El flamenco es un arte gestado entre las clases populares andaluzas, y por ello estrechamente vinculado a los oficios menos valorados, tales como el de vendedor ambulante. Son muchos los artistas flamencos que proceden de familias que se ganaron la vida vendiendo marisco, flores, fruta, caramelos, cuando no ejercieron ellos mismos esa ocupación. El pregón, a veces desgarrado, otras gracioso, pícaro, fue un recurso poético-musical para atraer a la clientela. En la lírica flamenca el mundo de los vendedores está muy presente, de la misma manera que existe gran cantidad de pregones flamencos que reproducen las cancioncillas de los vendedores. Las letras de bulerías, tangos, cantiñas y otros palos están salpicadas de fragmentos de pregones. Pero su influencia en el flamenco va más allá; en la forma de ejecutar el cante, por ejemplo, ya que el flamenco comparte algunos rasgos con las cantinelas de los mercaderes callejeros. Arrieros, tartaneros, vendedores ambulantes… contribuyeron a difundir esta música por los caminos del sur peninsular. "Pregones y flamenco" se ocupa de analizar el origen, la evolución y la actualidad de un cante hoy poco interpretado. Se trata de un estilo que no constituye un palo flamenco en sentido estricto, al carecer de estructura musical propia, pero que queda definido por su temática. Algunos pregones proceden directamente de la calle y fue allí donde los crearon personajes como Macandé, el Niño de las moras o José el de los camarones. Otros son recreaciones realizadas por artistas o composiciones de autor. Hay pregones también que provienen del mundo del teatro y, adaptados por diferentes cantaores, han dado origen a palos diferenciados: caracoles, mirabrás, etc. En definitiva, el estudio de los pregones es una puerta al conocimiento de la doble naturaleza del flamenco: un arte popular, de gente humilde y ambientes callejeros, pero también una música eminentemente profesional, de artistas que aportan su creatividad sin despreciar lo escrito, lo culto.

Roberto Gerhard (Valls, 1896-Cambridge, 1970) es uno de los músicos españoles más importantes del siglo XX. A diferencia de sus coetáneos, es el único que, haciendo acopio de una gran valentía, solicitó a Arnold Schönberg ser aceptado como su alumno, lo que lo convirtió en el único discípulo español del maestro vienés. Tras formarse con Schönberg, apostó por la defensa y difusión de la «nueva música» (parafraseando a Adorno), tanto con su propia obra como con la organización de conciertos. Tras la Guerra Civil se exilió en Inglaterra, donde desarrolló el resto de su carrera profesional hasta su muerte. La correspondencia que aquí se presenta tiene un gran valor no sólo por poner de relieve la relación personal del compositor español con una figura clave en el desarrollo de la música contemporánea, sino porque en ella se recogen nuevos datos biográficos e historiográficos, así como cuestiones de índole musical (compositivas, teóricas, conciertos…) que son de gran importancia no sólo para entender la labor creativa de Gerhard, sino para dimensionar su papel de primer orden en la historia de la música españ

Fernando Alfaro es uno de los músicos de referencia del rock independiente nacional y el líder y vocalista de uno de los grupos de culto de los noventa: Surfin' Bichos, recientemente reunidos tras un hiato de tres décadas para grabar un disco que ha visto la luz en 2023. "Mundo turbio" es la primera novela de Alfaro y parte de las letras de sus canciones para ampliar la vida de su nutrido grupo de personajes atormentados, entre los que destaca Ángel Turbio, trasunto quizá del propio autor. En un estilo seco, hiriente y lírico —entre la novela picaresca y Céline—, "Mundo turbio" es una suerte de bildungsroman ibérico plagado de personajes inolvidables, de épica carcelaria, drogas duras y amores fugaces. Además, este volumen recoge la totalidad de las letras escritas por Fernando Alfaro, tanto las compuestas para Surfin' Bichos como las de encarnaciones posteriores en grupos como Chucho o proyectos en solitario. La originalidad del libro radica en que no solo presenta las letras, sino que busca establecer paralelismos temáticos entre canciones —algunas alejadas en el tiempo— con el fin de establecer una correlación de temas y motivos recurrentes en la intensa y torturada poética del cantante.

