«Este libro se compone de ideas, imágenes y citas anotadas a vuelapluma para su posible uso futuro en ficciones de misterio. Solamente unas pocas son, de hecho, tramas desarrolladas; la mayor parte consiste en meras sugerencias o en impresiones arbitrarias destinadas a mantener en activo la memoria o la imaginación. Sus fuentes son diversas: sueños, lecturas, encuentros casuales, divagaciones, etcétera», nos avisa Lovecraft al principio de este libro singular. Entre 1919 y 1934, el gran maestro del terror y la ciencia ficción fue apuntando las entradas que conforman este Cuaderno de ideas, en el que esbozó algunos argumentos que le servirían de génesis para su obra narrativa. Tras su muerte, Robert H. Barlow, su amigo y albacea, fundó una pequeña editorial, The Futile Press, con la intención expresa de publicar dichos apuntes, los cuales se inscriben en la tradición de los commonplace books, al estilo de los que escribieran el filósofo John Locke y el poeta John Milton en la Inglaterra del siglo XVII o, más adelante, en el siglo XIX, en Italia, Giacomo Leopardi. Cuaderno de ideas es un viaje apasionante por un paisaje literario aún por inventar.

Novela en clave sobre la escena intelectual muniquesa de principios del siglo XX —uno de los focos más activos de la vanguardia europea—, Apuntes del señor Dama reúne varios de los requisitos de la mejor literatura: es breve, divertida, sorprendente y, a un mismo tiempo, valiosamente testimonial. En la que fue sin duda su obra más aplaudida, nunca hasta ahora publicada en España, Reventlow describe de manera vibrante y desinhibida las pequeñas disputas cotidianas de toda una galería de personajes que hicieron de la capital bávara el eje de la cultura alemana antes del gran colapso. Nada escapa a la aguda mirada de la autora al abordar el «fenómeno Schwabing», barrio bohemio (aquí llamado Wahnmoching) que a finales del siglo XIX y comienzos del XX se convirtió en un nuevo El Dorado para escritores, pintores y músicos llegados de todo el país. Dandis, trasnochadores y toda suerte de bichos raros y maravillosos concurren, enmascarados, en sesiones de espiritismo, fiestas de disfraces, orgías y bailes frenéticos de consecuencias imprevisibles. Tras sus nombres ficticios se esconden algunas de las personalidades históricas más atractivas del momento, como Alfred Schuler, Ludwig Klages, Stefan George, Alfred Kubin, Maria Römermann, Franz Hessel o Friedrich Huch, entre otros. Una temprana sátira sobre la superstición, la magia y el amor libre en la Alemania previa a la Primera Guerra Mundial.

«Y un día la fábrica cierra. No es una sorpresa, pero sí la constatación de que algo se derrumba. Es febrero de 1992. Luego escucho música mientras mi padre habla con alguien en el descansillo, frente a la puerta de casa. Ignoro todo, pero me fascina el momento. Han luchado para que esto no ocurra, se han unido, pero la derrota es más fuerte. Y parece que en ella no hay aprendizaje posible. Al menos no en este caso». «Nuestra casa no es exactamente una casa y, por supuesto, mucho menos nuestra». La madre de Alberto Santamaría limpiaba los camarotes del ferry que hace Santander-Plymouth; su padre, trabajaba una fábrica de químicos; y su barrio, que pertenecía a la empresa, se llamaba Barrio Venecia porque se construyó sobre unos cenagales que terminaban por desbordarse cada vez que el Cantábrico se agitaba. «Nada hay tan cómico como la infelicidad» dice el autor. Este libro es lo contrario de una historia idealizada sobre la resistencia heroica de la clase obrera. Aquí tenemos unos padres socialistas que tratan de no desencantarse, un hijo que llega al comunismo por estética y un autor, ya adulto, que combina en su relato el profundo respeto por la miseria que vivieron sus padres, con la certidumbre de que siempre quiso huir de allí. Barrio Venecia. Casi una historia obrera se puede leer como una novela de iniciación, también como la crónica del fin de la industria en España y la del abandono a sus trabajadores; pero, sobre todo, es la historia de la amistad silente que crece entre un padre y un hijo mientras rebuscan en desguaces piezas que poder revender.

