Sus poemas se distinguen por su sencillez, que no va en detrimento de la profundidad. Su gran destreza poética se despliega en estos textos que expresan los más profundos sentimientos y plasman con gran belleza cómo es posible el amor, si lo es, bajo el ritmo frenético de las ciudades y de la vida entre las redes. Ben Clark es el autor de un poema, incluido en el libro, con 1.000.000 de apariciones: el poema viral por antonomasia.

Los fieles seguidores del poeta, que son muchos, ya saben que, para satisfacción nuestra -y de ellos-, no es la primera vez que Francisco Brines prestigia con su presencia nuestro catálogo, ya que en 1995 publicamos el que fuera entonces su poemario más reciente, La última costa (Marginales 138). Pronto comprobamos la necesidad de que toda su obra estuviera al alcance de todos. De la urgencia surge, pues, esta edición de su obra poética completa, que puede considerarse desde ahora como definitiva.Inspirada en la reflexión serena sobre la realidad íntima y sobre la existencia -que trancurre siempre, bajo los ojos acechantes del tiempo, en el filo de la vida y de la muerte cotidiana y definitiva-, su obra trasluce coherencia y constancia, y, a la vez, sutiles transformaciones. Así, la lucidez precoz del primer libro, Las brasas (1960, Premio Adonais 1959), da paso a los poemas histórico-narrativos que conforman Materia narrativa inexacta (1965) y al sinuoso y reflexivo Palabras a la oscuridad(1966, Premio de la Crítica). Aún no (1971) abre caminos nuevos, como la sátira y un desgarrado existencialismo que preconiza la visión desengañada y a la vez metafísica de Insistencias en Luzbel (1977). Con El otoño de las rosas (1986, Premio Nacional de Poesía) recobra Brines la transparencia y la diafanidad para culminar con la luminosidad otoñal de su postrer libro, La última costa, en el que alcanza una difícil desnudez y pureza expresivas. Ofrecemos, pues, estos poemas reunidos al lector para que, en palabras del propio Brines, «ajuste el rigor o acompáñelos benevolente, sienta después desvío o concédales a su entregada intimidad (?) el calor de la suya. Violados con tosquedad, o bien gozados, prestos estarán a conceder su intocada virginidad a cada nuevo lector, pues ésta es condición peregrina de su naturaleza».

Grafitis para neandertales es un libro híbrido en cuya aleación se mezclan micro-ensayos en prosa y poemas. El cicerone que nos guía por sus páginas es Ñor, una suerte de monje taoísta preocupado por la revelación al mundo de su destino: el colapso ecológico-social y antropológico como consecuencia del fracaso estrepitoso del capitalismo. Jorge Riechmann, siguiendo el ideario de Albert Camus, pone su obra al «servicio de la verdad», aun sabiendo de la incredulidad de la gente, que, como dice María Zambrano, levanta ante ella «un castillo artillado». Pese a ello, su objetivo no es otro que concienciar (no sin ironía o delicados haikus) de la importancia de la compasión, la piedad, la lucidez y el amor para evitar futuros genocidios por el descenso energético y el cambio climático. Acaso se trate de su libro más duro. Ariadna G. García

El pausado transcurrir de los días, con sus ritmos que parecen abolir el tiempo. La peculiar geometría de las calles que irradian desde la plaza central. El ciclo del cultivo y la cosecha, donde la muerte es simultáneamente cósmica y minúscula, donde el renacimiento es tan certero como el sol. El tempo de una existencia desplegada entre colinas, dolorosamente lejos del mar. Louise Glück condensa en Una vida de pueblo el día a día rural en Estados Unidos, con sus animales y habitantes, cuya juventud exuberante y subsecuente decadencia parecen hacer eco de la naturaleza que los rodea. Con ojo sutil e irónico, con dicción afilada, nos muestra el lado oculto de este devenir aparentemente sencillo, exhibiendo sin tremendismo las pasiones que transcurren hondas en su interior. Louise Glück es una de las voces capitales de la poesía estadounidense. En el curso de varias décadas ha publicado numerosos libros de poesía, entre los cuales destacan The Wild Iris (El iris salvaje, Pre-Textos, 2006), que le mereció el Premio Pulitzer, Averno (Pre-Textos, 2011), merecedor del Premio L. L. Winship/PEN New England y Faithful and Virtuous Night, el cual recibió el Premio Nacional del Libro en Estados Unidos. Su volumen de ensayos Proofs and Theories ganó el Premio PEN/Martha Albrand. Su obra ha sido reconocida con galardones como la Medalla Nacional para las Humanidades, el Premio Bollingen y las becas Guggenheim y Rockefeller. Es miembro de la Academia Americana de las Artes y las Letras, así como de la Academia de Poetas Americanos. La Editorial Pre-Textos también ha publicado sus libros Ararat (2008), Las siete edades (2011), Vita Nova (2014) y Praderas (2017).