Jim Morrison, líder de The Doors e icono de la contracultura, fue hallado muerto, con solo 27 años, en la bañera de un piso de París. Pocos saben que hasta llegar a ese trágico desenlace sufrió un brutal y absurdo acoso político, judicial, policial y mediático. Morrison, el primer cantante de rock detenido en un escenario y uno de los primeros en sufrir la cultura de la cancelación, fue empujado a un demencial juicio en Miami y se enfrentó a enemigos tan poderosos como el presidente Nixon; J. Edgar Hoover; los medios de comunicación; decenas de reaccionarios leguleyos y un juez conservador con aspiraciones políticas. Pero, tal vez, su peor enemigo fue él mismo.

A Ella Fitzgerald (1917-1996), The First Lady of Jazz, se la conoce y venera por habernos permitido gozar de una de las voces más portentosas, versátiles y amadas de todos los tiempos ùdon del que dan fe sus cinco docenas de álbumes en estudio, un sinfín de grabaciones en directo y casi trescientos singlesù. En esta monumental biografía ùy primera de la cantante en habla hispanaù, la historiadora y musicóloga Judith Tick ofrece una minuciosa y trepidante reconstrucción de las andanzas de la artista; vocalista que, durante más de medio siglo, se convertiría en una auténtica fuerza transformadora de la canción popular norteamericana.Ella Fitzgerald recoge los más de diez años de investigaciones llevadas a cabo sobre la singladura profesional de Fitzgerald, tarea para la que Tick ha podido contar con fuentes no consultadas hasta la fecha, así como con entrevistas a familiares y compañeros de armas que, a su vez, han ampliado sustancialmente cuanto se conocía sobre la azarosa infancia de la cantante en Yonkers (Nueva York), la trágica muerte de su madre y el año que pasó en un reformatorio ùpor tratar de ganarse

Cuando un músico muere, rara vez es el final de su historia.  Mientras que la muerte puede impulsar a las megaestrellas a un éxito aún mayor, los artistas ignorados en vida también pueden encontrar un nuevo tipo de fama. El coronel Tom Parker, antiguo mercachifle de feria, comprendió implícitamente esta cuerda floja, y la carrera póstuma de Elvis Presley ha servido de modelo para todos los demás. Los sellos tienen dos tareas: mantener vivo el nombre del artista y asegurarse de que sigue ganando dinero. A veces pueden ser objetivos compatibles, pero a menudo generan una tensión única en el negocio de la música.  El libro abarca todos los ángulos imaginables, revelando cómo la industria musical se esfuerza en perfeccionar el negocio de la muerte.  

El Straight Edge ha resistido a lo largo de las últimas décadas como una cultura hardcore punk libre de drogas. Sin embargo, su legado político permanece a menudo ambiguamente asociado con una soberbia postura machista autorreferencial y con un puritanismo conservador. A pesar de que algunos elementos de la cultura Straight Edge se alimentan de tal percepción, la historia política del movimiento es de lejos mucho más compleja. Desde los orígenes del Straight Edge en Washington D.C. a inicios de los años 80, individualidades, bandas y escenas enteras a lo largo del mundo lo ha vinculado al pensamiento y al compromiso radical. Una vida sobria para la revolución traza esta historia. Esto incluye contribuciones –en la forma de profundas entrevistas, ensayos y manifiestos– de un gran número de artistas y activistas con vínculo con el Straight Edge, desde Ian MacKaye (Minor Threat/Fugazi) a Dennis Lyxzén (Refused/The (International) Noise Conspiracy) u otras bandas musicales, hasta proyectos feministas (Emancypunx), activistas disidentes sexuales y de género, pasando por colectivos radi

