En la lectura de estas páginas podremos conocer cómo las cantaoras se implican en la práctica flamenca y cómo responden y mantienen el delicado equilibrio existente entre la tradición y la innovación. Con su obra, Loren Chuse se adentra en el camino del análisis de género en las músicas populares y confiere el valor que se merecen a los roles femeninos, larga e injustamente, obviados y subestimados;

Durante toda su vida, Greil Marcus, uno de los mejores pensadores vivos de la cultura popular, ha escuchado a The Doors, la banda liderada por el carismático y oscuro Jim Morrison, que, en tan solo cinco años (1967-1971), grabó algunas de las mejores canciones de la historia del rock. Con su estilo radical e inconfundible, Marcus trasciende la atenta escucha de las canciones de la banda -no solo las versiones de sus temas más conocidos, sino también las que interpretaron en directo, donde la banda solía reinventar su propio repertorio- y proyecta una de las miradas más inteligentes y brillantes sobre el legado cultural de la década de los 60. Además de los momentos decisivos de la historia de la banda, Greil Marcus convoca algunas manifestaciones artísticas clave y personalidades del imaginario colectivo norteamericano en un relato torrencial que, ante todo, rehúye el tópico de los 60 como la década de la paz, el amor fraternal y la liberación, detectando sus agujeros negros e instantes decisivos que la música de The Doors reveló mejor que nadie. ESCUCHANDO A THE DOORS es también una lección magistral de crítica de cultura popular y de cómo la literatura y el pensamiento pueden abordar la divulgación musical. Para ello, Marcus da rienda suelta a una prosa exuberante cuya finalidad no es reverenciar una música del pasado como objeto congelado en su tiempo, sino todo lo contrario: mostrar cómo algunas canciones y las ideas que estas vehiculan siguen vigentes y que, por ello, es preciso que las sigamos reivindicando y escuchando.

En 1985, Kristin Hersh contaba con diecinueve años de edad y un futuro prometedor: su grupo de música, Throwing Muses empezaba a despegar con fuerza entre la crítica musical norteamericana. Pero esta hija de una familia hippie poco convencional no podía prever lo que estaba por venir: el mismo año se le diagnostica síndrome bipolar y se queda embarazada. A partir de ese momento mezclar antidepresivos con vitaminas para el embarazo se convierte en algo cotidiano con lo que lidiar para mantener una banda de rock llamada a ser el nuevo grito musical. Con una prosa delicada, cuidada e intimista, Hersh realiza un inventario de su singular historia personal, llevándonos del delirio surrealista a la auto superación.

La hermosa relación de Patti Smith con el gran fotógrafo Robert Mapplethorpe. Un homenaje a la amistad sin trabas. Sus páginas cargadas de vitalidad y humor nos devuelven el sabor de esa gran ciudad donde casi todo era posible. Corría el mes de julio de 1967 y eran unos niños, pero a partir de entonces Patti Smith y Robert Mapplethorpe sellaron una amistad que solo acabaría con la muerte del gran fotógrafo, en 1989. De eso habla este espléndido libro de memorias, de la vida en común de estos artistas, los dos entusiastas y apasionados, que cruzaron a grandes pasos la periferia de Nueva York para llegar hasta el centro neurálgico del nuevo arte. Fue así que acabaron instalándose en el hotel Chelsea y se convirtieron en los protagonistas de un mundo hoy ya perdido donde reinaban Allen Ginsberg, Andy Warhol y sus chicos, y se creaban las grandes bandas de música que marcaron los años finales del siglo XX, mientras el sida hacía estragos. ** National Book Award de ensayo 2010. Reseña: «Un relato conmovedor del afán de unos seres dispuestos a poner sus almas al servicio del arte, inspirados por Rimbaud, Dylan, Genet y otros nombres idolatrados.» Rafa Cervera, Babelia, El País