Su voz es valiente, original, claramente adelantada a todo lo que la rodea. El riesgo cae en sus poemas con firmeza porque la autora sabe que las palabras, esas que perfila con la sencillez que sólo tienen los maestros, están por encima de peligros y consecuencias. Y eso, en un mundo en el que apenas se describe la realidad tal y como es, cruda y vital, es lo que la convierte en una de las voces más rompedoras de este siglo.

El libro realiza un recorrido que va desde lo menos tangible, los poemas relacionados con en encuentro con la vida adulta, con las emociones que provoca un exilio… hasta lo más físico, el cuerpo. Así, el lenguaje va avanzando también hasta dibujar un campo de batalla. Se narra un conflicto bélico en el que el adversario es interno y, al mismo tiempo, universal. Tan universal como la necesidad de alimento, en sentido literal o figurado. A modo de epílogo, la autora dedica la última parte del libro a una serie de poemas que juegan con los elementos recurrentes en la obra del malogrado artista Pepe Espaliú, como conclusión.

Con Huidobro, el ‘pájaro de lujo’, llegan Apollinaire y Reverdy. La imagen recobra las alas. La influencia del poeta chileno fue muy grande en América y España; grande y polémica. Esto último ha dañado la apreciación de su obra; su leyenda oscurece su poesía. Nada más injusto: Altazor es un poema en el que la aviación poética se transforma en caída hacia ‘los adentros de sí mismo’, inmersión vertiginosa en el vacío. Vicente Huidobro, el ‘ciudadano del olvido’: contempla de tan alto que todo se hace aire. Está en todas partes y en ninguna: es el oxígeno invisible de nuestra poesía. Octavio Paz

desnudos bocarriba en un camastro sin sábanas mi cara al lado de tus pies tu revés es mi derecho siempre igual sin movernos hasta cuándo

¿Puede el lenguaje poético materializarse como un cuerpo? ¿Puede ser inflexión, carne o textura? ¿Puede vencer la barrera del movimiento y trasspasar la frontera escénica del papel? Ana Gorría pone en marcha estas preguntas en Nostalgia de la acción. Como premisa, el trabajo fílmico, coreográfico y escénico de la artista Mayra Deren (1917-1961). En un diálogo explícito con algunas de sus piezas, el sujeto poético desenvuelve la variedad de sus personas verbales, la posibilidad física de la existencia en la palabra, las emociones humanas al calor de la emociones-acción, reracción-de un cuerpo móvil. Los dibujos de Marta Azparren introducen un tercer lenguaje que fija la indagación poética a la manera de un fotograma del gesto y añaden, en su propio estilo, una variación más en las lecturas posibles de Deren.

EL padecimiento continuo es una recopilación de poemas inéditos de Charles Bukowski (1920-1994), uno de los más célebres, imitados, convulsivos y compulsivos poetas del siglo XX. Nacido en Alemania, es sin embargo uno de los autores más emblemáticos de la literatura norteamericana, hasta el extremo de que Joyce Carol Oates ha dicho de él que es «el Walt Whitman de Los Ángeles», ciudad en la que residió durante 50 años. A otros ángeles se refiere Leonard Cohen cuando afirma que Bukowski «puso a todo el mundo a ras de tierra, incluso a los ángeles». Nuevos poemas, en definitiva, de Bukowski, siempre fieles a Bukowski.

Cuatro son los Réquiem que escribió Rainer Maria Rilke, dos de ellos en 1908: el «Réquiem por una amiga», en memoria de la pintora Paula Modersohn Becker, muerta de sobreparto a los 31 años, y el «Réquiem por el conde Wolf von Kalckreuth», joven poeta y traductor suicidado a los 19 años; ambos fueron publicados juntos, en 1909, con el título único de Réquiem. Pero antes, en 1900 ya había escrito otro, el «Réquiem por Gretel Kottmeyer», una amiga de Clara Westhoff, con la que pronto se casaría el poeta, que formó parte del Libro de las imágenes, publicado en 1902; y más adelante, en 1915, aún escribió el «Réquiem por la muerte de un niño», al fallecimiento de Peter Jaffé, el hijo de unos amigos muniqueses muerto a los ocho años, que no se publicó en vida del poeta, sino en 1927, en la primera edición de sus Obras completas. Luego, en 1931, los cuatro Réquiem fueron agrupados con ese único título en un libro, que es el que aquí se publica, en edición bilingüe, con versiones al castellano de Jesús Munárriz.

«Conocí a Ósip Mandelstam en La Torre de Viacheslav Ivánov en la primavera de 1911. Entonces era un muchacho flacucho con un lirio de los valles en el ojal, con la cabeza bien alta, de ojos llameantes con pestañas larguísimas. Lo vi por segunda vez en casa de Tolstói en Staro-Nevski, él no me reconoció y Alexéi Nikoláievich se puso a indagar sobre la mujer de Gumiliov, y él le mostró con las manos cómo era de grande el sombrero que yo había llevado en esa ocasión. Me asusté por si sucedía algo irreparable y me anuncié. Ese fue mi primer Mandelstam, el autor del tierno Piedra (ed. Akmé) con esta dedicatoria: «A Ania Ajmátova, chispazos de conocimiento en la desmemoria de los días. Respetuosamente, el Autor».

