Tan talentosa como ingenua, con apenas veinte años y recién casada, Alison vive en el tranquilo pueblo costero de Bridport, en Dorset, al sur de Inglaterra, donde es moderadamente feliz y también está moderadamente insatisfecha. Un día, en la biblioteca pública, un encuentro casual con un pintor maduro y afamado le hace replantearse su lugar en el mundo y finalmente abandonar las convenciones y sus raíces de clase trabajadora por la trepidante y exclusiva escena artística del Londres de finales de los ochenta. Al tiempo que la emoción del romance bohemio se diluye sin remedio en la decepción, Alison va descubriéndose y abriéndose camino gracias al arte, la belleza y la amistad. Exquisito en cada una de sus páginas, «Alison» es un testimonio sobre el derecho a elegir tu vida, una reflexión delicada y desgarradora acerca de los vínculos entre mujeres, el fulgor de la gran ciudad y la sosegada luz de lo rural, la lucha constante que conlleva ser artista y mujer dentro de los límites del patriarcado, y el deseo de cambiar y dejar huella. Una fascinante e íntima novela gráfica de formación, cuyo guión bien podrían haber firmado Edna O'Brien o Rosamond Lehmann, con trazos que derrochan sensualidad y frescura.

Subcampeón es una autobiografía desternillante y cruda, entre la comedia y la angustia. Se lee como un tobogán: rápido, divertido y con un poco de miedo.Con diecinueve años, Zuhaitz Gurrutxaga cumplió el sueño de su vida: debutar con la Real Sociedad en Primera División. La perla de la cantera guipuzcoana cautivó a los aficionados y a la prensa, pero empezó a sentir cada vez más presión: «Tenía mucho miedo a fallar en el campo. Llegué a odiar el fútbol por todo lo que me hacía sufrir». Una noche de verano se le voló la cabeza y creyó que se había vuelto loco para siempre. No tenía palabras para nombrar lo que le pasaba, no se atrevía a contárselo a nadie, y en los terrenos de juego trataba de disimularlo como podía. El mismo día en que Gurrutxaga se proclamó subcampeón de Liga con la Real, su madre se asustó tanto con su comportamiento que buscó una psicóloga al azar y lo llevó a su consulta.           Gurrutxaga fue cayendo por equipos de Primera, Segunda, Segunda B y Tercera, mientras luchaba contra la ansiedad, la depresión y un grave trastorno obsesivo-compulsivo. Lo curioso es que nunca perdió el humor. Cuando colgó las botas, se subió a los escenarios de los teatros para contar las tripas del fútbol profesional, sus propias batallitas, sus desastres deportivos y sexuales, sus variados y rocambolescos fracasos, en monólogos muy divertidos. Gracias a su radical y tierno sentido del humor, se reconcilió con el fútbol y consigo mismo.

La historia del arte desde el Renacimiento como nunca se ha contado.¿Cuántas mujeres artistas conoce? ¿Quién hace la historia del arte? ¿Hubo mujeres que trabajaron como artistas antes del siglo XX? ¿Cuáles fueron las pioneras que abrieron el camino para las creadoras actuales? ¿Cuántas mujeres forman parte de las colecciones permanentes de los grandes museos?En una apasionante historia del arte, Katy Hessel, historiadora del arte y fundadora del podcast @thegreatwomenartists, presenta, entre otros, los deslumbrantes cuadros de la pintora renacentista Sofonisba Anguissola, las radicales obras de Harriet Powers en el siglo XIX, o la historia de la fascinante baronesa Von Freytag-Loringhoven, que inventó el concepto de arte encontrado mucho antes que Duchamp. Viajaremos por la Edad de Oro holandesa, contemplaremos el asombroso trabajo de las artistas latinoamericanas de posguerra y conoceremos a las mujeres que están definiendo qué es el arte en la actualidad.Prepárese a cambiar para siempre su perspectiva sobre la historia del arte y a abrir los ojos a muchas formas de arte antes ignoradas o menospreciadas. Desde la costa de Cornualles a Manhattan, Nigeria o Japón, esta es una historia del arte como jamás se ha visto.

