Sumérgete en el universo visual del genio outsider que cautivó a Kurt Cobain. Esta colección definitiva revela el arte crudo y conmovedor de un icono de la música y la ilustración. La biografía visual más exhaustiva publicada en una edición de lujo. El libro rastrea su trayectoria desde sus inicios en la escena de Austin a mediados de los ochenta —donde combinaba actuaciones musicales con un trabajo en McDonald’s— hasta su aparición en MTV. Mucho antes de su interés por la música y de forma paralela a ella, el arte fue la pasión más duradera de Johnston. Este volumen presenta una colección sin precedentes de sus dibujos, abarcando cuatro décadas de producción e incluyendo muchas piezas raras y nunca antes vistas. Con el apoyo de su familia y patrimonio, este es el primer proyecto integral publicado desde su fallecimiento, e incluye recuerdos de su hermano y artistas como Jeff Tweedy, Jim Jarmusch, Lana Del Rey o Karen O. Además, su publicación contribuye al proyecto Hi, How Are You Project, dedicado a la concienciación sobre la salud mental. Edición de lujo forrada en tela, con cantos impresos y una calidad de impresión excelente.

Las muy diversas mutaciones en las que se ha embarcado el artista diseccionado en estas páginas, por muchos conocido como C. Tangana, mas también por otros como Crema, El Madrileño (por antonomasia, pese a su sentida raigambre celtíbera), y Pucho para sus más allegados —sin que por ello haya dejado de atender a su verdadero nombre, Antón Álvarez Alfaro—, es un fenómeno digno de encomio y de estudio por su versátil carrera musical, pero también por sus no menos singulares emprendimientos artísticos y empresariales; aventuras que trascienden sus primeros tientos profesionales consagrados a la música para alcanzar también a la moda y el cine, y conforman la prolífica producción artística de este portento multidisciplinar. De las diversas facetas de este singular creador que emanan de sus reencarnaciones y de sus azarosas incursiones en todo lo abarcado hasta la fecha dan cuenta y noticia estos breves ensayos que, a modo de semblanzas, nos brindan una poliédrica aproximación a la vida y obra del biografiado, tanto en sus sesiones en los estudios de grabación como sobre las tablas, y durante sus giras con otros compañeros de armas, pero también en el curso de sus notables colaboraciones con otros creadores. En palabras de los editores: «Los ídolos son siempre reflejo de una sociedad que los idolatra, razón por la que aquí se habla de Puchito, pero también de nosotros. Qué nos dice de nosotros mismos una figura como la de Pucho, de nuestros deseos, de nuestros anhelos, de nuestros miedos. Eso es lo que encontrará el lector de la primera monografía que se publica en castellano sobre el rapero madrileño que detestaba exhibirse, que detestaba el dinero, y que también detestaba la fama, pero que entendió que sin ello no podría hacer su música, su arte. Y buscó la manera de ganar sin venderse». He aquí también la historia de quien «ha reventado las costuras de la industria» —en palabras de Manuel Jabois— y supo jugar con las herramientas del sistema para cambiarlas a su favor, aunque todo el mundo pensara lo contrario, aunque, incluso, pareciese lo contrario…

El objetivo (ambicioso) de este tratado no es otro que dar a conocer una parte importante de la historia de la música de este país, hasta el momento, prácticamente desconocida y que, muy especialmente, ha sido ignorada en el ámbito académico. Por eso, más allá de encender las luces que en su momento les fueron negadas a los protagonistas de esta historia, músicos, arreglistas, productores e ingenieros de sonido, hemos querido incluir un análisis, no por su intención divulgativa menos profundo y riguroso, que contemple el contexto educativo y social en el que esos protagonistas se desenvolvieron, no solo en el ejercicio de su profesión sino en lo que para muchos fue la aventura de su formación. El punto de partida de este estudio ha sido un trabajo de campo exhaustivo consistente en entrevistar a los profesionales que ejercieron su actividad durante el periodo que abarca nuestro estudio, así como la investigación, a través de familiares y compañeros, sobre aquellos que, lamentablemente, ya no están con nosotros. No menos importante es la inclusión de un extenso apéndice en donde, extraídos de la base de datos de la Asociación de Intérpretes y Ejecutantes (AIE), así como de otras fuentes en el caso del cine, se enumera la ingente cantidad de obras de música popular, zarzuela, música cinematográfica y música para publicidad que fueron grabadas en España por el colectivo de músicos de sesión, durante los treinta años que abarca nuestro estudio. Todo ello con el fin de dejar constancia de la enorme dimensión que tuvo la actividad, hasta ahora olvidada, de un grupo de músicos extraordinarios, que han sido el objeto principal de este tratado.