Hablar de Triana es hablar del mayor fenómeno músico-cultural de la transición española. Ni mucho menos sus protagonistas, Jesús, Eduardo y Tele, eran conscientes de que esto fuese a ser así; sin embargo, tanto la respuesta del público, que los eligió como sus representantes generacionales, como la repercusión que alcanzaron cuando llegaron a todos los hogares del país hicieron de la existencia de Triana un concepto pionero en nuestra tumultuosa década de los setenta. Muchos se tiraron de los pelos, y otros tantos los vieron pasar y no dijeron nada. La prensa especializada y no tan especializada de aquel entonces tuvo que admitir el triunfo que a todos pilló por sorpresa y que no supieron comprender hasta que los jóvenes tomaron como suyo el ideario del grupo. En pleno cambio generacional llegaron a la cima del éxito por méritos propios. Tuvo que llegar el segundo semestre de 1974 para que Teddy Bautista y Gonzalo García Pelayo ayudaran a Triana a grabar y a conseguir compañía discográfica para así poner en marcha este bonito cuento de romanticismo musical. Eduardo Rodríguez Rodway, fundador del grupo junto con Jesús de la Rosa y Tele Palacios, nos desvela a través de sus vivencias el secreto mejor guardado de Triana. Un valioso testimonio que nos conducirá por la historia de este trío de músicos andaluces que decidieron afincarse en Madrid para dejar plasmada la música callejera sevillana en la cultura popular española, haciendo de ella un género universal y de todos. Eduardo Rodríguez, el único miembro con vida de Triana, y Pablo Selma evocan en este hermoso libro, repleto de aportaciones novedosas, los orígenes y ascenso del grupo andaluz que marcó una época y cuya música es, todavía hoy, escuchada con auténtico fervor por varias generaciones de españoles.

Un road trip contemporáneo y autobiográfico que conecta el presente con la cultura popular del siglo XX y rinde tributo a la historia de la música afroamericana.En el invierno de 2014, Alberto Zanini pierde su trabajo como jefe de ventas en una multinacional y ve cómo la vida en apariencia perfecta que se ha esforzado en construir durante años se derrumba. De la noche a la mañana se ve con cincuenta años, dos hijos, un matrimonio en crisis y una hipoteca que a duras penas puede pagar. Lo único que le mantiene cuerdo es el soul, la música del alma, de la que es apasionado, DJ y coleccionista. Un día, en una página de subastas de discos raros, una vieja cinta magnetofónica grabada por un artista desconocido llama su atención. Esa cinta será el punto de partida de un viaje al corazón del antiguo circuito musical afroamericano: Detroit, la ciudad de la Motown. Allí se obsesionará con Lee Dowell, un misterioso músico que parece haberse desvanecido dejando tras de sí una grabación incompleta. A través de entrevistas con artistas y promotores de la época, tratará de dar con Lee, mientras se sumerge en el lado oscuro de un negocio con demasiadas víctimas en el armario. Funk Investigators cuenta el proceso de renacimiento personal y profesional que llevó a Alberto Zanini a fundar Cannonball Records, un sello especializado en el rescate de viejas joyas olvidadas de funk y soul. El resultado es un libro que es a la vez autobiografía y novela negra musical. Un road trip contemporáneo que conecta el presente con la cultura popular del siglo XX y rinde tributo a la historia de la música afroamericana. Un homenaje a artistas como Lonnie Liston Smith, Gil Scott Heron, The Drifters y tantos otros que no lograron llegar a las listas de éxitos.

París a través de las Óperas que la han recreado: La Traviata, La Bohème y otras obras clásicas.La llegada del realismo, a mediados del siglo XIX, pondrá en el foco el mundo vigente, que así se irá abriendo paso a duras penas en un fenómeno artístico, el de la ópera, tradicionalmente abonado al pasado histórico, al exotismo ultramarino y a la fantasía. París, ciudad que ya encarnaba entonces el mito de la modernidad, se convertirá en escenario predilecto del espectáculo operístico, cada vez que este se atreva a representar la sociedad contemporánea.  Y lo hará siempre con una marcada preferencia por lugares muy señalados, por espacios fronterizos propicios a la transgresión y a los contrastes, configurando de este modo un rico mapa de la ciudad que este libro recorre a través de obras emblemáticas de la historia de la Ópera, como La Traviata o La Bohème.

