LA HISTORIA DE LOS JESUS AND MARY CHAIN CONTADA POR LOS HERMANOS REID Durante cinco años, los hermanos William y Jim Reid conversaron hasta altas horas de la madrugada en el salón de la casa de sus padres en East Kilbride, Escocia, imaginando cómo sería su grupo de rock ideal. Sabían que no podían tocar en la misma banda porque discutirían sin parar, así que se describían mutuamente sus grupos de ensueño, hasta que finalmente se percataron de que esas dos bandas perfectas eran en realidad la misma, y que el nombre de ese grupo tenía que ser The Jesus and Mary Chain. Poco después grabarían un single para la recién creada discográfica de Alan McGee, Creation, que los puso en boca de todos, y de allí forjarían uno de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos: "Psychocandy". Seguirían una serie de conciertos caóticos, inundados de acoples, imprevisibles y beodos que cimentaron la leyenda. Retomando esas conversaciones nocturnas más de cuarenta años después, William y Jim cuentan por primera vez la historia completa y sin tapujos de una de las bandas de guitarras más influyentes e imperecederas del rock británico: una crónica hilarante y conmovedora de luchas fratricidas, feedback, disturbios y adicciones contada a dos voces por dos sempiternos outsiders.

Dirigida tanto al público especializado como a quienes desean conocer diversas obras, artistas e intérpretes.

La infancia de Luis Torres de la Osa estuvo mecida por el paisaje hipnótico de las pistas rojas de tierra batida y por la promesa embriagadora de convertirse algún d¡a en un jugador profesional. La carrera de la joven promesa ten¡stica, no obstante, quedó truncada por un final súbito y nada dramático: no hubo una lesión aterradora, tan solo la delectación juguetona del adolescente que se asoma a la vida fuera de la pista. Ese momento decisivo, proclive a las especulaciones sobre vidas paralelas, inspiró al autor a escribir un libro sobre tenis que al mismo tiempo es una investigación sobre todo lo demás: la belleza, el sexo, la melancol¡a, los deseos, el tiempo, la amistad, el dolor, la muerte.

Puto Boomer es un viaje, llevado con sensibilidad pero también humor, por la vida de Roberto Moso. En este libro, el polifacético cantante y periodista da respuestas -de una forma digna del abuelo Cebolleta- a las preguntas que, según crecías, te has hecho sobre tu pasado y el cambio de perspectiva que has experimentado: ¿Cómo ves tu niñez después de haberla dejado atrás? ¿Qué pasó con aquellos a quienes tanto admirabas en tu juventud? ¿Realmente eras entonces tan único y alternativo como te creías? ¿Entiendes ahora a los adultos a los que conociste? ¿Te reconoces en las nuevas generaciones? Algunos de estos recuerdos ya han sido contados y otros lo son por primera vez, pero, sobre todo, son recuerdos en los que cualquiera puede reconocerse, incluso aunque no seas un puto boomer.

Hay algo maravilloso en la Argentina que hace que la trayectoria de un artista sea una especie de deglución impropia de influencias, un trasplante algo insólito de ideas foráneas que se trafican de las maneras más inesperadas y se cruzan como un Frankenstein con el acervo cultural local. Una estrategia abiertamente desacralizante que implica aceptar que siempre se compone a partir de algo que ya existe, una bastardización de la idea de "original". Ni chamán ni gurú: Daniel Melero se asume como anfitrión. Alguien que acoge las ideas ajenas y busca expandirlas. Un niño del barrio de Flores que tiene las antenas afiladas para detectar en la radio y la tele canciones que le cambian la vida y que descubre en el parque Rivadavia discos de Yellow Magic Orchestra y Tangerine Dream. Un joven inquieto que asiste a shows under de rock nacional (de Los Gatos a Los Violadores) y también a recitales de música experimental. Que busca insaciable información en revistas como Expreso Imaginario y disquerías como El Agujerito, o intenta emular de manera casera los experimentos sonoros con cinta de Eno y Cage grabando hormiga