Ésta es la historia del siglo XX a través de su música, desde la Viena de antes de la Primera Guerra Mundial hasta el París de los años 20; desde la Alemania de Hitler o la Rusia de Stalin al Nueva York de los años 60. Transportando a los lectores por el laberinto del sonido moderno, Alex Ross nos descubre las conexiones entre los acontecimientos más importantes y los compositores más influyentes, hombres que se rebelaron contra el culto al pasado clásico, lucharon contra la indiferencia del gran público y desafiaron a dictadores. Alex Ross ha firmado un libro imprescindible sobre un tiempo fascinante, caótico y estridente. El ruido eterno ha sido galardonado con el National Book Critics Circle Award, el Guardian First Book Award y un Royal Philharmonic Society Award; ha sido finalista del Premio Pulitzer y del Premio Samuel Johnson, y ha sido elegido como uno de los mejores libros del año por The New York Times, The Washington Post, Time, LA Times, The Economist, Slate y Newsweek. «Un libro que se lee de forma compulsiva», Time Out New York; «Una narración impresionante? El visionario crítico Alex Ross se acerca más que nadie a describir las hechizantes sensaciones que provoca la música», Financial Times; «Un libro de referencia que se convertirá en un clásico de la historia del siglo xx», Kirkus Reviews.

  El hecho de la presencia continuada y fundamental de la mujer en el cante flamenco demuestra que este arte tiene mucho más de expresión moderna que de esa imagen de un arte ancestral donde podría haber imperado el apartamiento por razones de sexo. En alguna ocasión se ha afirmado que ?la mujer no está dotada como el hombre para cantar flamenco?; este comentario se invalida por sí sólo ante la aplastante evidencia de unos hechos que ratifica el análisis histórico-cronológico de la trayectoria femenina en el arte jondo. En esta monografía histórica sobre la mujer se pone de manifiesto su presencia de forma tan temprana como el nacimiento mismo de los estilos flamencos. Muchas de las grandes creadoras (La Sarneta, La Trini, La Niña de los Peines) contribuyeron a enriquecer el cante flamenco: soleares de la Serneta; petenera de la Niña de los Peines; milonga de Pepa Oro, malagueña de La Trini, etc. Antecedentes del cante femenino podemos encontrarlos ya en los primeros tiempos de la Tonadilla Escénica, en donde la tonadillera cantaba breves piezas (tiranas, romances, fandangos o playeras entre otras) en los intermedios. Más adelante, durante el auge de los cafés-cantantes, la cantaora significó una marca de prestigio artístico para el local que las contrataba y hubo reinas indiscutibles de los cafés de su tiempo:  La Parrala, la África o la Rubia de Málaga. Con la aparición de los espectáculos de ópera flamenca, la mujer supo ganarse un lugar de primera figura la mayoría de las veces, alternando en otras como empresaria, compositora y organizadora de eventos (la Niña de la Puebla). En el último tercio del siglo XX sigue presente una constelación de mujeres que están dando lugar a nuevas creaciones iluminando originales caminos creativos en el cante flamenco hasta nuestros días. El legado femenino es, pues, impagable; la trayectoria vital y artística de tantas cantaoras ha ido enriqueciendo y modelando con sus aportaciones e inspiración una de las manifestaciones de música popular más original y potente hoy. La impronta de sus estilos ha sido decisiva y marca con fuerza el proceso evolutivo y estético de un arte universal.

Músicos como Loquillo, Miguel Ríos, Ramoncín o Andrés Calamaro, cineastas como Fernando Colomo y periodistas como Diego Manrique o Jesús Ordovás ayudan a contar la historia de la histórica banda de rock española.

Este libro es el resultado de una extensa y penetrante conversación de la periodista y escritora mexicana María Cortina con Chavela Vargas, quien con su proverbial franqueza y contundencia -aunque suavizadas por dosis de ironía y sentido del humor- cuenta sus verdades, que no son otras que las vivencias y pasiones que han acompañado su vida como mujer y cantante, con sus dioses y sus demonios, más derrotas que victorias, y que muestran, en deslumbrante technicolor, toda una época de la historia de México ya desvanecida y que empieza a reinventarse como mito. La vida de Chavela Vargas está entreverada de leyendas, situaciones y anécdotas verdaderas y otras rigurosamente inciertas, de zonas de luz y alegría y otras de silencio y de sombra, lo que da un halo aún más inquietante y sugerente a su trayectoria. Este libro da cuenta, también, de su hundimiento personal al comienzo de los años setenta, que coincidió precisamente con el fin de ese momento mágico de la canción mexicana y la muerte de sus principales compañeros del alma y de parranda. El infierno del alcohol y la desesperación duraron casi veinte años. Su reencuentro con su voz y con el público, a comienzos de los noventa, constituye una segunda vida de Chavela, la del triunfo en España de la mano de Manuel Arroyo, Pedro Almodóvar y ante un público que confirmó que su cancionero es plenamente contemporáneo y que sus interpretaciones conectan de lleno con la sensibilidad moderna.