Antígona es la última obra de la saga de Edipo. Luego de que la historia, el arte y la filosofía la han interpretado de múltiples maneras -Hegel, Brecht, Butler, Bachmann, por mencionar algunas?, la poeta canadiense Anne Carson desarrolla su propia versión: una traducción libre con omisiones, realces y una mirada actual que confirma la fuerza de la tragedia, si no la del mito original.

Eurípides fue un dramaturgo del siglo V a.C. que reinventó la tragedia griega, poniéndola en un camino que conduce directamente a los reality shows. Sus obras rompieron todas las reglas, derrocaron las convenciones e indignaron a los críticos conservadores. Las Bacantes es su obra más subversiva: cuenta la historia de un hombre que no puede admitir que preferiría vivir en la piel de una mujer, y un dios que parece combinar todas las sexualidades en una única ruinosa demanda de adoración. Dionisio es el dios de la intoxicación. Una vez que caes bajo su influencia, no se sabe dónde terminarás". Anne Carson.

¿Es posible interpretar los materiales que nos rodean como sistemas inteligentes y no como objetos pasivos sometidos a la voluntad humana? En Mentes paralelas, la investigadora italiana Laura Tripaldi nos ofrece información detallada sobre el comportamiento de la materia según lo demostrado recientemente por la química, la biología sintética y la nanotecnología, a la par que propone una estimulante reflexión filosófica en la que los descubrimientos científicos más innovadores dialogan con el mito antiguo. El resultado es un bestiario tecnomaterial lleno de encuentros inesperados con "mentes extrañas": desde telarañas y gelatinas proteicas, hasta soft robots e inteligencias artificiales, desde centauros y gólems hasta colonias virales o fantásticos organismos invertebrados. "Mentes paralelas" ayuda a abordar un tema de difícil dilucidación y al mismo tiempo crucial para el presente: ¿qué entendemos por inteligencia? Y lo hace desafiando el paradigma antropocéntrico dominante. Quizás no podamos acceder a la experiencia de la reacción de una ameba a una determinada señal química, a la del pulpo que "ve con su

El presente libro es un estudio sobre los inicios de la teoría crítica de la Escuela de Fráncfort centrado en la obra temprana de los filósofos alemanes Theodor W. Adorno y Max Horkheimer. Reconstruyendo las discusiones en sus escritos filosóficos, se sostiene que la teoría crítica emerge desde el materialismo como crítica de la metafísica occidental que inspira tanto una política emancipatoria como una nueva investigación social interdisciplinaria. A través de la epistemología, la teoría social y la filosofía de la historia, este libro es una contribución a la discusión sobre el estatuto de la "crítica" en el papel de la filosofía y los estudios sociales para con la transformación social. ¿Qué es la crítica hoy? ¿Qué aprendizajes podemos extraer del proceso de formación de la Escuela de Fráncfort? ¿Cómo una revisión de los escritos tempranos puede ayudarnos a responder la pregunta por el rol de la teoría en las prácticas de cambio social? En una época donde el pensamiento crítico es cooptado por el neoliberalismo, estas preguntas son particularmente urgentes.

Bajo el rótulo de -inquietud de desciframiento-, -El lugar de la violencia- horada líneas de campo, desvíos y callejones sin salida de la literatura de Kafka, ahí donde el orden estriba en la inseguridad en el uso de los signos y penetra el campo de fuerzas entre el poder y el símbolo. La escenificación de la violencia aparece no como mera reproducción de formas de dominación, sino como médium del sufrimiento donde las heridas proporcionan un lenguaje y articulan vínculos entre soberanía y sometimiento, exceso y prohibición, tabú y transgresión. Así la imagen de la violencia es un encuentro entre formas de saber, poder, formación de símbolos y juicios morales, desde la cual surge la génesis de la imagen literaria y los conflictos paradigmáticos en torno a las formas de dominación y técnicas de castigo. Asimismo, surge un programa en que la literatura de Kafka se legitima y reacciona al carácter coercitivo de la realidad por medio de la puesta en escena de las palabras que se direcciona a su ilegibilidad; un desequilibrio que para Vogl, termina por ser condición previa de una ética literaria.

