Kae Tempest es poeta, letrista, performer y artista musical. Ha publicado obras, poemas, una novela, un ensayo, varios discos y ha girado por todo el mundo, agotando entradas desde Reykjavik a Río de Janeiro. Ha recibido nominaciones a los Mercury Music Prize por los discos Everybody Down y Let Them Eat Chaos, y dos nominaciones a los premios Ivor Novello por su escritura de canciones en The Book of Traps and Lessons. Ha recibido el Ted Hughes Award por su poema narrativo Brand New Ancients y el León de Plata en la Bienal de Teatro de Venecia. Sus libros se han traducido a once idiomas, y se han publicado por todo el mundo con gran éxito de crítica. Nació en Londres en 1985, donde reside a día de hoy. Espera poder seguir juntando palabras durante mucho tiempo.

«Cuánto dura Quanto» era el eslogan de un suavizante. ¿Cuántas frases hemos heredado que han perdido su sentido al ser constantemente pronunciadas? ¿Cuántas palabras se han desemantizado por manoseadas? La idea con la que surgió cuánto dura cuanto y otros poemas fue darles una vida nueva, un sentido, una nueva patria, una nueva libertad, una nueva identidad incluso, sabiendo que patria, libertad o identidad son, ahora mismo, palabras llenas de borra que han sido borradas, como decía Gracián, de algunos hombres. Hay más patria en una nevera que en todas las banderas del mundo, hay más identidad en los armarios que en los sesudos libros y más libertad en un tendedero que en una sede parlamentaria. Vivir en ese ángulo; desde ese ángulo me basta.

Esta colección de veinte autores pretende ofrecer al lector español la dimensión del paisaje poético rumano consagrado, empezando con los poetas nacidos en la posguerra, que escribieron con una notable diversidad temática y estilística durante (y a pesar de) la dictadura, en un sistema que impedía la libre expresión, introducía la censura hasta los rincones más recónditos y, mientras propugnaba la «revolución cultural» y el «hombre nuevo», activaba perversos mecanismos de coerción y ruina. Junto a esta generación que rechazó el aislamiento autista, manteniendo el contacto con la literatura universal, conforman esta antología voces que se afirman (algunas incluso por vez primera) después de la caída del totalitarismo, cuando la permeabilidad fronteriza confiere inmediatez a su notoriedad. Son poetas que llegan con fuerza al mercado literario y editorial de una Rumanía en plena efervescencia cultural y artística.

"Los Rebereques para un sueño que se olvidó de dormir conforman una propuesta para reescribir lo no dicho, lo que falta en la historia oficial. Es un brinco que se escapa de las palabras grandes y pasa a ocupar los espacios en blanco o el interlineado en los relatos hegemónicos. Lo chico (que es gigante al mismo tiempo), lo que pudo pasar entre las grietas o entre las marcas de las piedras, es lo que trae aquí José Miguel Martín Muñoz. Una afirmación rotunda en contra de dejar pasar un tiempo arrebatado." Paula Fernández Hernández "No se lo he preguntado, pero estoy seguro que Josemi ama a Gelman y a Pessoa y si no es así, debería. Los dos, sin que consten conversaciones previas, aseguraron que la patria es la lengua. Josemi ejerce ese patriotismo lingüístico con el cachorro puesto para amortiguar a Magec, margullando en sus recuerdos, enderezando líneas cambadas, alongado siempre en el precipicio emocional, cocinando utopías en el fuego hipnótico del fogal, aruñando versos para desvelar cicatrices, escupiendo ripiones iróni- cos, atravesado siempre con la magua del chinijo que anhela los ecos de los