¿De qué forma le dijo Johnny Rotten a su mánager, Malcom McLaren, que era un mentiroso? ¿Cómo supo Norman Sheffield, la persona que contrató a Queen para grabar sus primeros discos, que Freddie Mercury le llamaba sanguijuela? ¿Qué medio usó Joni Mitchell para tachar de maltratador a su antiguo amante Jackson Browne? ¿Cómo le dijo John Lennon a Allen Klein que olía a gato callejero? Hablando de músicos y compositores, la ecuación se resuelve por sí sola: sus armas son la letra y la música. Partiendo de una frase del estribillo de una de las canciones-dardo más conocidas, “You’re So Vain”, de Carly Simon, el autor hace una disección de 32 canciones en las que su compositor arremete contra alguna persona de su entorno, por lo general compañeros de profesión, mánagers, jefes de discográfica y periodistas, sin dejar de lado ataques contra parejas sentimentales e incluso miembros de la propia familia. Quedan descartadas, en este estudio, canciones que atacan a personajes públicos, sin que haya ningún vínculo con su autor. Eso no tiene mérito.

Hasta finales del siglo XVIII la música instrumental estaba subordinada a la vocal. Kant afirmaba que la música sin texto era «placer más que cultura» y Rousseau la desdeñaba puesto que no permitía expresar ideas. Sin embargo, a principios del siglo xix se produjo un cambio profundo: la música puramente instrumental empezó a considerarse un medio de conocimiento y se la valoraba precisamente porque era ajena a las limitaciones del lenguaje. En la música como pensamiento, Mark Evan Bonds analiza el origen de este cambio de mentalidad en los oyentes de finales del siglo XVIII y principios del XIX a partir de testimonios de la época y de una serie de fuentes—filosóficas, literarias, políticas y musicales—que nos descubren qué significó la música sinfónica para sus primeros oyentes. El resultado es una interpretación tan singular como rigurosa de las causas y los efectos de la revolución en la escucha y la recepción musicales.

Este es un libro sobre freaks y para freaks pergeñado por un freak mayúsculo. En su última locura, Luke Haines traza una historia secreta y subterránea del rock a partir de sus más eminentes tarados. Con un humor desquiciante y acidísimo y una lucidez prodigiosa, el otrora líder de The Auteurs y Black Box Recorder —entre otras muchas encarnaciones— ha escrito un manifiesto para enmarcar y probablemente uno de los volúmenes más divertidos de la literatura musical. Por estas páginas reptan bichos raros de la talla de Gene Vincent, los Shadows, la Incredible String Band, Jim Morrison, T. Rex, Gary Glitter, Lou Reed, Morrissey, The Fall, los Go-Betweens, las chicas Manson y un hatajo de villanos de lucha libre ataviados con leotardos, amén de otras criaturas espeluznantes. "Freaks Out!" es una reivindicación maravillosa de la otredad y la anomalía que sin duda alguna es lectura no apta para la gente normal.

El célebre tenor Ian Bostridge pasó casi dos años sin poder pisar los escenarios a causa de la pandemia, hecho que lo llevó a reflexionar sobre el valor irrenunciable del contacto directo con el público, a la vez que le permitió ahondar en el amplio catálogo de clásicos que ha interpretado a lo largo de su carrera. Mediante una prosa lúcida y absorbente, Bostridge explora en estas páginas el modo en que Monteverdi, Schumann y Britten emplearon y subvirtieron los roles de género en sus composiciones, cuestiona la jerarquía y el poder coloniales en Chansons madécasses de Ravel, y analiza las meditaciones de Britten sobre la muerte en obras como War Requiem o Death in Venice. Las singulares reflexiones de Bostridge nos permiten comprender la asombrosa intensidad de sus interpretaciones, en las que la extraña fusión de melodía y pensamiento brinda auténticas epifanías tanto al cantante como a su público.