Publicada por primera vez en 1946, esta autobiografía fue una emocionada llamada, dirigida a los jóvenes blancos alienados, para que se atrevieran a explorar el mundo de la cultura afroamericana y el jazz. Su padrino espiritual fue Mezzrow, músico, contrabandista y traficante de la mejor marihuana de Harlem. Su historia, escrita junto a Bernard Wolfe en el argot, libre y fluido, de los hipsters que poblaban lo que Jack Kerouac bautizó como "La Gran Acera Negro-Americana del Mundo", nos habla de un chico blanco que se enamoró de la cultura negra y aprendió a tocar el clarinete en los reformatorios, prostíbulos y garitos de su juventud. Atraído por la revelación del blues, siguió el rastro de la música por las calles de Chicago, Nueva Orleans y Nueva York hasta alcanzar el auténtico corazón del alma norteamericana. Mezzrow fue quizá mejor traficante de marihuana que músico de jazz, pero comprendió tanto la música como la raza que la engendró. [...] Mezz tradujo su experiencia para jóvenes de los cuarenta y los cincuenta como Kerouac, Allen Ginsberg, Neal Cassady y John Clellon Holmes, e inspiró no sólo sus vidas sino también sus obras; un legado de un valor incalculable. Del prólogo de BARRY GIFFORD Really the Blues es la esencia escatológica de Nueva Orleans. Mezz Mezzrow fue quien me descubrió Storyville. TOM WAITS Para mí fue la primera señal en la cultura blanca del underground negro y la cultura hip. ALLEN GINSBERG Este libro tan perfectamente maravilloso, tan absolutamente soberbio, expresa un mensaje vigoroso y vital de alegría sin adulterar. HENRY MILLER

Por fin en castellano llega la crónica definitiva de los peligros, los placeres y la decadencia del estrellato del rock and roll: whisky y actrices porno, peleas y accidentes de coche, sobredosis y muerte. Propulsados por todas las drogas que tuvieran a su alcance y espoleados por cantidades obscenas de alcohol, Mötley Crüe camparon a sus anchas durante dos décadas, dejando a su paso un reguero de mujeres corrompidas, habitaciones de hotel arrasadas, coches destrozados, representantes enloquecidos, huesos rotos y víctimas de diversa consideración. Todos estos hechos inenarrables y sus terribles consecuencias forman la espina dorsal de Los trapos sucios, un libro de referencia tanto para los fans del grupo como para todos aquellos interesados en el fenómeno del rock and roll. Narrado personalmente por Tommy, Mick, Vince y Nikki, con aportaciones puntuales de compañeros de viaje como John Corabi, varios ex representantes y un par de ejecutivos discográficos, Los trapos sucios dista mucho de ser un retrato complaciente. Divertido, sí. Patético, entrañable, depravado y repulsivo, también. En cualquier caso, fascinante y absorbente.

Una joya imprescindible y una declaración de amor a Robert Mapplethorpe, por la autora de Éramos unos niños. «Justo antes de morir, Robert me preguntó si algún día contaría la historia de nuestra relación. Me llevó años decidirme, y finalmente publiqué Éramos unos niños. Antes, escribí El mar de coral, un viaje a través del dolor, donde puse todo lo que sabía de él, concentrándolo en este libro de poemas en prosa que hablan de su amor por el arte y del cariño que me tenía. También, y sobre todo, quise transmitir sus ganas de vivir, que nadie pudo arrebatarle, ni siquiera la muerte.» Patti Smith He aquí una pequeña joya, un texto que cabalga entre la prosa y la poesía y da buena cuenta del talento de la cantante como escritora. Estas páginas, donde la letra se combina con la imagen, son un viaje por la vida, la enfermedad y la muerte de Robert Mapplethorpe, gran fotógrafo y amigo íntimo de Patti Smith. Reseñas: «Patti Smith no solo es una gran artista, es una hechicera, es decir, alguien en contacto con otros niveles de la realidad.» William S. Burroughs «Escribe brillantemente, ama incondicionalmente, todo está lleno de significado.» Suzanne Moore, New Statesman