La redacción de Guerra en España, el más anómalo de los proyectos editoriales de Juan Ramón Jiménez, se inició en paralelo a la contienda que le dio título, cuando ni el poeta ni su mujer, Zenobia Camprubí, vislumbraban que tras su salida de Madrid en 1936 nunca regresarían a su país en vida. Consciente de las críticas que su actitud política y la naturaleza unilateralmente lírica de su poesía habían suscitado, y dolido por las calumnias que sobre su persona se difundieron a ambos lados del Atlántico, decidió recopilar en un volumen misceláneo un conjunto de materiales diversos —propios y ajenos— en los que quiso aclarar los puntos más conflictivos y polémicos al respecto. Hasta principios de los años cincuenta reunirá bajo este título: diarios, aforismos, poemas, traducciones, notas autobiográficas, artículos, conferencias, semblanzas, cartas, entrevistas, fotografías, manifiestos y críticas cuyo único denominador común es su estricta vinculación con asuntos relacionados con la guerra civil, el exilio y las consecuencias que tuvieron tanto en su vida como en su obra. Guerra en España, por tanto, supone una revisión de su biografía atendiendo especialmente a su actitud ideológica, a sus actividades de carácter social o político y a su expresión de hombre libre sin ataduras, ante el que fuera el acontecimiento más doloroso y trascendental en nuestra historia reciente y en el itinerario de uno de los poetas más influyentes de su tiempo. Partiendo de la estructura básica que Ángel Crespo estableció en 1985 para la primera edición de la obra —que su autor nunca consiguió publicar—, Soledad González Ródenas revisa su propia edición de 2009 y completa sus contenidos a la luz de las últimas investigaciones en los archivos del poeta conservados en Puerto Rico. Asimismo, los contextualiza acompañándolos de un pormenorizado prólogo y numerosas notas. Se añaden a esta edición diecinueve nuevos documentos, once de ellos inéditos.

Luis Cernuda (Sevilla, 1902-Ciudad de México, 1963) está considerado como uno de los poetas más imprescindible de la Generación del 27, fi gura estelar en la poesía contemporánea y una de sus voces más atractivas. Su influencia entre los poetas de las últimas generaciones es considerable y de ascenso incesante. Ya desde sus primeros poemas demostró su rechazo y hostilidad con la sociedad, con los valores establecidos, y contra cualquier tipo de represiones y prohibiciones. Su disconformidad le encaminó a oponerse con cierto radicalismo en contra de la hipocresía y de la ausencia de sensibilidad, en busca de un paraíso perdido en el que prevalecieran el amor y la belleza, la poesía y la libertad sexual, una realidad alejada de aquel mundanal ruido y un deseo solo alcanzable en los sueños. Contra esa sociedad burguesa escribe violentos ataques mientras busca una armonía espiritual que no alcanza, basada en los mitos, y sobre todo en el Amor y la Belleza. Provisto de un gran talento versificador y de una originalidad asombrosa. Para esta edición definitiva de la Poesía completa de Luis Cernuda hemos seguido la establecida por Derek Harris y Luis Maristany, con la ayuda de Ángel Yanguas Cernuda, con algunas modificaciones y adiciones. La obra de Cernuda es una exploración de sí mismo; una orgullosa afirmación, al fi n de cuentas no desprovista de humildad de su irreductible diferencia. Él mismo lo dijo: “Yo solo he tratado, como todo hombre, de hallar mi verdad, la mía, que no será la mejor ni peor que la de otros sino solo diferente”. La obra de Cernuda es un camino hacia nosotros mismos. En esto radica su valor moral. Pues aparte de ser un alto poeta —o, más bien: por serlo—, Cernuda es uno de los poquísimos moralistas que ha dado España, en el sentido en que Nietzsche es el gran moralista de la Europa moderna y, como él decía, “su primer psicólogo”. La poesía de Cernuda es una crítica de nuestros valores y creencias; en ella destrucción y creación son inseparables, pues aquello que afirma implica la disolución de lo que la sociedad tiene por justo, sagrado o inmutable. Como la de Pessoa, su obra es una subversión y su fecundidad espiritual consiste, precisamente, en que pone a prueba los sistemas de la moral colectiva. Su hostilidad ante el cristianismo no es menor que su repugnancia ante las utopías políticas». Octavio Paz «La poesía de Cernuda, tanto en verso como en prosa, documenta el proceso difícil y paulatino que conduce al descubrimiento de que lo que da validez a la vida no son los ideales que se buscan sino la experiencia confl ictiva provocada por los sucesivos fracasos de aquellos ideales. La búsqueda del acorde místico, en todas sus manifestaciones variadas, lleva al poeta a un acontecimiento cada vez más profundo de sí mismo, al conocimiento de la verdad del hombre interior, y a la decisión de guardar fidelidad a este». Derek Harris.

En el curso de lo cotidiano, por medio de paisajes tanto físicos como emocionales de una madre y su hijo durante unas vacaciones de verano, el último libro de Adriana Bañares conduce al lector a través de los matices del amor, la pérdida y la redención. La autora reflexiona sobre la belleza y la melancolía que se encuentran en los recuerdos de la infancia y la pérdida de seres queridos. Desde las playas del pueblo de su niñez hasta las vastas extensiones del mar, cada poema refleja el carácter inasible del lenguaje, que al mismo tiempo que se crea, también se desarticula y fragmenta.