Este no es otro libro de Pearl Jam. Porque ya hay un puñado de ellos y algunos son realmente buenos. Esta es otra historia: un mosaico de los fragmentos que conforman la esencia de la banda, contada por periodistas, fans, estudiosos, músicos, viejos conocidos y por mí. Porque este es mi Pearl Jam; descubiertos gracias a mi hermano, los que me empujaban a traducir canciones con un diccionario Oxford, quienes ampliaron mi gusto musical gracias a sus versiones increíbles, los que me llevaron a recorrer ciudades y conocer gente que aún hoy me acompaña. Un libro surgido de trabajos de universidad, programas especiales, memorabilia, podcasts, rabbit holes, mis diarios personales e innumerables entrevistas a expertos, arqueólogos sonoros y fans. Un recorrido por las letras, por su pasado combativo y un presente no menos exento de contradicciones, por la tragedia y el amor, por la cultura y las subculturas, el futuro, la marca, el diseño y la autenticidad. Estas son las palabras cuya banda sonora me ha acompañado en los últimos veinte años. Así suena mi Pearl Jam.

Esto no es un estudio. Es un manifiesto portador de una extraña convicción: que la música sigue estando por descubrir, que está todavía oculta. Que, sin embargo, suele aparecer, la mayoría de las veces, de manera incompleta. Y que lo que hasta ahora hemos designado como «música» no es más que un preliminar, un pródromo. Que todas las músicas producidas hasta ahora no son más que simulacros, rituales que llaman a la música. Esto puede parecer loco, inoportuno. Pero esta es la apuesta de este texto: volver esta afirmación legible, comprensible y tal vez, incluso, aceptable. Esta es su aspiración: formular, a partir de intuiciones, un posible para una música por venir.

El trap marcó un antes y un después en la música argentina. Objeto de fanatismo, consumo juvenil masivo y blanco de prejuicios, su vertiginoso pasaje del freestyle callejero a llenar estadios lo vuelven un fenómeno que tenía que ser pensado. Y a eso se dedicaron Camila Caamaño y Amadeo Gandolfo: a la desafiante tarea de historizar un género en constante mutación, que deriva del hip-hop para llegar al reggaetón, mezclarse con el rock, el pop o la cumbia villera, volverse fórmula hegemónica y finalmente estallar en multiplicidad de sonidos. En los doce años que abarca este libro, el trap se ganó su lugar como soundtrack de una época, siendo expresión de una cultura precarizada e hiperconectada, atravesada por acontecimientos como el desarrollo de las plataformas musicales, los canales de streaming o el encierro durante la pandemia. Desde la incontenible explosión en una plaza de El quinto escalón a liderar rankings mundiales, de los experimentos adolescentes de Duki, YSY A y Neo Pistea en una casa de Villa Crespo a la consagración de artistas como Dillom, Cazzu, Wos y Trueno, de figuras aptas para todo públi

Nada en la obra de John Cage es del todo lo que parece. Y este libro no es la excepción, porque se trata de un "diario" que no sigue las convenciones del género, sino que se organiza a través de un mosaico de meditaciones, citas y apuntes dispersos. Entre 1965 y 1982, años durante los cuales escribe estos textos, Cage se enfrenta a un mundo que experimenta profundas mutaciones: desde la contracultura que sacudía los cimientos de la sociedad estadounidense, hasta la descolonización de África, la China de Mao y las revoluciones tecnológicas a gran escala. Mientras la historia toma un rumbo acelerado e impredecible, el compositor y artista, a sus 53 años, se encuentra en una posición ambigua: ya no es un joven que se sienta motivado a ser protagonista, pero sí un testigo atento capaz de diagnosticar e incluso anticipar el rumbo de esta transformación. Impulsado por sus lecturas de Richard Buckminster Fuller, Marshall McLuhan, Norman O. Brown y Henry David Thoreau, y por su propia curiosidad, Cage emprende un viaje arriesgado e inmersivo por la información, entendiendo que está en presencia de un giro fundament

