Como advierten sus autores, este es un libro para leer con una sola manoà con la otra querrás buscar videos, canciones o más información en Google sobre los formidables personajes que desfilan por sus páginas: Asistimos a los disturbios de Stonewall de la mano de la mítica Marsha P. Johnson, la reina que paseaba por Nueva York con flores en el pelo, y de Stormé DeLarverie, el drag king que patrullaba Greenwich Village en traje de chaqueta. Escuchamos a Crystal LaBeija, fundadora y madre de la formidable Casa de LaBeija, alzar la voz para reivindicar la belleza negra en el certamen de Miss Gay America. Nos colamos en los salones de Harlem donde nació el vogue, el baile que popularizó Madonna, y en los clubs del Londres de los 90 con Leigh Bowery y sus looks imposibles. Todo ello con la música de The Rocky Horror Picture Show de fondo. Es la clase de historia que no te dieron en la escuela.es y, por otro, de los jueces que no ponen coto a estas prácticas y que, en lugar de rechazarlas, las admiten a trámite. Por último, la labor de desprestigio se propaga gracias a los medios de comunicación afines, que potenc

No existe una historia unitaria y, por tanto, universal de la homosexualidad. Esta historia se ha construido desde un enfoque “integracionista”, que sigue los avatares de la homosexualidad insertándolos en los grandes procesos de la historia social y la política, combinando de forma equilibrada el análisis de las prácticas, de las representaciones y de los discursos, entrecruzando fuentes múltiples y alternando las exploraciones geográficas e histórico-etnográficas y la historia de los conceptos (teológico-morales, filosóficos, científicos) y de las imágenes (plásticas, literarias, publicitarias). La Historia de la homosexualidad masculina en Occidente se ha organizado a partir de tres grandes ejes. En primer lugar, el estudio de las prácticas de control y persecución desplegadas por las diversas instituciones sociales y etapas históricas. En segundo lugar, las formas de resistencia que apuntaron a crear espacios vivibles, un medio propio y eventualmente una subcultura o un movimiento de contestación en cada época. Finalmente, se trata también de captar las formas de identidad, de subjetividad conformadas en esta relación agónica entre la acción de poder y los desafíos de la libertad del individuo. El resultado es una ambiciosa obra de la que se han pulido sus aristas más estrictamente académicas y que ha buscado el lenguaje accesible necesario para el mayor entendimiento.