Durante la segunda mitad del siglo XX, el musicólogo e historiador Studs Terkel presentó desde Chicago un legendario programa radiofónico donde cada día suministraba a sus oyentes una variopinta dosis de productos musicales, desde composiciones clásicas y

Recordar, evocar, un necesario ejercicio para la mejor comprensión de nuestra historia en un ámbito poco atendido: los músicos que dejaron su tierra entre los siglos XVIII y XX. Circunstancias sociales, económicas y políticas determinaron desplazamientos, migraciones y exilios hacia tierras lejanas, preferentemente de América. Si bien la mayor parte de desplazamientos tienen lugar en los siglos XIX y XX, durante el XVIII hubo casos notables como fueron los de Sor o Terradellas hacia ciudades europeas, o de otros mucho menos conocidos que viajaron a las posesiones coloniales de ultramar. Ya en el siglo XIX los hay que fueron responsables de los himnos nacionales de Argentina o de México, y en torno a 1900 aumentaron las migraciones debido a las crisis sociales europeas, y al auge económico en tierras americanas, donde era posible para el músico vivir de su profesión. Amadeu Vives compuso en Barcelona en 1903 L'Emigrant, canción sobre texto de J. Verdaguer, todo un símbolo del fenómeno que comentamos. La Guerra Civil, por su parte, determinó un número importante de exiliados y emigrados que por lo general no regresaron a su tierra, y aún en nuestros días su obra suele ser muy poco conocida en España y Cataluña. Jorge de Persia, musicólogo y profesor, ha sido colaborador del CSIC y director del Archivo Manuel de Falla (Granada), y dedica especial atención a los estudios sobre el patrimonio musical español, americano y catalán. Ha publicado entre otros libros: Los últimos años de Manuel de Falla, 1993; Joaquín Turina, notas para un compositor, 1999; En torno a lo español en la música del siglo XX, 2003; Julián Bautista. Tiempos y espacios, 2005. Comparte con estas tareas dedicadas a la investigación, la crítica musical en La Vanguardia (Barcelona).

Oriol Llopis, icono de la crítica rock desde los años setenta, apostó desde sus primeros textos por un periodismo en el que lo musical se mezclaba con lo vital, fundiendo a autor y músico en un todo indisoluble. Sus artículos en revistas míticas como Star, Disco Express, Vibraciones, Rock Espezial o Ruta 66 le convirtieron en punto de referencia, pero su afición a transitar el lado salvaje de la vida le asignó un aura de misterio que él mismo decide desactivar en este singular recorrido por su existencia.

Mati & The Music, es un libro sobre las 52 pinturas de Mati Klarwein que aparecieron en portadas de discos. Este cuerpo de trabajo comenzó a mediados de los años 50 y siguió a lo largo de medio siglo. Klarwein estuvo muy involucrado en el medio artístico de Nueva York de los años 1960 y 1970. Los músicos mismos le encargaron, principalmente, pintar portadas, las más famosas son "Bitches Brew" y "Live Evil" de Miles Davis, "Abraxas" de Carlos Santana, Earth Wind and Fire, Buddy Miles, Greg Allman... También lo contrataron sellos discográficos muy importantes incluyendo Blue Note para Jackie McLean, Reuben Wilson y Douglas Records para los Last Poets, Howard Wales y Jerry Garcia... Este libro es una introducción a la obra de un pintor a través de su pasión por la música. Klarwein nació en Alemania en 1932 y se mudó a Paris en 1948 donde estudió con el pintor Fernand Leger. Fue Ernst Fuchs quien lo introdujo al arte de Dalí y Buñuel y quien además le enseñó la técnica mixta de Van Eyck y la escuela flamenca. Durante sus años en Nueva York, de 1965 en adelante, se consideró que la obra de Klarwein estaba inspirada en el surrealismo y el movimiento psicodélico del momento. A finales de los años 1970 Klarwein se mudó a Mallorca, donde vivió hasta que falleció en 2002. El artista completó muchos cuadros incluyendo los encargos de retratos famosos de políticos como JFK, artistas como Jimi Hendrix y Leonard Bernstein, actores como Brigitte Bardot y escritores como Robert Graves. También fue famoso por sus paisajes, sus naturalezas muertas y por las muchas portadas de discos que pintó incluyendo "Abraxas" de Carlos Santana y "Bitches Brew" de Miles Davis.