Si en Vaquera invertida McKenzie Wark hacía estallar el género biográfico para narrar su fuga de la masculinidad, en este nuevo libro superpone capas de autoficción a otras de autoteoría para preguntarse: ¿es posible escribir un libro sobre la rave como práctica que sea a su vez una práctica raver? ¿Son aún útiles los conceptos, la escritura, en esos espacios a los que vamos justamente a perdernos? Prepárense para adentrarse en el mundo de las raves de la mano de McKenzie Wark. Partimos con una crónica totalmente inmersiva: una acumulación vertiginosa, fractal, de vivencias, ambientes, tips de supervivencia, percepciones alteradas y cuerpos exhaustos. Y sobre las premisas de esa experiencia se irán montando ideas ingeniosas que afloran en la atmósfera misma del éxtasis. Femmunismo ketamínico, tiempo-k, rave continuum son algunos de los conceptos producidos en diálogo con amigas anónimas, amantes ocasionales, djs, trabajadores de la noche, y una lista heterogénea que va de Theodor Adorno a Julianan Huxtable, pasando por los situacionistas o un meme de Facebook. Podríamos decir que hay dos contextos en los

En el siglo XXI, el arte se ha convertido en un asunto extraño. La llegada de Internet, la difusión de las nuevas tecnologías y el auge de las redes sociales han distorsionado nuestro universo visual hasta la furia de los gifs animados, los retoques de Photoshop y las prácticas apropiacionistas de todo tipo y grado. Trolls, youtubers e instagramers nos están legando un conjunto de prácticas y estéticas que recuerdan los preceptos de las vanguardias históricas, alegremente distorsionados en clave desinhibida. ¿Cómo ha respondido a semejante contrapaso el arte que encontramos en museos y galerías?Y ¿qué pasaría si, en el futuro, los libros detexto de historia del arte no recogieran lasobras de algún artista del siglo xix, sino los memes de usuarios anónimos que se esconden tras seudónimos inverosímiles? En este libro, el primero que intenta trazar una cartografía exhaustiva de la relación entre las artes visuales y las culturas digitales a partir de la década de 2000, Valentina Tanni recorre el camino que nos ha llevado “de Marcel Duchamp a TikTok”, esbozando los contornos de uno de los senderos más fascinantes e inquietantes de la actualidad.

Elegías de Duino de Rainer María Rilke (Praga, 1875 - Montreux, 1926), es una de las creaciones cumbres de la poesía del siglo XX. La grave crisis psicológica que sufrió, en gran parte debida a su acercamiento a la filosofía existencial de Kierkegaard, y el dramatismo y la angustia que soportó por la guerra mundial, que tanto le obsesionaba, le llevó al autor a una huida de la cultura de la crisis que ocupaba el fin de siglo, llevándole hacia una visión más compleja de la vida; una visión que consideraba al hombre culpable de la destrucción del mundo, pero también su salvador cuando pudiera transferir su entidad al «espacio interior», identificado y defendido por la palabra poética. Las traducciones del doctor Dörr están acompañadas por iluminadores comentarios que ayudan al lector a adentrarse en las profundidades metafísicas de Rilke. No son interpretaciones psicológicas, sino una auténtica labor hermenéutica con la que se intenta desentrañar el sentido de los poemas sin ideas preconcebidas y fundamentado cada juicio.

Paul Valéry (Sète, 1871 - París, 1945) es uno de los grandes poetas y pensadores del siglo xx. Reconocido como el representante de la llamada «poesía pura», se alejó del debate alegando su desconfianza sobre esta denominación, «solo había querido hacer alusión a la poesía que resultase de la supresión progresiva de los elementos prosaicos que pueda haber en un poema; es decir, de todo lo que siendo historia, leyenda, anécdota, moralidad, inclusive filosofía, existe por sí mismo, sin el concurso necesario del canto». Se consideraba poeta del conocimiento, alejado del poeta intelectual. En este libro, editado cinco años después de su muerte, de poemas, notas, aforismos, cuentos, queda en evidencia que a Valéry no le interesaban las cosas del intelecto, sino la inteligencia misma. Escéptico, indiferente a otras opiniones, siempre descreído: «Dicen que represento a la poesía francesa. Me toman por poeta. Me importa un bledo la poesía; solo me interesa la casualidad…»..