El presente volumen, en edición bilingüe, confirma sobradamente la solidez de la producción poética de John Berger. Es prácticamente una obra completa, ya que abarca los poemas escritos entre el año 1955 y 2008. Lo acompaña un código QR que recoge, con la voz del autor, veintiuno de los más de setenta poemas incluidos en esta compilación, grabados en 2010 durante una de sus visitas al Círculo de Bellas Artes.

Sharon Olds (San Francisco, 1942) es una de las grandes poetas de nuestro tiempo y seguramente lo siga siendo cuando nuestro mundo ya sea otro. Sus poemas no son sencillos, pero las palabras y las imágenes que los construyen pertenecen a un territorio familiar para cualquier persona. Mientras existan el amor y el dolor, la poesía de Sharon Olds seguirá emocionando a quien la lea. En El salto del ciervo, Olds relata la historia de una separación, que empieza una noche de invierno en un dormitorio de matrimonio y se extiende hasta años más tarde. El ritmo acompasado y nunca conforme de los versos de Olds nos transporta por el insoportable e incomprensible dolor inicial, las conversaciones difíciles y las aparentemente banales, la separación de bienes, el último sexo o la construcción de una nueva soledad. A lo largo de los años, la poesía de Sharon Olds ha recibido la admiración de la crítica y el calor de los lectores. En 2023, fue la ganadora de la primera edición del Premio Internacional de Poesía Joan Margarit. La presente traducción, la última realizada por Margarit antes de su muerte en 2021, pretende recordar y celebrar la honda amistad que unió a estas dos voces poéticas que cantaron desde y para la vida a ambos lados del Atlántico.

Organizados en cinco capítulos, con un opening y un ending a la manera de los animes, los poemas de Paola Llamas Dinero avanzan en narrativa para indagar en las sensaciones de lo que sucede cuando la ficción forma parte fundamental de la vida. Con un lenguaje construido a partir de palabras, imágenes y signos que se encuentran en las calles, la televisión y el internet, la autora explora nuestra relación con el mundo ficcional a través de los animes, el manga y las redes sociales, y se pregunta cómo este determina nuestros afectos e identidades. Si constantemente nos relacionamos con personajes que no existen, ya sea viendo una serie o scrolleando las historias de Instagram, ¿es realmente posible vincularnos con lxs otrxs?

Dice Malévich que es difícil establecer una línea entre lo que es arte y lo que no lo es. La poesía nos fuerza a detenernos y extrañarlo todo, también lo conocido. Si el mundo no es objetivo, como también quiere Malévich, ¿no es la poesía la que hace que el mundo sea otra cosa? Seguramente, algo mental, pero no voluntario, no deliberado, sino forzoso.La materia no-objetiva del mundo sería también, en virtud de la magia de la poesía, ubicua, pero indetectable si no fuera de forma indirecta, como es la materia «oscura» del universo.El poeta seguramente aspira a llegar al punto en que poder hacer con esa materia «cualquier cosa», como dice Riley de su música. «Got to the point where I could do anything I wanted».Es de suponer que la poesía seguirá aprendiendo de la música, como en su origen. Quizás le toca volver atrás por haber desconocido -no reconocido- el valor de las vanguardias del siglo pasadoà Y creo que la poesía se reconducirá a lo que no tiene valor psicológico, a la simultaneidad de tiempos, rápido y lento, a la indeterminación en el proceso, no en el resultado, a poner el acento en las partes, no e

Barbara Guest (1920-2006) es una de las figuras más prestigiosas y enigmáticas de la poesía experimental estadounidense. Única mujer entre los poetas de la Escuela de Nueva York (celebrada por nombres sobresalientes como John Ashbery y Frank OÆHara), la escritora recibió un reconocimiento tan esporádico como tardío.Hoy Guest representa un punto de referencia fundamental entre importantes poetas neovanguardistas como Charles Bernstein, Mei-mei Berssenbrugge, Susan Howe, Bernadette Mayer, Ron Silliman o Rosmarie Waldrop. No en vano Guest tendió un sutil pero insoslayable hilo de continuidad entre las mujeres que contribuyeron a la innovación de la literatura en inglés durante el siglo XX, empezando por escritoras señeras como Dorothy Richardson, Gertrude Stein, H.D. y Marianne Moore.Guest tanteó con curiosidad, cuidado e imaginación los medios y linderos convencionales de la poesía moderna: «El acto más importante de un poema es llegar más allá de la página para que seamos conscientes de otro aspecto del arte. Lo que nos proponemos es delimitar la obra de arte para que parezca que no tiene ni principio ni fin,