Quadrophenia marcó el punto más alto en la ambición de los legendarios The Who, siendo la pieza maestra de las «óperas rock». Tanto que dio lugar a una película de culto. Pero su gestación fue toda una epopeya. La ambición creativa de Pete Townshend le llevó a querer superar lo logrado con Tommy y componer, en 1973, una segunda ópera rock. Un proyecto que casi acaba con The Who. Pero el tiempo le dio la razón, yQuadrophenia permanece como una obra imprescindible que alumbra la escenamod demediados de los años sesenta, ayuda a comprenderla y a reimaginarla. Tanto es así que dio lugar a una película cuyo impacto, devenida obra de culto, alcanza al presente. Quadrophenia.TheWho y la epifaníamod de Pete Townshend reconstruye los pasos dados por el líder del grupo para crear una ópera rockmirando al propio pasadomod que definió los inicios de la banda. Protagonizada por Jimmy, un joven con problemasmentales, la acción se sitúa en 1964, cuando rockers y mods se peleaban en las playas de Brighton y otras localidades de la costa sur de Gran Bretaña. Townshend quería grabar y publicar el doble álbum Quad

Nikolaus Harnoncourt ha sido capaz de añadir a su impresionante trayectoria como intérprete y director, un no menos denso e influyente repertorio de escritos y análisis sobre lo que podríamos denominar la «filosofía de la música antigua». Publicado originalmente en 1984, la presente colección de ensayos recoge algunas de las más jugosas contribuciones de Harnoncourt al pensamiento musical de nuestro tiempo. Considerado por muchos como el auténtico «credo» de una de las voces más autorizadas de la interpretación musical histórica, los textos aquí reunidos son una excelente compilación de treinta años de experiencia y reflexión en favor de una mejor comprensión de la música antigua, y muy particularmente la barroca. Una música que nos habla desde un código que el intérprete y el oyente de nuestro tiempo debe conocer para comprender cabalmente el «discurso sonoro» de cada época.

En esta antología se realiza una aproximación poética al flamenco, con una selección de algunas de las letras más populares y tradicionales, junto con otras más recientes y de autor conocido. Para la selección se han seguido criterios poéticos, pero también se ha tenido en cuenta el valor histórico y tradicional de las letras dentro de los estilos flamencos. La presentación de estas, agrupadas por palos, facilita una aproximación a la compleja estructura de los estilos flamencos. Además, para resaltar la importancia de los letristas y sus letras dentro del flamenco, se acompaña un listado de los autores conocidos de los que se han seleccionado algunas de sus creaciones. Una aproximación al flamenco a través de una antología de coplas centrada en su valor poético y tradicional. La selección ha sido realizada por: José Cenizo Jiménez. Profesor, experto en flamenco y poesía, crítico literario, escritor y letrista. Rafael Domínguez Villa. Escritor, poeta y letrista. Domingo Giménez Cánovas. Aficionado al flamenco y la poesía, coordinador de esta antología. Catalina León Benítez. Profesora, escritora, estudiosa del flamenco y experta en su didáctica. Francisco Antonio Linares Lucena. Profesor, escritor, investigador, poeta, letrista, lexicógrafo, dialectólogo y estudioso del flamenco. José Francisco Ortega Castejón. Experto en música y flamenco, editor de la Revista de Investigación sobre Flamenco La Madrugá. María del Mar Prats Yusta. Profesora de baile, poeta y letrista. María Victoria Verdú González. Escritora, poeta, letrista y experta en flamenco.

Quizás este no sea el mejor libro que se pueda escribir sobre La banda Trapera del Río, seguramente podría haber aportado muchas más anécdotas, curiosidades y material, pero para mí, ha sido un gran esfuerzo mental, de recuerdos, de fechas, de vivencias. Hay recuerdos bonitos, entrañables, pero también los hay dolorosos, y eso me es muy difícil reflejarlo en unas páginas que estaban en blanco, como lo estaba mi mente en esos momentos, ha sido muy difícil para mí. El año en que he escrito este libro ha sido un año complicado a nivel emocional, marcado por pandemias, pérdidas y cambios. Podría contar miles de historias más relacionadas con la Banda Trapera del Río, mostrar documentos inéditos que aún tengo guardados y espero que, más adelante tenga la oportunidad de hacerlo. Espero que este libro haya quedado lo suficientemente digno para que os guste y os pueda tocar un poquito vuestro corazón trapero. El mío lo he puesto.