Premio Booker 2021 Los Swart son una familia blanca que vive desde hace generaciones en una granja en las afueras de Pretoria, en Sudáfrica. Tras la muerte de la madre, se reúnen todos para el funeral en la casa familiar. Amor y Anton, dos de sus hijos, rechazan lo que la familia representa y no olvidan la promesa que su padre hizo a su madre poco antes de morir: que Salome, la mujer negra que lleva trabajando toda la vida para ellos y que la cuidó en sus últimos días, podría quedarse con la pequeña casa en la que siempre ha vivido. Pero el tiempo va pasando y la promesa no se cumple.La narración sigue los pasos de los Swart a lo largo de más de tres décadas; a través de la minuciosa exploración de los miembros de la familia y sus conflictos, Galgut nos habla también de los cambios políticos y sociales del país tras el fin de la segregación racial.La promesa, una originalísima y conmovedora novela ganadora del premio Booker 2021, está considerada como una de las grandes obras literarias en inglés de la última década. «Con un virtuosismo poco ostentoso, Galgut —uno de los mejores escritores del mundo— penetra en las mentes de todos sus personajes, ricos o pobres, blancos o negros, hombres o mujeres. (…) El libro más importante de la última década.» Edmund White«Damon Galgut es el más digno ganador del Premio Booker de los últimos años.» Rose Tremain (New Statesman) «Asombrosa (…)La promesa sugiere que las exigencias de la historia y el grito de respuesta de la novela pueden converger con gran fuerza (…) una narración que fluye libremente y convierte la trama en una profunda meditación.» James Wood (The New Yorker) «Es tierna y brutal, y Amor, su enigmática heroína, es el personaje más fascinante de la narrativa reciente. La recordaré y recordaré este libro maravilloso y abrumador durante mucho tiempo.» Peter Cameron «Un tour de force… Una espectacular demostración de cómo la novela puede hacernos ver y pensar.» Jurado del Premio Booker 2021 «Galgut parece escribir sin esfuerzo (…) no hay nada que no sea capaz de hacer (…) su estilo es sosegado pero el libro está pletórico de vida gracias a la infinidad de detalles a los que alude (…) Sin duda esta es una de las mejores novelas del año (…) un libro que responde la pregunta de para qué sirve una novela. La respuesta está clara, sirve para esto.» John Self (The Times) «La historia posee una profundidad asombrosa, como si los personajes hubiesen sido imaginados a lo largo del tiempo, con paciencia y tierno cuidado.» Colm Tóibín «Una espléndida y deliciosa novela, con un peso imaginativo a la altura de escritores sudafricanos contemporáneos de Galgut como Gordimer, Coetzee y Brink.» Tessa Hadley «Una novela magistral, impresionante.» Nat Segnit (Times Literary Supplement) «La novela adquiere una dimensión estética y dramática de muy alto nivel.» J. Ernesto Ayala-Dip (El Correo) «La promesa celebra la capacidad de la novela para vengarse de la realidad más oscura mirándola desde ángulos que desarticulan todo conato de uniformidad o simplicidad.» Antonio Lozano (Cultura/s - La Vanguardia)

‘La Dictadura Pedagógica' es una de las obras menos conocidas de Blas Infante, en la que parece dejar de lado el proyecto andalucista, para adoptar un enfoque más universal. Publicada cuatro años después de la Revolución Bolchevique de 1917, Infante muestra inicialmente su desilusión por la deriva dictatorial del proyecto revolucionario. Ante ambos extremos, la dictadura proletaria y la dictadura burguesa, establece su propia utopía: la Dictadura Pedagógica, un nuevo modelo de sociedad, en el que los políticos serán sustituidos por educadores, cuya función será la de modelar a la humanidad para que camine hacia un mundo mejor. Tal como nos cuenta el profesor Manuel Hijano del Río en el estudio introductorio, “Esta obra, por consiguiente, supone el fin del recorrido por el lema andaluz. La ruta emprendida con Ideal Andaluz que profundiza en el “por sí” y en el “para España”, finaliza con “la Humanidad” de La Dictadura Pedagógica. Un libro por el cual el andalucismo confirma su vertiente universalista y sus postulados no se quedan en los límites geográficos de la comunidad”. En este volumen, además del estudio introductorio firmado por Hijano del Río, profesor titular de Teoría e Historia de la Educación de la Universidad de Málaga, incluye un prólogo de Pura Sánchez, investigadora, docente y miembro de la Fundación Blas Infante, así como un amplio estudio sobre la obra de José María de los Santos, que se publicó a modo de prólogo en la edición de la Fundación Blas Infante de 1989.

En las trincheras de Stalingrado es una pieza fundamental de la literatura bélica y uno de los primeros textos escritos en la antigua Unión Soviética que aborda con honestidad incontestable el que, probablemente, sea el episodio más importante de la Gran Guerra Patria: la batalla por Stalingrado. El propio comienzo del libro, con una inesperada y humillante orden de retirada, muestra la intención de Nekrásov de alejarse de una narración complaciente y heroica al servicio del régimen. En su lugar, el autor se centra en mostrar el conflicto desde los ojos de sus protagonistas, los soldados. Él mismo combatió en Stalingrado como teniente e ingeniero en un batallón de zapadores, y su experiencia directa en el frente se transformó en la fuente de la que se nutriría este texto, la que dio forma a sus Trincheras, abriéndose paso entre las llamas de la ciudad incendiada, entre el miedo, la sinrazón, la esperanza, la valentía y la obcecada temeridad que llevaron a una generación de soldados a derrochar vida y sangre por cada metro de la helada tierra de Stalingrado. «En la guerra uno no puede creer en nada más que en lo que tiene delante de sus narices», nos dirá el protagonista; y esa misma máxima es la que aplicará Nekrásov a su escritura. Esa es la razón por la que esta obra es tan impactante: no se eleva a las alturas intentando hallar un sentido al horror inhumano del conflicto; en lugar de eso, se queda en las trincheras, sugiriendo que cualquier significado, de haberlo, está ahí, en las conversaciones y gestos cotidianos, en las horas compartidas, en el día a día de los soldados.