Entre la erudición y la fantasía, dotada siempre de un peculiar encanto que convierte la lectura de cualquiera de sus libros en una experiencia estética, la vasta producción ensayística de Vernon Lee contiene joyas como este Genius loci (1899), inédito hasta ahora en español, donde la autora británica reunió algunas de sus notas de viaje y dio nueva vida a un concepto, el latino del título, de hondas implicaciones emocionales. Los frutos del estudio son para la ensayista indisociables de las vivencias personales, trascendidas en tanto que ligadas al espíritu y a su vez reflejo del alma individual que las acoge. Esas vivencias tienen que ver con lugares concretos, tratados «como si fueran criaturas vivas», capaces de inspirar «los más íntimos e intensos sentimientos» y susceptibles de ser evocados como fuente de revelaciones imperecederas que se asocian a los olores, los colores, los sonidos, la comida, el vino, la historia, las leyendas. Recreadas en una prosa exquisita y sensual, las deliciosas escenas remiten a sitios amados (los que generan una «sensación de gozo, admiración y gratitud») de Francia, Alemania e Italia, y sugieren el empeño de la viajera, al cabo poético, de fijar con palabras el ámbito de lo inefable.

Abigail ha hecho una carrera brillante en el ejército israelí como psicóloga militar, abriéndose camino en un mundo dominado por hombres. En su trayectoria estelar, y con métodos innovadores, se ha especializado en la piscología del combate, cuyo objetivo es preparar a los soldados para ganar en el campo de batalla, o sea, entrenarlos psicológicamente para matar y para ver a sus compañeros morir. Ahora tiene casi cincuenta años, es madre soltera y trabaja en el sector privado, tratando los traumas de los propios soldados que había enviado al combate. Cuando un colega, con el que siempre ha tenido una relación íntima y compleja de respeto mutuo, se convierte en jefe del ejército, la llama una vez más para ayudar a preparar las tropas para una inminente contienda. Al mismo tiempo, en vísperas de la guerra, su hijo de dieciocho años se alista para convertirse en combatiente. Estos dos hechos sacudirán sus convicciones más profundas y la llevarán a una sorprendente revelación final. Con su habitual tono punzante y escueto, y desde dentro del sistema, Yishai Sarid ha vuelto a crear un relato cuyas contradicciones desnudan las tensiones más esenciales de la sociedad israelí.

Decidida a vengar a su hermano, a quien unos sanguinarios bandidos conocidos como los Santa Lucia han asaltado y desfigurado, Vénérande, una joven campesina de corazón seco, contrata los servicios de l'Infernu, un asesino a sueldo conocido por su violencia, y se embarca con él en una sangrienta épica por la montañas de la Córcega del siglo XIX. Mientras cabalgan hacia la guarida de los Santa Lucia, l'Infernu relata a su «discípula» su antigua afiliación al ejercito de los insumisos, un grupo de mercenarios sin religión ni ley que sembraban el terror y el caos allá donde iban. L'Infernu se confiesa a Vénérande, después de una vida dedicada a buscar en vano su humanidad entre el caos de las armas, y dota a la lucha por el honor de los vencidos de la Historia la virtud de convertirse en un último y poderoso legado. Arcaica pero actual, esta epopeya heroica reinventa de manera extraordinaria la inocencia de las grandes narraciones fundacionales de las naciones; ese primer momento en que nacen los mitos patrióticos sin que su brillo oculte aún su verdadero origen de violencia.

¿Qué relación hay entre voluntad y fe? ¿Qué hace que algo sea verosímil? ¿Qué papel ocupa la voluntad en la sugestión? El dramaturgo y director de escena Pablo Messiez escribe y dirige La voluntad de creer, una obra que toma como punto de partida Ordet, la película de Dreyer, para aproximarse a la muerte y la resurrección. Como protagonista encontramos al menor de una familia de hermanos que sostiene ser Jesús de Nazaret. Sus hermanas consideran que ha enloquecido por exceso de lecturas de Kierkegaard. Un texto teatral que desea sobre todo poner el foco en el rol del espectador como dador de sentido, condición que solo será posible en tanto se cuente con la voluntad de creer. Sin olvidar que, como dice el personaje de Paz, la hermana poeta, nadie cree solo.

Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarca muy diversos géneros, su legado literario ha ejercido una influencia decisiva ante todo en el dominio del teatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió la compañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación crítica a través del distanciamiento. Este décimo volumen de la serie que recoge su «Teatro completo» incluye dos piezas escritas entre 1943 y 1945: "Schweyk en la Segunda Guerra Mundial", que retoma al inolvidable personaje de Jaroslav Hasek, y "El círculo de tiza caucasiano", una de sus obras más representadas. Traducción de Miguel Sáenz

«Advertía Umberto Eco de la dificultad de decirle a alguien que lo amas en un mundo en el que la inocencia se ha perdido. La conciencia de esta torpeza, a la vez individual y colectiva, adquiere un empuje estético en los poemas de Alta Escuela Musical, proyectándose hacia una hermosísima reflexión sobre el amor como una conversación siempre inagotable, sobre el futuro como una luz intermitente. Jugando con las imágenes de la cultura popular y con una inteligencia que se desborda a cada página, Adrián Viéitez recupera parte de esa inocencia mediante una poética de la sinceridad, la incertidumbre y el titubeo. Un libro lleno de colores y movimiento, adolescente en sus euforias y en la radicalidad de sus elipsis, al mismo tiempo abstracto y conmovedor. Estos poemas confirman una voz llamada a redefinir lo sentimental en nuestro tiempo, en todos los tiempos posibles, porque “sabemos que los cultos del futuro acogerán este amor, este suave centelleo”». Rosa Berbel

La gran novela erótica e histórica, Premio Lumen, de la autora consagrada por la crítica, ganadora de varios galardones literarios y traducida a otros idiomas «No se puede pensar ni escribir mejor». Marta Sanz, Babelia Karl Marx dejó tras de sí un impresionante legado teórico y una descendencia extensa. Dejó también un vástago adicional, hijo de la criada de la casa, al que nunca quiso reconocer y que entregó a su compañero, Engels. A través de otra hija bastarda de Marx, fruto de la aventura con una aristócrata rusa, Clara Obligado retrata toda una educación amorosa y sexual #no hay variante que no encuentre su preciso y sugerente relato#, y conforma el fresco detallado de una época espléndida. ¿Y si la aristocracia rusa en el exilio, en lugar de hacer la revolución política, hubiera iniciado una revolución sexual? ¿Y si la Historia, en lugar de contarse en masculino, se hubiera contado en femenino? La hija de Marx es un prodigio literario lleno de imaginación, documentación rigurosa (modelos de consoladores incluidos), erotismo e ironía; una crónica aguda y suntuosa de los destinos de aquellas mujeres que rodearon a los revolucionarios, utopistas y reformadores del cambio de siglo. Esta deslumbrante novela, que fue galardonada con el Premio Femenino Lumen, se lee hoy con renovada admiración y actualidad. La crítica ha dicho... «Clara Obligado se detiene en casas, lugares, rostros [...] sin salir de su maravillosa literatura». Javier Goñi, El País «Un referente insoslayable de la literatura castellana. Hoy es maestra, precisamente, en el arte de contar historias». Néstor Tirri, La Nación «Clara Obligado juega permanentemente con sus lectoras y lectores. A través de analepsis y prolepsis brinda información nueva y, como en el amor, quita de un manotazo aquello más preciado». Carolina Selicki Acevedo, Página/12 «Clara Obligado inventa un personaje entrañable y lo ubica en una Londres victoriana, entre exiliados rusos, rodeada por la nobleza, la suntuosidad y la militancia». Clarín «Un homenaje a la novela realista, de la que todavía tenemos mucho que aprender, que combina el erotismo con la novela histórica». Belén Ginart, El País «Referencia destacable en la actual narrativa en lengua española. Su afianzamiento lo evidencian las maneras de esta autora, propias de quien alimenta su estilo con un nutrido fondo literario, y en la exquisitez con la que maneja la prosa, graduando el tono, calculando el ritmo, sin caer en excesos ni obviedades». Pilar Castro, El Español «Obligado maneja con humor, ironía y distancia crítica temas sensibles como la migración, la política, el exilio, la familia. Y aporta distintos puntos de vista y un trasfondo en clave feminista». Paula Conde, Clarín «Una hermosísima mirada de ficción con todas las minas antipersonales autobiográficas que se quiera». Javier Goñi, El País Sobre La muerte juega a los dados: «Hay tantas sensaciones, tantos aromas, tanta vida en estos cuentos». Javier Goñi, El País Sobre Petrarca para viajeros: «Maneja con delicadeza y hondura asuntos graves [...] mientras seduce y entretiene». Pilar Castro, El Español Sobre Todo lo que crece: «Un ensayo que relaciona naturaleza y escritura, pero que también es poesía, filosofía, recuerdos de infancia, herbario literario de especies de la pampa, botánica lírica... Un libro hermosamente inclasificable». Tiempo Argentino