Por fin, la definitiva biografía de Syd Barrett, la arrolladora fuerza creativa que instiló su genial y muy particular aproximación a la composición musical a la mítica Pink Floyd. En febrero de 1972, todo parecía haberse acabado todo para Syd Barrett, miembro fundador y cerebro e impulsor de la formación original de Pink Floyd. En verano de 2006 fallecía cuando apenas contaba con 60 años. Un tipo ciertamente singular e indescifrable cuyas indelebles huellas psicodélicas perviven en la muy personal impronta que su breve andadura inflige al incipiente rock progresivo a mediados de los sesenta; música experimental que hunde sus raíces en el folk reivindicado por Joe Boyd y que se inscribe por derecho propio en el progrock en plena ebullición de la escena underground del Swingin? London de la época. Con excepcional estilo y exquisitas maneras, Rob Chapman deconstruye el reduccionista mito del lunático genio, Looney Syd the Acid Casualty [Syd el lunático caído por el ácido], con el objeto de presentarnos a un joven inquieto cuyos parámetros psicodélicos creieron con inusitada fuerza y con demasiada rapidez; fenómeno que se aceleraría con el temprano éxito que sonreiría a su álbum The Piper at the Gates of Dawn. Popularidad que iba proyectarle a las entrañas del frenético torbellino del pop que infestaba la escena musical del momento y para el que no estaba aún preparado -y que, muy posiblemente, tal nunca deseó transitar-. Aventura y sostiene Chapman que Syd tal vez no estaba hecho para las mieles de la abrumadora industria del pop rock. Quizá, al igual que un cometa, su destino en tan breve tránsito mundano tenía por cometido dejar una breve pero intensa estela a explorar por sus adláteres y coetáneos. Esa obra es la puerta de acceso a la Arcadia de este genio incomprendido, y el análisis también del genio verbal y musical de un artista cuyas incluiencias se dejarían sentir incluso en el punk, el post-punk y también en la veta más artística y experimental del Britpop. Aporta también, por primera vez, extensas entrevistas con miembros de la familia Barrett, además de destilar en sus páginas cuanto puebla la correspondencia, memorabilia y los trabajos del artista. Por fin esta obra hace reverencial justicia a la figura más excéntrica del pop británico.

El título de la primera edición en 1933, Andalucía, su comunismo y su cante jondo, que se conservó al reeditarse en 1988 por la Universidad de Cádiz, entrañaba un equívoco desafortunado. Al leer el texto queda claro que los autores se refieren de manera expresa al comunismo libertario. Pero el tema que vertebra este ensayo es el cante jondo como rasgo distintivo de la cultura andaluza, tan pródiga en manifestaciones artísticas. Carlos aportó al texto los saberes musicales del guitarrista que ya era, y Pedro lo enriqueció con sus meditadas lecturas de filósofo en cierne. Entre los dos hermanos consiguieron una prosa fresca y brillante al servicio de una gran precisión conceptual. Fue el único libro en que compartieron autoría. Carlos Caba Landa (1899-1976) colaboró en periódicos gallegos, publicó cuatro novelas y, al morir, dejó varios originales inéditos. Y Pedro Caba Landa (1900-1992) compuso una amplia obra literaria y filosófica de más de veinte títulos que abarca ensayo, novela, poesía y teatro. El prólogo y el epílogo de esta edición se deben a Rubén Caba, autor de novelas, cuentos, libros de viajes y ensayos. En el prólogo bosqueja las semblanzas de su tío y de su padre; y en el epílogo comenta La copla andaluza, ensayo de Rafael Cansinos Assens en el que, desde el capítulo VIII hasta el final, glosó el libro de Carlos y Pedro Caba Landa sin escatimarles elogios.