Los subterráneos es una de las mejores novelas de Jack Kerouac; en ella se precisa su voluntad de llevar a cabo una suerte de autobiografía literaria que será, al mismo tiempo, una crónica legendaria de la Generación Beat. En efecto, casi todo es aquí relato autobiográfico, «fraseado» con ese inimitable estilo sincopado que Kerouac aprendió escuchando en el Minton's de Nueva York a los grandes del bop.Al igual que Charlie Parker, Kerouac improvisa en torno a un tema, y escribe de la manera más flexible, adaptándose en cada episodio a las resonancias que le sugiere el momento.La novela transcurre en San Francisco, ciudad a la que Kerouac llegó en 1953, antes de alcanzar la fama, y es un fresco de días y de noches habitadas por el jazz, el alcohol y las drogas, cabalgando entre la desesperación absoluta y las ilusiones más descabelladas, al hilo de una estremecedora historia de amor: la del escritor Leo Percepied (una nueva encarnación de Kerouac) y una muchacha negra, Mardou Fox, «el ángel negro, desesperado y sombrío, de este mundo subterráneo de Frisco» (Vito Amoruso).

El eco de mis muertes es una pieza única que nos permite, una vez más, adentrarnos en la obra poética de la gran escritora argentina Alejandra Pizarnik a través de la mirada del artista Santiago Caruso. Siguiendo la estela de La condesa sangrienta (Libros del Zorro Rojo, 2022), las pinturas de Caruso en El eco de mis muertes —que incluye una selección de fragmentos del poema «Aproximaciones», escrito entre 1956 y 1958— nos llevan a emprender un recorrido por el imaginario de Pizarnik; más precisamente su traspaso «hacia el otro lado», hacia el universo de la palabra hecha cuerpo y, en última instancia, hacia la muerte. La mirada minuciosa y a la vez penetrante de Caruso realza el ya mítico universo de la poeta. Un libro desplegable que deviene en un objeto imperdible, en un verdadero talismán.

Una de las obras capitales de Jack Kerouac, el escritor paradigmático de la Generación Beat. Ambientada en California, expone su descubrimiento del budismo y su primera ley, «la vida es sufrimiento», durante la época en que se sentía un fracasado al no encontrar editor para sus libros.Pero además de un modo filosófico de encarar el fracaso y de la búsqueda del auténtico significado –el Dharma– por parte de unos jóvenes desharrapados y febriles, Los Vagabundos del Dharma expresa la comunión con la naturaleza en la cima de altas montañas, la fraternidad y la poesía. Y todo entre vino, marihuana y orgías, donde Kerouac aparece como Ray Smith, aunque el auténtico protagonista sea el poeta y budista Gary Snyder, que figura bajo el nombre de Japhy Ryder. También puede identificarse fácilmente a Allen Ginsberg y Lawrence Ferlinghetti, entre otros participantes en el llamado «renacimiento de San Francisco», narrado con suma brillantez en el libro.Los Vagabundos del Dharma elevó a Kerouac a representante esencial del resurgir de una espiritualidad que también era un nuevo modo de relacionarse, y que hoy, cuando se imponen las realidades virtuales y las rutas cibernéticas, supone un soplo de aire fresco y un impulso hacia otros mundos igual de poco sustanciales, pero donde los sentimientos adquieren proporciones insólitas.