Imágenes iluminadas pretende recuperar la figura de Ernesto López-Parra, poeta periférico de lo que comúnmente se conoce como Generación del 27. A lo largo de su vida publicó cuatro libros, cada uno de ellos representante de una corriente expresiva diferente. Practicó de este modo una poesía modernista, otra ultraísta, para finalmente recalar en la poesía comprometida. Pese a carecer de un estilo netamente personal que lo hubiera prestigiado como creador, su voz alcanza momentos de gran altura que no pueden echarse en el olvido. Recogemos en esta antología versos de sus diferentes etapas, extraídos primordialmente de sus libros pero sin obviar su abundante participación en las revistas de la época, verdaderas depositarias del espíritu del tiempo. Además, ofrecemos una amplia representación de su poesía carcelaria, inédita hasta la fecha, en la que López-Parra destila en versos transidos de dolor su personal calvario. Ernesto lópez-parra (Talavera de la Reina, 1895-Ocaña, 1941). Hijo del político republicano Eduardo López-Parra, pronto despertó en él la vocación literaria. En 1920, mientras estudia Derecho en Madrid publica su primer libro, Poemas del Bien y del Mal, de ribetes modernistas. Al mismo tiempo se adhiere al movimiento renovador del ultraísmo, aunque sin terminar de depurar sus resabios finiseculares. La publicación de la pieza teatral Paisaje de abanico (1921) provoca su excomunión del ultra. En la década de los 20 fusiona la lírica sensitiva de Juan Ramón Jiménez con la imaginería vanguardista. Fruto de ello es su libro más depurado: La Imagen Iluminada (1929). En la década siguiente se reencarna en un nuevo poeta: comprometido y combativo según testimonian sus Auroras rojas (1936), augures de la Guerra Civil. Tras ella será detenido y después de rodar por varias cárceles recalará finalmente en la de Ocaña en donde fallecerá víctima de la tuberculosis. Pablo rojas (Toledo, 1965). Profesor de Literatura en el IES Padre Juan de Mariana de Talavera de la Reina. Su primer libro estuvo dedicado al protagonista de estas páginas: Ernesto López-Parra, el ultraísta remolón (2006). Tiempo después se doctoró con una tesis dedicada a otro innovador: Guillermo de Torre. De este último ha editado sus memorias, Tan pronto ayer, su epistolario con Ricardo Gullón y un Dossier Guillermo de Torre (todos ellos en 2019; los dos últimos trabajos en colaboración con Carlos García). También se ocupó de la presencia del dadaísmo en nuestro suelo: Poetas de la nada. Huellas de Dadá en España (2017).

Tras La llave misteriosa, Lutgardo García Díaz (Sevilla, 1979) nos presenta su cuarto libro de poemas. Acorde con el mundo poético de su autor, El caudal infinito ofrece un escenario de vivencias e impresiones que aspiran a eternizarse en el poema. Un conjunto, al fin, en el que belleza y emoción se unen buscando abrir los espacios sagrados de la poesía. "Asomarse a este caudal infinito es contemplar un río por el que discurre la gracia, Lutgardo García Díaz ha echado la red de sus versos al cauce rumoroso de la hermosura y ahora brillan ante nosotros los momentos estelares de la profunda humanidad del poeta. Asomado a un balcón europeo, a un mirador en la Sierra de Huelva, a los bosques de Francia o a las romanas calles de Sevilla ha convocado las luces remotas del mundo de ayer -deambulando como un gozoso flâneur entre tiempos y espacios por salas de concierto, librerías de viejo y galerías de arte-, pero también al jubiloso hoy, a la dicha presente de estar vivo para elevar un canto de esperanza ante las tribulaciones y asechanzas de la vida. Hay, además, en estos poemas de Lutgardo García una deliberada voluntad de trascendencia, arrastrado por la corriente vacilante del tiempo el autor aguarda con confianza anegarse en las aguas más anchas del mar por encima del cual anduvo el Hijo del Carpintero. Bach, Rembrandt, pero también Manuel Machado, Proust y -sobre todo- Rilke acompañan al poeta en esta barca que boga camino del Emaús de la poesía. >El verso claro, la sonoridad irisada, la imagen tan atrevida como transparente componen un decir clásico y sereno, pero profundamente humano y sensitivo, en el que la belleza está al servicio de la emoción y la emoción al servicio de la belleza." José María Jurado García-Posada Lutgardo García Díaz (Sevilla, 1979) es Doctor en Medicina. Es autor de los libros La viña Perdida (Rialp, accésit del Premio Adonáis 2013), El tiempo vivido (fundación Cajasol, 2015), Lugar de los sagrado (Vandalia, V Premio Iberoamericano Hermanos Machado) Y La llave misteriosa (Renacimiento, 2017).