegante, certero y siempre brillante, también propugna en este poemario la pluralidad de voces y de disciplinas. Nacho no fue nunca el poeta encerrado en su torre de marfil. Se fue demasiado pronto, pero nos queda su legado.