Un bestiario. Así le gusta definir a su autor este ensayo sobre la historia del rock en el Estado español entre 1991 y 2021. Pero este no es un bestiario de animales míticos y fabulosos. Sus protagonistas existieron y fueron muy reales, por mucho que una gran mayoría no dejase rastro en los medios de comunicación. De eso va este libro. De devolver a la luz una música y a sus protagonistas.El inicio del periodo señalado lo marca el nacimiento del rock alternativo y su cierre apunta tanto a la pandemia del coronavirus como a la irrupción de nuevas músicas urbanas (reggaetón y trap) que darían carpetazo al tiempo anterior. Durante esas décadas se vivió en el Estado un momento dulce para una música hecha de abajo arriba, antisistema y contestataria. Sus artistas a menudo pelearon contra el marco musical imperante, identificado a veces con la Movida y que hoy señalaríamos como Cultura de la Transición. Piedra contra tijera buceará ahí para cartografiar el heterogéneo conjunto de movimientos que se asoció durante ese tiempo al rock. Realizará su labor con esmero, intentando combinar exhaustividad y profundidad con

Nick Cave reflexiona sobre la fe, el arte, la música, la libertad, el amor y el duelo Este libro, creado a partir de más de cuarenta horas de conversaciones íntimas con el periodista Seán O'Hagan, es una exploración profundamente reflexiva, en palabras del propio Cave, de lo que realmente impulsa su vida y creatividad. En él, el músico habla de fe, arte, música, libertad, duelo y amor. Se sumerge con total franqueza en su vida, desde su infancia temprana hasta la actualidad, en sus amores, su ética del trabajo y la profunda transformación que ha sufrido su existencia en los últimos años. Fe, esperanza y carnicería es un estallido de esperanza e inspiración de un verdadero visionario. «Este bellísimo libro es un lamento, una celebración, un aullido, una oración laica, una llamada a las armas, una meditación y una exquisita expresión de la condición humana. Te dejará sin aliento». The Observer «Enriquecedor en todos los sentidos. Lleno de amor, rebosante de ideas». The Guardian «Inmensamente elocuente y sabio. Una delicada guía sobre el potencial transformador del duelo». The Telegraph

"El flamenco no fue un espectáculo, ni nació para ser un espectáculo: era la forma de expresión de un pueblo más bien inarticulado, eran los poemas que decían a gritos de llanto unos analfabetos que no podían expresarse de otra manera, eran los lamentos de amor de un tosco primitivo que apenas sabe hablar pero que al recibir la herida se expresa de ese modo. ¿Quién podría pensar que ese lamento íntimo, que ese llanto musical, que ese abrirse las carnes para enseñar el corazón, pudiera ser un día taquillero?", afirmaba Edgar Neville en su "Flamenco y cante jondo" (1963). Ignoramos si Neville incluía la pantalla en su reflexión, pero la relación entre el cine y el flamenco comienza desde las primeras películas del período mudo, y ha ido creciendo a partir del sonoro bajo múltiples perspectivas, desde las apariciones más o menos puntuales de artistas (cantaores, bailaores, tocaores, etc.) al relieve dramático de la propia música, tanto en películas de ficción como documentales. El presente volumen verifica el ingente trabajo de no pocos años previo a la fase de escritura, compuesto de visionados, audiciones, lecturas, consultas, entrevistas, viajes, búsquedas diversas, paciente confrontación de datos... Brota de una intensa pasión de los autores por el flamenco, por el cine..., y por el flamenco en el cine. Esta pasión ha creado y determinado el libro, cuya naturaleza aúna la obra de consulta con el ensayo, al abrigo de esta música de peculiar belleza y especial dignidad. Se incorporan además cientos de ilustraciones, por lo común inéditas y de gran diversidad (fotos y carteles de películas, retratos de músicos y cineastas, actuaciones y portadas, etc.).