«Riechmann nos insta a mirar de otra manera, a repensar nuestro lugar en el mundo y la marcha de nuestra sociedad. Nos emplaza a cuestionar sin temor lo establecido. Su invitación a aprender a fracasar mejor responde, primero, a un intento de desmontar la ideología de la resignación, y, en definitiva, revela una concepción de apertura radical hacia y de la existencia. Descubre un carácter plenamente receptivo, en permanente escuha, que elude la soberbia y el victimismo, que asume el riesgo de la incertidumbre y que se tensa a raíz de ella, mediante el cual errar es una oportunidad de progresar». Alberto García-Teresa «Fracasar mejor, nos proponía con lucidez Samuel Beckett. Estigmatizar el fracaso, o pretender eliminarlo –con ilusoria inconsciencia–, equivale a desertar de la vida». Jorge Riechmann

Una manera de medir el tiempo es el nombre de la trilogía poética que su autor, Valentín Carcelén, ha ido hilvanando en los últimos años de producción literaria. Anterior a esta segunda parte apareció El momento, «un libro pleno de claves existenciales y metapoéticas en donde la herida que reabre la memoria encuentra una expresión depurada y armónica», en palabras del poeta Jesús Cárdenas para Culturamas. Ahora, con esta segunda entrega, El pasado, Carcelén sigue indagando en el paso del tiempo, en la memoria y la pérdida, en un intento de justificar la existencia a través de aquello que fuimos. Pese al tono melancólico del conjunto, el poeta realiza un canto conciliatorio con la vida, donde la celebración de y por ésta se une a la de un mundo asumido, donde la destrucción de aquello que se ama pervive más allá de las fronteras de la muerte.

La pesada carga de la conciencia culpable de Ana Llurba la persigue entre las calles de Berlín y Cracovia mientras se sumerge en la compleja cuestión del paso del tiempo. Su objetivo principal es capturar lo que sucede entre su educación sentimental, la memoria familiar y la Historia en general. Partiendo de su primer poemario ("Este es el momento exacto en que el tiempo empieza a correr", ganador del Primer Premio de Poesía Joven Antonio Colinas), Ana entrelaza hábilmente varios temas recurrentes en la filosofía de la historia, tales como la teleología, la teodicea, la dialéctica hegeliana y el fin de los grandes relatos, con la rutina y la vida diaria, explorando así la constante tensión entre lo solemne y la frivolidad. Y, a través de su voz poética, descubrimos el denominado "primer mundo" desde la lente de lo banal y el remordimiento, revelando así una mirada única sobre nuestra realidad contemporánea.

Una relación entre dos que desemboca -inevitablemente- en una multiplicidad de relaciones posibles. La revelación de aquello que se percibe como obvio, pero a menudo se niega o se pierde de vista: la conciencia de que la otra persona es una persona otra, soberana e insondable. ¿Cómo relacionarse con ella? La voz que escribe duda, y a la vez confía; conmuta y confronta, conjetura y congenia. No quiere engañarse ni dar por sentado: construye lo mutuo, celebra su extrañeza.Con, inmensa partícula mínima de lenguaje, apela a la importancia del vínculo, pero también a las circunstancias en las que algo sucede y a cómo reaccionamos ante ellas. En estos poemas el lenguaje nos interroga, se muestra como espejo y se disloca; la sintaxis se violenta y se vacía. Así este libro espera ser definido y multiplicado con la persona que lee.La de Miriam Reyes es una de las grandes voces poéticas que empezaron a escucharse con el siglo, una de las de mayor influencia en las generaciones siguientes: por su discurso visionario en su tratamiento de la identidad, por su ambición de dar palabra al cuerpo, por su capacidad para articular una propuesta colectiva desde la experiencia intima. Una escritura no confesional sino conceptual, que en Con amplía su espectro de pensamiento hacia la complejidad de las relaciones afectivas, y explora su impacto -su mutación- en nuestra identidad.