Junio de 1943: los aviones aliados sobrevuelan Turín; la Italia fascista está de rodillas. Todas las tardes, al acabar la jornada, Corrado abandona la ciudad oscura y bombardeada para regresar a la seguridad de las colinas. Pronto, sin embargo, comienza a frecuentar una hostería cercana donde se reúne un círculo de antifascistas y donde, además, reencuentra a Cate, con quien mantuvo una relación años atrás y que vive allí con su hijo, Dino. Corrado, hombre solitario y taciturno, se verá pronto enfrentado a la crucial elección entre el compromiso emocional y político —con todos sus peligros— y la retirada devastadora. «La casa en la colina» está considerada por la crítica la cumbre de la madurez narrativa de Cesare Pavese. Publicada originalmente en 1948, y sembrada de sutiles reminiscencias autobiográficas, la novela simboliza el malestar existencial de toda una generación por medio de un lúcido relato que disecciona la culpa y la debilidad humanas, con la seductora intensidad de la campiña piamontesa como telón de fondo; un camino sembrado de disparos, muerte, sangre mezclada con la gasolina que se escapa de los camiones. La inocencia se pierde para siempre y el consuelo no se encuentra ni siquiera en la tierra de origen, porque ya nada es igual que antes.

Ensayo breve que mezcla las dos pasiones del renombrado traductor: la literatura y la percusión. -Libro de música, pero marcadamente literario. Tanto se habla de Walter Brundy y John Bonham como de Faulkner y W. G. Sebald. -No hay libros tan literarios con la batería como protagonista principal: tu-pa tu-tu-pa. -Para melómanos.«De ritmo solo carece lo muerto», afirma Ce Santiago, y la vitalidad de este ensayo lo demuestra. Enamorado de la batería desde siempre, Santiago recorre la historia del instrumento y del arte de tocarlo, pero el compás de su prosa única también nos arrastrará hasta el filo del tiempo, el breve aunque crucial lapso que media entre un tic y un tac, allí donde convergen la literatura, la música y la vida entera, donde la tríada ritmo-cuerpo-instrumento se funde en un solo mandato que dice: bailemos.

A principios del siglo xx, nuevos movimientos espirituales como la teosofía, difundida por Helena Blavatsky o Annie Besant, entre otras figuras, y la antroposofía de Rudolf Steiner, con su búsqueda de un lenguaje capaz de expresar una realidad metafísica, inspiraron no sólo a conocidos pioneros del arte abstracto, como Kandinsky, Mondrian o Malévich, sino también a ciertas mujeres solitarias, imbuidas de un rico mundo interior, como Georgiana Houghton o Hilma af Klint. La presente antología –basada en un seminario celebrado en el Museo Guggenheim de Nueva York en octubre del 2018– examina en detalle este sugestivo fenómeno cultural a través de la fascinante figura de Hilma af Klint, cuya obra pictórica ha acaparado un asombroso interés internacional más de cien años después de su creación.

Ampliamente considerado desde el momento de su publicación como uno de los mejores estudios jamás escritos sobre el cine y la cultura del horror, "Monster Show" indaga de manera provocadora y reflexiva en la obsesión de nuestra sociedad con lo macabro. Esta edición conmemorativa del 30 aniversario incluye un nuevo prólogo escrito para la ocasión por David J. Skal y decenas de ilustraciones adicionales. Iluminando el lado oscuro de la historia reciente de Estados Unidos, "Monster Show" rastrea los sorprendentes vínculos entre los entretenimientos terroríficos y las grandes crisis sociales de nuestro tiempo, así como la función del horror como contrapartida del surrealismo, el expresionismo y otros movimientos artísticos del siglo XX en el campo de la cultura popular. Armado con una penetrante capacidad de análisis y un sinfín de anécdotas, David J. Skal explora diversos ámbitos de la expresión cultural: de la pintura, la fotografía y los cómics a la televisión, el teatro y la música. Centrándose en última instancia en el cine, Skal examina los modos en que el arte popular predominante durante estos últimos cien años ha reflejado los traumas de dos guerras mundiales y una Gran Depresión; las visiones de desmesura atómica, invasión y control mental engendradas por la Guerra Fría; la moda de los efectos especiales capaces de distorsionar el cuerpo que se desarrolló en paralelo con la obsesión por la cirugía plástica; y el vínculo entre la epidemia del SIDA y una renovada fascinación por el vampirismo, entre muchos otros temas.