«Una de las biblias de la electrónica.» Abraham Rivera, El País Una edición revisada y ampliada de una obra que marcó una época. El regreso más esperado por los fans de la música electrónica.Loops es una obra pionera que marcó un antes y un despuéscuando se publicó en el año 2000. Ahora vuelve revisada y ampliada, fiel a ese primer estudio apasionado sobre el nacimiento y la evolución de un género único. Cubriendo todo el siglo XX, Loops trata con idéntica pasión las expresiones electrónicas más difíciles y las relacionadas con el fenómeno de la música de baile. Sus autores trazan conexiones entusiastas con el universo del pop, el rock, el cine y la literatura para explicar el cómo y el porqué de la electrónica.Obra de una decena de periodistas, productores y DJ, éste pretende ser un libro de múltiples lecturas; una guía o introducción básica para el no iniciado, un volumen que ayuda a buscar pistas, a seleccionar escuchas en función de gustos, y a la vez un trabajo que pueda ampliar datos y conocimientos al ya iniciado o incluso al experto.Reseñas: «Uno de los intentos más serios realizados en nuestro país por ofrecer una visión panorámica sobre la música electrónica.» El País «La enciclopedia de la música electrónica. [...] Una obra de culto en su conjunto, rigorosa y repleta de información, apta tanto para aquellos que buscan una guía de introducción básica a este mundillo, como para aquellosya iniciados (e incluso expertos) con sed de seguir ampliando datos y conocimientos.» Cris Pascual, Wololo Sound «Interesante, divertido, exhaustivo y excelentemente documentado.» Ricard Robles, codirector del Festival Sónar «Una obra imprescindible para entender la música que escuchamos.» Ángel Molina

Cincuenta años después de la desaparición de Jim Morrison, ocurrida el 3 de julio de 1971 en París, y envuelta en el más profundo misterio, este libro quiere celebrar la vida del músico-poeta y cantante de los Doors, cuya obra, filosófica, esotérica y transgresora, inmersa en el ardor de la contracultura norteamericana y los estertores del hipismo, trató de liberar a la gente de su limitado modo de ver y sentir la vida. Tras seis discos publicados a finales de los años sesenta y polémicos conciertos-rituales en los que Morrison parecía poseído por un alma chamánica, mientras los Doors creaban una música hipnótica para producir un efecto catártico, Morrison renunció a los favores de la gloria y la fama, se arrancó la máscara de sex-symbol, y eligió el «viaje tranquilo» para imponerse como poeta que trabaja en su propio jardín: «La auténtica poesía abre todas las puertas —diría Jim—. Puedes cruzar la puerta que más te convenga. Por eso me atrae tanto, porque es eterna. Mientras haya gente en el mundo, podremos recordar palabras y combinaciones de palabras. Solo la poesía y las canciones pueden sobrevivir a un holocausto. Nadie puede recordar una novela entera, ni describir una película, una escultura o una pintura, pero mientras haya seres humanos, las canciones y la poesía sobrevivirán».

Un viaje por la música que resuena en los lugares más aislados del planeta. Los acordes del piano de Einaudi sobre un iceberg, el blues eléctrico del desierto africano, música que viaja por el espacio interestelar, las canciones perdidas de una isla volcánica, la ciudad fantasma que vio nacer a ABBA, las melodías de una cueva submarina, los ecos hawaianos que enamoraron a Elvis, archivos sonoros ocultos en un búnker ártico, los cantos yoik que inspiraron a Björk, el punk desde la ciudad más fría del mundo… Existen melodías con resonancias geográficas concretas. El territorio, el clima, los ritos y costumbres dejan su huella en forma de canciones. Este libro es una aventura en busca de esos sonidos distantes, exóticos o extrañamente familiares capaces de emocionarnos. Historias, ilustraciones, mapas y curiosidades que nos invitan a escuchar paisajes desconocidos.

Fool the World es un completo recorrido por la vida, muerte y renacimiento de una de las bandas más influyentes de todos los tiempos.Antes de que Internet, la MTV y los iPods proporcionaran a los aficionados información y comunidades lejanas —en la era pre Never Mind—, los jóvenes de todo el mundo crecían en un relativo aislamiento del arte creado por ellos mismos para difundir lentamente escenas y tendencias. En estas condiciones, cuatro jóvenes de Boston formaron una banda llamada Pixies. Durante su carrera inicial de siete años, tocaron en algunos de los mejores festivales de Europa, mantuvieron a la prensa expectante y cultivaron una ferviente base de fans hambrientos de más y más. La banda trabajó rápido, produciendo cuatro álbumes a un ritmo vertiginoso, pero las presiones y los choques de personalidad pasaron factura: Pixies se disolvió justo cuando las bandas cantaban sus alabanzas como innovadores del rock'n'roll.