Las preguntas incómodas deben ser confrontadas. En el delirio o en lo matérico, en la sordidez del cuerpo humillado y del cuerpo que se celebra a sí mismo. En las líneas de aproximación a la fragilidad de la sangre y la mente, envueltas en la violencia cotidiana que se tapa con soledad, con hambre de sueños que escapen de las pesadillas en el arrullo de los bosques escandinavos. Versos que estén en la realidad para transformarla nada más nombrarla, ya sea en los silencios o en el léxico, o desde el susurro con el que respiran las palabras. (David Guijosa Aeberhard)

Casi cuatro décadas después de su muerte, aparece, en el sótano del Instituto Italiano de Cultura de Nueva York, una cinta que contiene una de las últimas entrevistas que Pasolini concedió, en 1969. Una larga conversación en la que, con un estilo afilado e implacable, el escritor, el crítico, el pensador se abren en canal y se desnudan, sin evitar las provocaciones, los temas escabrosos: Dios, el sexo, la religión, la adhesión al marxismo, la crítica a la izquierda obsesionada por la pureza de las ideas, la poesía —su primer lenguaje—, el cine —el último—, el poder, la cultura del consumo. Una apremiante sucesión de reflexiones que golpea al lector con su apodíctica contundencia y su clarividente actualidad.

Circular 22 cierra la obra en marcha comenzada por Vicente Luis Mora a finales de los noventa. Esta 'novela total' (Eloy Fernández Porta), que también ha sido definida como 'ciudad mundo' (Alice Pantel) o 'rizoma textual' (Marco Kunz), es un proyecto literario multigenérico, cuyas piezas -que pueden leerse en cualquier orden- se han multiplicado para esta versión definitiva. Desde su inicial ubicación en Madrid, con el paso de las décadas se ha expandido a Europa y América, ofreciendo ahora una sección ambientada en el norte de África. Polifónico y abierto, Circular 22 es un laboratorio donde se mezclan y funden toda suerte de géneros, estilos, personajes, voces, tradiciones e historias, permitiendo leer la crisis del sujeto contemporáneo, de su entorno urbano como condicionante vital y del nomadismo (cultural o real) como horizonte estético. Esta obra en marcha, desarrollada durante un cuarto de siglo, toma la Tierra como espacio y la convierte en campo de escritura para expresar las angustias contemporáneas, el espesor de la vida, la luz salvaje de lo fantástico, lo real y lo irreal, lo posible y lo imposible.

¿Qué hay detrás de la llamada guerra de las plataformas? ¿Se trata de conseguir suscriptores o de algo más? ¿Es una guerra nueva? El combate entre las plataformas de streaming por dominar el mercado no es sino el capítulo más reciente de la guerra por el control de los medios de difusión de cultura, saber, memoria y ficciones que se libra desde la antigüedad.Cambian los soportes, pero la lucha es en esencia la misma: los papiros, los pergaminos, las primeras bibliotecas, los copistas medievales, el paso al libro impreso, el kinetoscopio y la guerra de las patentes desatada por Edison, el cine, el VHS y el Beta, Macintosh y Windows, Netscape y Microsoft, Google y Facebook, y ahora Netflix, HBO, Amazon y demás contendientes que libran la batalla por la hegemonía de la innovación, el control y el poder.