En estos poemas del Bukowski más maduro, se aprecian momentos de quietud insólita, instantes de contemplación abismada que transforman lo trivial en mágico. Pero si hay algo que destaca es la tenacidad incesante, el tesón de un autor que no ve otra manera de seguir adelante que abordar el siguiente verso como si fuera el primero, el más importante, el definitivo. Lo que queda a la postre es un poeta en su plenitud, poseedor de una sabiduría que lo lleva a la compasión. No faltan aquí las provocaciones y los exabruptos que lo llevan a reconocer que no sabría qué hacer si le arrebataran la locura de la que se nutre, o a achacar su éxito perenne en Europa a «traductores geniales de la hostia». Pero también hay en estas páginas magníficos retratos de los inadaptados de su entorno, desde el padre maltratador hasta las mujeres que le partieron el alma, pasando por los profesores que tan poco le enseñaron, los imitadores, los fanáticos faltos de imaginación, los «muertos en vida»…

Los poemas de Una vida de pueblo (2009), de Louise Glück, Premio Nobel de Literatura 2020, se suceden en forma de breves relatos y monólogos que giran en torno a los ritmos de la vida diaria de unos habitantes cuya existencia se ve definida por el lugar en que nacieron. Anclados en una aldea anónima italiana, el escenario no es, sin embargo, el idílico entorno de las églogas clásicas o el tópico paisaje de acuarela que la sencillez del estilo de la autora parecería evocar —poco más que montañas, ríos, campos, sol, olivos y unos pocos adjetivos—, sino un lugar cruel que «mata sin ningún motivo a la gente, / solo por no perder la costumbre». Atrapadas en la dicotomía de quedarse y envejecer o marcharse y mirar siempre atrás, la polifonía de voces de diferentes generaciones compone así una suerte de palimpsesto que es también una lente a través de la cual mirar reflexivamente la infancia y sus secretos, la adolescencia y sus ambigüedades, la madurez y sus engaños, la vejez y las certidumbres de la tumba. A medio camino entre lo que podría haber escrito Robert Frost si hubiera sido un poeta confesional y una Antología de Spoon River sin moralismos, Una vida de pueblo supone el punto final a la fórmula de poemas-secuencia que la autora empezó a ensayar sobre todo en El iris silvestre (1992) y que encuentra aquí uno de sus mejores logros.

El arte de Cavafis tiene la gran virtud de transmitirnos imágenes y sensaciones que fundamentalmente son formas de ver el mundo. Cuando habla un determinado personaje puede que su discurso vaya hacia fuera o que represente su propia voz interior. Dicho de otro modo, la voz narrativa puede corresponder al tiempo «histórico» en que se desarrolla el poema, o al tiempo actual, es decir, el de la lectura. La poesía de Cavafis, alejada del lirismo, objetiva, narrativa y prosaica, en el sentido de la poesía contemporánea, trata de la vanidad del poder y la soledad de los ciudadanos, del amor y el placer, de la dignidad de los perdedores, de la creación artística. Sus protagonistas, hombres o mujeres, en la antigüedad tardía, en el mundo bizantino o en la sociedad contemporánea se enfrentan con frecuencia a la misma disyuntiva: ser quienes quieren ser o renunciar a ello y entregarse a las convenciones.

Fundada en 1964 en Barcelona por José Batlló y Amelía Romero, la colección de poesía El Bardo llegó a conformar uno de los catálogos poéticos más relevantes de nuestro país, no solo por su calidad intrínseca sino también por su impronta sociocultural. Con cerca de cien títulos en su haber, la esforzada labor de Batlló (como director de la colección) y de Romero (como editora) sirvió para dar voz a algunos de los poetas más interesantes del momento, especialmente entre la joven poesía española, sin importar si estaba escrita en castellano, catalán, galega o euskera, padeciendo por el camino, muchas veces, la dureza de la censura franquista. La colección El Bardo se especializó igualmente en la elaboración de sonadas antologías poéticas, alrededor de las cuales se fue forjando una suerte de canon renovador dentro de la poesía española. Como poeta, el propio Batlló publicó entonces diversos poemarios de interés. En paralelo, promovieron la creación de varias revistas de poesía, actuando Batlló como corresponsal en España de otras tantas realizadas en el extranjero. La conexión de El Bardo con Europa y L