He aquí la más vibrante y completa semblanza del que fuera gran pionero —y el último en partir de toda una generación de profetas— del blues. Riley «Blues Boy» King (1925-2015), más conocido como B.B. King, nació en la más absoluta pobreza en el corazón del Misisipi afroamericano subyugado por la América de Jim Crow. Su temprana fascinación por la música litúrgica —y, en concreto, por la guitarra de la que se acompañaban algunos predicadores— se convertiría en la vía de emancipación para dejar atrás el trabajo de aparcero a fin de batirse el cobre con —y consagrar el resto de sus días a— la música. Animado y fascinado por los discos de Blind Lemon Jefferson y T-Bone Walker, B.B. enseñó a su guitarra a cantar en el singular estilo solista que se convirtió en el sello más distintivo y reconocible de su arte. A lo largo de su dilatada carrera, recorrió las carreteras de medio mundo sin apenas descanso —más de quince mil conciertos en noventa países a lo largo de sesenta años— y varias de sus actuaciones, incluido el mítico concierto de Chicago (ofrecido en la cárcel del condado de Cook), perduran entre las grandes gestas de los anales del blues. Daniel de Visé entrevistó a casi todos los supervivientes del círculo íntimo de B.B. King. Sus voces y recuerdos pueblan estas páginas y reflejan la vida de este titán del blues del Misisipi en el que se inspiraron generaciones de artistas, desde Jimi Hendrix y Eric Clapton a Carlos Santana y The Edge. «De Visé profundiza meticulosamente en por qué y cómo el joven Riley, que llegó a este planeta desde un mundo de complicidades extremas, fue capaz, gracias a su talento, su incesante empuje y su humildad, de alzarse con el merecido título de “Rey del Blues”. Desempolven sus discos y disfruten de la lectura. Yo lo hice». Robert Cray, cinco veces ganador de un Grammy, guitarrista y cantautor de blues Seleccionado para el Premio Pen / Jacqueline Bograd Weld de biografía Mejor libro de no ficción del año según Kirkus Reviews Mejor libro del Library Journal Best Book Reviewed by Book Marks

Las biografías de Small Faces, Faces y Slim Chance se deslizan por una parte muy importante de estas páginas, pero por ellas también surgen otro buen puñado de nombres ilustres de la música del siglo xx. A Steve Marriott, Kenney Jones, Ian McLagan, Rod Stewart y Ron Wood se unen aquí Eric Clapton, Pete Townshend, Paul McCartney, Jimmy Page, Bill Wyman y un largo etcétera porque, de un modo u otro, todos tuvieron un denominador común en la figura de Ronnie Lane. ¿Y quién fue Ronnie Lane? Responsable de la creación de míticos álbumes como Ogden´s Nut Gone Flake y Ooh La La, las reglas de la industria le otorgaron, no obstante, un papel secundario. Luchador incansable, su carácter risueño, idealista, espiritual, romántico y despreocupado de lo material resultaron la antítesis de cualquier estrella del rock que se preciara. Toda una personalidad que sellaría su devenir, entre errores y aciertos, hasta el final de sus días. En definitiva, Lane fue siempre antes un ser humano que una celebridad. Por eso en los tiempos que corren, donde la mayoría apenas tiene nada que decir pero lo expresa con sentimiento, se hacía urgente reivindicar del pasado a este singular músico.

Un acercamiento a la cultura urbana a partir de las músicas que la vertebran (con especial atención a los géneros más populares, el trap y el reguetón) a través de un análisis sociocultural necesario para comprender el fenómeno musical que ha conquistado al mundo. Monótona. Machacona. Sexista. Artificial. Vacía. Hacía mucho, muchísimo tiempo que la música juvenil no provocaba un choque entre generaciones como el desencadenado por el auge del reguetón y la música urbana. Es el género más odiado por los adultos y el favorito de los jóvenes y adolescentes. Mientras los unos se indignan con las letras, los bailes, la jerga y hasta la manera de vestir de los reguetoneros, los otros cantan, bailan, hablan y se visten como ellos. Y nada indica que este conflicto vaya a resolverse pronto. El fondo del debate en torno al reguetón y la música urbana trasciende lo estrictamente musical. Remite a una sucesión rapidísima de cambios socioculturales difícil de asumir para la Generación X, la de los padres de los fans de Bad Bunny, J Balvin y Karol G. En las últimas dos décadas el pop ha sufrido un seísmo comparable al que en su momento supuso el nacimiento del rock’n’roll. Las transformaciones en las maneras de producir, distribuir y consumir música no tienen precedentes. Tampoco las circunstancias que han precipitado estas mutaciones. Matar al papito interpela principalmente, aunque no de manera única, a los adultos que desean, necesitan comprender qué ha pasado en estos veinte primeros años del milenio: de dónde proviene el hechizo del sonido urbano, su capacidad para conectar con los deseos y las ansiedades de los jóvenes del siglo xxi, y cuáles son estos deseos y estas ansiedades. De ahí el subtítulo, Por qué no te gusta el reguetón (y a tus hijos, sí). Con este objetivo, en Matar al papito se despliega una genealogía detallada de las músicas urbanas —el reguetón, claro, pero también el trap y el dancehall, entre otras— conjugada con un análisis de las coyunturas sociales, culturales, políticas y tecnológicas que las han alumbrado, para entender (y quizás valorar) de qué va todo esto.