LIBRO DEL AÑO según Rough Trade y Resident ENTRE LOS MEJORES LIBROS DEL AÑO SEGÚN Rolling Stone, Mojo y Sunday Times Las aclamadas memorias de Miki Berenyi de Lush, o los altibajos contados con una honestidad brutal de una superviviente del britpop de los 90. Hija de padres ausentes y bohemios, Miki Berenyi sufrió desde muy joven los frecuentes traslados y la oscura presencia de una abuela maltratadora, lo que acabaría desembocando en diversos trastornos. El camino para salir de este agujero fue la música. Junto con su amiga de la universidad Emma Anderson formó Lush, grupo que grabó desde finales de los 80 varios discos para el prestigioso sello 4AD entre el shoegaze y el britpop y alumbró algunos himnos del pop británico, pero que desapareció de manera fulminante tras el suicidio del batería Chris Acland en 1996. En sus memorias, Berenyi revive las agotadoras giras, las sesiones de grabación y la locura de la industria musical de los 90 en Gran Bretaña, y documenta el emocionante ascenso y la prematura caída de Lush. Pero, sobre todo, relata el conflicto entre su lenguaraz y provocadora personalidad pública y su fragilidad privada; la dificultad de ser una mujer en un mundo exasperantemente masculino y machista, y la lucha por encontrar un término medio entre el prestigio y las concesiones comerciales. Contada con franqueza y sin tapujos, un humor irónico y una honestidad emocional desgarradora, esta es la increíble historia de una mujer pionera y una banda seminal que supieron abrirse camino a pesar de las adversidades.

Acaso no haya mejor tributo al legendario compositor Edward Kennedy “Duke” Ellington, en el cincuentenario de su muerte, que exhumar del olvido sus memorias; ni puede que tampoco haya otro caso, en la literatura memorialística del jazz, en el que una gran estrella se resistiera con tal vehemencia a la labor de dar brillo y esplendor al medallero. Sea como fuere, ni el jazz, en su conjunto, ni probablemente buena parte de la música contemporánea serían explicables sin Ellington; y él mismo seguiría siendo un misterio de no ser por este alegato prepóstumo, puesto que el gran compositor fue terco enemigo siempre de la literatura confesional (hasta que un cheque in extremis lo indujo a ceder cuando su vida ya se agotaba). Siempre que el compositor hacía referencia a este texto subrayaba que «se asemejaba más a una de sus actuaciones que a unas memorias». A decir verdad, nunca quiso prestarse a componer una autobiografía al uso; y es preciso aclarar, en su descargo, que se salió con la suya. A fin de acometer el encargo a su manera —el libro vería la luz en 1973, año escaso antes de su muerte— resolvió dividir en ocho actos este explosivo texto en el que deambula con brío por lo sagrado y lo profano, retrata cordialmente a sus compañeros de fatigas, canta las cuarenta, cuenta mil anécdotas, elogia, discute, conversa y afronta un esmerado interrogatorio con infalible agudeza —no exenta de cierta acritud—. Si antes había callado, aquí escribe por los codos, sin intermediarios y haciendo alarde de un bullicioso estilo cargado de ingenio y salpicado, en más de una ocasión, con las notas del genio. Ellington se movía por las calles de Harlem con igual soltura que por los pasillos de la Casa Blanca, y en todas partes gozaba y a todos brindaba su inagotable vitalidad. Apasionado del arte y compadre de cuantos consagraban sus vidas a tan noble oficio, contaba entre sus amigos con decenas de personajes de instrumental importancia para la trayectoria sonora del siglo XX: Armstrong, Basie, Bechet, Coltrane, Davis, Fitzgerald, Parker o Sinatra son solo algunos de los muchos que desfilan por estas páginas (aliñadas, por cierto, con cien fotos que nos acercan al mundo visible del pianista). Lo que emerge, una y otra vez, de ellas es su lujurioso matrimonio con la música, la amante y señora a quien siempre reservó el fuego más sagrado del swing: «las queridas van y vienen, pero solo mi amante permanece», sentencia el enamorado zumbón.

El undécimo álbum de estudio de los Beatles inmortalizó para siempre los icónicos estudios de grabación de Abbey Road en Londres.  Lo que Paul McCartney describiera como «el mejor estudio de la ciudad» ha resultado ser un atractivo único para casi todos los que alguna vez traspasaron la modesta puerta del edificio blanco en el número 3 de Abbey Road. Desde los días en que el personal llevaba batas blancas, pasando por los años del rock and roll hasta las grandes estrellas de hoy en día, Brian Southall, Peter Vince y Allan Rouse nos cuentan la fascinante historia del estudio. Rico en detalles históricos y repleto de datos, es el documento definitivo para saber más sobre la fascinante historia del estudio de grabación más famoso del mundo.