Adelina Batlles Garrido presenta en este libro una correspondencia inédita, un total de cincuenta y una cartas de Benito Pérez Galdós a varios corresponsales. Se incluyen también cinco cartas de Emilia Pardo Bazán a Galdós correspondientes a los inicios de su relación. Con este libro concluye un trabajo de años relacionado con el legado que recibió Adelina de Antonio Moreno Martín, propietario de la librería Garnata (Almería), consistente en una carpeta con numerosos textos autógrafos e inéditos del escritor canario y Emilia Pardo Bazán. Gracias a este estudio y epistolario podemos llegar a la conclusión de que la irrupción de Galdós en la escena española, en 1892, se debe en buena parte a la influencia que ejerció la ilustre escritora gallega sobre el escritor canario, cuya actividad mantendrá hasta el final de su vida. Así puede constatarse en estas emotivas cartas, fechadas entre 1901 y 1917 en las que el teatro es su telón de fondo. En estas cartas Galdós condensa gran parte de su vida, como padre, amante, político y dramaturgo. A pesar de su ceguera, cosa que se advierte en la grafía de estas cartas, Galdós nunca dejó de preocuparse por sus seres queridos y la realidad española. La obra de Galdós sigue dando sorpresas: una enriquecedora colección de cartas inéditas que retratan curiosos aspectos de su vida íntima y familiar. Benito Pérez Galdós (Las Palmas de Gran Canaria, 1843-Madrid, 1920) es uno de los más importantes novelistas del gran realismo europeo del siglo XIX. Aunque sus aprendizajes literarios fueron en el periodismo político y cultural (La Nación, Revista del Movimiento Intelectual de Europa o Revista de España, entre otras publicaciones), desde 1870 inicia una trayectoria de novelista de gran fecundidad y extraordinaria calidad, tanto en el dominio de la novela histórica (los Episodios Nacionales) como en las novelas contemporáneas, marcadas en una primera fase por una práctica muy inteligente de las doctrinas naturalistas –La desheredada (1881), Lo prohibido (1885), Fortunata y Jacinta (1886-87) o Miau (1888)– y en un segundo momento, por el espiritualismo de las novelas rusas, valga como ejemplo su magistral Misericordia (1897). También a partir de la última década del XIX se convirtió en un dramaturgo de referencia en los teatros madrileños y barceloneses. El estreno en enero de 1901 de Electra es un verdadero aldabonazo en plena crisis de entre siglos y dramas como Casandra (1910) o comedias como Celia en los infiernos (1913) son imprescindibles en la historia del teatro español del siglo XX. Adelina Batlles Garrido es investigadora de aspectos de la literatura española de los siglos XIX y XX. En este sentido ha publicado Tres cartas inéditas de Emilia Pardo Bazán a Benito Pérez Galdós (1984), Galdós y El sacrificio (1988), Estudio y edición crítica de una correspondencia galdosiana. Desde Santander y Madrid a María y Teodosia Gandarias (1907-1917) (1990) y la edición de Pérez Galdós-Pardo Bazán, Diario de un viaje por la Europa de 1888 / El sacrificio.

Obra finalista en los Premios Bram Stoker y en los Ladies of Horror Fiction. 1913. Henry Hamilton ha desaparecido durante un viaje de negocios, y su hermana, Tristeza, no descansará hasta averiguar qué le ha sucedido. Desafiando las órdenes de su padre, decide viajar a Tidepool, el último lugar del que tiene constancia que visitó Henry. La pequeña y decadente ciudad asentada junto al mar parece teñida de un halo de desasosiego, los residentes parecen ocultar algo, y las reservas que Tristeza alberga sobre Tidepool se acrecientan cuando una sucesión de cadáveres llegan hasta la orilla presentando señales de haber sido mancillados por algo que no es del todo humano... Cuando Tristeza conozca a Ada Oliver, una adinerada viuda, y el secreto que acarrea a sus espaldas, sus problemas no habrán hecho sino comenzar, y será consciente de que abandonar Tidepool con vida se convertirá en una misión prácticamente imposible. ble.