En el camino, un libro que fue la biblia y el manifiesto de la Generación Beat, se ha convertido en una novela de culto y en un clásico de la literatura norteamericana. Con un inconfundible estilo bop, que consiguió para Kerouac el título de heredero de Charlie Parker, en esta novela se narran los viajes enloquecidos, a bordo de Cadillacs prestados y Dodges desvencijados, de Dean Moriarty (el mítico hipster, el héroe de todos los beatniks: «un demente, un ángel, un pordiosero») y el narrador Sal Paradise, que recorren el continente, de Nueva York a Nueva Orleans, Ciudad de México, San Francisco, Chicago, y de ahí a Nueva York de nuevo. Alcohol, orgías, marihuana, éxtasis, angustia y desolación: el retrato de una América subterránea, auténtica y desinhibida, ajena a todo establishment. Una crónica cuyos protagonistas, en la vida real y en el libro, fueron Jack Kerouac (Sal Paradise), Neal Cassady (Dean Moriarty), Allen Ginsberg y William Burroughs.

review

No asolaron las langostas los cultivos ni la peste acabó con el ganado. Piojos no atacaron a animales y niños. Una nube de moscas no invadió aquel país. El agua jamás se tornó en sangre ni emergieron de ella a millares las ranas. No se cubrieron de úlceras los cuerpos. Del cielo no llovió fuego y granizo. No hubo oscuridad que durase tres días ni todos los primogénitos murieron a la vez. Supimos entonces que el castigo era en realidad sobrevivir. “Las diez plagas de Egipto”, de Olalla Castro. Olalla Castro (Granada, 1979) es doctora en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada (su tesis sobre la narrativa de Enrique Vila-Matas le valió el Premio Extraordinario de Doctorado) y licenciada en Periodismo. Es autora de los poemarios La vida en los ramajes (Devenir, 2013), Los sonidos del barro (Aguaclara, 2016), Bajo la luz, el cepo (Hiperión, 2018), Inventar el hueso (Pre-Textos, 2019) y Las escritas (Almuzara, 2022), el ensayo Entre-lugares de la Modernidad: filosofía, literatura y Terceros Espacios (Siglo XXI, 2017) y las antologías Ocho paisajes, nueve poetas (Dauro, 2009) y Juan de Loxa: resistir en el margen (Diputación de Granada, 2018). Ganadora del Premio Nacional de Poesía Miguel Hernández, el Premi Tardor de Poesía, el Premio Internacional Antonio Machado en Baeza, el Premio Unicaja de Poesía y el Premio de Poesía Vicente Núñez. Sus poemas y relatos han sido recogidos en más una de veintena de antologías y traducidos a varias lenguas. Ha sido cantante y letrista de diversos proyectos musicales, como Rebelmadiaq, Sister Castro o Nour, formaciones con las que ha firmado una decena de discos y ofrecido conciertos por países como Argentina, México, Costa Rica, Jordania, Marruecos, Argelia, Francia, Holanda o Alemania. En primavera de 2020 obtuvo la beca de escritura Montserrat Roig.

Vanas repeticiones del olvido, de Eusebio Calonge, que reúne la obra completa del dramaturgo jerezano y Premio Nacional de Teatro 2010 desde 1992 a 2022.

La contundente radiografía de una familia, de sus heridas latentes, fragilidades, contradicciones y flaquezas.    «¡En esta familia no hay secretos!», proclama al inicio de este libro Damián, el padre, un hombre de ideas e ideales fijos obsesionado con la rectitud y la pedagogía. Pero esa casa sin secretos está en realidad llena de grietas, y la opresión que se respira entre sus paredes terminará creando vías de escape, códigos clandestinos, ocultaciones, fingimientos y mentiras. Formada por dos niñas, dos niños, una madre y un padre, esta familia en apariencia normal, de clase trabajadora y llena de buenas intenciones, es la protagonista de una novela coral que abarca varias décadas y en cuyas historias laten el deseo de libertad y la crítica a los pilares que tradicionalmente han sostenido, y todavía sostienen en gran medida, la institución familiar: autoritarismo y obediencia, vergüenza y silencio.  Sara Mesa vuelve a demostrar que posee un ojo clínico para desnudar comportamientos humanos, detectar heridas latentes y retratar en toda su complejidad la fragilidad, las contradicciones y las flaquezas que nos conforman. Este libro es una nueva vuelta de tuerca a la construcción de uno de los universos literarios más potentes de las letras españolas actuales y la confirmación de un talento que no deja de crecer.