Mientras busca un lugar apartado en el que fumar a escondidas con sus dos mejores amigos, el siempre problemático Mark descubre un misterioso cobertizo en un campo de las afueras de su barrio. Siempre ajeno al mundo que le rodea, alienado de sus padres y compañeros, Mark encuentra en aquella construcción una vía de escape mayor que con cualquier otra cosa que haya experimentado antes. No pasará mucho tiempo antes de que el lugar comience a revelar su extraña y poderosa esencia, y deje al descubierto que quiere algo a cambio del refugio que le proporciona. Un refugio para los condenados no es solo una novela de terror de ritmo despiadado, sino también un estudio sin concesiones de la violencia suburbana y la rabia adolescente cente

Prólogo de Bob Pop Cuando Guillermo Cabrera Infante leyó La traición de Rita Hayworth, le «cautivó no sólo su encanto oral sino ver que era una novela con páginas de celuloide: la fábrica de la trama era el cine». Relato de la vida de una ciudad de provincias en la Argentina de los años 30 y 40, el libro desvela con turbadora crudeza la alienación de una colectividad dominada por los mitos cinematográficos, y en concreto, la historia de un chico asustado que se siente distinto de los demás y que encuentra en el cine un refugio y una ventana al mundo exterior. Sobre unos y otros, planea la amenaza en la pantalla plateada de una Rita Hayworth tan mítica como traicionera con los adoradores incautos. En un lenguaje de inigualable precisión y fidelidad al habla cotidiana, Puig narra la frustración esencial de los habitantes de un pueblo llamado Coronel Vallejos, que no es sino una recreación ficticia de su pueblo natal. Designada por una encuesta organizada entre los críticos por el periódico Le Monde como una de las cinco mejores novelas extranjeras aparecidas en el bienio 1968-1969 en Francia, estamos ante es una novela esencial por su poder evocador, su sentido de la observación directa y su maestría constructiva y ante una excelente muestra de la mejor narrativa de uno de los escritores latinoamericanos más peculiares, más ajenos a cualquier tradición literaria.

Ambientada entre 1930 y el 1969, The Buenos Aires Affair narra los dos últimos días en la vida de Leo Druscovich y el enigma de una serie de desapariciones, pistas falsas y obsesiones sexuales. Conforme su historia avanza, la figura del detective cederá su lugar al psicoanalista y la búsqueda para desentrañar un crimen se transformará en un modo de revisar la coyuntura nacional. La violencia sobre los cuerpos individuales y sobre el cuerpo social, las mentiras oficiales y los secretos familiares entretejen una trama de seducción, psicoanálisis y fascismo. The Buenos Aires Affair es un policial al mejor estilo Puig, donde cada capítulo empieza con una escena de una película de Hollywood; un thriller sentimental que juega con la parodia del género negro. Fue censurada, prohibida por el gobierno y llevó al exilio del autor, acusado de antiperonista y que, tras recibir amenazas, decidió trasladarse a México. La novela adelanta el clima enrarecido de los años de terrorismo de Estado y los negros sucesos políticos y públicos del país.

Jack Kerouac estuvo varias veces en Ciudad de México, cuando aún era un escritor primerizo que solo había publicado La ciudad y el campo y trataba de colocar En el camino.Primero estuvo en 1952, para visitar a su amigo William Burroughs. Allí conoció a Bill Garver (rebautizado «Bull Gaines» por Kerouac) y a la joven Esperanza Villanueva (rebautizada «Tristeza»), morfinómana desde los dieciséis, prostituta ocasional y casada con un traficante llamado David Tercerero («Dave», en la novela).El alter ego de Kerouac, Jack Duluoz, volvió a México en verano de 1955 y en otoño de 1956. Tristeza unifica las dos últimas visitas y describe la pasión delirante y contradictoria que siente Duluoz por la joven Tristeza, que ha enviudado mientras tanto. Es la historia de una redención frustrada (una redención doble, porque Kerouac, al tratar de salvar a la muchacha de la drogadicción, trata de salvarse a sí mismo), y también un recorrido iniciático por el infierno de la capital mexicana.Esperanza Villanueva, según contó Kerouac años después, acabó casándose con el jefe de policía de Ciudad de México. La novela se publicó en edición de bolsillo en 1960.

«Las ciudades invisibles se presentan como una serie de relatos de viaje que Marco Polo hace a Kublai Kan, emperador de los tártaros… A este emperador melancólico, que ha comprendido que su ilimitado poder poco cuenta en un mundo que marcha hacia la ruina, un viajero imaginario le habla de ciudades imposibles; por ejemplo, una ciudad microscópica que va ensanchándose y termina formada por muchas ciudades concéntricas en expansión, una ciudad telaraña suspendida sobre un abismo, o una ciudad bidimensional como Moriana… Creo que lo que el libro evoca no es solo una idea atemporal de la ciudad, sino que desarrolla, de manera unas veces implícita y otras explícita, una discusión sobre la ciudad moderna… Creo haber escrito algo como un último poema de amor a las ciudades cuando es cada vez más difícil vivirlas como ciudades». Italo Calvino